ronda prueba

15 ALGO RONDA | RONDA

En cuanto a tu trabajo editorial ¿Cómo es el proceso creativo? El proceso creativo es muy

simple. Una vez que tengo o

dispongo del contenido le doy

la mejor forma posible para que

ésta se comprenda fácilmente.

Generalmente el cliente ha

acudido a mi porque esta buscando

un lenguaje concreto, al que

cree llegar fácilmente trabajando

conmigo.

¿Cuáles son tus trabajos favoritos?

En cuanto a mis favoritos tengo

varios que por distintas razones

les tengo un gran aprecio, bien

por el resultado final, bien por

la relación cliente-diseñador, o

por la repercusión. El catálogo

Edad Perversa, Rekalde, BCN

producción 2006, Nueva Ola, la

revista Fanzine 137 y Metal, son

algunos de los proyectos con los

que más satisfecho estoy…aunque

me estoy dejando muchos otros

en el tintero que por síntesis debo

descartar.

¿Las revistas que te gustan?

Egoïste, A Magazine, 032c,

Harper´s Bazaar, Fanzine 137.

Por R.Monga

¿Cuál es tu estrategia de trabajo entre la competencia?

Nunca he planteado mi trabajo

bajo estrategia alguna. Trabajo por

intuición y le pongo muchísima

energía, dedicación e ilusión a lo

que hago. Supongo que la clave

ha estado en transmitir todo eso

a la gente que al comienzo de mi

aventura confió en mi y en mi

potencial. De todas maneras no

hay nada hecho aún, en ningún

caso tengo una sensación de

estabilidad, eso me hace estar

siempre muy despierto a conseguir

más y más proyectos.

¿Quiénes componen tu staff?

En estos momentos somos 4

diseñadores: Omar Sosa, Miquel

Polidano, Carol Montpart y yo.

Aparte contamos con colaboradores

puntuales que de vez en cuando

se suman a proyectos de mayor

envergadura.

¿Qué sabes sobre Chile?

No tanto como me gustaría.

Soy de los que todavía no han

cruzado el Atlántico por lo que

sé de América se lo debo a mis

amigos de allí o a los noticiarios.

Aunque sigo muy atentamente la

política internacional, así que me

considero bien informado de todo

lo que pasó en Chile con Pinochet,

el proceso que se llevó a cabo y la

situación actual con la presidenta

Bachelet.

También conozco a dos buenísimos

Djs que tocan en Berlín: Ricardo

Villalobos y Luciano.

¿Cuál es tu fuente inagotable de inspiración?

El propio trabajo.

¿Con qué objeto de diseño te identificas?

Con cualquier Mac.

¿Qué campo del diseño te gustaría explorar? Me sigue interesando muchísimo

el diseño editorial, creo que nunca

voy a aburrirme de él.

¿Cómo fue el trabajo que recientemente hiciste en Londres para la revista Kilimanjaro*?

Michel O, editor de la revista,

llevaba un tiempo siguiendo

mi trabajo hasta que un día se

contacto conmigo para ofrecerme

una colaboración. Al principio

pensaba que el proceso sería como

todos los otros proyectos: él me

manda el contenido, yo le hago

una propuesta y si es aprobada

desarrollamos ya toda la revista…

pero él no buscaba esto…quería

plantearlo distinto…así que

decidimos irnos todo el equipo a

Londres y realizar un intensivo

de tres días en los que plantear la

gráfica de la revista y dejarlo casi

todo listo en esos días. De regreso

de Londres, terminamos ya todo

desde el estudio y se le mandó

los archivos. Fue una experiencia

interesante…

¿En qué estás trabajando?

Un par de catálogos y en el re

diseño de una imagen corporativa

de envergadura.

Direcciones http://www.albertfolch.com

http://www.kilimag.com*Revista inglesa de cultura visual: arte contemporáneo, fotografía documental,

estilo de vida y periodismo creativo.

h

El catalán Albert Folch (30) descubrió el diseño por accidente cuando estudiaba Geología y hacía los flyers para las fiestas de música electrónica que organizaba con sus amigos. Tanto le gustó que se cambió de carrera y en el 2004 ya trabajaba en

Barcelona. Dos años después formó su propia oficina, que hoy es reconocida en el mundo del arte y el diseño contemporáneo. Lo suyo son los catálogos de arte, las revistas, los libros de arquitectura y también la moda. El año pasado, por ejemplo, ilustró la

carpa del BCN Fashion Week con la cara de Kate Moss.

tell methe truthDISEÑO 5 ALBERT FOLCH 5 DISEÑO 5 ALBERT FOLCH 5 DISEÑO 5 ALBERT FOLCH 5 DISEÑO 5 ALBERT FOLCH

18RONDA | ALGO RONDA 19 ALGO RONDA | RONDA

Cuando pienso en un lanzallamas se me vienen a la cabeza varias escenas, casi todas bélicas. Una, tiene que ver con un milico gringo quemando la selva vietnamita, otra con un nazi cocinando judíos y cómo olvidar a Sigourney Weaver en Alien II, friendo

civilizaciones de monstruos espaciales.

ero, de un tiempo a esta parte, en el medio cultural chileno

ha empezado a salir olor a quemado con otro lanzallamas, que

se agrega al listado de imágenes del comienzo. El foco viene

de un grupo de pirómanos que andan usando técnicas parecidas a las

del cultivo de roza: una forma de trabajar la tierra que era propia de los

precolombinos de México y Centro América y que consistía en quemar

grandes extensiones de selva para luego sembrar encima; arrasar con

fuego, elemento que jamás está quieto.

Eso es Lanzallamas, un grupo de gestores culturales que a punta de

esfuerzo y organización se han posesionado en el círculo intelectuaolide

chileno, sin la necesidad de publicar a un auspiciador. Entre las varias

actividades que hacen, la flama que más destaca es su página Web.

Un sitio amable, no atiborrado de imágenes innecesarias y dotado de

contenidos. Con material de variados autores en formato de entrevistas,

crónicas, ensayos, poemas, material visual y, claro, siempre evitando a

quinceañeros que escriben sus penas en verso o a fotógrafos que de sus

limitaciones hacen su estética. Por ende se desprende que su trabajo va

en serio, quema.

Lanzallamas, en palabras de Roberto Contreras, uno de los nombres

más visibles del grupo, “…trata de dejar de decir las cosas por su

nombre y convertirlas en acciones. En actos inflamables, del tamaño de

las montañas, de los edificios, los supermercados, las multitiendas…”

Pienso que un grupo así, con afanes mesiánicos, está bien. Le dan

curso y fin al trabajo artístico, que no es más que mover las neuronas

de los espectadores con objetos dinámicos; haciendo cosas, libros,

lecturas públicas, intervenciones en la ciudad con un claro énfasis de

propagación. Nada de ocio, sólo acción; le ponen parafina a la cultura

para que prenda bien y no se apague, aunque salga mal olor. Ahora, si

ellos quieren quemar los sistemas nerviosos de la gente con celdas de

hidrógeno, tanto mejor: la letra en fuego queda grabada.

Además de Roberto Contreras, los encargados de mantener el piloto

prendido son Jaime Pinos y Jko Contreras. Dentro de los colaboradores

destacan varios nombres de las letras nacionales, tales como el ex poeta

José Ángel Cuevas, el novelista Ramón Diáz-Etérovic, Alejandro Zambra

(en modo poeta) y Álvaro Bisama (en modo Bisama).

Uno de las últimas acciones de Lanzallamas fue lanzar el libro

Pozo, un compendio de textos de varios autores sobre el ventilado

descuartizamiento del sodomita, ocurrido el año pasado. No fui a la

presentación porque el día anterior estuve hablando con un niño de

COANIQUEM y, todo lo que tenga que ver con fuego, me asusta.

Después de todo no hay que olvidar que Los lanzallamas es la

continuación de Los siete locos, del notable escritor argentino Roberto

Artl. ¿Por qué digo esto? Porque el socialismo artístico puede ser un poco

de locos ¿ o no?

Por José Miguel Corralese

Direcciones http://www.lanzallamas.com

P

LANZALLAMAS Todo el mundo es combustibleLITERATURA j LANZALLAMAS j LITERATURA j LANZALLAMAS j LITERATURA j LANZALLAMAS j LITERATURA j LANZALLAMAS j LITERATURA


a serie de fotografías de Cristóbal Palma, denominada

Sudamericana City, ofrece una reflexión visual –no exenta

de ironía- que destaca algunos procesos de modernización,

principalmente en arquitectura y urbanismo, experimentados en el

continente sudamericano. Esta mirada favorece una lectura alternativa

a la desarrollada por cierto discurso crítico regional, que ha puesto el

énfasis en una concepción fragmentaria y dividida del continente, en

oposición a las inflamadas versiones esencialistas que representaron la

imagen de Sudamérica bajo una supuesta identidad o unidad cultural. Para

este discurso crítico de carácter deconstructivo, Sudamérica no sería un

continente unitario con una raíz común, más bien representaría un lugar

lleno de conflictos geográficos, culturales, lingüísticos, económicos, raciales

y sexuales no resueltos, en permanente estado de fricción.

Esta serie, iniciada en el año 2002 y aún en desarrollo, tematiza un aspecto

que ha distinguido a los proyectos utópicos, desatendidos por la mirada

esencialista y concebidos como parte de un collage cultural por el discurso

crítico más reciente, y que son llevados a cabo por cierto modernismo

racionalista en el continente. Me refiero a la conformación de una especie

de ciudad genérica cuya implacable homogenización a nivel regional ha

redundado en una pérdida de los localismos reconocibles en las ciudades

registradas por Palma: Santiago, Viña del Mar, Buenos Aires, Punta del Este,

Sao Paulo, Río de Janeiro y Brasilia.

Su obra no sólo enfatiza esta atrofia de la experiencia de lo local; al

suspender los nombres propios de cada una de estas locaciones, también

sugiere que la expansión del modernismo continental (en rigor, un degradado

reflejo de su homólogo internacional) ha sido en parte inquietantemente

exitoso. Comparadas ciertas vistas de Santiago con Sao Paulo o de Buenos

Aires con Río de Janeiro, la invocación del imaginario fundamentado de esta

ciudad genérica pareciera estar tajantemente eclipsada por una vivencia del

extrañamiento: frente a tanta regulación o planificación implementada por

encima de las diferencias específicas de cada región, la única posibilidad

pareciera provenir de una desarraigada experiencia de habitar un no-lugar.

En estos momentos, Sudamericana, sigue en desarrollo y las próximas

ciudades que Cristóbal fotografiará están en Venezuela y Colombia.

Por Guillermo MachucaC

Direcciones http://www.cristobalpalma.com

CIUDAD genérica

L

ARQUITECTURA R CRISTÓBAL PALMA R ARQUITECTURA


Arts & Crafts conoce al grunge

e

Por Gabriel Zamora

Cony Álamos la diseñadora detrás de la marca AM/FM es integradora de tiempos, imágenes, materiales y formatos. Rescatista entrenada de antiguas técnicas, sabe medir las guindas que

pone en la receta. Ni muy allá ni tan acá.

staba en una fiesta, donde por algún

motivo el DJ se conectó con radio

Aurora “la de la música bonita”.

Culpable de no remontar a una infancia tipo

AM/FM, era el único en esa fiesta que parecía

no disfrutar con frenesí. Yuri cantaba con todo:

”dame un beso, no no-”. Aún sin saber como

bailar, hacía como que estaba todo bien y por

dentro quería gritar: ¡cambien la música, por

favor!

Al día siguiente me encuentro con la labor de

escribir sobre “AM/FM”, una nueva marca de

ropa. Sentencio sin información: seguro que

habrá telas en las que no calzan los colores

del estampado, deslavadas, con delantales de

cocina y cosas aun peores… las pintoras de

mis pesadillas. Reviso el fotolog y recupero

la tranquilidad, ahí están: unos amadísimos

rombos, sin tensión, geométricos, equilibrados,

amables, ñoños y ciertamente un poco AM/

FM. Al lado, los tejidos escoceses que han

resucitado una vez más. Para algunos son un

día de campo, yo sólo veo la pollera de tablas

que usaba mi hermana, que se encendía con

la abrochada de un gran alfiler niquelado con

beatle tejido rojo, balerinas blancas y zapatos

Calpany. ¿Se tratará de eso lo AM/FM? ¿De

encender la memoria emotiva a través de

imágenes que nos recuerden otros días?.

Cony Álamos, dueña y creadora de AM/FM,

me recibe en su encantadora casa y me invita

a tomar el té. Sólo al ver la escena tetera-

azucarero de porcelana me da un marco del

personaje al que me enfrento. Un falso perro

salchicha terriblemente realista me escolta en

la entrada de la escalera que lleva hasta su

taller. Las granadas de la frutera están a punto

de reventar, una casa con frutas siempre es

signo de salud y dulzura, claramente Cony es

una chica que se ha alimentado bien, me refiero

a su mente. En la mía suena Javiera Mena,

otra nostálgica de lo bello del ayer sumado a lo

mejor del hoy.

Cony es parte de ese movimiento. Así de

simple, agregar un nuevo ingrediente que

puede hacer relucir hasta el más añejo

vejestorio y ella descubrió su forma de hacerlo.

No es esa mamá lavando platos en la cocina

con piso de flexit, al ritmo de “la de la música

bonita”. Es la abuela, con sus guantes hechos

a mano y vestidos de compleja pasamanería lo

que hacen que su mente desborde creación.

Investiga, dibuja, modela, borda, estampa,

todo ella misma. En su ejercicio de cazadora

de tendencias, observa una diversidad de

imágenes: ilustraciones biológicas de flora,

tradiciones indígenas, arte callejero, íconos

históricos, etc. Así descubre códigos comunes,

otros nuevos y la conjunción de ellos. Su diseño

es nostálgico y vanguardista. Con interesantes

oposiciones de materiales logra un lenguaje

común de construcción y color. En pocas

palabras: Arts & Crafts conoce al grunge.

El concepto de su colección primavera/verano

2007-8 es la Obrera-Barroca, dos grandes

referentes que definen su lenguaje. Lo lineal,

funcional, simple y austero de la posguerra de

los años 40’s, marcado por la inclusión de la

mujer en el trabajo con un vestuario funcional.

Sumado a lo orgánico, lujoso, complejo y

abundante del Barroco. Ambos movimientos,

a pesar de lo opuesto aquí forman parte de una

sola cosa.

Y ¿cómo se ve esto? Un poco de brocado,

popelina estampada, más algo de Denim y 35

cortes en un corsé. Colores des-saturados, con

detalles en flúor y metalizados ponen el resto

para potenciar esta singular propuesta de Alto

Prèt a Porter. Es decir, llegar y llevar pero

pensado menos masivo y con detalles hechos a

mano. AM/FM es un must en la lista de cosas

entretenidas por conocer y que a partir de este

mes estará en Hall Central.

Direcciones www.hallcentral.cl

[email protected]

EMODA q AM/FM q MODA q AM/FM q MODA q AM/FM q MODA q AM/FM

30RONDA | ENTREVISTA 31 ENTREVISTA | RONDA

La nueva vestimenta de

GEPE

Los que se acostumbraron a verlo con chaleco de lana y guitarra de palo van a tener que

escuchar Hungría, su nuevo disco. Porque Daniel Riveros, para efectos artísticos Gepe, sin

dejar de lado la veta folk e intimista que tantos réditos le trajo con Gepinto (2005), ahora

también se atreve con canciones pop de bases electrónicas y coros repetitivos. “Es bueno

decir que cambiaste” asegura, ahora que escucha George Michael, se hizo fan de Bob Dylan,

leyó a Roberto Bolaño y trabajó con nuevos amigos.

Por Luis Felipe Saavedra

8

odo lo bueno puede ser mejor. Y es mejor si es distinto. Esas son

las máximas que Daniel Riveros persigue en sus trabajos y por

eso en Hungría, su flamante tercer disco, además de profundizar

su vocación de cantautor posmoderno, ofrece un lado de canciones pop

con base en las programaciones electrónicas y un bajo muy presente.

Gepinto (2005) le valió a Gepe la chapa de “revelación de la música

chilena” gracias a una refrescante mezcla de influencias y un personal

uso de la guitarra de palo y la voz. En Hungría esa simpleza y gusto por la

melodía siguen presentes, pero ahora es canalizada a través de estribillos

y coros más universales. “Se trata de aceptar más cosas –explica Gepe-.

Como decir que en las canciones uno puede hacer lo que quiera. Tiene

que ver con el ego, desmarcarte de lo que te dijeron antes. Es bueno decir

que cambiaste”.

Gepe surgió del núcleo creativo del colectivo musical Jacobino Discos. Amigos y vecinos de la capitalina comuna de San Miguel con quienes editó

en 2004 su debut 5x5, diez piezas para voz y guitarra que despertaron

mucho interés entre unos pocos, pero que avisaron de su talento para

escribir canciones. Paralelamente a la edición de El brillo que tiene es

lo humano que le queda (2004), del dúo de rock folk chinchinero Taller

Dejao (donde toca batería y canta), Riveros se unió a la compositora pop

Javiera Mena como su baterista en vivo y se concentró en presentar su

proyecto solista, acompañado de sus amigos de Jacobino Discos, Pablo

Flores (quien publica música bajo el nombre de Namm) y Sebastián

Sampieri (hoy miembro de Les Chicci, banda presente en el lanzamiento

de Hungría, hace un par de semanas). Con la ayuda de Rodrigo Santis (de

Quemasucabeza) grabaron Gepinto, un álbum que ubicó a Gepe como el

artista chileno más importante de 2005, lo llevó a realizar dos giras por

Europa, recorrer todo Chile, dar entrevistas para importantes medios latinos

y europeos y ser editado en varios países. Tras una temporada muy agitada,

Sampieri y Flores privilegiaron sus proyectos personales y se alejaron,

época que coincidió con el comienzo de la relación entre Gepe y Vicente

Sanfuentes, materializada en Hungría.

T Melómano compulsivo de la era internet, Daniel Riveros escucha folclore,

música docta, noise y pop electrónico. En una conversación relajada,

que más que entrevista es un almuerzo con menú de pizza y helado de

piña, repara en detalles rítmicos de los neoyorquinos Blonde Redhead,

dice que le encanta (y pone en el reproductor) el disco de su compañero

de sello Diego Morales, habla de Alva Noto, Conrad Schnitzler o de

compositores contemporáneos con la misma pasión que de George Michael

o de un catálogo de los últimos discos onda adulto joven que acaba de

bajar de internet “Cambié caleta el portafolio. He bajado varios bloques

de cosas: pop de finales de los 80as y principios de los 90as, como Tears

for Fears, Simply Red, Sade o George Michael” confiesa. Pero su último

gran descubrimiento vino tras ver No direction home (2005), una biografía

fílmica que hizo el director Martín Scorsese sobre Bob Dylan “Antes

me cargaba la música de Bob Dylan, lo encontraba bah!, música gringa,

country y vaquera, qué fome. Me carga eso de la armónica aquí (en el

cuello), pero después caché su historia y lo encontré la raja, cómo el

huevón era tan creativo. Ahora es el músico al que más respeto. Encuentro

que es el más bacán que existe, en mentalidad, en facha. Creo que me dan

lo mismo las canciones, obviamente me gusta su música, pero lo tomé por

otro lado”.

Hace un par de años no paraba de hablar de los muy chilenos Víctor Jara,

Violeta Parra o el grupo Mazapán. Hoy sus referentes son anglosajones

y eso no tiene nada de extraño en Gepe, siempre cambiante. Se aburrió

de trasladar la batería que tocaba en Taller Dejao y ahora le acomoda

andar solo con su guitarra y bases pregrabadas “Una cuestión práctica

que se pasa a lo estético” dice. También reemplazó los músicos que lo

acompañan y a Rodrigo Santis como productor. Para Hungría trabajó con

el ingeniero Gonzalo González (presente en buena parte de los discos

chilenos más exitosos de los últimos 15 años) y con Vicente Sanfuentes,

reconocido músico y productor que bajo el apodo Original Hamster se

mueve entre el rap, el funk y la electrónica bailable.

P

RONDA39

EL MEDIOestilo de Buin

i amigo Felipe, que es diseñador, fue el

primero en hablar de Fake Pilot, a mi

ni siquiera me sonaba el nombre. Se me

revelaba una historia: la de un sueco programador de flash

que había elegido un suburbio capitalino para trabajar, semi

escondido, en su estilo internacional.

Felipe me contaba: son unos diseñadores suecos que viven

en Buin, al parecer están trabajando en algo medio secreto,

totalmente solos con sus computadores a los que sólo les

falta hablar, metámonos a su página. Era evidente, el mundo

del diseño me era totalmente desconocido, aún cuando

creyera distinguir ciertos códigos comunes, no conocía a

ningún diseñador que no fuera de ropa o que hubiera hecho

alguna carátula de un disco de moda. Sin hacer muchos

comentarios y pensando en el por qué alguien que no fuera

natural de Buin elegiría vivir ahí, especialmente viniendo de

Suecia, me instalé frente a la pantalla del computador.

Lo que apareció en www.fakepilot.com era un extrañísimo

video de una conferencia repleta de nipones sorprendidos,

que abrían los ojos frente a un personaje que bien podría

haber salido de un comic, terno negro y máscara de

piloto de avión, a lo Exterminator de Primal Scream, se

presentaba en japonés como un humilde y pacífico servidor.

Detrás de él una pantalla servía de escenario, proyectaba

imágenes finamente adornadas, que mezclaban banderas de

Estados Unidos, un símbolo de la paz hecho con personas

y un inquietante Napoleón declarado como el máximo

programador de flash… -¿Este tipo vive en Buin?

MPor J.Rivas

e

94RONDA | CRÍTICAS 95 CRÍTICAS | RONDA

CRÍTICA | DISCOS

LA CONSOLIDACION DEL NUEVO PUNK

´´´ñ´´´´ñ´´´´ñ´´´´´ñ´´´´´ñ´´´9´´´ñ´´´´ñ´´´´ñ´´´´´ñ´´´´´ñ´´´

New Weird America ¿Qué? Cuatro o cinco años

atrás era lo que muchos se preguntaban ante el

desconcierto que provocaban bandas como Animal

Collective, Black Dice, Wolf Eyes, Sunburned hand

of the Man , JOMF entre muchos más. Un movimiento

que creció y que se masificó hacia el mundo entero

desde los Estados Unidos y que sin pretensión alguna

logró acaparar las miradas de gente como Thurston

More (padrino del movimiento y curador el año

recién pasado del festival All Tomorrow´s Parties en

Londres) y las de la prensa mundial.

Muchos pensaban que este movimiento “Folk-

Psicodélico-Ruidista-Punk” sería algo netamente

anecdótico y pasajero, un concepto musical que no

tenía ni pies ni cabeza, pero otros sencillamente lo

miraban como la vuelta al alma y a las raíces de la

música ya que muchos ocupaban técnicas tribales-

hipnóticas y de alma en sus composiciones (tal como

lo pudo hacer SunRa Arkestra o por qué no, nuestros

nacionales Los Jaivas con su disco El Volantín).

Entonces, el riesgo musical estaba más que presente

y las influencias musicales comenzaban a salir a la

luz pública, nombres como La Monte Young, Sonic

Youth, Shirley Collins, Silver Apples, Suicide y

algunas de las oscuras bandas japonesas, daban

cabida a estos nuevos acentos musicales que se iban

mezclando con la improvisación musical que iba

entregando el alma.

Posiblemente para Panda Bear, la muerte de su

padre haya sido el canalizador más importante en la

realización de su primer disco titulado Young Prayer,

(hecho en el año 2002 y grabado el año 2004 por Paw

Tracks) y por qué no decirlo, por momentos un disco

que aparentaba ser muy depresivo y melancólico,

pero denso y abstracto a la vez.

Hoy al escuchar este nuevo trabajo llamado Person

Pitch, te puedes dar cuenta que Noah Lennox

es una de las piezas vitales en la creación de

Animal Collective ya que si no supieras quién está

interpretando el sonido, posiblemente pensaríamos

que se trata de AC.

Person Pitch deja de lado aquella intimidad que

emanaba su disco anterior para adentrar en un sonido

más bien ruidísta y psicodélico, pero sin dejar de

lado el concepto canción. Un sonido que tiene una

accesibilidad impactante hacia el oyente, realmente

te atrapa y como alguien dijo por ahí: “te invita a

escucharlo en sucesivas oportunidades”. El concepto

para este nuevo disco dejó de ser piano y guitarra,

hoy encuentras nuevos sonidos, atmósferas y matices

que te invitan por momentos a subirte dentro del viaje

calmo, placentero e infinito.

Posiblemente cuando se hable del concepto New Weird

America, aparecerán las bandas antes citadas y lo más

seguro es que el señor Noah Lennox aparezca en la

historia de la música como uno de los estandartes de

este movimiento que vino a revolucionar hace cuatro

años atrás, el actual panorama musical.

LAS 88 TECLAS MAESTRAS Herbie Hancock, The PianoColumbia, 1978 Por Iñigo Díaz

Fue en una década portentosa en cuanto a

experimentación con tecnologías análogas de

vanguardia y sudorosos ritmos callejeros cuando el

pianista Herbie Hancock trazó un paréntesis en su

avance sobre el jazz-funk setentero para devolver la

mirada hacia el maestro Bill Evans.

No olvidemos que por mucho que Hancock, aquí

de 38 años, llevara la cabellera afro, vistiera trajes

a la moda Tony Baretta, lentes a lo Telly Savalas, y

terminara siendo uno de los tres grandes teclistas

eléctricos del jazz contemporáneo, él fue un joven

pianista iniciado en la casa Blue Note. Y ese

adiestramiento tiene que ver con la música en su más

puro estado acústico.

Este paréntesis lleva por título The Piano (1978,

reeditado por Columbia en 2004), y en él las obras

que interpreta no son protagónicas. Ni siquiera lo

es Hancock. El verdadero centro es el piano y a su

alrededor gira un completo sistema solar. Hancock

puede estar solo junto al instrumento e improvisar

a gran altura tal como lo hicieron su predecesor

Bill Evans (con The solo sessions, 1963) y su

contemporáneo Keith Jarrett (The Köln concert,

1975), en dos impostergables obras de la que ha sido

llamada “composición en tiempo real” para piano

solo.

Originalmente dispuesta en dos caras de un vinilo,

The Piano se desplegó en su primera parte con una

suite de tres pequeños movimientos a través de

melodías standards que Hancock solía interpretar

al interior del quinteto de Miles Davis. “My funny

Valentine” es aún más introspectiva y dramática que

todas las versiones que la antecedieron, mientras

que la deconstrucción de “On green dolphin street”

y “Someday my prince will come” manifiestan

su capacidad de intervención y reubicación de

los elementos. Sobre el final, el pianista escribe

adelantados originales de música contemporánea y

swing como “Sonrisa”, “Manhattan island” o “Blue

otani” para que nadie se confunda: Hancock es

primero pianista y después teclista.

Una vez, el músico se presentó en Chile. Fue en

1998, en la Estación Mapocho. Para esa ocasión

Hancock tenía un número ya programado, pero

antes de comenzar fue interceptado por una persona

del público que le pidió que por favor tocara una

antigua pieza titulada “Maiden voyage”. El pianista

lo miró un momento y no dijo nada. Cuando subió

al escenario anunció que antes de comenzar con el

concierto ejecutaría una improvisación de piano solo

sobre “Maiden voyage”. Esa noche la melodía fue

irreconocible, porque Hancock la tomó con una mano,

la desarmó con la otra, la reconstruyó a su modo y la

presentó como una pieza severamente nueva.

Con su pensamiento armónico y con el piano, que es

la extensión de su pensamiento armónico, hizo lo que

quiso. Como también aquí, en The Piano, y gracias

al piano.

CRÍTICA | DISCOS

BRAINDANCEAleksi Perälä, Project VRephlex, 2007

Por Fernando Mora

´´´ñ´´´´ñ´´´´ñ´´´´´ñ´´´´´ñ´´´9´´´ñ´´´´ñ´´´´ñ´´´´´ñ´´´´´ñ´´´

Lo mejor del sello Rephlex, fundado por el fabuloso

Richard D James, es haber mantenido una línea

coherente y continua de música techno y alejada de

las modas que van y vienen por la pista de baile.

Desde 1991, cuando la mayoría de la música que se

hacía con computadores o máquinas la podías llamar

techno, sin más, hasta hoy que se te llena la boca

con tanto sub-género, estilo o referencia. Rephlex, ha

logrado mantener esa apertura temprana de la música

electrónica, donde todo vale mientras mantenga pies

y neuronas en movimiento.

Aleksi Perälä, Finlandés, ha lanzado cuatro discos

en el sello desde el año 99 bajo el nombre Ovuca

y tres más como Astrobotnia. Para contextualizar,

Perälä es de los músicos heterodoxos dentro del

sello. De los más de 200 discos lanzados hasta la

fecha, han habido muchos músicos techno y electro

estrictamente enfocados hacia la pista de baile:

Drexciya, DMX Crew, D’Arcangelo y 808 State para

nombrar los más conocidos. También está el lado

de donde sale Aleksi Perälä. El sello que graba y

distribuye a Bogdan Raczynski, Luke Vibert, Cylob,

AFX, Hecker, Squarepusher y µ-Ziq, entre otros.

La música de Project V es una colección amena,

en nada cáustica e histérica como generalmente se

espera cuando hablamos de música experimental.

Aquí la experimentación se hace presente en la

mezcla de las partes y la manufactura del sonido.

Los ritmos son bien pensados y variados de tema a

tema: El tartamudeo tranquilo de “Rocking Chair”

y “Underwater Carousel” o los ciclos rítmicos

de “Purple Rain” no es cover ni remezcla de la

canción de Prince, o ¿quién sabe? La armonía y

las melodías son, la mayoría de las veces, sábanas

sintéticas rodando a un ritmo lento mientras la pista

de percusión deambula, rápida y lenta, dos pasos

adelante y uno atrás. Las otras, al estilo ‘acid’,

con líneas de bajo asumiendo el rol de la voz en

“Lagrange Point” o “Path” para nombrar algunos.

Con todo, Project V es bien pensado y limpio, con las

ideas claras y sonidos propios: Punto extremadamente

importante en la música electrónica, donde el artista

tiene que plasmar su estética y dominio sobre la

tecnología o perder la identidad en el facilismo.

Para quienes les gusta probar antes de comprar, o

quienes prueban y no compran, se les recomienda

empezar buscando las canciones “Underwater

Carousel” y “Autumn Morning”. Yo lo estoy

compartiendo, pero no puedo decir cómo ni adonde.

Aún así, encontrémonos ahí.

DECLAREN LA INDEPENDENCIABjörk , VoltaAtlantic, 2007Por Margarita Correa

Una vez más la tenemos aquí. Catorce años después

de su disco Debut, Björk vuelve a estremecernos

con sus originales sonidos, sus hermosas melodías

y su acento islandés tan característico. Siempre

transportándonos a sitios impensados, mágicos,

lejanos, entrañables, que ni siquiera conocemos, que

sólo habitan en nuestra imaginación. Porque así es

ella: caprichosa, acertiva.

Volta, su nueva producción, consta de 10 temas y

variadas colaboraciones. Lo produjo enteramente ella

y en su casa. El cantante Antony Hegarty (vocalista

de Antony and the Johnsons) comparte con ella dos

bellas canciones. También hay tres temas bajo la

mano de Timbaland, un destacado productor de hip-

hop y R&B, que incluye el single “Earth intruders”

y uno de mis favoritos: “Innocence”. Los sonidos

africanos vienen de la mano de “Konono nº1” y

“Toumani Diabate”, que le dan un tono tribal al disco

en general. La música china tampoco quedó fuera.

La Pipa, instrumento típico de este país asiático,

es la protagonista de “I see who you are” bajo la

interpretación de Min Xiao-Fen.

Dejando el tecnicismo, Volta es un disco que parece

difícil de digerir, pero que una vez que lo re-conoces

te atrapa. Y es que a momentos parece que todas

las canciones las escuchaste antes y no suenan

originales. Luego vas descubriendo cosas como la

búsqueda de sonoridades en la denominada world

music: China, África, sus propios sonidos islandeses.

¡Qué más que su especial marca, su sello! No te das

cuenta y caes rendido a sus pies, comienzas a cantar

las letras y a mirar sus podcast en youtube donde

cuenta cómo hizo el disco, dónde y con quién.

Finalmente registras que lo hermoso de Volta está

en ese péndulo que va de sus sonidos más clásicos

hasta la experimentación vanguardista que mueve su

inquieto espíritu. Que ella está ahí íntegra, que no es

sólo su música, sino todo: su arte, su forma de hablar,

su ropa, su cara pintada, su video, su hijo Sindri al

que le dedica el tema “My Juvenile” con que cierra

el disco. Todo.

Si tuviera que elegir un tema me quedo con “Declare

Independence”. Una canción molestosa, rupturista,

punkie, que grita “declare independence, don´t

let them do that to you”. Maravillosamente ruidosa

y ella en su plenitud máxima a sus 41 años. Una

adolescente.

Panda Bear , Person Pitch Paw Tracks, 2007 Por Alvaro Daguer Ahumada

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AGENDA8

ARTES VISUALESR

ARTE CÓMO VIVIR JUNTOSEn el MAC de Quinta Normal, se exhibe la muestra “Cómo vivir juntos” una selección de obras de la 27º Bienal de Sao Paulo. Los trabajos son de artistas de Afganistán, Italia, México, Sudáfrica, Chile, Argelia, Alemania, Brasil, China, Cuba, Corea, Dinamarca, Argentina, Japón, Perú e Israel, entre otros. El jueves 21 de junio se realizará una conferencia para analizar la dimesión socio-política de la muestra, donde participarán Carlos Ossa (investigador, Magíster U. Chile) y Alfredo Joignant (sociólogo INAP, U. de Chile). MAC Quinta Normal, Av. Matucana 464, Metro Quinta Normal, hasta el 1 de julio. Martes a sábado de 11:00 a 19:00 hrs. Domingos de 11:00 a 18:00 hrs. Adhesión: Adultos $600, 3ª Edad y Estudiantes $400.

CONDUITLa exposición “Conduit”, se gestó en el taller de Gonzalo Díaz y muestra catorce piezas provenientes de distintas disciplinas y autores, donde la utilización de energía eléctrica es el hilo conductor de la obra. MAVI, José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil de Castro, hasta el 17 de junio. Martes a domingo

10:30 a 18:30 horas. Adhesión: General $1.000, 3ª Edad y Estudiantes $500, gratis para niños menores de 8 años. Domingos entrada liberada. FRANCIS COPELLO: SOY UNA ESTRELLA DEL MUNDO DEL ARTE A un año de su muerte, el trabajo de Francisco Copello resucita con esta exposición multimedial preparada por Claudio Rojas Tapia. Para los que no saben quién es, imperdible el documental “Soy una estrella del mundo de las artes” (35 min.) que se exhibe rotativo los días 7, 12 y 16 de Junio.MNBA, Parque Forestal S/N, hasta el 17 de junio. Martes a domingo de 10:00 a 18:50 horas. Adhesión: Adultos $600, 3ª Edad y Estudiantes $300

LÍNEA DE TIEMPO

A través de diferentes expresiones artísticas, Teresa Gazitúa muestra los cambios de las piedras: rodando, chocando unas con otras al ser arrastradas por la corriente y convirtiéndose en arena. La muestra hace una analogía de la piedra con la vida humana: igual que los pedazos de roca, la existencia del hombre ocurre en un tiempo y espacio de cambio continuo, transformando su organismo desde que nace hasta que muere y se convierte en polvo. MNBA, Parque Forestal S/N, hasta el 1 de julio. Martes a domingo de 10:00 a 18:50 horas. Adhesión: Adultos $600, 3ª Edad y Estudiantes $300.

DISEÑO JAPONÉS HOY 100Una selección de cien de los mejores diseños de uso cotidiano creados desde los noventa hasta hoy, es lo que ofrece la muestra Diseño Japonés Hoy 100.Allí se pueden encontrar objetos emblemáticos como

la botella de soya Kikkoman, obra de Kenji Ekuan, referente del diseño en Japón y el mundo. También hay ropa, muebles, vajilla y artefactos eléctricos. MNBA, Parque Forestal S/N, hasta el 17 de junio. Martes a domingo de 10:00 a 18:50 horas. Adhesión: Adultos $600, 3ª Edad y Estudiantes $300.

ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS ASIÁTICOS Y CHILENOS Curada por el crítico cubano Gerardo Mosquera, editor del libro Copiar el Edén sobre arte contemporáneo chileno y, actual curador del New Museum de Nueva York. La exposición Transpacífico presenta instalaciones, video, fotografía y obras cuyo soporte es Internet. Centro Cultural La Moneda, Palacio de la Moneda. Hasta el 22 de julio, de martes a domingo de 10 a 21 horas. Entradas: General $600, Estudiantes, 3ª edad y convenios $300. Domingo gratis.

MUSEO DE LA MODAOcho años estuvo preparándose este Museo para abrir sus puertas. Se pueden encontrar más de 8 mil piezas que incluyen vestuarios y accesorios desde el siglo XV hasta nuestros días. La colección incluye famosos diseños de Charles Worth, Christian Dior, Cristóbal Balenciaga, Yves Saint Laurent, Jean Dessés, Carven, Emilio Pucci, John Galliano, Jean Paul Gaultier y Vivienne Westwood, entre otros.El Museo también cuenta con un centro de documentación que incluye más de 3.000 libros de moda, unas 10.000 revistas publicadas desde 1890 hasta la fecha. También hay una serie de 1.500 bocetos originales realizados desde 1798 hasta hoy. Museo de la Moda, Vitacura 4562. De martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs. Entrada: $3.000.

FOTOGRAFÍAR

MÁS DE LO QUE LOS OJOS PUEDEN VER

Este es el nombre de la muestra del Museo de Artes Visuales (MAVI) que ofrece un panorama de la fotografía alemana contemporánea con más de 130 obras. La exposición incluye trabajos de algunos de los creadores más relevantes del arte y la cultura alemana como Wim Wenders, Gerhard Richard, Sigmar Polke, Hilla y Bernd Becher, Andreas Gursky y Wolfgang Tillmann. MAVI, José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil de Castro, hasta el 1 de julio. Martes a domingo 10:30 a 18:30 horas. Adhesión: General $1.000, 3ª Edad y Estudiantes $500, gratis para niños menores de 8 años. Domingos entrada liberada.

ESTO SE ACABÓ“Destellos de Amor” es un proyecto fotográfico donde Claudia Gacitúa aborda la experiencia de la ruptura amorosa, desde el lado del abandonado. A partir de un guión, Gacitúa desarrolló la historia de Max y Leticia, quienes protagonizan breves situaciones que sintetizan el dolor de la ruptura, los traumas, las ansiedades y la espera. Galería AFA, Bucarest 196, desde el 7 de junio. De lunes a domingo de 14 a 19 hrs, sábado de 10 a 14 hrs. Gratis

EL ESPEJO: IMÁGENES SANATORIAS

La muestra de Diego Flores es el resultado de tres años de labor fotográfica en el Hospital Siquiátrico El Peral. Más de cuarenta imágenes en blanco y negro componen esta exposición que también dio origen a un libro homónimo. Estación Mapocho, Metro Cal y Canto, desde el 22 al 29 de junio. De martes a domingo 10:30 a 14:00 y de 15:00 a 18:00 hrs. Gratis

CINER

CINE THE U.S VS JOHN LENNON

Este documental, que se exhibe en el Centro Cultural Alameda, plantea la teoría de un espionaje que le habría hecho el gobierno de Richard Nixon a John Lennon, por su oposición a la guerra de Vietnam. Dirigido por David Leaf y John Scheinfeld.

Cine Arte Alameda, Alameda 139, metro Baquedano. A las 17:00 y 21:00 hrs. Entradas: General $2500,3ªEdad y Estudiantes $1900y $1.500 , los miércoles.

CINE A CIEN

Todos los domingos de este mes, en el auditorio de la Biblioteca de Santiago, se exhibirán las películas del español Pedro Almodóvar. Carne Trémula, La Flor de mi Secreto y Hable con Ella son algunos de los títulos de este ciclo. Biblioteca de Santiago, Matucana 151. Del 3 al 24 de junio a las 19:30 hrs. Entrada: $100

TV CABLER

LOS CAMINOS DEL CHE: UN DIARIO EN MOTOCICLETA

La misma semana que el Che Guevara cumpliría 79 años, Nat Geo estrena una serie documental basada en el libro que describe su viaje en moto por Latinoamérica. Conducido por Beatriz y Gustavo, quienes comparan su experiencia actual del continente pasando por Argentina, Chile, Perú, Colombia y Venezuela. Nat Geo, domingo 10 de junio, 23.00 hrs.

TARNATION Jonathan Caouette decidió registrar desde los once años su conflictiva infancia junto a sus abuelos, mientras su madre entra y sale de hospitales psiquiátricos. A los 31 años y con 160 horas de grabación, Jonathan entrelazó fotografías, películas caseras en Super8, grabaciones de los contestadores telefónicos, sus primeros cortometrajes y representaciones dramáticas para contar su vida.I-Sat, domingo 10 de junio a las 22:00hrs.

WHAT’S LOVE GOT TO DO WITH ITEsta película cuenta la historia de Tina Turner desde que se llamaba Anna Mae Bullock. Por esos días, una jovencita con una potente voz que luego se casó con Ike Turner y se convirtió en toda una estrella. Pero el precio de la fama es alto e Ike supo cobrárselo. HBO, domingo 10 de junio. LITTLE BRITAIN Esta serie británica producida por la BBC y escrita por dos actores, se ha convertido en una de las mejores sátiras contemporáneas a la sociedad inglesa. Allá, va por la tercera temporada, con un éxito tal que los personajes ya tienen sus clones de cera en el Museo de Madame Tussaud.I-Sat, viernes a las 23 hrs, se repite los domingos a la medianoche.

TEATROR

TEATRO FUENTEOVEJUNA

Más de 30 actores en escena, acompañados de coreografía y música original es la propuesta para el clásico de Lope de Vega, bajo la dirección de Andrés Céspedes. Actúan: Patricia López, Rodolfo Pulgar, Álvaro Espinoza, Daniela Llhorente, entre otros. Matucana 100, hasta el 19 de agosto, de Jueves a sábado 20:30, domingo 19:00 horas. Entradas: General $ 6.000, Estudiantes y Tercera Edad: $ 4.000. Jueves populares: $ 3.000.

MACBETH

Clásica tragedia de Shakespeare, acerca de la traición y la ambición desmedida. La adaptación que se presenta en Matucana 100 es dirigida por Ian Wooldridge, un experto en Shakespeare. En los roles protagónicos Liliana Ross y Alejandro Trejo. Matucana 100, hasta el 1 de julio, de Jueves a sábado a las 21:00 horas. Entradas: General $ 5.000, Estudiantes y Tercera Edad: $ 3.000. Jueves populares $ 1500.

PALABRAS ENCADENADAS Secuestrada y encerrada en un oscuro sótano, Laura, contempla aterrorizada un video de un hombre que confiesa ante la cámara ser un asesino en serie. Amordazada y atada en una silla, reconoce al que fue su marido. Ramón le propone jugar a las palabras encadenadas. Si gana, la dejará marcharse; si pierde, le sacará un ojo. Dirigida por Moira Miller y actúan Alejandra Fosalba y Francisco Melo. Centro Mori, Contitución 183. De jueves a sábado 20:30. Entradas: General$6.000, Estudiantes $3.000.

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