TEATRO

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PREGUNTAS

Es la rama del arte escénico relacionada con la actuación,

que representa historias frente a una audiencia usando una

combinación de discurso, gestos, escenografía, música,

sonido y espectáculo. Es también el género literario que

comprende las obras concebidas para un escenario,

ante un público.

El teatro

El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo.

En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el

teatro también toma otras formas como la ópera, el ballet, la ópera china y la

pantomima.

Una representación consta sólo de dos elementos esenciales: actores y público. La representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje verbal. Los personajes no tienen por qué ser seres humanos; los títeres o el guiñol han sido muy apreciados a lo largo de

la historia. Se puede realzar una representación por medio del vestuario, el maquillaje, los decorados, los accesorios, la

iluminación, la música y los efectos especiales.

ORIGEN

El origen de la representación teatral se suele situar en las antiguas

ceremonias rituales de los hombres primitivos. En estas se representaban

escenas simples  vinculadas a la relación entre estos hombres y sus dioses. En un principio al parecer,

estas ceremonias fueron muy específicas  y respondían a las

necesidades básicas: pedir un buen tiempo para las cosechas, una buena

caza o que terminara alguna calamidad. Con el tiempo, la forma de vida y las necesidades del hombre se

fueron complejizando y diversificando.

En Grecia  cuna del teatro occidental, la representación teatral se convirtió en un espectáculo de

masas: tragedia y comedia servían para que el público llorara o riera junto a los personajes, héroes

o bufones. Poco a poco se fue dejando de lado el aspecto ritual:

ya no eran los dioses sino el hombre y sus conflictos (cada vez

más complejos) lo mas importante.

Los primeros documentos encontrados de la literatura dramática fue Poética de

Aristóteles.La tragedia griega floreció en el

siglo V a.C. con autores como Esquilo, Sófocles y Eurípides. Las obras son

solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas, entre

personajes e intervenciones del coro en forma de canciones (odas).

La comedia, que se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las más antiguas

que se conservan son las de Aristófanes.

Las diversas formas de teatro oriental también tuvieron su origen en las antiguas ceremonias rituales, sobre todo en danzas provenientes de la India. A diferencia del teatro

occidental que poso gran énfasis en la palabra, las formas teatrales

orientales se centraron básicamente en el movimiento.

Cada movimiento del actor tiene un significado y en algunos casos se

prescinde del texto o del decorado, sin que esto le reste expresividad a

la representación. 

El teatro propiamente romano no se desarrolló hasta el siglo III a.C. Aunque la producción teatral se asociara en principio con festivales religiosos, la naturaleza espiritual de estos acontecimientos se perdió pronto; al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. Por eso, no es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El gran periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por las comedias de Plauto y Terencio, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una intriga de carácter local.

TEATRO ROMANO

Teatro religioso.

El drama litúrgico se fue desarrollando en el transcurso de los doscientos años siguientes a partir de varias historias

bíblicas en las que actuaban monaguillos y jóvenes del coro. Al principio bastaban las vestiduras

propias para la celebración de la misa y las formas arquitectónicas de la iglesia

como decorado, pero pronto se organizó de modo más formal.

El escenario se dividió en mansión y platea. La mansión consistía en una pequeña estructura escénica, un tabladillo, que

sugería de forma emblemática un lugar en concreto, como el jardín del Edén, Jerusalén

o el Cielo; la platea era un área neutra frente a la mansión que era utilizada por los actores para la interpretación de la escena.

Con la evolución del drama litúrgico, muchas historias bíblicas temáticamente relacionadas se representaban como un

ciclo; por ejemplo, desde la creación hasta la crucifixión. Estas obras se denominan de diversos modos, obras de Pasión, milagros o

loas.

El renacimiento Empezó en diferentes momentos

dependiendo del lugar de Europa y no fue nunca un cambio repentino sino un

lento proceso de evolución en las ideas y valores de la época. En el teatro, supuso un intento de recrear el drama clásico.

Como los métodos de producción y representación clásicos no se conocían

perfectamente, el teatro del renacimiento tomó una forma totalmente nueva con algunos visos de clasicismo.

Ópera Drama cantado con acompañamiento instrumental que, a diferencia del oratorio, se representa en un

espacio teatral ante un público. Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera,

como son el musical, la zarzuela y la opereta. La ópera nació en Italia a finales del siglo XVI y

comienzos del XVII. Entre sus precedentes estaban los madrigales italianos de la época, a cuyas

escenas con diálogos, pero sin acción teatral, se pondría música. Otros antecedentes eran los

melodramas, ballets de cour, intermedios y otros espectáculos galantes y de salón propios del

renacimiento. La ópera se desarrolló gracias a un grupo de músicos y estudiosos conocidos como la

camerata fiorentina o di Bardi.

Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general se divertía con la Commedia dell’arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación. A partir de varias formas populares del siglo XVI, compañías de intérpretes cómicos crearon una serie de personajes tipo, como Arlequín o Pantaleón, que eran exageraciones y estilizaciones de criados, locos, amantes, abogados y doctores, entre otros. Inmersos en tramas y decorados predecibles, a cada actor le correspondían discursos predeterminados y partes de la acción conocidas como lazzi. Los decorados proporcionaban guías e indicaban entradas, salidas y el foco de discursos específicos.

Commedia dell’arte

El teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en las exigencias del público en general. Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de la evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar al nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del más grande genio del teatro inglés, William Shakespeare.

Teatro Inglés

Las obras seguían una estructura clásica en lo relativo a actos y escenas; se empleaba el verso (aunque a

menudo se intercalara la prosa); se recogían recursos escénicos de Séneca, Plauto y la Commedia dell’arte; se mezclaban tragedia, comedia y pastoral; se combinaban diversas tramas; las obras extendían su acción a través de grandes márgenes de tiempo y espacio; convivían

personajes de la realeza con los de las clases bajas; se incorporaba música, danza y espectáculo; se mostraba

violencia, batallas y sangre.

Los temas de la tragedia solían ser históricos más que míticos, y la historia era utilizada para comentar

cuestiones del momento. Las comedias eran frecuentemente pastoriles, e incluían elementos como

ninfas y magia. Dramaturgos ingleses posteriores a esta época, en especial Ben Jonson, observaron de forma más

estricta los preceptos neoclásicos.

Barroco y neoclasicismo

El transcurso de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran enriquecimiento de la escenografía. La recuperación por parte del drama clásico francés de la regla de las tres unidades acción, tiempo y lugar hizo innecesaria la simultaneidad de decorados, con lo que se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó la costumbre de cambiarlos en los entreactos. Posteriormente, la creciente popularidad de la ópera, que requería varios montajes, favoreció el desarrollo de máquinas perfeccionadas que dieran mayor apariencia de veracidad a efectos tales como: la desaparición de actores y la simulación de vuelos las llamadas "glorias", por ejemplo hacían posible el descenso de las alturas del escenario de una nube que portaba a los cantantes

A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificultó el establecimiento total del drama renacentista. La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones parecidas al intermezzo, que fueron denominados ballets.

Hasta la década de 1630-1640, con las obras de Pierre Corneille y, más tarde, de Jean Baptiste Racine, no se estableció plenamente el drama neoclásico. Bajo la influencia ejercida por el cardenal de Richelieu, las normas neoclásicas fueron rígidamente aplicadas, y la obra de Corneille El Cid (1636 o 1937), aunque extremadamente popular, fue condenada por la Académie Française por violar los principios del decoro y la verosimilitud. Las obras de Racine combinan con éxito la belleza formal de la estructura y el verso clásicos con temas mitológicos para crear obras austeras de elevado estilo.

Francia

El teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo; a menudo estos actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare, en especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos. A El rey Lear y Romeo y Julieta, por ejemplo, se les cambiaron los finales trágicos por unos felices, anulando por lo tanto la intencionalidad del autor.

Teatro del siglo XVIII

Sin embargo, también se produjo una reacción contra el neoclasicismo y un

creciente gusto por lo sentimental; esto se debió en gran parte a la aparición de una

pujante clase media. Dramaturgos como el alemán Gotthold Ephraim Lessing, el francés

Pierre de Marivaux, George Lillo y Richard Steele en Inglaterra, escribieron obras sobre

la clases media y baja en situaciones realistas pero simplistas, en las que el bien triunfaba

de forma invariable.

En su forma más pura, el romanticismo proponía en el plano espiritual que la humanidad debía

trascender las limitaciones del mundo físico y el cuerpo alcanzar la verdad ideal. La temática se extraía de la naturaleza y del hombre natural. Quizá uno de los mejores ejemplos de teatro

romántico sea Fausto (Parte I, 1808; Parte II, 1832) del dramaturgo alemán Johann Wolfgang von

Goethe. Basada en la clásica leyenda del hombre que vende su alma al diablo, esta obra de proporciones épicas retrata el intento de la

humanidad por controlar conocimiento y poder en su constante lucha con el Universo

Teatro Romántico .

Los románticos se centraron más en el sentimiento que en la razón, sacaron sus ejemplos del estudio del

mundo real más que del ideal, y glorificaron la idea de artista como genio loco liberado de las reglas. Así, el

romanticismo dio lugar a una amplia literatura y producción dramáticas que con frecuencia ignoraba

cualquier tipo de disciplina.

El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII,

aparte de rústicas farsas. Muchas de las ideas y prácticas del romanticismo eran ya evidentes en un movimiento de finales del siglo XVIII llamado Sturm

und Drang, liderado por Goethe y el dramaturgo Friedrich von Schiller.

Teatro moderno

Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se mantuvieron en

esencia inalterables, si bien las exigencias de libertad creativa iniciadas por los autores románticos condujeron a fines de la centuria a un replanteamiento general del

arte dramático en sus diversos aspectos.

Fundamental en este sentido fue la construcción del monumental Festspielhaus de Bayreuth, Alemania,

erigido en 1876 de acuerdo con las instrucciones del compositor Richard Wagner, que constituyó la primera ruptura respecto a los modelos italianos. Su diseño en

abanico, con la platea escalonada, el oscurecimiento del auditorio durante su representación y la ubicación de la

orquesta en un pequeño foso, eran elementos concebidos para centrar la atención de los espectadores sobre la acción y abolir en lo posible la separación entre

escenario y público.

En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que

algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar

Hammerstein II perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de

1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más serio,

incluso sombrío.

MÚSICAL

A finales de la década siguiente, sin embargo, posiblemente como resultado de crecientes

problemas políticos y económicos (de los que el público deseaba escapar), volvieron los

musicales (muchos de ellos reposiciones) bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose

hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil. La tendencia de espectacularidad

continuó durante la década de 1980 con musicales como los de Andrew Lloyd Webber

y producciones como Cats (1981) y El fantasma de la ópera (1986). El West End de Londres, punto de referencia teatral, no ha

dejado de ver pasar musicales por sus salas, ya que muchos de ellos se han convertido en

grandes éxitos de taquilla.

Teatro en Venezuela.

El teatro en Venezuela comienza en la época precolombina donde los aborígenes realizaban

representaciones con fines educativos y sobre todo religiosos.

En los Andes Venezolanos, los Timotocuica, Muku y Jirapa sí realizaban teatro propiamente dicho. Este era

utilizado con un fin educativo y religioso, y llegó a tener tal importancia dentro de sus sociedades, que fueron los

únicos en Venezuela que llegaron a desarrollar una estructura de madera para su realización. Este teatro

era ritual, trasmitido por tradición oral y esencialmente igual a lo largo del tiempo.

Su estructura era diferente a la que formalmente es conocida hoy en día, y los espectadores eran parte activa

del mismo. Además, se solía improvisar según el ritmo que la misma representación impusiera

sobre intérpretes y público.

Es solo en el siglo XVIII es cuando se pueden presentar en formas mas o menos permanentes en un coliseo de Caracas. La actividad fue casi permanente en las ciudades de

Caracas y Maracaibo, los autores mas representativos fueron Calderón

de la Barca y Lope de Vega.

Molière

Molière, dramaturgo del siglo XVII y quizá el autor satírico francés más importante, creó un gran número de personajes cómicos que utilizó para denunciar la

hipocresía de la sociedad de la época. Fue más allá de las posibilidades de la farsa, desplegando ante su público

profundas observaciones sobre el carácter y satirizando el autoengaño y la adhesión incondicional a las

convenciones sociales. Este es un extracto de Tartufo cuya traducción es: "Es el escándalo público lo que lo convierte en ofensa, pues el pecado en secreto no es

pecado".

Christopher Marlowe (1564-1593)

Dramaturgo y poeta considerado como el primer gran autor de teatro inglés y el más importante del periodo isabelino a

pesar de que sólo se dedicó al teatro por espacio de seis años. Sus primeras obras fueron básicamente comedias. Después cultivó el género de la tragedia de una manera novedosa al llevar a escenas personajes arquetipos de pasiones que influirían en el teatro posterior de William Shakespeare. Su obra maestra es La trágica historia del

doctor Fausto.

Escribió cuatro grandes obras de teatro, tres de las cuales se publicaron póstumamente: la epopeya heroica Tamerlán el

grande (1590), basada en el personaje del conquistador mongol del siglo XIV; Eduardo II (1594), que fue uno de los

primeros dramas históricos de éxito del teatro inglés y sirvió como modelo a Shakespeare para su Ricardo II y Ricardo III;

La trágica historia del doctor Fausto (c. 1604), una de las primeras dramatizaciones de la leyenda fáustica; y la tragedia

El judío de Malta (1633).

David Garrick (1717-1779)Actor británico, gerente teatral y dramaturgo, considerado uno de los mas grandes actores

del teatro británico.

Garrick estaba dotado por igual para la tragedia, la comedia y la farsa. Rompió con el elaborado estilo declamatorio francés, tan de

moda en la época, y siguió la fórmula más natural de entregarse al verso sugerida por Shakespeare. Como gerente, incorporó la

iluminación escénica e introdujo telones de fondo pintados con inspiración naturalista.

 

Aristófanes El dramaturgo ateniense Aristófanes escribió comedias satíricas que han mantenido su popularidad a través

de los siglos. Fue autor de más de 40 obras, de las que sólo se conservan 11. Representó sus tres primeras obras bajo seudónimo. Una de ellas, Los acamenses

(425 a.C.), era un alegato para terminar la guerra con Esparta. Los caballeros (424 a.C.), la primera de las

obras de Aristófanes representada con su nombre, es una devastadora sátira sobre el político y militar

ateniense Cleón, campeón de las fuerzas democráticas y jefe del partido belicista. Las nubes (423 a.C.) es una

sátira sobre el filósofo griego Sócrates, cuyos penetrantes análisis de los valores establecidos.

Eurípides (c. 480-406 a.C.), Dramaturgo griego, el tercero junto con Esquilo y Sófocles de los tres grandes poetas trágicos de Ática. Su obra, enormemente popular en su época, ejerció una influencia notable en el teatro romano. Posteriormente su influencia se advierte en el teatro del renacimiento como en los dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste Racine.

Las obras de Eurípides comenzaron a representarse en los festivales dramáticos de Ática durante el año 454 a.C., pero hasta el año 442 a.C. el autor no obtuvo el primer premio. Esta distinción, pese a su prolífico talento, no recayó sobre él más que en cuatro ocasiones. Además de sus escritos se interesó muy especialmente por la filosofía y la ciencia.

William Shakespeare (1564-1616), 

Dramaturgo y poeta inglés. En 1589 escribió su primera obra dramática, «Pericles», y dos años después, «El rey Enrique VI». Su teatro no supuso una innovación, pero sí la conclusión de los esbozos que ya habían sido iniciados por anteriores autores; la conclusión genial y definitiva de un tipo de dramaturgia que apenas comenzaba a aflorar. La mezcla de elementos cómicos y trágicos, la utilización del verso blanco, la conjunción de la prosa y las formas poéticas de una misma obra y tantos otros factores literarios que escandalizaron a los espectadores de incuestionable sabiduría artística e insuperable cultura clásica, habían sido ya preludiados por autores como Richard Edwardes. Pero Shakespeare fue quien los perfecciónó y asumió en profundidad para darles un sentido plenamente innovador, casi revoluciónario, e indudablemente magistral.

TEATROS

Gran Teatro del Liceo de Barcelona, teatro situado en Barcelona. El Gran Teatro del Liceo

fue primero un escenario convencional, inaugurado en 1845 con Fernando de Antequera de Lope de Vega. La primera representación operística tuvo lugar en 1860,

con Ana Bolena de Gaetano Donizetti. Destruido parcialmente por un incendio al año siguiente, no abrió

de nuevo sus puertas hasta 11 años después, con I Puritani de Vincenzo Bellini. Otro incendio, acaecido el

31 de enero de 1994, asoló, esta vez por completo, una de las mayores salas del mundo (3.600 localidades) y un coliseo que mantuvo

prácticamente en solitario la relación de España con la lírica durante los años que permaneció

cerrado el Teatro Real de Madrid. La reinauguración del Liceo reconstruido tuvo lugar

el día 7 de octubre de 1999.

Teatro Real de Madrid, teatro español situado en Madrid. El Teatro Real de Madrid, construido según proyecto de Antonio López Aguado, se inauguró en 1850, con La favorita de Gaetano Donizetti. Debido a que amenazaba ruina, por estar construido sobre un arroyo subterráneo, debió cerrar sus puertas en 1925, con La Bohème de Giacomo Puccini. Durante la Guerra Civil española (1936-1939) fue utilizado como arsenal. En 1966 fue reinaugurado como sala de conciertos, destacando por su magnífica calidad acústica. Cerró de nuevo en 1988, tras la construcción del Auditorio Nacional de Música, para reacondicionarse como teatro de ópera. La inauguración de la nueva sala, que presenta los mayores adelantos técnicos, tuvo lugar el 11 de octubre de 1997 con El sombrero de tres picos y La vida breve de Manuel de Falla.

Teatro romano de Mérida, España

El teatro romano de Mérida es uno de los más bellos y mejor

conservados de Europa. Fue construido por Agripa en el siglo I

a.C. con un aforo para 5.000 espectadores. Durante los meses de julio y agosto se celebra en el teatro el Festival Internacional de

Teatro Clásico.

Teatro The Globe de Londres El teatro The Globe, donde hace 400 años presentó su obras al público el dramaturgo William Shakespeare, fue reconstruido respetando la estructura, los materiales y la ubicación originales, en la orilla sur del río Támesis, en Londres. El nuevo teatro reabrió sus puertas en 1997, y desde entonces todos los veranos ofrece magníficos montajes de la obra de Shakespeare.

Palacio de Bellas Artes (México), obra proyectada inicialmente como Teatro Nacional por el arquitecto italiano Adamo Boari. Comenzó a construirse en 1904 pero tardó treinta años en finalizarse ya que los trabajos se suspendieron en 1910 a causa de la Revolución y no volvieron a iniciarse hasta 1932. El edificio fue terminado en 1934 siguiendo el proyecto de E. Mariscal, que incorporaba importantes modificaciones del interior, al ampliar la sala y modificar la función de varias dependencias. El cambio más decisivo afectó a la función de todo el edificio que de Teatro Nacional pasó a ser Palacio de Bellas Artes.

Teatro Teresa Carreño

Es un complejo del arte y la cultura situado en Caracas, Venezuela- donde se realizan presentaciones artísticas de envergadura, como: conciertos sinfónicos y populares, óperas, ballet clásico, danza, teatro y espectáculos diversos. Su nombre proviene en honor a una majestuosa pianista, cantante y compositora venezolana. Y en este sentido, el teatro cuenta con dos prestigiosas empresas que son el Coro de Ópera Teresa Carreño y el Ballet Teresa Carreño.

MASCARAS

Máscaras. Las representaciones teatrales en la antigua Grecia tenían un carácter semireligioso basado en un ritual de máscaras. Las que usaban los actores eran de gran tamaño, con rasgos convencionales y expresiones exageradas. La enorme boca de la máscara contenía un megáfono de latón que proyectaba la voz del actor al público. Las máscaras podían ser trágicas y cómicas, con sus respectivas variantes. En Roma, se utilizaban en las comedias y en las pantomimas.

En los misterios y milagros de la Europa medieval se emplearon las máscaras para representar dragones,

monstruos, personajes alegóricos, como los siete pecados capitales, e, inevitablemente, al demonio. El actor que representaba a Dios lucía, con frecuencia, una máscara

dorada. Durante el renacimiento, las máscaras de media cara que cubrían los ojos y la nariz, se emplearon en la

Commedia dell’arte.

En Indonesia las máscaras se usan en representaciones de bailes rituales populares y en obras teatrales sacadas de

las de marionetas de sombras. Los espectáculos tradicionales y las obras didácticas religiosas chinas

requieren máscaras que representen reyes, princesas y personajes grotescos, y las obras de misterio del Tíbet

muestran actores enmascarados que representan demonios y otros espíritus.

PREGUNTAS

¿Quién es el Autor de El perro del hortelano?

WILLIAM SHASPARE

MIGUEL DE CERVANTES

LOPE DE LA VEGA

Nombre de las salas del Teatro Teresa Carreño

Sala José Félix Ribas y Sala Ríos Reyna

Sala simón Bolívar y Sala José Ignacio

Crabujas.

¿La opera nace en Italia en el siglo?

XV XVIII XIV XVI

¿Quién escribió la comedia Las alegres comadres de Windsor?

Los hermanos Serafín

Richard Steele WILLIAM SHASPARE

¿En que estado de Venezuela esta ubicado el teatro César Rengifo?

CaraboboDistrito CapitalMérida

¿Para que dios eran los rituales hechos en Grecia que dieron origen al teatro?

ZEUS APOLODIONISIO

VUELVE A INTENTARLO

ACERTASTE FELICIDADES

César Rengifo fue un autor venezolano que fue considerado como uno de los autores

más prolíficos del país, su basta obra no sólo se limita a textos dramáticos, sino también a

poesías, ensayos, artículos de opinión sin descontar su labor como pintor, el objetivo de esta disertación es presentar a César Rengifo como dramaturgo y en específico

utilizar el texto Los Canarios para hacer un análisis inductivo de su obra dramática, es de aclarar que la intención no es concluir con consideraciones contundentes, más

bien, se pretende abrir un abanico de posibilidades en el estudio de la obra

dramática del autor escogido.

ACERTASTE FELICIDADES

La Sala José Félix Ribas, la cual fue pensada como una sala de conciertos sinfónicos y de cámara. Fue inaugurado en el año 1976 y actualmente también es nombrado como Sala del Nuevo Arte. En cuanto a su estructura tiene forma semicircular de estilo griego; y cuenta una capacidad para 440 personas.

La Sala Ríos Reyna, la cual lleva el nombre de un importante músico y compositor venezolano, y quien estaba entre los propulsores del proyecto de esta grandiosa edificación. Esta sala es la principal del teatro, sede de la Orquesta Sinfónica de Venezuela y el escenario majestuosas presentaciones clásicas de ópera, ballet y sinfonía. En cuanto a la estructura, tiene una capacidad de 2,405 personas y posee un foso de orquesta, cabinas de iluminación y un grandioso sistema de sonido y video.

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ACERTASTE FELICIDADES

http://www.youtube.com/watch?v=9qbVdjYutMg

http://www.youtube.com/watch?v=BRpLexqbLu4

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http://www.youtube.com/watch?v=JYV2ODKg6P8