para los electronicos principalmente:

sin duda empatando la velocidad de ambos beats se logra una mezcla buena pero entra otro factor para lograr una mezcla perfecta.. los ciclos musicales!

los ciclos se dividen en 4 – 8 – 16 – 32 – 64. y ciclos irregulares los cuales pueden ser, por ejemplo: un ciclo de 12, ya que esta compuesto de un ciclo regular de 8 + uno de 4.. es decir pueden haber ciclos irregulares siempre y cuando sean la suma de dos ciclos regulares como los mencionados anteriormente (esto se le llama tambien puente).. conociendo estos ciclos lo que hay q hacer es, al inicio del track encontrar el primer beat (tanto para mezclar como para llevar el conteo de los ciclos al principio). al encontrar el primer beat y al lanzarse el disco se empieza a contar cada beat haciendo ciclos regulares como los ya mencionados.ahora, para mezclar con ciclos lo que hay que hacer es contar los ciclos del track que esta al aire (por lo general la musica electronica se divide en ciclos de 32) y al llegar al ciclo 32, se vuelve a comenzar un ciclo nuevo y en ese preciso inicio, es decir en el beat 1 del nuevo ciclo se lanza el track que se va a mezclar (teniendolo desde el beat 1 obviamente) de tal forma que la cancion que esta al aire vaya por el beat 5 y la cancion que se va a mezclar tambien vaya por el beat 5, por ejemplo. asi se empatan los beats y es uno de los pasos para crear una mezcla perfecta!

algo que debemos tener en cuenta es que los ciclos en una cancion son los que marcan los cambios, es decir, despues de cada ciclo el productor agrega o quita sonidos de la cancion. no es agregar y quitar sonidos sin sentido y en cualquier momento de la cancion. la musica es perfecta en ese sentido!

si se practica esta tecnica se pueden hacer mezclas muy buenas, al principio es un poco dificil contar los ciclos, escuchar la cancion y empatar los beats pero con practica se vuelve muy facil. un consejo es que cuando esten empezando cuenten los ciclos en voz alta porque es un poco dificil mentalmente, pero ir tratando de hacerlo mentalmente con el pasar del tiempo, luego se daran cuenta q no necesitan contar porq sin tener cuidado de los ciclos, se daran cuenta que en cualquier momento de la cancion sabran por que ciclo va. se vuelve costumbre.

sin embargo los ciclos no es lo unico que se debe tener en cuenta para una mezcla perfecta.. tambien saber en que momento mezclar, saber como se divide la musica (intro, cuerpo de la cancion, break y outtro) en otra ocasion hablamos de esto.

Algo que se me paso es que los ciclos irregulares siempre deben dar un ciclo regular. retomando el ejemplo anterior del ciclo de 12 (8 + 4) despues de este debe venir un ciclo de 4 para que asi forme uno de 16… para entenderlo mejor el ciclo irregular es el fraccionamiento de una ciclo regular, fraccionandolo en ciclos regulares menores al fraccionado!

un puente comun es el de 28 + 4.. son muy comunes! donde al llegar a 28 se nota una caida y a los 4 beats siguientes (es decir al llegar a 32) vuelve y sube la cancion. presten atencion y veran.

Break, concepto musical que indica un movimiento de percusión distinto del que se estaba ejecutando

Outtro , Frente de introducción . La conclusión de una carta o el acto final de una obra de teatro.

Conocido normalmente como mixing en la jerga Dj , debemos recordar que la mayoría de los términos provienen de Inglaterra para los efectos de un Dj. Aún cuando el trabajo de un Dj parece ser muy simple (poner música toda la noche para que la gente baile),lograr mantener el ritmo para que las personas literalmente no paren es muy difícil. Pero la base principal es jugar con lo que llamamos drum beat.

Ahora bien, ¿qué son los Drum Beat? Esos bombos graves que hacen que la gente se pare de sus lugares y se vaya a la pista a bailar.Todos queremos llegar a tener un buen lugar como Dj ,es por eso que se hace gran hincapié en esta técnica, la cual nos ayudará a pasar de un track a otro. Muchos Dj pinchan dejando pausas entre sus pistas o subiendo y bajando el volumen entre unas y otras, comúnmente llamado “Fadeo”, pero un buen Dj logrará que la gente siga bailando sin darse cuenta en que momento entró el otro track, mezclando los tracks juntos y permitiendo un cambio homogéneo sin contratiempos ni saltos ,haciendo de dos tracks uno solo.

La técnica más simple es ajustar el pitch para que los beats vayan al mismo tiempo, es algo difícil de lograr al principio, pero con practica lo lograras. Si no tenés una mezcla homogénea la gente no sabrá cual debe seguir, el ritmo se perderá y el ambiente se cae, así tambien como tu reputación como buen Dj. Tus dos tracks deben estar en perfecta sincronía por lo menos durante la transición,cada uno sabrá si debe acelerar la primera o la segunda o hacer un ligero ajuste a ambas y luego regresarlas a su pitch original, eso depende de ti. ¿Cuando hago el cambio? Depende del ambiente, a veces tendrás que tener dos discos del mismo autor si la canción es un hit, en ese caso te encargarás de hacer una mezcla de la canción que está, con ella misma, este es un buen método para practicar la mezcla homogénea, ya que a fuerzas las dos canciones tienen el mismo ritmo y solo depende de ti ajustar el tiempo.

El mejor momento para hacer la mezcla para la siguiente canción depende de la respuesta del público, hay canciones que deberán seguir, pero no más de 7 minutos, algunas no deberán durar más de 4 o se te cae la fiesta. Sin embargo, cuando hay buena respuesta y estás colocando hits es ANTES de terminar el primer track y cuando va comenzando el segundo,donde debes estar listo con los beats al menos a mitad del primer track, para que puedas entrar sin contratiempos (cuadrar el track) al final de la misma comenzando con la siguiente.

Para comenzar, deberíamos tener en mente la idea de persistencia en lo que queremos realmente. Para ser un DJ de verdad, hay que entender que la clave del éxito depende solamente de ti. Una vez que aclaramos lo más importante para comenzar a ser un DJ y comenzar a practicar nuestras mezclas, les enseño un pequeño glosario que les he hecho, de lo más básico de un mezclador con sus CDJs y los pasos necesarios para hacer los cambios perfecto. Todo será explicado de manera súper sencilla para el entendimiento máximo a todo público.

Glosario importante para aprender:

Pasos para hacer mezclas y cambios perfectos:

1. PRE-ESCUCHA      Para poder cambiar de un track que esté sonando en las cornetas a otro nuevo de la manera más exacta posible, debemos escuchar atentamente con los audífonos la próxima canción. Intenta escoger un track con un bpm (beats por minuto) similar a la que está sonando y una tonalidad parecida para que el cambio no se oiga tan brusco.

2. CUEING      Encuentra el tiempo inicial que necesitas para poder cambiar de un compás a otro entre canción y canción. Para empezar a lanzar el próximo ritmo, debes encontrar el lugar en donde la próxima canción va a empezar a sonar.

3. BEAT-MATCH

      Tienes que lograr que ambos tracks estén perfectamente bien sincronizados. Esto toma práctica y coordinación, pero una vez que le tomes el truco lo demás será un paseo.

4. USAR EL FADER      Ya una vez que estén en tiempos idénticos, tienes que usar el fader para subirle el volumen al nuevo track para que comience a sonar en las cornetas y bajarle a la anterior para ir desapareciéndola. Cada canal del mezclador controla diferentes canciones y cada canal tiene su propio fader.

5. PERSONALIDAD      Además de la importancia de cambiar perfectamente los tracks, lo más importante para un verdadero DJ es la personalidad. Cada quién tiene su estilo de reproducir las canciones escogidas para ser mezcladas. Aprende a usar los loops, a hacer remixes, a pinchar, aplicación de efectos pregrabados, entre muchas otras técnicas de mezclar.

Dj: Disc Jockey, Deejay, Monta discos, Pincha discos, etc.

El origen de los DJ's radica a finales de la década de los 60, en donde el desarrollo de la tecnología de sonido y amplificación, empezó a competir con la tradicional música de las orquestas imperantes en las fiestas y eventos de la época (música en vivo). No pudiendo competir con el ahorro económico que facilita un solo DJ con música “envasada” o grabada, liberando espacio para la pista de baile y brindando una mayor potencia de sonido gracias a la amplificación.Luego con la década de los años 70, la música disco y el desarrollo de discos de vinil con una mejor calidad de sonido, hizo que los Disc Jockeys poco a poco se consolidaran haciendose de un sitio especial en los eventos importantes de la época, produciendo también todo el movimiento de los Club o Discotecas que seria el contexto de trabajo de los DJ's actuales.

Un Dj es un experto en las mezclas, su trabajo es un arte, es la acción de combinar música, tiempo y ritmo, y tratar de que todos esos elementos sean fluidos y puedan ser tan ligeros los cambios que pareciera que se tratara de una canción eterna que los que la escuchan puedan disfrutar todo el tiempo que se este tocando.

A muchos Dj’s les gusta hablar y jugar con la música mientras hacen mezclas, bajando el sonido en momentos esenciales, jugando con los tonos y el volumen, llevando a la audiencia del rock a la salsa y cuando menos se dan cuenta ya están bailando cualquier ritmo.

Para otros es ubicarse en un solo estilo por espacios largos, sin hablar, jugando con las mezclas y los efectos, transfiriendo las canciones más nuevas, las de moda y las más prendidas.

Todos los Dj's tienen como objetivo principal llevar entretenimiento a una amplia variedad de gente de la forma en que se pueda, sin dejar caer el ambiente, nosotros los Dj's somos unos entretenedores y nuestra herramienta principal es la música.

Existen 3 formas comunes de Dj:

El Dj Móvil:

Estos son los más comunes y se caracterizan porque sus equipos móviles los ayudan a moverse de un lado al otro llevando sus aparatos y equipo, son contratados para amenizar fiestas y eventos especiales en un lugar determinado, ya sea un salón, una casa o la misma calle.

Los Dj's móviles en nuestro pais y en general en los paises latinos son sustituidos por sonidos, donde no existe cultura del Dj, el encargado del sonido simplemente pone una cancion y otra, sin relacion entre ellas con el simple chiste de decir dos o tres veces que saluda a la gente.

Para un Dj móvil la situación va más alla.

El se encargará de buscar la armonía entre las distintas canciones que pondrá y determinará cuando ya se necesita un cambio, un Dj disfruta su trabajo y lo hace con calidad.

El Dj Radio:

Los Dj Radio son los encargados de programar música continua y su misión es que nunca haya silencios al aire, los cuales deberá llenar si es necesario con su propia voz o con efectos especiales, los Dj Radio son soportes importantes en la cabina de sonido y tienen que estar bien listos para superar cualquier problema que surja en una de sus consolas, para no dejar nunca caer la transmisión.

Los Dj Club

Estos son particularmente específicos con su clientela y son los que logran hacerse de un nombre y fama en el mundo de la música, los Dj's Club se dirigen a un grupo específico, ya sea en edad, en status económico o social o en ritmo de música. Los Dj Club deben conocer muchísimo del grupo de gente al que se dirigen, del tipo de música que les gusta y todo lo que implica la corriente a la que se quieren dedicar. los Dj Club son los más respetados de todos, porque han estudiado mucho para conocer los grandes grupos y los mejores hits de todos los tiempos, en el estilo que se hayan especializado.

Hay que aclarar que los Dj's no están ligados exclusivamente a la música electrónica, pero se les asocia frecuentemente porque son ellos quienes han impuesto esa moda, pero un Dj puede dedicarse prácticamente a cualquier género.

A nuestra difícil carrera se han agregado la discusión de la desaparición de los discos de vinil, que muchos Dj's defendemos y otros atacan, para mí, ambos, los CD y los discos de vinil son particularmente importantes y mientras esta guerra siga nosotros debemos seguir tocando, de preferencia con viniles, porque es donde se ve realmente la verdadera habilidad del DJ.

Inicio

Sólo hay una forma de aprender a ser un Dj, ahora verás que mucho de lo que te han dicho no te sirve, porque el único modo de convertirte en un gran DJ es por ti mismo.Te preguntaras entonces para que tanto rollo y clases de Dj etc., pues porque las escuelas te enseñan la técnica, pero tú tienes tu propio estilo y en ello te debes basar para lograr buenos resultados adecuados a tu persona y a nadie más, la mayor parte es practica, empeño y tenacidad.Esto te dejará la gran recompensa de crearte un estilo propio dentro del estilo de música que prefieras, una cosa es tu estilo Dj y otra el estilo que tocas.Lo que necesitas para convertirte en un buen Dj es concentración, asimilación, entendimiento y práctica, sobre todo practica, todo lo que puedas leer en este, en otro sitio, en un libro o revista no te servirá, si no tienes estas características no podrás ser un buen Dj.Lo primero es entender los conceptos básicos del Dj, el beat, la mezcla, el pitch, la sincronización...Es importante que sepas que no es fácil entender de lo que se trata cada concepto y que por más gráficos que intentes obtener no lo entenderás si no lo practicas... es un trabajo de horas y horas, de congeniar con tu equipo y con tus discos, así de simple.Si ya comenzaste por armar tu equipo, comenzaremos en el momento en que ya esté todo listo... así que... prende el equipo y prepárate, es hora de practicar y subir el volumen a 10.

Sincronizar

Ya tienes tus aparatos y el conectarlos no ha sido tarea fácil... o si?Bueno, el siguiente paso es comenzar a utilizarlos con algunas rolas que deberás tener listas para comenzar.Deberías comenzar con ritmos sencillos y bien definidos, lo más recomendable es que tengas dos copias del mismo disco, y comenzar a hacer las mezclas, los discos de Van Dyk o de Dutch Trance son sensacionales, porque la base rítmica es simple, bastante sólida y fácil de seguir.Necesitamos para empezar unos bombos muy pesados porque con estos nos basamos a crear la sincronía que necesitamos a fuerzas.Pon los dos discos en tus tornamesas y ajusta el pitch a 0.Para el primer ejercicio con tornamesas vamos a dejar que el primer disco corra un tiempo completo y el otro, aunque esta listo para arrancar lo vamos a detener con el dedo sin dejarlo avanzar.Trata de igualar el golpe del bombo, empuja con tu dedo el disco para que iguales el bombo y después devuélvelo a su posición original.Este es un pequeño Scratch. Vuelve a hacerlo igualando en cada vez la caída del bombo .....no es tan fácil verdad?Para estas alturas de la rola seguramente ya has logrado ubicar el beat, posiblemente la rola esté por terminar así que nos vamos a la otra tornamesa, cuando termine la rola en la primer tornamesa, trata de que la otra entre sobre ella, haz la mezcla y reduce el sonido de la número 1 que acaba de terminar.Repite la operación de igualar el beat con la tornamesa 1 sobre la rola de la 2.Cuando te sientas listo para sincronizar ambas... déjala correr.Tu objetivo es que las melodías queden al mismo tiempo y que sólo escuches un beat no dos ni uno y cuarto o uno y medio, …uno solo.Ejemplo:MAL HECHO:1: bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bomp2: - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - -MAL HECHO:1: - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - -2: bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bompBIEN HECHO:1: bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - -2: bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - -Asi tu debes escuchar solo:1 y 2: bomp - - bomp - - bomp - - bomp - - bomp - -Si no estan en sincronía deberás utilizar tus dotes de Dj, deteniendo con el dedo el que esté desfasado y liberándolo cuando esté listo, inténtalo las veces que sea necesario para que logres llegar a la sincronía.Por el momento no nos interesa si la rola está desfasada, lo único que buscamos en este momento es que los beats suenen al mismo tiempo, sólo el tambor, puedes ajustar el filtro de los graves para escuchar aumentado el sonido del bombo sobre todo lo demás.Cuando lo logres estarás un paso adelante para convertirte en DJ.Si no lo has logrado, ten paciencia y practica, posteriormente podremos ver algunas técnicas para resolver los problemas más comunes de sincronía.

El Pitch

Una vez que has logrado igualar los beats por el método manual podremos continuar con el siguiente paso.En la ocasión anterior trabajamos con la misma rola hasta igualar el ritmo en ambos discos, continuaremos así, pero en esta ocasión vamos a igualar los beats por medio del pitch.Para muchos Dj esta es la parte más difícil de todo el trabajo de un Dj, porque es la que más tiempo y esfuerzo consume, tu cerebro y oído deben estar pendientes de escuchar dos cosas diferentes y atender por igual ambas, pero pudiendo separar cada canal, o sea: tu cerebro debe poder hacer paneo.

…..Esta medio complicado, no?Así es, pero aun cuando es lo que más tiempo y esfuerzo requiere, también es lo más difícil y lo que debes dominar, cuando lo hayas logrado habrás dado un gran paso para convertirte en un verdadero y autentico DJ.Desde ahorita te anticipo que dependiendo de las ganas y la capacidad que tengas de llevarlo a cabo, este ejercicio te puede llevar una semana, un mes, un año o hasta mas!.Ajusta el pitch en tu tornamesa independiente a la velocidad que quieras, solo no lo dejes en 0, te sugiero una variación mínima para que la rola no se escuche distorsionada.Cuando haya dado una vuelta libera el tornamesa de control que tienes a 0, los beats estarán desfasados, entonces tus discos van galopando, encimándose unos con otros, ahora lo que tienes que hacer es ajustar el pitch, hasta lograr que ambos discos lleven el mismo tiempo.Cuando empiezas a disfrutar tu gran logro de haber ajustado la sincronía, sucede que los discos comienzan poco a poco a desajustarse y uno de los dos gana de nuevo galopando, o sea, ...se adelanta.Esto es porque el ajuste del pitch es analógico y matemático, y aunque aparentemente has logrado ajustarlos al mismo tiempo, la realidad es que siempre existen variaciones mínimas, ya sea por 0.2% o 0.5% tendrás un desfase después que corran por un tiempo los discos, porque uno va más rápido que el otro, aunque sea de manera muy mínima.Lo notarás porque escucharás el habitual eco que anuncia que algo ya no va bien, que uno de los dos discos se esta adelantando o atrasando, y tienes que tener muy buen oído ya no para escuchar, si no para sentir cual de los dos se esta atrasando o adelantando y corregir de manera inmediata volviendo ajustar el pitch.

La Mezcla

Conocido normalmente como mixing en el lenguaje Dj, debemos recordar que la mayoría de los términos provienen de Inglaterra para los efectos de un Dj.Aun cuando nuestro trabajo como Dj es muy simple: poner música toda la noche para que la gente baile, lograr mantener el ritmo para que la gente no pare de bailar es muy difícil, requiere de paciencia llegar a crear buenas mezclas y tu trabajo principalmente es pasar de una rola a otra tocando sin parar, las técnicas para lograrlo son muy distintas en cada género.Pero la base principal es jugar con lo que llamamos drum beat, o simplemente beat.Esos tamborazos graves o bombos que hacen que la gente se mueva, se levante de sus lugares y se vaya a la pista a bailar, para muchos de nosotros que queremos llegar a tener un buen lugar como Dj Clubs esto es particularmente importante ya que esta técnica nos ayudará a pasar de una canción a otra conforme avanza la noche (a veces repetimos las canciones... ni modo) muchos Dj o aprendices de Dj o simples sonideros pasan de una canción a otra ya sea dejando ligeras pausas o intentando mezclar, fadeando, o sea, bajando el volumen de la primera y subiendo el volumen a la segunda, pero un buen Dj logrará que la gente siga bailando sin darse cuenta en que momento entró la otra canción, mezclando las canciones juntas a una velocidad adecuada para ambas y permitiendo un cambio homogéneo sin contratiempos ni saltos.La técnica más simple es ajustar el pitch para que los beats vayan al mismo tiempo, es algo difícil de lograr al principio, pero es lo más simple y en muchas ocasiones lo mejor. Cuando logramos que las dos canciones vayan al mismo ritmo, los tiempos y los contratiempos se corresponden y hacemos una transición, la gente ni siquiera notará la diferencia en ritmo, pero si tal vez en la música, nosotros debemos escuchar un solo pump cada que cae el tiempo fuerte, ese es el momento de comenzar la transición.Si no tienes una mezcla homogénea la gente no sabrá cual debe seguir, el ritmo se perderá y el ambiente se cae, así como tu reputación como buen Dj.Tus dos canciones deben estar en perfecta sincronía por lo menos durante la transición, tu sabrás si debes acelerar la primera o la segunda o hacer un ligero ajuste a ambas y luego regresarlas a su pitch original, eso depende de ti.Cuando hago el cambio?Depende del ambiente, a veces tendrás que tener dos discos iguales si la canción es muy pegadora, en ese caso te encargarás de hacer una mezcla de la canción que está con ella misma en el otro disco para hacerla mas larga o dure mas antes de mezclarle otra canción, este es un buen método para practicar la mezcla homogénea, ya que a fuerzas las dos canciones iguales tienen el mismo ritmo y solo depende de ti ajustar el tiempo.

El mejor momento para hacer la mezcla para la siguiente canción depende de la respuesta del público, hay canciones que deberán seguir, pero no más de 7 minutos, algunas no deberán durar más de 2 o se te cae la fiesta, el mejor momento sin embargo cuando hay buena respuesta y estas colocando puros súper hits es ANTES de terminar el primer tema y cuando va empezando el segundo, debes estar listo con los beats al menos a mitad de la canción primera para que puedas entrar sin contratiempos al final de la misma comenzando con la siguiente.

El Equipo

Para convertirte en un Dj necesitas el equipo básico:2 Tornamesas de vinil o reproductores de CDMezcladora de al menos 2 canalesAmplificadorBocinasArchivos de sonido, viniles o CDSAudífonos Ahora, si lo que quieres es convertirte en un Dj electrónico, la música la vas a producir por medio de tu computadora, obviamente tienes que tener un buen equipo y el software necesario para poder hacer tus mezclas, …para muchos de nosotros será suficiente con tornamesas o reproductores de CD, los equipos de CD tiene gran calidad de salida de audio, pero en cambio, las tornamesas siempre son necesarias para el scratch y los back spins.Lo mas recomendable es que comiences con una mezcladora de mínimo 4 canales, pero si no esta en la medida de tus posibilidades puedes comenzar con una sencilla de 2 canales, una de 4 ya se considera profesional.Recuerda que la línea para tornamesas es especial, así que si piensas usar tornamesas es indispensable que la mezcladora tenga las 2 entradas phono.Otra cosa importante de tu equipo es el ruido, así que necesitas una buena salida, cuando ensayas no necesitas mas que unos audífonos, pero si tu idea es tener audiencia o escuchar como se oiría en vivo, entonces necesitas hacerte de un equipo de sonido, un amplificador y bocinas compatibles con este.Ten cuidado de que la salida de tu amplificador no sea mayor a la de tus bocinas, puedes tronarlas y también no debes forzar tu amplificador, porque se puede dañar la salida. Archivos de sonidoEs bueno que te vayas acostumbrando a trabajar tus álbumes, CDS o discos como si fueran un tesoro, ya que sin ellos tu trabajo no será NADA, conseguir y formar una biblioteca de CDS no es tarea fácil y se logra con tiempo.Convertirse en un Dj es caro, así que recuerda que si no tienes el dinero y el tiempo suficiente, lo mejor es que esperes un poco más para entrar al mundo del Dj. Ahora que si el dinero no es problema, yo te recomendaría que adquirieras una computadora portátil con suficiente memoria, de preferencia Mac (Apple), ya que son mucho mas eficientes que las PCs para este tipo de trabajo de ambiente grafico y multimedia, y una interfase para ligar tus tornamesas con la laptop y la mezcladora de audio, estas interfases las hay de diferentes marcas, por ejemplo, el de STANTON se llama “Final Scratch”, el de RANE se llama “Serato Scratch Live”, el de NUMARK se llama “Virtual Vinil”, etc., otros de controles como los reproductores de CD, como el de PCDJ que se llama “Gig Box”, pero los mas populares son el “Final Scratch” y el “Serato Scratch Live”, y en cuanto a software, te puedes encontrar infinidad de ellos, VirtualDJ, AtomixMP3, PCDJ FX, Traktor Studio, etc., de esta manera trabajas con viniles todos los archivos de sonido que pudieras tener, sin que tengas que cargar con infinidad de viniles o CDS, entre mas música tengas en archivos, mas versátil y variado será tu repertorio. Adelante pues, a practicar cuanto puedas y suerte en el aprendizaje de este extraordinario arte de ser DJ.Si tienes comentarios, dudas, o preguntas con toda confianza: 

djbettoespino@hotmail.comdjbetto@prodigy.net.mx

Aqui un pequeño tutorial y bien basico para aquellos que recien decean iniciarse en este hermoso mundo del Djs, obviamente que esto es simplemente teoria y que sin practica no tiene ningun sentido, pero tal vez a alguno le puede interesar.

En este tutorial voy a tratar de dar las nociones básicas e indispensables para la mezcla de música electrónica (aunque muchos conceptos pueden aplicarse a otros estilos de música). Con respecto a los equipos de reproducción, voy a centrarme en dos formatos, CDs y vinilos, por tratarse de los más habituales en las cabinas. Sin embargo, cabe aclarar que hoy en día existen variados formatos y la convivencia de los mismos, como ser software (Ableton Live, Traktor DJ Studio, Virtual DJ y más), interfases de manipulación de audio digital por medio de vinilos codificados y bandejas tradicionales (Final Scratch de Stanton, Serato Scratch Live de Rane, etc.), entre otros.1. Equipos

1a. Reproducción

La principal particularidad de estos equipos es poseer un control sobre la velocidad de reproducción, lo que servirá para emparejar dicha velocidad entre los dos o más temas que se estén mezclando. En el ejemplo de compactera, vemos un modelo simple o single player, para reproducción de un solo CD, también hay compacteras dobles o dual player que reproducen y controlan 2 CDs.

Una obra maestra. La tradicional bandeja Technics SL 1200 (en este caso el modelo MK5)

1- Encendido – Apagado.

2- Play – Stop.

3- Botones de control de velocidad de giro (33 – 45 rpm).

4- Luz para púa/disco.

5- Portacápsula. Es donde va la cápsula y en ella la púa que se apoyará sobre el disco.

6- Botón Reset (vuelve el Pitch a 0, es decir a la velocidad normal)

7- Pitch o control de velocidad. Aumenta o disminuye la velocidad de reproducción del disco.

8- Brazo.

9- Control de anti-deslizamiento o anti-skating. Regula la tendencia del brazo de desplazarse hacia el centro o hacia afuera.

10- Contrapeso. Regula el peso que ejerce la púa sobre el disco.

11- Control de altura del brazo.

12- Paño o slipmat. Otorga un mayor y más fácil deslizamiento del disco.

13- Adaptador para discos de 45 rpm (que traían un orificio mas grande).

14- Luz estroboscópica. Se utiliza para realizar un control de la calibración y el funcionamiento del Pitch, así como de la oscilación o no (pequeñas variaciones en la velocidad) del plato.

Pioneer CDJ 800. Se hace una mención breve de sus funciones. En la actualidad, la compactera más usual en los clubes es la Pioneer CDJ 1000 (y su modelo más reciente, MK3), pero al tener muchas más funciones se haría muy extensa y complicada su descripción.

1- Botón CUE. Inicia la reproducción en un punto o marca insertada en el tema.

2- PLAY-STOP. Inicia o detiene la reproducción normalmente.

3- Plato. En el modo vinilo se utiliza para manipular el tema como si se tratase de un disco.

4- Pitch Bend. Su función es la de aumentar o disminuir la velocidad de reproducción según la dirección de giro (en otras compacteras son botones + y -), pero a diferencia del Pitch, en este caso cuando se deja de accionar, la velocidad vuelve a ser la inicial.

5- Pitch o control de velocidad. Aumenta o disminuye la velocidad de reproducción del disco.

6- Botones TEMPO, MASTER TEMPO (también llamado KEY ADJUST). Se utilizan, uno para regular la escala de variación de velocidad (+/- 6, +/-10, etc.), el otro para no modificar la nota (o key) del tema cuando se modifica su velocidad (lo que si sucede con los vinilos).

7- Controles para modo vinilo. Al activar este modo y girar el plato, se podrá manipular el tema como si fuese un disco. Se puede también ajustar la sensibilidad del plato.

8- Botón EJECT o expulsar.

9- Botones de control para la memoria. Esta compactera posee una memoria que puede almacenar puntos o marcas cue, loops, etc.

10- Visor. Donde se pueden visualizar número de track, nombre del tema, tiempo transcurrido o restante, etc.

11- Controles de visualización. Tiempo transcurrido o restante, nombre del track/artista/disco, etc.

12- Botones de control de LOOP. Un loop es la repetición de una parte del tema, con estos botones se da una entrada IN (comienzo), una salida OUT (final), RELOOP (volver a repetir) o EXIT (volver al tema original).

13- Botones AUTO BEAT. Su función es dividir el loop en secciones de repetición más pequeñas.

14- Botón REV. Lectura inversa.

15- Botones de búsqueda SEARCH Y TRACK SEARCH.

1b. Mezcla

El mixer (mezclador, consola mezcladora) es justamente donde se realiza la mezcla. Allí se conectan los equipos de reproducción y se realiza la preescucha o monitorización antes de que la música salga “al aire”. Básicamente sus funciones son controlar los volúmenes y ecualizar las distintas frecuencias de los temas. Las salidas del mixer serán primero amplificadas y luego reproducidas en las cajas acústicas o bafles.

Mixer Pioneer DJM-400. Un modelo de gran calidad de 2 canales (hay mixers de 3, 4 y más canales). Lo elegí también para simplificar la descripción.

1- MASTER. Controla el volumen general de salida.

2- Controles de efectos. En este caso, el mixer posee efectos (no todos lo tienen incorporados). Los efectos modifican el sonido original de la música que se reproduce o del micrófono conectado al mixer (chorus, flanger, delay, etc.).

3- CROSSFADER (x-fader) y sus controles. La función del crossfader es hacer una transición entre dos canales cuando los faders de volumen están arriba. Desplazándolo de un lado hacia el otro, aumenta el nivel de salida de un canal y disminuye el del otro hasta que sólo se oye uno. Situado en el medio, puede oírse la señal de ambos canales. En este caso, el mixer cuenta con botones Fader Start (se utiliza el crossfader como un control remoto de las compacteras), y control de la curva del crossfader (regula la forma en que se realiza la conmutación entre canales).

4- FADER. Aumenta o disminuye el nivel de salida del canal.

5- Indicadores de volumen de canal y del master. En este caso se identifican con colores, y sirven para controlar que el volumen sea adecuado.

6- EQ o ecualizadores. Se utilizan para realzar o atenuar determinadas frecuencias. En este caso HI (altos o agudos), MID (medios) y LOW (bajos o graves).

7- TRIM o GAIN. Controla el volumen de salida del canal.

8- Conmutador Line/Phono. Se utiliza para cambiar la señal que recibe la entrada del canal. Line o línea para compacteras y Phono para bandejas de vinilos.

9- Controles de micrófono. Controlan el volumen y la ecualización del mismo.

10- Controles y entrada de auriculares. Controla el volumen de los auriculares. En este caso el mixer permite elegir preescuchar el master o los canales.

1c. Preescucha o monitoreo

Otro factor clave en la mezcla es la preescucha, donde se sincronizarán el tema que está sonando “al aire” o saliente y el tema con el que se mezclará, o tema entrante. Esto se realiza por medio de los auriculares y aquí juega mucho el “oído entrenado” del DJ. Una vez que el tema entrante y el saliente están sonando “al aire”, la monitorización puede realizarse por medio de cajas ubicadas cerca de la cabina, llamadas monitores o booth.

1d. Amplificación y Transmisión

La señal a la salida del mixer no está amplificada. Es por ello que necesitaremos, para amplificarla y transmitirla, una potencia y cajas acústicas o bafles. Si bien básicamente podríamos decir que la función de estos equipos es amplificar y permitirnos oír la música que se está reproduciendo, hay muchas cuestiones técnicas relacionadas a la calidad de los equipos, de los componentes utilizados, la forma de conectarlos, etc. No voy a profundizar en estos temas al ser tan extensos, pero en los links a continuación hay información mas detallada. enciclopedia altavoz

Aparte de los equipos básicos necesarios para mezclar, hay muchísimos otros que pueden agregarse al setup, como micrófonos, máquinas de efectos o efecteras (ej. Pioneer EFX-1000, Korg Kaoss Pad, entre otros), crossover, etc.

2. La música

En esta parte se tomará como ejemplo la música más habitual de pista de baile o dancefloor (house, techno, trance, y sus derivados), con compás 4/4 (bombo en negras), aclarando que no siempre la música electrónica tiene esta estructura, ni está destinada a la pista de baile.

2a. Géneros

Hoy en día los géneros y subgéneros dentro de la música electrónica son innumerables, ya sea

por la propia fusión entre los mismos, como por la fusión entre la música electrónica con otros tipos de música. En el link siguiente hay un esquema con los diferentes géneros, y como estos se fueron ramificando con el paso del tiempo. También, para cada género o subgénero hay una reseña del autor (en inglés) y ejemplos (samples) en audio. generos de musica electronica

2b. Estructura

Gráfico 1. Representa la composición básica de la batería de un tema musical. BD (Bass Drum) es el bombo característico que marca el inicio del beat, y snare el redoblante. Esta sería básicamente la composición de la percusión del house.

El beat Cuando escuchamos un tema, lo primero que nuestro cuerpo identifica es el beat. Ya sea moviendo la cabeza o golpeando con la mano o el pié sobre el sonido del bombo (BD) o golpe, lo que estamos haciendo es marcar los beats. En el gráfico vemos representados 4 beats (desde 1 hasta 1.4, desde 2 hasta 2.4 y así sucesivamente).

El compás En el estilo de música con compases llamados 4/4 (cuatro cuartas o bombo en negras), 4 beats representan 1 compás. Podemos reconocer el compás escuchando un tema y contando los beats de a 4 de esta manera: 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4… y así sucesivamente, donde el 1 representa el inicio de cada compás. En conclusión, el gráfico 1 representa un compás. En cambio, si contamos de esta manera: 1, 2, 3, 4, 2, 2, 3, 4, 3, 2, 3, 4, 4… estaríamos contando el número de compases.

La frase Los compases forman frases. Generalmente (aunque no siempre) encontramos en la música electrónica frases de 8 compases como se muestra en el gráfico 2.

Gráfico 2. En este ejemplo, 4 beats forman un compás, y 8 compases forman una frase.

Las frases dan forma al tema musical o track. Cada determinado número de frases se producen los cambios. Por ejemplo un track puede tener la siguiente forma: 2 frases de introducción de batería, en la tercera entra el bajo, en la séptima frase hay una bajada, y así…

Es muy importante reconocer los beats, compases y frases ya que de esto depende en gran

parte el éxito de la mezcla.

La velocidad del tema Los BPM o beats por minuto son la unidad con la que medimos la velocidad de un track. Simplemente se trata de cuantos beats o golpes hay por minuto en el tema. Entonces decimos, por ejemplo, que la velocidad de un track es de 125 BPM. Un track de 127 BPM será “más rápido”. La música de pista tiene BPM constante, lo que permite la mezcla entre tracks.

3. La mezcla o mix

Teniendo una noción básica sobre los equipos y la estructura musical, llegó el momento de la mezcla. Esta consiste en tener un tema sonando “al aire” (tema saliente), sincronizarlo con otro tema (entrante) escuchándolo por los auriculares para luego, mientras ambos suenan al aire, hacer una transición. Mientras el tema saliente progresivamente deja de sonar, de la misma manera el tema entrante se hace presente, hasta ser el único que suena (entonces será el tema saliente al mezclarse con otro track). Lo ideal es que el cambio o transición entre tracks sea lo menos evidente posible.

3a. “Tirar” el tema entrante

Como vimos anteriormente, podemos dividir un track en beats. Lo primero que tenemos que lograr es hacer coincidir los beats del track entrante con los del saliente para lograr una coherencia en la mezcla. Para ello, debemos encontrar el primer beat, que no es nada mas ni nada menos que el primer golpe de bombo (BD) del track.

En el caso de las bandejas, se reproduce el track, y cuando suena el primer golpe se sujeta el disco y se lo vuelve hacia atrás, de modo que al soltarlo vuelva a sonar. En las compacteras, se pausa el tema al sonar el primer bombo y se retrocede hasta el inicio del golpe. En este punto se hace una marca o CUE (la forma de marcar el cue difiere según la compactera).

Una vez marcado el primer golpe, debemos soltar el disco o dar play justo en un beat 1 del tema saliente como lo marca el gráfico 3, lo que se llama “tirar en 1”, en referencia al beat 1. Gráfico 3. Forma correcta e incorrecta de sincronizar los beats entre el track saliente y entrante.

Si lo hacemos correctamente los golpes de ambos tracks sonarán sincronizados uno sobre el otro, como si se tratase de uno solo.

3b. El beatmatching

Ya mencionamos que los tracks pueden tener distintas velocidades o BPM. Cuando sincronizamos los beats, si un tema es más rápido que el otro, los beats tenderán a perder la sincronización, a “correrse”, pasando de la forma correcta que se ve en el gráfico, a una forma cada vez mas parecida a la incorrecta. Cuando los tracks comienzan a correrse oímos como los golpes dejan de parecer uno y se escuchan dos, lo que se llama comúnmente “zapateo”

Para mantener la sincronización utilizamos el PITCH, el cual aumenta o disminuye los BPM del track partiendo del punto 0, en el cual el track se reproduce a su velocidad normal. En las bandejas generalmente la escala del pitch es de +/- 6 % de la velocidad normal. En las compacteras la escala es variable y en muchos casos, regulable.

Ahora… ¿Cuál es el track más lento y cuál el más rápido? La técnica recomendable durante la mezcla es la prueba y error. Cuando los tracks comienzan a perder sincronización, si creo que el tema entrante es más rápido, tomo una decisión rápida y pruebo bajando su velocidad. Si realmente era más rápido, la mezcla mejorará y volverán a sonar los golpes como uno solo (dejará de oírse el zapateo). Si estaba equivocado y la mezcla empeora, probaré entonces aumentando la velocidad, y así hasta que logre que ambos track se reproduzcan a igual velocidad.3c. Cuadratura

Una vez que logramos sincronizar dos track, aprenderemos a mezclarlos en cuadratura. Quizás suene complicado, pero mezclar en cuadratura es sincronizar las frases de ambos tracks. Como dijimos, generalmente las frases son de 8 compases, así que una vez que hayamos aprendido a reconocerlas, debemos lograr “tirar” el primer beat de la primera frase (o sea el primer golpe) del track entrante, en el beat 1 de una frase del track saliente. Mezclar en cuadratura da aún más coherencia a la mezcla.

3d. La transición

Una vez que tenemos ambos temas sincronizados y en cuadratura, dejaremos sonar al aire también al tema entrante, ya sea subiendo el fader del canal del entrante, o moviendo en crossfader hacia el medio. En este momento podrán oírse por los parlantes ambos temas y las frecuencias de los mismos no deben interferir entre si, el track saliente y el entrante no deben “molestarse” y sonar mal.

Para lograr una buena transición, casi imperceptible, usaremos durante el monitoreo y antes de dejarlo sonar, los EQ o ecualizadores del canal del tema entrante, atenuando o reforzando las frecuencias altas, medias o bajas, de modo tal que los tracks entrante y saliente suenen lo mas parecido posible a uno solo, pero con elementos de ambos. Una vez logrado esto si, mandamos al aire el track saliente.

Las técnicas de ecualización durante el monitoreo son muy personales, no hay una regla a seguir. Lo que si suele hacerse es bajar los graves (bajos) del tema entrante antes de mandarlo al aire, ya que son las frecuencias mas fuertes y suelen interferir con las del tema saliente.

Mientras se realiza la transición, se van recuperando los graves del track saliente mientras se disminuyen los del entrante.

Mediante el fader o crossfader y los EQ, daremos cada vez menos presencia al track saliente y más al entrante hasta que éste quede sonando únicamente. ¡¡¡FELICES MEZCLAS!!!

Historia de la Música Electrónica

Desde que la música es música, desde que se escucho por primera vez un sonido musical, muchos son los estilos que han surgido a través del tiempo, o por fusiones con otros estilos musicales o por creación de algunos que supieron mezclar sonidos sacando nuevos géneros y nuevas tendencias, la música en general hoy por hoy va por un camino incierto, ya que con tanta tecnología nos sabemos lo que nos deparará en el futuro, pero justamente para tratar de entender hacia donde vamos trataremos de hacer una breve reseña de la evolución musical, en este caso de la música electrónica, desde el uso del primer sampleo hasta la incorporación de nuevas maquinas y robots, si bien la electrónica abarca un sin fin de subgéneros, trataremos brevemente de contar algo de su historia.

Compositores e inventores

El movimiento "The Art of Noise" de principios de siglo fue lo que de verdad dio a luz a lo que se llama hoy cultura rave, mediante composiciones inspiradas por el vaivén mecánico y eléctrico de la ciudad. Haciendo cajas caseras, a las cuales incorporaban los sonidos de sirenas, cornetas y pitos, estos futuristas ya estaban haciendo tecno pero sin la incorporación de beats. Al avanzar el siglo, compositores como Pierre Schaeffer y Pierre Henry comenzaron a cortar y pegar cintas magnéticas (un ejemplo antiguo del sampling) para crear piezas con pedazos de sonidos provenientes de distintas fuentes. Antes de que los djs de clubs usaran platos - bandejas (turntables) de velocidad variable, Luigi Russolo y el

compositor americano John Cage incorporaban tanto como 42 platos en una sola pieza. Estas han sido sampleadas o remezcladas por artistas contemporáneos, como Irresistible Force, Dj Spooky, Fatboy Slim y Coldcut, entre otros.

Minimalismo

A principios y mediados del siglo, los vanguardistas se convirtieron en precursores de la instrumentación de la música dance electrónica, y continuaron sus experimentos durante los 60 y 70. También debemos agregar a Brian Eno, el

productor y músico pop que "inventó" el término de música Ambient en 1978, sacando álbumes como Music For Films and Ambient I y Music for Airports. Eno compuso melodías complejas que podían ser usadas como música de fondo.

Kraut Rock

En los últimos años, casi todos los grupos alemanes de rock progresivo han sido influenciados por Kraftwerk: Can, Faust, Tangerine Dream y Cluster. A finales de los 60 y principios de los 70 estos rockeros comenzaron a experimentar con sintetizadores y osciladores, y crearon música psicodélica del espacio exterior -trips de drogas y tecnología-, de los cuales todos se mantienen como temas principales de la música electrónica. Kraftwerk podría ser el único y más importante precursor de la música electrónica. También podrían ser los originales artistas desconocidos, que siempre usaron robots como reemplazo en fotos y en tarima. Crearon música pop electrónica impecable que aún suena bien hoy en día. Fueron los discos de Kraftwerk que utilizó y sampleó Afrika Bambataa, para crear uno de los primeros grandes hits del electro/rap, Planet Rock. Era Kraftwerk lo que estaba escuchando la gente de Detroit cuando se les ocurrió su propia variación de la misma: el Tecno.

Dub

Usando el estudio de grabación como instrumento, los pioneros del dub jamaiquino(King Tubby, Lee "Scratch" Perry y Sly and Robbie) trabajaron al revés. Tomaron los éxitos del reggae y le quitaban básicamente todo menos la batería y los bajos. Luego tomaban los pedazos y agregaban ecos de guitarras, reverberaciones y cualquier sonido espacial. La cultura del dub y el reggae giraban alrededor de los Sound Systems, y viajaban de ciudad en ciudad mientras los presentadores cantaban sobre la música, cosa que tuvo

mucha influencia en los principios del rap. En casi cualquier subgénero de la música electrónica, -ya sea drum and bass, ambient, tecno- hay algo que remite a la música dub.

Disco

Antes de que Saturday Night Fever lograra que la música disco surgiera de los clubs de gays y negros, había mucha innovación. Entre las influencias más grandes está Giorgio Moroder, quien le agregó esas dulces tonalidades a los himnos de Donna Summer. El instrumental de Hot Butter Popcorn sonaba como tecno antes de que el término tuviera significado alguno. Tan importante como la música fue la manera en que el disco music transformó la vida nocturna de los clubs.

Synth Pop

Evolucionando del punk a finales de los 70, surge el New Wave, el cual se transforma mucho antes de tener una influencia en la música electrónica. Bandas de la época son New Order, Depeche Mode y Yaz, en particular; aunque también hay que agregar a aquellas agrupaciones que heredaron la obsesión por la tecnología de Kraftwerk: Gary Numan, The Art of Noise, DAF, Yello y Yellow Magic Orchestra, sin olvidar los grupos industriales que le agregaron un lado más duro a la música electrónica: Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, Ministry y Front 242.

Electrofunk

Se podría decir que el Electrofunk tomó al disco y reemplazó a las divas con robots. Zapp, Parliament Funkadelic y Prince ayudaron a pavimentar el camino para grupos de principios de los 80, como Afrika Bambaataa, Uncle Jam´s Army, Mantronix, Newcleus, George Kranz y World Class Wreckin´ Kru, los cuales construían canciones con sintetizadores, drum machines, sampleos de James Brown y vocales humanas sintetizadas a través de un "vocoder". Esta fue la respuesta de los negros ante Kraftwerk, demostrando que el funk podía ser tocado por máquinas al igual que el rock. En esta era también fueron importantes los primeros discos de Break Beat.

House

Chicago, 1984. The Warehouse es considerado normalmente como el lugar donde comenzó la movida de la música electrónica moderna. Ahí el disco nunca murió, simplemente se fue al underground. Marshall Jefferson, Steve "Silk" Hurley,

Jamie Principle, Farley "Jackmaster" Funk y otros retiraron el pop y comenzaron a usar melodías de piano, ritmos latinos, baterías y bajos muy, muy profundos. En The Warehouse, el dj Frankie Knuckles le agregaba sus efectos y baterías a los hits de música club. Al contrario de los estilos anteriores, la música House continúa creciendo.

Acid House

Acid Trax es el nombre de una disquera de house en Chicago. No se sabe si se refiere a los altos sonidos que creaban los 303 (sintetizadores de bajo) o si se refiere a la droga alucinógena. Cuando los djs ingleses regresaron de Chicago con muchos de los discos de Acid Trax, a finales de los 80, empezaron a crear su propio acid house tomando esos ritmos importados y agregándole sampleos de televisión, efectos y sonidos, ayudados además por la droga traída de Norteamérica: el "écstasy". La juventud inglesa se congregó alrededor de la música sin importar la raza, edad o cultura y así celebraron su propio verano del amor en 1988. Aquí participaron djs como Danny Rampling y Paul Oakenfold, y bandas como A Guy Calle Gerald, 808 State y T-Coy.

Tecno (Detroit)

Si en el House se trata del momento, el Tecno trata del futuro gracias (en gran parte) a Electryfyin' Mojo, un dj que dio a conocer a Kraftwerk, New Order y Devo a los jóvenes de Detroit. Comenzaron a hacer música mas rápida incorporando cada vez más funk y house y creando así el primer hit de tecno en 1989: Big Fun, de Inner City. Esos djs continúan sacando singles y álbumes al tiempo que se les une una nueva generación de compositores de Detroit como: Carl Craig, Jeff Mills, Richie Hawtkin y Kenny Larkin, los cuales llevan la música a un nivel de abstracción cada vez mayor.

Techno (Inglaterra)

Grandes capos de la droga, artículos de prensa, redadas de policías y leyes prohibiendo reuniones sin permiso, obligan al movimiento a volver al underground, en donde se transformó en el tecno que conocemos y amamos hoy en día. Esta vez la inspiración no fue Chicago, sino Detroit. Ya que la era de raves gigantescos había terminado, las fiestas volvían a los pequeños clubs donde se podía dirigir a un público más específico: había sitios para house, drum and bass, hardcore, etc. La música se regó por toda Europa, llegó a Asia y, finalmente, volvió a Estados Unidos en donde muchos músicos, anteriormente ignorados por la industria, consiguen contratos con las grandes disqueras

(Josh Wink, Crystal Method entre otros).

Ambient

Como consumían drogas y bailaban durante toda la noche, los chicos necesitaban un lugar de descanso. Así nació el chill-out, donde los oídos y mentes eran estimulados mientras los pies descansaban. Alex Paterson, de The Orb, se imaginó haber escuchado algo nuevo en una mezcla de Tony Humphries y comenzó a mezclar música dance con sonidos de trenes, animales y otros. Finalmente, la música dance se había librado de la tiranía de los beats con canciones como 3 AM Eternal, de KLF. Otros artistas, como Irresistible Force, Future Sound of London y Aphex Twin ayudaron en el progreso de la movida.

Jungle

El choque entre jóvenes enamorados del hip hop y djs que tocaban acid house -como Fabio y Grooverider, que querían algo más rápido, duro y oscuro- produjo la respuesta inglesa del rap ante el dub: el Jungle. Este contenía vocales de MCs de reggae, líneas de bajo muy profundas y baterías que eran distorsionadas de cualquier modo posible. En 1994, el Jungle fue sacado de los barrios e introducido al mercado, donde artistas desde David Bowie hasta U2 y Everything But The Girl lo usaron en su música. Como el tecno, el Jungle (ahora conocido como Drum and Bass) se dividió en varios subgéneros: tech step, jump up, hard step y jazz step, entre otros.

El Futuro

La electrónica es un género que como el Jazz, Blues o Rock'n'Roll, llegó para establecerse. Cada día observamos mas innovación, mas creatividad y nuevas maneras de componer, que a su vez crean nuevos sub-géneros y formas. Las bases están sentadas y ahora lo que hay es experimentación a todo nivel. Desde el House hasta el Drum'n'bass y Spiral-tekno han pasado muchas cosas y seguramente oiremos y bailaremos cada vez nuevos, mejores y mas interesantes temas.

Música con máquinas

Es música creada con medios electrónicos. Este concepto incluye la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe sobre la cinta y se interpreta por medio de altavoces), la música electrónica en vivo (creada en

tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos), la música concreta(creada a partir de sonidos grabados y luego modificados) y la música que combina el sonido de intérpretes en vivo y música electrónica grabada. Si bien estos tipos de música se refieren en principio a la naturaleza de la tecnología y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos claras. Hoy está en uso otra terminología como música por computadora, música electroacústica o música radiofónica, unas definiciones que suelen referirse más a la estética que a las tecnologías utilizadas.

Antecedentes históricos

En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con ruido y cajas de música electrónica. Fue entonces cuando aparecieron los primeros instrumentos musicales electrónicos comerciales. No obstante, ciertos compositores visionarios como Alexander Skriabin o Henry Cowell habían soñado una música creada solamente por medios electrónicos, aunque este tipo de música electrónica no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de la grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial. El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado Ondas Martenot, un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano. En las décadas de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de grabación, asociados a los nombres de figuras destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones de sonido provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un término que aún se sigue utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Sinfonía para un hombre solo, compuesta en colaboración con su colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de

música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos

sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.

A finales de la década de 1940 Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos. A finales de los años cincuenta ya se habían establecido gran parte de los estudios de música electrónica de Europa. Los más importantes eran el de la RAI en Milán, fundado por Luciano Berio y Maderna, el Instituto de Sonología de Utrecht y el estudio EMS de Estocolmo. La división entre la música concreta y la música electrónica pura fue un fenómeno básicamente europeo. Si bien en EEUU surgieron varios estudios en aquella época las distinciones estéticas eran allí menos importantes. En la década de 1950 en Nueva York los compositores Otto Luening y Vladimir Ussachevski crearon músicas para cinta magnetofónica con un equipo de estudio muy rudimentario. Su música transformaba los sonidos grabados de instrumentos y voces mediante técnicas de manipulación de cintas y simples unidades de reverberación. A finales de la década se asociaron con el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton, en el cual el compositor Milton Babbitt empleaba una enorme computadora RCA para crear una música compuesta con los mismos principios seriales que Eimert y Stockhausen en Colonia. Su obra Philomel (1964) fue una de las primeras composiciones para soprano solista y cinta magnetofónica. El desarrollo de la tecnología informática en las décadas de 1950 y 1960 llevó al establecimiento de una serie de estudios dedicados en exclusiva a la música por ordenador en universidades estadounidenses y, en menor medida, en

Europa. Durante los años sesenta y setenta los estadounidenses Lansky y Barry Vercoe, entre otros, desarrollaron paquetes de programas para música (programas informáticos diseñados para la manipulación y creación de sonido), que se entregaban gratuitamente a los compositores interesados. Esta tradición de software en las universidades de Estados Unidos ha contribuido en gran medida al crecimiento de la música por computadora en todo el mundo. Tanto el Centro para la Investigación Informática en Música y Acústica (CCRMA) de la Universidad de Stanford, en el estado de California, como el Institute de Recherche et de Coordination Acustique/Musique (IRCAM) de París (fundado por Pierre Boulez en 1977), utilizaron los ordenadores de forma significativa y continúan siendo centros influyentes en la composición de música electrónica en la actualidad. El rápido desarrollo de la tecnología informática durante los últimos 15 años ha conducido a una revolución en la música por computadora y en la música electrónica en general. Los ordenadores son ahora más asequibles, y los programas informáticos, que antes eran muy lentos, funcionan ahora en cuestión de segundos o incluso de forma simultánea a los instrumentos. Son muchas las universidades actuales equipadas con un estudio de música por ordenador y varios países tienen estudios nacionales, dedicados a la composición de música electrónica. Además, los músicos trabajan cada vez más de forma independiente, en estudios particulares.

Los sintetizadores y los instrumentos de música electrónica

A principios del siglo XX se inventaron instrumentos electrónicos como el Telharmonium o el Theremin, pero eran muy rudimentarios en su construcción y complicados en su funcionamiento. Los sintetizadores e instrumentos electrónicos con amplificación, susceptibles de ser utilizados en las actuaciones en vivo, se perfeccionaron en la década de 1960. La computadora central RCA fue en esencia uno de los primeros sintetizadores electrónicos. El aparato contenía todos los recursos necesarios para generar y modificar los sonidos por medios electrónicos. En los sesenta, Robert Moog, Don Buchla y los fabricantes británicos EMS, entre otros, comenzaron a producir sintetizadores que utilizaban el control de voltajes. Se trataba de un medio electrónico para variar el tono o el volumen, y se empleaba para crear, filtrar y modificar, sonidos electrónicos.

Pronto aparecieron sintetizadores que ofrecían una serie de

sonidos y efectos pregrabados. Éstos serían utilizados cada vez más con propósitos comerciales, desde los anuncios de la televisión hasta la música para películas de ciencia-ficción. Hoy existe una amplia variedad de sintetizadores, capaces de imitar casi cualquier sonido y de crear gamas tonales y timbres completamente nuevos.

Los nuevos instrumentos musicales electrónicos de la década de 1960 también contribuyeron al crecimiento de la música electrónica en vivo, en la cual la creación y la manipulación electrónica del sonido ocurren en tiempo real (es decir, que se tocan y se escuchan en el momento). Al mismo tiempo, ciertos compositores creaban música electrónica en vivo con equipos fabricados por ellos mismos. La obra Solo de Stockhausen (1966), por ejemplo, utilizaba un complejo sistema de retardo de la grabación que requería cuatro ayudantes para su interpretación. Durante la década de 1960 surgieron numerosos grupos de música electrónica en vivo, muchos de los cuales interpretaban música improvisada de carácter teatral. En años recientes, la revolución tecnológica también se tradujo en la aparición de numerosos instrumentos electrónicos y programas de ordenador diseñados para las actuaciones en directo. Destacan, entre otros, el músico y diseñador de instrumentos Michel Waisvisz, que trabaja en los estudios STEIM de Holanda, inventor de diversos instrumentos como el llamado The Hands (las manos), en el cual el movimiento de las manos del intérprete en el espacio activa sonidos complejos y permite manipulaciones sónicas. El compositor-intérprete estadounidense George Lewis combina la improvisación al trombón con programas personalizados de composición por ordenador que trabajan de forma simultánea. La estación de trabajo de procesamiento de señales desarrollada en el IRCAM permite una manipulación muy compleja en tiempo real de los sonidos instrumentales y sintéticos. Además de estos interfaces (superficie de contacto) altamente especializados, muchos compositores e intérpretes utilizan algunas cajas de efectos disponibles en el mercado, diseñadas pensando en el mercado de la música popular.

La evolución del sintetizador y la guitarra eléctrica a partir de los años cincuenta también ha influido en gran medida en el mundo del pop y la música rock. Los avances tecnológicos fueron acogidos con entusiasmo por grupos como The Grateful Dead, Pink Floyd y la Velvet Underground. En la década de 1980 se inventó una nueva forma de trabajar con instrumentos de música electrónica dirigida al mercado popular: el llamado MIDI (interface digital de instrumentos musicales). El MIDI no es un instrumento musical, sino un

medio que permite a los sintetizadores y otros equipos comunicarse unos con otros mediante el envío de instrucciones digitales. Por ejemplo, mediante el MIDI un intérprete puede hacer que varios sintetizadores respondan cuando se toque uno de ellos. El uso de la tecnología musical en la música pop y rock es tan importante que la naturaleza de los instrumentos y las otras tecnologías musicales relacionadas con la música electrónica están dictadas, en gran medida, por las necesidades de la industria del rock.

La síntesis del sonido y las técnicas de procesamiento

Las diferentes técnicas utilizadas para crear música electrónica pueden dividirse entre las que se usan para crear nuevos sonidos y las que se utilizan para modificar, o transformar, sonidos ya registrados. En épocas pasadas se usaban osciladores y filtros de control por voltaje, pero estas funciones las realiza hoy el ordenador. La creación de sonidos completamente nuevos obtenidos por la superposición o la mezcla de sonidos puros es un proceso llamado síntesis aditiva. Por otra parte, el modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva. El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el estadounidense Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en su obra Cascando (1983). La síntesis por frecuencia modulada (FM), documentada por vez primera por el compositor estadounidense John Chowning en la década de 1960, se emplea como vía para crears sonidos sintéticos complejos. Su pieza para cinta Stria (1976) está compuesta de varios timbres FM mezclados. Se pueden usar filtros de diferentes tipos para acentuar tonos o armonías específicas, y los sonidos pueden prolongarse en el tiempo, o elevarse y bajarse de tono, gracias a técnicas como el vocoding de fase o codificación predictiva lineal. Las Seis fantasías sobre un poema de Thomas Campion de Paul Lansky (1979) son una obra pionera en este área. Además, se usan técnicas de reverberación para añadir ecos o un cierto retardo a los sonidos grabados o sintetizados, mientras que se utilizan técnicas de simulación de espacios o salas para imitar el carácter acústico de las grandes salas de conciertos y otros espacios. Todas estas técnicas, aisladas o combinadas, son de uso frecuente entre los compositores de música electrónica.

Música por ordenador y música electroacústica

La música por ordenador se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música creada mediante el corte y

pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los ordenadores almacenan la información de forma digital, como números que pueden manipularse mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960 los términos música electroacústica y por ordenador se refieren, respectivamente aunque no de forma constante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de forma equivalente, dado que casi toda la música electrónica utiliza ahora tecnología digital.

Son hoy muchos los compositores que escriben música electrónica, en una gran variedad de estilos. En alguno de estos casos la tecnología digital ofrece la oportunidad de crear una música para cinta magnetofónica que explore los sonidos del entorno natural. El compositor francés Luc Ferrari ha escrito una serie de piezas, Presque Rien nº 1-3, usando grabaciones directas de los sonidos del mar o del campo. Otros compositores, como Denis Smalley en el Reino Unido o el argentino Horacio Vaggione, continúan la tradición de la música concreta en la que los sonidos grabados son sometidos a un procesamiento y una edición muy intensas. Este tipo de música, en la que los sonidos grabados son tratados como objetos sonoros abstractos, es conocido como acusmática. Para compositores como el canadiense Robert Normandeau es importante cómo se presenta la música de cinta en una actuación. Su obra Spleen (1993) ha de interpretarse con varios altavoces.

Avances futuros

La música electrónica es, con relación a la música en general, un campo muy nuevo que ha sabido adaptarse a los rápidos avances tecnológicos. En años recientes ha habido enormes avances en la tecnología interactiva y multimedia, de gran influencia en el carácter de la música electrónica y en su interpretación. La disponibilidad de cada vez mayor tecnología de comunicaciones como Internet y otras redes informáticas han permitido a los compositores intercambiar programas de música e incluso sonidos grabados. Si se observa este género de forma aislada, tanto desde el punto de vista de los compositores como del público, se apreciarán las diferencias tecnológicas y estéticas con respecto a la música convencional. Hoy son muchos los practicantes de este género que ven la música electrónica como una parte del todo que constituye la música. Muchas obras combinan sonidos electrónicos y acústicos(instrumentales). Buen número de compositores de este género trabajan en colaboración con otros medios como

el vídeo, el cine o la danza. Quizá en el futuro el término música electrónica desaparezca, una vez que tanto la tecnología electrónica como la informática estén plenamente integradas en el mundo del compositor.

Que es un sintetizador?

Un sintetizador es un aparato que genera y manipula sonidos por medios electrónicos. Con este artefacto se pueden crear nuevos sonidos así como reproducir los de los instrumentos musicales conocidos. La forma de la onda generada es alterada en su duración, altura y timbre mediante el uso de dispositivos tales como amplificadores, mezcladores, filtros, reverberadores, secuenciadores y moduladores de frecuencia. El primer sintetizador apareció en 1955. Fue desarrollado por Olsen y Belar en la Radio Corporation of America (RCA) en Princeton. Estaba destinado a investigar las propiedades del sonido, no a ser un instrumento musical. Varios compositores se interesaron en ampliar las posibilidades de producción de sonidos y en controlar todos los aspectos de la música gracias a esta herramienta. Entre ellos destacan Milton Babbitt, Marion Davido, Morton Subotnik y Charles Wuorinen. El sintetizador más conocido es el Moog, la primera máquina sencilla indicada hasta para el uso doméstico, que recibe su nombre del ingeniero estadounidense Robert Moog, quien desarrolló el primer prototipo en 1964. Apareció en la década de 1960. Se maneja con uno o más teclados. Es posible crear un número casi infinito de sonidos y combinaciones y pueden imitarse muchos instrumentos. También pueden producirse sonidos que superan la capacidad de los instrumentos convencionales y que se combinan con los que captan los micrófonos. Además de su utilidad en la composición, los sintetizadores se utilizan para adaptar música instrumental, como en las conocidas grabaciones de Johann Sebastian Bach que Walter Carlos realizó en 1969. El sintetizador Moog fue seguido por otros de diseño similar de empresas como Buchla y Putney. Entre 1960 y 1980 se fabricaron aparatos más reducidos que usaban microprocesadores, con lo que se hizo posible la grabación digital del sonido. Han utilizado estos instrumentos tanto músicos de formación clásica como grupos de música pop.

SERATO: basicamente, es una interface que se conecta entre las bandejas y el mixer y lo que hace, señal grabada en los vinilos mediante, es permitirte controlar los mp3 que tenes en tu compu a traves de las bandejas como si usaras vinilos.

El turntablism (también llamado DJing) es el arte de arreglar o crear música mediante efectos de sonido y manipulación de las rutinas de rotación y lectura de los discos de vinilo sobre un plato giradiscos. Turntablism se podría traducir como «el arte de hacer girar "las mesas" (de discos)». Se llama turntable (mesa giratoria) al plato giradiscos. El turntatblism es uno de los cuatro pilares básicos de la cultura Hip-Hop y uno de los orígenes de las técnicas de música dance actuales.

La primera persona que utilizó el nombre de turntablism para diferenciarse del resto de pinchadiscos, que simplemente ponían y mezclaban canciones, fue DJ Babu (Dilated Peoples).[cita requerida] Los turntablists usan técnicas como scratching o beat juggling en la composición musical de un tema.

Algunos turntablists se consideran músicos capaces de improvisar y de enfrentarse en competición unos contra otros.

Un secuenciador es un dispositivo electrónico físico o una aplicación informática que permite programar y reproducir eventos musicales de forma secuencial mediante una interfaz de control físico o lógico conectado a uno o más instrumentos musicales electrónicos. La interfaz de control más extendido es el estándar MIDI.

El secuenciador es la herramienta principal de composición, programación y control sobre los equipos de instrumentación electrónica musical (sintetizadores, samplers, cajas de ritmo, procesadores de señal, etc).