1 UNIDAD 1.- APROXIMACIÓN A LA HISTORIA

DEL ARTE Y A LOS LENGUAJES ARTÍSTICOS

CONTENIDOS DE LA UNIDAD

1.- El arte como expresión humana en el espacio y en el tiempo

2.- El lenguaje de las artes visuales y su terminología: descripción y

comentario

3.- Métodos para estudiar la Historia del Arte

4.- Restauración y conservación del Patrimonio

5.- Mecenas y clientes

6.- Glosario de términos

7.- Bibliografía

1.- EL ARTE COMO EXPRESIÓN HUMANA EN EL ESPACIO Y EN EL

TIEMPO

A lo largo de este curso vamos a realizar un viaje a vista de pájaro

sobre las obras más hermosas realizadas por el hombre. Esto es, sin duda, la

Historia del Arte. Podemos definirla, por tanto, como el estudio de las

obras de arte realizadas por el hombre a lo largo de la Historia. Al igual que

la Historia, la Historia del Arte tiene como principal protagonista al ser

humano y, además, también transcurre en el tiempo y en el espacio. Como

todo acontecimiento histórico, las obras de arte debemos situarlas espacio-

temporalmente, para que adquieran todo su significado. Por ejemplo, una

pirámide egipcia, debemos relacionarla con el concepto de la muerte y de

los faraones que tenían los egipcios hace más de tres mil años. Otro ejemplo

que nos puede servir es El Guernica, de Picasso. Esta obra está

profundamente ligada a los terribles acontecimientos vividos durante la

Guerra Civil en España. Por tanto, podemos decir que detrás de una obra de

arte existe un mundo espiritual, sociológico, literario, filosófico... que

debemos conocer para comprender mejor la imagen que observamos.

1

Pero, ¿para qué sirve el arte? Evidentemente, la respuesta a esta

pregunta ha variado a lo largo de la historia. Aquí tienes algunas funciones

del arte:

1. Propiciar la caza. Esta función mágica la encontramos en el arte

rupestre del Paleolítico Superior.

2. Exaltar el poder de los reyes. Esto ocurre sobre todo en las

teocracias orientales (Egipto)

3. Buscar el ideal de belleza.

4. Fabricar un catecismo clásico de unas verdades religiosas. (Edad

Media)

5. Loar a un particular (Mecenas) o a una entidad religiosa en la

política y la sociedad

6. Manifestar el sentir de los hombres ante la vida (Istmos)

2.- EL LENGUAJE DE LAS ARTES VISUALES Y SU TERMINOLOGÍA

A) DESCRIPCIÓN DE LA OBRA

Cualquier obra de arte, necesita de una técnica para poder ser “leída”.

Para poder hacerlo, primero debemos describir la obra. ¿Qué significa esto?

Pues, caracterizar la obra en función de sus aspectos técnicos y

formales, es decir, debemos analizar cuál ha sido el proceso de

construcción de la obra (técnica) y sus componentes (forma). Por ejemplo, si

queremos describir un cuadro de Velázquez, comentaríamos que son

cuadros al óleo sobre un boceto previo (técnica). Y, para realizar la

descripción formal debemos hablar del tema, la composición, el color, la luz,

la perspectiva....

A continuación, vamos a estudiar la descripción técnica y formal de las

Artes Mayores2, esto es, de Arquitectura, Escultura y Pintura.

ARQUITECTURA

2

? Artes Mayores: son aquellas disciplinas artísticas tales como la Arquitectura, Escultura y Pintura, en contraposición a las Artes Menores, que son la epigrafía, la numismática, la eboraria, la orfebrería...

Normalmente, hablamos de arquitectura al referirnos a edificios o

monumentos. Aunque la definición no es exacta, debido a la multitud de

construcciones realizadas a lo largo de la Historia del Arte, podemos decir

que como característica común a todas ellas es la de ser un espacio

delimitado por donde normalmente se puede transitar. Se considera

un Arte Mayor, porque alberga objetos de otras artes. Se trata de un arte

bastante racional y complejo.

- FINALIDAD -

Según Ruskin, estos serían las funciones fundamentales de la arquitectura

son:

1. Religiosa (templos)

2. Conmemorativa (edificios no habitables: columnas, arcos

triunfales...)

3. Civil (Obras públicas, Ocio, Administración, Industrias...)

4. Militar (Alcázar...)

5. Doméstica (Castillos, palacios...)

- ELEMENTOS -

Dentro de la descripción del edificio, debemos establecer cuáles son sus

elementos. Estos son:

1.- Elementos materiales: a la hora de describir un edificio, debemos

señalar el material principal de su construcción. Normalmente serán: piedra,

barro, hormigón, ladrillo, hierro, cristal, aluminio...

2.- Elementos estructurales: nos referimos al “esqueleto” del edificio,

es decir, al soporte y a la cubierta.

2.1) Soporte: el soporte de un edificio puede ser continuo, es decir, el

muro. En ese caso, debemos señalar de qué manera se ha colocado el

material: sillar3, mampostería4... Si estamos ante un soporte discontinuo

estaremos en presencia de la columna o el pilar, la pilastra...

Columna: su origen estaba en postes de

madera que se utilizaban para sostener el edificio.

Como el peso era bastante grande, comenzaron a

sustituirse por piedra. De ahí surgen las columnas.

Vitruvio, teórico y arquitecto romano, las comparaba

con los troncos de árbol. El fuste se asemeja al tronco,

símbolo de vida; para hacer más suave el paso de la

columna a los elementos de carga se inventó el capitel, semejante a

las hojas de un árbol; y en el suelo se dispuso la basa, que recuerda a

la base de los árboles antes de entrar en la tierra. Éstas son las tres

partes de toda columna: basa, fuste y capitel.

Pilar: es un elemento sustentante similar a las columnas,

con la diferencia de que su forma se aleja de la naturaleza. Tienen una

sección cuadrada o poligonal.

Pilastra: es un pilar adosado a un muro y consta de basa y

capitel

En el caso de columnas y pilares, habría que clasificarlas atendiendo a

sus órdenes o tipologías: dórico, jónico, corintio, estípite5... O bien, pilares

cuadrados, cruciformes...

Arcos: se trata de un elemento sustentante, de trazado curvo. Por

tanto, no sólo recibe una presión vertical sino también otra oblicua, que va

desde la dovela o piedra central del arco (clave) hasta el

soporte. El intradós corresponde a la parte interior del arco y

el extradós es la exterior. Los más habituales son:

3

? -Sillar.- Piedra labrada en forma de paralelepípedo que se usa en construcción.4

? -Mampostería.- Fábrica de piedra sin labrar o con labra tosca que se dispone de modo irregular.

5

? Estípite.- Elemento en forma de tronco de pirámide invertido que puede tener funciones de soporte

-Medio punto.- El que tiene una curva igual a ½ circunferencia del mismo

radio.

Ojival: El que consta de dos porciones de curva que forman ángulo en la

clave y cuyo intradós es cóncavo.

Conopial.- El que tiene trazado curvas desde varios

centros, dos interiores para las ramas bajas y dos

exteriores para las ramas altas

Escarzano.- Arco rebajado, en especial el que

corresponde a un ángulo de 60º

Carpanel: El de varios centros, y en especial el de tres

Lobulado.- El formado por lóbulos yuxtapuestos

Herradura.- Aquel cuya curva sobrepasa la circunferencia

en 1/3 o 1/2 radio

Fajón o Perpiaño: el que se dispone transversalmente al

eje de la nave

Formero: el paralelo al eje longitudinal de la nave y la

separa de otra

Parabólico: el generado por una parábola

Peraltado: es un arco semicircular alargado o en peralte. Arco realzado.

Toral: cada uno de los arcos que sostienen la elevación sobre el crucero

Tudor: arco de cuatro centros interiores cuyas ramas rematan en ángulo.

Propio del estilo inglés de este nombre.

2.2) Cubierta: pueden ser adinteladas o abovedadas (medio cañón,

arista, crucería...).

A)Las techumbres o construcciones adinteladas o arquitrabadas se

caracterizan porque las superficies son horizontales, por

lo que la presión es vertical. Las techumbres pueden estar

construidas en madera o piedra. Encontramos dos tipos de

techumbres:

Techumbre plana: cuando la superficie es

totalmente horizontal

Techumbre en artesa o artesonado: son techumbres en forma de

artesa invertida. Normalmente están reforzadas con vigas horizontales, por

lo que se llaman artesonados de par e hilera.

B) En los sistemas abovedados todos los elementos se disponen en curvo.

Piensa que una bóveda es la suma de multitud de arcos a lo largo de una

nave, por lo que las presiones son las mismas aunque aumentadas en

fuerza. Para contrarrestar las presiones oblicuas, en el exterior del edificio

se disponen contrafuertes, verdaderos muros exteriores al edificio.

Separando el contrafuerte de la pared y transmitiendo el empuje por medio

de un arbotante, se consigue aumentar su efecto contrarrestante. Los tipos

más habituales son:

de Arista.- la formada por la intersección, en ángulo recto, de dos

bóvedas de cañón, resultando del encuentro cuatro aristas angulares.

de Cañón.- la generada por el desplazamiento de un arco de

medio punto a lo largo de un eje longitudinal.

de Crucería.- La que refuerza sus aristas con nervios.

de Cuarto de esfera.- la que consta de 1/4 de esfera y por lo

general, cubre el espacio del ábside semicircular.

de Crucería califal.- aquella cuyos nervios al cruzarse, no pasan

por la clave.

Estrellada.- bóveda de crucería cuya plementería presenta un

entrecruzamiento de nervios baquetones

Sexpartita: la de crucería que queda dividida en seis elementos, por

llevar, además de los nervios diagonales, otro transversal, que pasa por

la clave y tiene a cada lado dos arcos

formeros.

Dentro de los sistemas abovedados nos

encontramos con las cúpulas. Éstas son

bóvedas semiesféricas que cubren espacios

cuadrados. Para pasar del espacio

cuadrangular al circular, se apoya en

trompas6 o pechinas7. Cuando se desea conseguir mayor altura en la cúpula,

se hace reposar ésta sobre un tambor, a modo de cuerpo cilíndrico u

octogonal. Cuando la iluminación no es suficiente, se abre una parte

superior llamada linterna, que es un segundo cuerpo cilíndrico o poligonal

cubierto. A través de sus vanos entra la luz. El casquete con el que a veces

remata la cúpula se llama cupulino.

3.- Elementos decorativos: podemos encontrar elementos

semiconstructivos (columnillas adosadas, arcos ciegos...) y elementos

decorativos como relieves, esmaltes...

ESCULTURA

La escultura es el arte de representar la figura en las tres dimensiones

reales de los cuerpos. El escultor tiene que calcular el efecto que producirá

su obra desde diversos puntos de vista a la vez. La escultura es, por tanto

una arte cambiante: la obra varía a medida que giramos en torno a ella. De

ahí su riqueza.

CLASIFICACIÓN

Vamos a hacer una clasificación de la escultura, atendiendo a su

forma:

de bulto redondo: es la escultura que está completamente

exenta al plano y la podemos rodear

relieve: las figuras aparecen adheridas a un plano

que le sirve de fondo. El llamado relieve pictórico se

caracteriza porque las figuras se modelan con distinto

grosor; en altorrelieve, las del primer término; en medio

6

? Trompa: Bovedilla semicónica con el vértice en el ángulo de dos muros y la parte ancha hacia fuera, en saledizo. Sirve para pasar de una superficie cuadrada a una octogonal.7

? Pechina: Cada uno de los triángulos curvilíneos sobre los que se asienta una cúpula. Sirve para pasar de una superficie cuadrada a una circular.

relieve las del término central; y en bajorrelieve las que aparecen al

fondo, muy planas o con líneas grabadas al fondo.

DESCRIPCIÓN

Para realizar una descripción técnica de una obra escultórica, debemos

tener en cuenta los siguientes parámetros:

1.- Material: existe una gran variedad de materiales. Algunos de ellos son:

Cerámica: se llama cerámica a todo lo que se

modela con una mezcla de arcilla y es sometida al fuego.

El proceso de ejecución sería el siguiente: primero

seleccionamos el barro (tierra arcillosa que suele tener

su origen en la descomposición de las rocas: silicatos de

aluminio. Óxidos de hierro, etc.); Después, pasamos al modelado del

objeto, a través de las manos o mediante un torno8; el secado (al aire),

permite deshidratar y endurecer el objeto, para que soporte la cocción;

la impermeabilización, para que la vasija pueda almacenar líquidos. Se

realiza a través de sustancias como barnices, óxidos de plomo, sílices...;

el decorado, que puede ser inciso o pintado; y, por último, la cocción,

que pueden hacerse en fuegos abiertos (culturas primitivas) o en hornos

(llega hasta los 1300-1400ºC).

Mármol: es una piedra caliza, de textura compacta y cristalina. El

mármol más apreciado en escultura es el de color blanco, debido a que

su superficie es uniforme y ligeramente transparente, por lo que su

superficie ofrece los más variados aspectos, desde el brillante y pulido,

al opaco y áspero...Son especialmente famosos el del Pentélico y el de

Carrara. En la primera fase de ejecución, elegiríamos el bloque,

realizaríamos dibujos y algún modelo en arcilla, cera... Posteriormente,

8

? Torno: está formado por un gran disco de madera que funciona como volante y que el alfarero acciona con el pie. Gira sobre un perno al que va unido un disco de menores dimensiones sobre el que se coloca la arcilla que se va a modelar. La rotación dada al disco grande transmite un movimiento giratorio al bloque de arcilla, al que el alfarero va dando forma con las manos.

tres son los procedimientos utilizados para trabajarlo: cinceles, que se

golpean con mazos para arrancar del bloque astillas más o menos

grandes; taladros para horadar la piedra; abrasivos naturales (piedra

pómez...) y limas, para pulir la superficie.

Madera: para las esculturas, suelen elegirse maderas de dureza

media, resistentes a la humedad y la carcoma; después, normalmente

se vacían, para que se absorba menos la humedad; pasamos a la talla,

arrancando trozos de material y sin posibilidad de añadirlos.

Después, se recubre la escultura con una tela sobre la que se

extiende una fina capa de yeso; por último, pasamos al

policromado de la escultura, que variará a lo largo del

tiempo y del lugar.

Marfil: es uno de los materiales orgánicos más

utilizados desde la prehistoria para la fabricación de

objetos de uso corriente, rituales y ornamentales. Por su

procedencia, se utiliza sobre todo para esculturas de pequeño tamaño.

Se talla directamente, extrayendo el material a través de cinceles.

Bronce: es una aleación de cobre y estaño o cinc. Destinado sobre

todo a la escultura urbanística. Existen dos formas de trabajarlo:

- Repujado o martilleado: El martilleado, consiste en trabajar con martillo

la cara externa de láminas de cobre o de bronce y aplicarlas después sobre

una estructura de madera. La técnica del repujado consiste en martillear

con punzones la cara interna de la lámina de metal.

-Bronce a la cera perdida: para modelar

figuras más complejas, se utiliza el siguiente

método: se elabora un molde de cera con la

figura que queramos representar; después, se

recubre de barro, yeso o cualquier sustancia

refractaria, de modo que ésta última se

adapte perfectamente al molde en cera.

Cuando se ha secado todo se practica un

agujero en la parte superior y otro en la parte

inferior, vertiéndose la colada de bronce por

ellos. Una vez enfriado el metal, se fractura el

molde y se desprende la estatua. Esta técnica se conoció en Irán desde el

cuarto milenio antes de Cristo y permitía esculpir figuras de un solo tamaño.

Para que la escultura no fuera maciza, comenzó a rellenarse el molde en

cera de alguna materia refractaria (arena...), de forma que el metal fundido

llenaba sólo el hueco que dejaba la cera al fundirse. Esto permitió un gran

ahorro de material y, por otro, realizar esculturas ligeras y de gran tamaño.

2.- Ejecución: coincide con el punto anterior. Recuerda, no obstante, que

casi todos los materiales coinciden en una serie de puntos en su proceso de

elaboración:

Realización de dibujos sobre la figura molde en arcilla o cera,

Elección del material idóneo y saca de puntos para trasladar el

molde al material elegido,

Modelado, tallado o fundición de la figura, según el material

correspondiente

Retoques finales de la escultura, a través del pulimentado del

material (mármol), policromado...

A continuación veremos algunos parámetros que pueden ser tenidos en

cuenta a la hora de realizar una descripción formal de una escultura:

1.- Temática: en primer lugar, debemos saber si la escultura representa un

tema figurativo o abstracto. Posteriormente, lo dividiremos en religioso (o

mitológico) o civil. Por último, si lo conocemos, analizaremos el tema

representado. Por ejemplo, en La fragua de Vulcano de Velázquez, diríamos

que es un cuadro mitológico en el que se representa a Apolo comunicando a

Hefesto la infidelidad de su esposa. Si el cuadro es un autorretrato de

Rembrandt, debemos analizar quién es este pintor y relacionar este cuadro

con el deseo de tener una visión introspectiva del artista. Si nos

encontramos ante una composición de Pollock, afirmaremos que se trata de

un cuadro abstracto, sin temática definida. Es sólo una lírica composición

realizada por el azar.

2.- Composición: la composición es la forma que tiene un artista de ordenar

los elementos de su obra. Este término se utiliza sobre todo para escultura y

pintura. Lo estudiaremos en pintura

3.- Calidad y textura: se refiere al acabado final que el escultor da a la

pieza Puede ser de textura rugosa, pulida... El objetivo del artista es

comunicarnos sensaciones diferentes en una escultura: lo blando acerca y lo

rugoso aleja. El mármol es el material que más se ha prestado a esto, y lo

veremos en el Renacimiento, Neoclasicismo...

4.- Volumen: la característica principal de la escultura es que ocupa un

espacio, tiene tres dimensiones y el artista puede jugar con ellas de diversas

formas. Existen diferentes tipos de volumen: volumen de planos rígidos, se

refiere a aquel en el que la escultura se forma a través de planos que se

acoplan a superficies arquitectónicas. Se dan sobre todo en el románico.

Otro tipo de volumen es el de formas de superficies curvas. Es el más

habitual en escultura y se refiere a aquél en que sus partes tienen formas

convexas. Sobre todo se refiere a las esculturas antropomórficas.

Veremos en numerosas obras cmo a los artistas les gusta jugar con el

espacio que encierra la escultura, en la que se encuentra una simbiosis de

macizos y vacíos, interaccionando así con el espectador.

5.- Movimiento: en primer lugar, debemos hablar de la ausencia de

movimiento: se trata de esculturas hieráticas, rígidas y frontales. Esto

sucedía sobre todo en Egipto, en el Románico... y se hacía con el objetivo de

ofrecer solemnidad y majestad a la figura, que normalmente eran faraones,

reyes o divinidades. También encontramos esculturas que se esculpen en

movimiento, como tensión, que se justifica en función del contenido.

También hablaremos del Rhytmo, del contrapposto cuando estudiemos la

Grecia Clásica.

PINTURA

Para describir ampliamente una pintura, debemos atender a su faceta

técnica y formal. Pasamos a estudiar la técnica:

1.- Soporte: llamamos soporte al objeto que sirve de sustentante de la obra

pictórica. Algunos son:

Muro: se llama pintura “al fresco”. El muro se raspa y se aplica

una capa de cal o estuco

Tabla: se extiende sobre ella una fina capa de cal y se tiñe

ligeramente con albayalde (carbonato de plomo).

Lienzo: se extiende sobre ella una fina capa de cal y se tiñe

ligeramente con albayalde (carbonato de plomo). Se extiende su uso durante

el Renacimiento, aunque este paso siempre es opcional, dependiendo de la

creatividad del artista.

2.- Materiales: la elección del material condiciona el cuadro, ya que cada

uno de ellos necesita una técnica diferente:

Fresco: el artista primero realiza bocetos previos en cartones;

posteriormente, agujerea los contornos principales de la

escena y sopla pintura a través de ellos, de forma que en el

muro aparecen las siluetas principales. El muro, previamente

debe estar preparado como hemos señalado anteriormente. El

artista dibuja ya las líneas principales de la composición y, por

último las pinta según sus dibujos previos.

Temple: normalmente sobre tabla, aunque también se puede

utilizar muro o lienzo. Su característica principal es que utiliza la clara de

huevo como aglutinante.

Óleo: Sobre tabla, lienzo, cartón... Como

aglutinante se usa el aceite de lino o de nueces. Se

aplican los colores y después barnices. Permite

correcciones. Comenzó a utilizarse a partir del siglo

XV en la pintura flamenca y se extendió con gran

rapidez.

Encausto: sobre tabla o muro. Los pigmentos se mezclan con

resina o cera. Se aplica con paleta y pinceles calientes.

Acuarela: sobre papel o lienzo. Es una pintura bastante ligera,

casi transparente, que se aplica mezclando el pigmento con alguna

goma (arábiga) y diluyéndolo en agua.

Pastel: sobre papel, lienzo...es una pintura que se aplica

con lápices blandos (formados por pigmento, goma, caolín y yeso).

Exige capa posterior para fijar los colores.

Aguada: es similar a la acuarela, pero que emplea

también el color blanco y sus colores son más espesos y opacos. Se diluyen

en agua o cola mezclada con miel. También se denomina pintura al gouache.

3.- Proceso de ejecución: como hemos dicho, varía según la técnica

utilizada. No obstante podemos afirmar, de forma genérica, que se siguen

estos pasos:

Boceto y estudios previos

Cuadriculado de base sobre el soporte

Dibujo y coloreado

Pasamos ahora a analizar diferentes parámetros de la descripción formal:

1.- Temática: existe una primera gran clasificación:

- Religioso: también incluimos aquí lo mitológico

- Civil: retrato, paisajes, bodegones, escenas costumbristas, escenas

heroicas, desnudos ...

2.- Composición: la distribución de los elementos en una obra pictórica ha

variado a lo largo del tiempo. Veremos algunas

de ellas:

- simétrica: es aquélla que ordena la

composición en

torno a un eje

central.

- asimétrica: es aquélla cuyo eje principal no se

sitúa en el centro del cuadro y las figuras no se

sitúan buscando el equilibrio.

- geométrica: nos referimos a aquéllas composiciones

que se ordenan según figuras geométricas: triangular,

piramidal, óvalo, cuadrado, helicoidal (como una

hélice)...

3.- Dibujo: las formas de las figuras vienen definidas

por los bordes o contornos que las limitan. El dibujo nos

habla de la personalidad del pintor, ya que las líneas transmiten efectos: las

verticales, transmiten fuerza; las horizontales, quietud y reposo; las

diagonales, movimiento e inestabilidad; las curvas, gracia.

4.- Color: es la esencia de la pintura. Podemos clasificarla de la siguiente

forma:

- colores cálidos: rojo, azul y amarillo

- colores complementarios: violeta, naranja, verde

Los colores provocan sensaciones y contribuyen a modificar la óptica del

espacio: los colores cálidos agrandan y acercan objetos; los fríos, distancian

y empequeñecen. Los colores cálidos (gama roja) provocan alegría,

intensidad... y los colores fríos (azul) sugieren distancia, reposo, quietud...

Es responsabilidad del artista saberlos mezclar y combinar con sabiduría.

5.- Luz: sabemos que un rayo de luz, al atravesar un prisma de cristal,

reproduce todos los colores del arco iris. Por tanto, luz y color están

íntimamente ligados. En pintura, la luz sirve para crear determinados

ambientes o tiene un valor simbólico.

6.- Perspectiva: la pintura es un arte bidimensional. Sin embargo, la

búsqueda de la profundidad ha sido una obsesión a lo largo de la historia de

la pintura. Veamos algunas de ellas:

Caballera: es la técnica pictórica que consiste en representar las

figuras desde lo alto, por lo que es necesario un profundo estudio

de proporciones.

Jerárquica: es aquélla en la que el tamaño de los personajes

varía en función de su importancia

Geométrica: fue una de las grandes

conquistas del Renacimiento. Como ya

señaló Brunelleschi: “Si establecemos una

pirámide visual enfocada en un punto en la

lejanía, los objetos situados al fondo

asemejan ser más pequeños y difusos que los más

cercanos”.

Aérea: el gran maestro fue Velázquez. Se basa en que aquello que

vemos en la distancia azulea y pierde precisión. Por tanto, en pintura, se

consigue reflejar el ambiente de una escena difuminando los tonos a medida

que se alejan del espectador.

Subjetiva: a partir del cubismo, se generan nuevas perspectivas

diferentes a la tradicional.

B) COMENTARIO O INTERPRETACIÓN DE LA OBRA

Ya hemos descrito la obra de arte. Sin embargo, nos falta la parte más

interesante, que es la de analizarla: qué significa, qué influencias ha

ejercido, qué importancia ha tenido para el artista... Es la parte en la que

documentamos la obra.

A continuación veremos algunos aspectos útiles a la hora de comentar

cualquier obra de arte. Ni que decir qué tiene que lo idóneo es desarrollar

todos, pero no siempre es posible, ya que no sea necesario o no tengamos

suficiente información. Allá van:

1.-LA FUNCIÓN DE LA OBRA:

Ya hemos visto las principales funciones de las obras de arte. Pero no

siempre vamos a saber el destino de la obra, aunque en ella encontraremos

algunas pistas: un cuadro barroco sobre unos monjes probablemente estará

encargado por un convento; una escultura de bronce con un personaje a

caballo, posiblemente sea urbanística; si nos encontramos ante una obra

contemporánea, posiblemente su función sea decorativa o no tener ninguna

en concreto más que servir de “catarsis” del artista.

2.- EL ARTISTA Y SU ÉPOCA

2.1.- Relación del artista y su entorno histórico-cultural

En este apartado, es necesario relacionar al artista con el momento en

que vive. Existen multitud de condicionantes sociales, políticos, filosóficos,

culturales que están influyendo en la forma de pensar del artista y esto se

refleja en su obra. Por ejemplo, no es lo mismo ser un miniaturista medieval,

que dibuja y pinta de forma anónima y sólo para crear objetos que

favorezcan la fe; a un artista contemporáneo, que pinta para reflejar sus

sentimientos más profundos. La diferencia es evidente: los condicionantes

del primero son mucho más fuertes que en el segundo.

Por tanto, conocer la mentalidad y la forma de vida del momento en que

vive el artista nos va ayudar a comprender mejor su producción artística.

2.2.- La obra y la producción del autor

Es el momento de documentar la obra, es decir, realizar un análisis

sobre:

cuándo se ejecutó: fecha.

en qué momento de la producción del artista se llevó a cabo: obra de

juventud, de madurez...

quién la encargó: mecenas

cómo se realizó: por ejemplo, una catedral, un palacio...

influencias: si se asemeja a otras obras o utiliza elementos

anteriores...

qué significado tiene: por ejemplo, escena mitológica

qué consecuencias tuvo para el artista,

cómo le influyó en su trabajo posterior...

3.- CONSECUENCIAS

Toda obra de arte ejerce una serie de influencias, tanto en su época como

posteriormente. Por ejemplo, la utilización de los órdenes clásicos (dórico,

jónico y corintio) influirán en la producción de la época romana,

Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo... O, por ejemplo, el arte primitivo

africano influyó considerablemente en los artistas parisinos de finales del

siglo XIX... Las Meninas, de Velázquez, influyeron en diversos artistas, tales

como Goya, Picasso...

3.- MÉTODOS PARA ESTUDIAR LA HISTORIA DEL ARTE

Hemos aprendido a describir y comentar obras de arte. Éste es un

método posible, pero existe gran variedad de ellos. Ninguno de ellos sirve

por sí solo, si no que es el conjunto de ellos es el que nos dará una visión

más rica de la obra de arte. Elegiremos el que nos convenga, vaya.

1.- Metodología Biográfica: es uno de los métodos más antiguos para

estudiar el arte. Surgió con Vasari, en su libro “Vidas”. En él, se dedicó a

recopilar las biografías de sus contemporáneos (Miguel Ángel, Rafael...),

incluyendo comentarios personales sobre su forma de ser, de pintar..... Los

autores que utilizan este método, opinan que la personalidad del artista

determina sus obras de arte. Sin embargo, los artistas están influidos y

condicionados por su entorno. ¿O no?

2.- Metodología Formalista: el iniciador fue Winckelman, en el siglo XVIII.

Se le llama el “padre de la Historia del Arte” porque dedicó su vida a

estudiar cómo habían evolucionado las formas en Grecia,

independientemente de la política, sociedad.... Esta teoría es la que comenzó

a catalogar las obras de arte que eran similares en lo formal, dentro del

concepto de estilo9: Neoclásico, Rococó...

3.- Metodología Sociológica: esta teoría, aunque reconoce que la obra de

arte es fruto de un artista, piensan que a éste le determina su entorno. Por

tanto, debemos estudiar el contexto en el que vivió el artista, más que su

propia vida. Por ejemplo, los escultores medievales eran, casi en su

totalidad, anónimos. Además, normalmente trabajaban a las órdenes de la

Iglesia. Por tanto, ¿es mejor estudiar al maestro artesano o la religiosidad

medieval?. Sin embargo, no podemos negar que los artistas tienen grandes

dosis de imaginación y creatividad a la hora de idear sus obras. ¿No crees?

¿Merece la pena conocer la trayectoria de Miguel Ángel, Van Gogh o

Rembrandt? ¡Por supuesto que sí!

4.- Metodología Iconológica: es aquélla que estudia las obras de Arte

basándose en su significado, ya que, según ella, los contenidos de una obra

condicionan la forma en que se representan. Por ejemplo, si en un cuadro

aparece una figura femenina con un plato y dos ojos en la mano, y una hoja

de palma en la otra, sabremos que es Santa Lucía, ya que fue martirizada

(palma) sacándola los dos ojos

4.-RESTAURACIÓN Y CONSERVACIÓN DE LAS OBRAS DE

ARTE

Hasta el Renacimiento, las obras de arte se valoraban por su finalidad

práctica (Catedral) o por el material (Oro, plata) con el que se realizaban. A

partir del siglo XV empiezan a valorarse las obras de arte por su estética. Es

entonces, cuando, reyes, príncipes o clérigos comienzan a promover la

conservación de monumentos, pinturas....

9

? Estilo: es el conjunto de obras artísticas que poseen rasgos similares durante un cierto periodo de tiempo. Ejemplo: estilo impresionista, simbolista...

A lo largo de los siglos el concepto de conservación y restauración ha

ido cambiando. Por ejemplo, en el Romanticismo preferían disfrutar de los

edificios en ruinas, porque en ellos veían la belleza, lo efímero, la muerte...

Durante el siglo XIX, los restauradores reconstruían los edificios en su

totalidad, aunque no se conservaran los planos originales. Imaginaban cómo

debía haber sido, por ejemplo, una perfecta catedral románica, y con esta

idea ponían manos a la obra. A veces se inventaban columnas, o torres o...,

aunque nunca hubieran existido en esa catedral.

En la actualidad, se prefiere no inventar nada. Se consolida lo que ha

permanecido y, si deciden reconstruir algo, siempre lo hacen con colores o

materiales diferentes al original. El objetivo, que sepamos distinguir qué es

lo original y qué es lo restaurado. Así, podemos disfrutar de la obra de arte

sin que nos engañen. Por ejemplo, en la Catedral Nueva de Salamanca, en

una de sus portadas laterales, han esculpido un astronauta; en otra iglesia

salmantina, un tuno. Curioso, ¿Verdad?

5.- CLIENTES Y MECENAS

Incluimos este último apartado para aclarar algunos términos que son

importantes a la hora de estudiar la Historia del Arte.

En primer lugar, explicaremos brevemente el concepto de mecenas. Un

mecenas, en sentido general, es una persona poderosa que apoya espiritual

y materialmente a literatos y artistas.

La figura del mecenas como benefactor de las artes, surgió en Grecia y

fue resucitado con gran fuerza a partir del Renacimiento. Por ejemplo,

Lorenzo de Medici fue un banquero de Florencia que prestaba su palacio a

filósofos, escultores, pintores, escritores....De ahí surgió un importante

núcleo de artistas, tales como Miguel Ángel, Plotino...

Cuando la persona poderosa sólo ofrece apoyo financiero por una obra,

entonces nos encontramos con otras figuras, que pueden ser promotores,

patrocinadores...

Por tanto, SÓLO SE UTILIZA EL TÉRMINO MECENAS EN LA ÉPOCA

CLÁSICA Y EN EL RENACIMIENTO, aunque seguirán existiendo hasta la

actualidad (de forma más puntual).

El otro término importante es el de cliente.

Hasta el siglo XVII el artista es cliente del mecenas. El patrocinador

establece qué y como quiere la obra (por ejemplo, un retrato) y, el artista, ve

condicionada su creatividad.

Sólo a partir de Rembrandt (siglo XVII), cuando los artistas

comienzan generar obras de arte sin un destinatario concreto, se cambian

los papeles. Ahora el artista crea obras y sus clientes (conocidos o no)

acuden a comprar, tanto a su taller, como en galerías de arte...

6.-GLOSARIO DE TÉRMINOS DE LA UNIDAD

Acuarela: sobre papel o lienzo. Es una pintura bastante ligera, casi transparente, que se aplica mezclando el pigmento con alguna goma (arábiga) y diluyéndolo en agua.

Aguada: es similar a la acuarela, pero que emplea también el color blanco y sus colores son más espesos y opacos. Se diluyen en agua o cola mezclada con miel. También se denomina pintura al gouache

Arbotante: arco situado sobre el contrafuerte y que sirve para contrarrestar el peso de las bóvedas del interior del edificio

Artes Mayores: son aquellas disciplinas artísticas tales como la Arquitectura, Escultura y Pintura, en contraposición a las Artes Menores, que son la epigrafía, la numismática, la eboraria, la orfebrería

Arcos: se trata de un elemento sustentante, de trazado curvo. Por tanto, no sólo recibe una presión vertical sino también otra oblicua, que va desde la dovela o piedra central del arco (clave) hasta el soporte. El intradós corresponde a la parte interior del arco y el extradós es la exterior. Los más habituales son: -Medio punto.- El que tiene una curva igual a ½ circunferencia del mismo radio.Ojival: El que consta de dos porciones de curva que forman ángulo en la clave y cuyo intradós es cóncavo.Conopial.- El que tiene trazado curvas desde varios centros, dos interiores para las ramas bajas y dos exteriores para las ramas altasEscarzano.- Arco rebajado, en especial el que corresponde a un ángulo de 60ºCarpanel: El de varios centros, y en especial el de tresLobulado.- El formado por lóbulos yuxtapuestosHerradura.- Aquel cuya curva sobrepasa la circunferencia en 1/3 o 1/2 radioFajón o Perpiaño: el que se dispone transversalmente al eje de la naveFormero: el paralelo al eje longitudinal de la nave y la separa de otraParabólico: el generado por una parábolaPeraltado: es un arco semicircular alargado o en peralte. Arco realzado.Toral: cada uno de los arcos que sostienen la elevación sobre el cruceroTudor: arco de cuatro centros interiores cuyas ramas rematan en ángulo. Propio del estilo inglés de este nombre.Arcos ciegos: son los arcos dispuestos en la pared (macizos)Bóveda: es una clase de cerramiento semicircular y de piedra. Existen diferentes tipos:

de Arista.- la formada por la intersección, en ángulo recto, de dos bóvedas de cañón, resultando del encuentro cuatro aristas angulares.

de Cañón.- la generada por el desplazamiento de un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal.

de Crucería.- La que refuerza sus aristas con nervios.

de Cuarto de esfera.- la que consta de 1/4 de esfera y por lo general, cubre el espacio del ábside semicircular.

de Crucería califal.- aquella cuyos nervios al cruzarse, no pasan por la clave.

Estrellada.- bóveda de crucería cuya plementería presenta un entrecruzamiento de nervios baquetones

Sexpartita: la de crucería que queda dividida en seis elementos, por llevar, además de los nervios diagonales, otro transversal, que pasa por la clave y tiene a cada lado dos arcos formeros.

Bronce: es una aleación de cobre y estaño o cinc. En escultura se utiliza a través de diferentes técnicas: repujado, martilleado o a la cera perdida.

Cerámica: se llama cerámica a todo lo que se modela con una mezcla de arcilla y es sometida al fuego.

Cliente: hasta el barroco, se refiere a los artistas; a partir de que el artista participe en el mercado del arte, el cliente es el comprador de la obra de arte

Columna: elemento sustentante circular, compuesto de basa, fuste y capitel.

Composición: la distribución de los elementos en una obra de arte

Contrafuertes muros exteriores al edificio que sirven para soportar el peso de las bóvedas

Cupulino El casquete con el que a veces remata la cúpula

Cúpulas son bóvedas semiesféricas que cubren espacios cuadrados.

Escultura de bulto redondo es la escultura que está completamente exenta al plano y la podemos rodear

Encausto: sobre tabla o muro. Los pigmentos se mezclan con resina o cera. Se aplica con paleta y pinceles calientes.

Estilo: es el conjunto de obras artísticas que poseen rasgos similares durante un cierto periodo de tiempo.

Estípite.- Elemento en forma de tronco de pirámide invertido que puede tener funciones de soporte

Fresco: técnica pictórica consistente en aplicar los pigmentos en un muro

Linterna segundo cuerpo de la cúpula, cilíndrico o poligonal cubierto. A través de sus vanos entra la luz

Mampostería.- Fábrica de piedra sin labrar o con labra tosca que se dispone de modo irregular

Marfil: es uno de los materiales orgánicos más utilizados desde la prehistoria para la fabricación de objetos de uso corriente, rituales y ornamentales

Mármol: es una piedra caliza, de textura compacta y cristalina.

Mecenas: es un protector de las artes, tanto espiritual como materialmente

Pastel: sobre papel, lienzo...es una pintura que se aplica con lápices blandos (formados por pigmento, goma, caolín y yeso). Exige capa posterior para fijar los colores.

Pechina: Cada uno de los triángulos curvilíneos sobre los que se asienta una cúpula. Sirve para pasar de una superficie cuadrada a una circular.

Perspectiva: la búsqueda de la profundidad en una superficie bidimensional. Veamos algunas de ellas: Caballera: es la técnica pictórica que consiste en representar las figuras desde lo alto, por lo que es necesario un profundo estudio de proporciones. Jerárquica: es aquélla en la que el tamaño de los personajes varía en función de su importancia Geométrica: fue una de las grandes conquistas del Renacimiento. Como ya señaló Brunelleschi: “Si establecemos una pirámide visual enfocada en un punto en la lejanía, los objetos situados al fondo asemejan ser más pequeños y difusos que los más cercanos”. Aérea: el gran maestro fue Velázquez. Se basa en que aquello que vemos en la distancia azulea y pierde precisión. Por tanto, en pintura, se consigue reflejar el ambiente de una escena difuminando los tonos a medida que se alejan del espectador. Subjetiva: a partir del cubismo, se generan nuevas perspectivas diferentes a la tradicional.

Pilar: es un elemento sustentante similar a las columnas, con la diferencia de que su forma se aleja de la naturaleza. Tienen una sección cuadrada o poligonal.Pilastra: es un pilar adosado a un muro y consta de basa y capitel

Relieve: técnica escultórica donde las figuras aparecen adheridas a un plano que le sirve de fondoSillar.- Piedra labrada en forma de paralelepípedo que se usa en construcción

Tambor: cuerpo cilíndrico u octogonal que se construye para sobreelevar las cúpulas.

Torno: máquina formada por dos discos que sirve para modelar objetos circulares en cerámicaTrompa: Bovedilla semicónica con el vértice en el ángulo de dos muros y la parte ancha hacia fuera, en saledizo. Sirve para pasar de una superficie cuadrada a una octogonal

Temple: técnica pictórica realizada normalmente sobre tabla, donde los pigmentos se mezclan con clara de huevo y aceite

7.- BIBLIOGRAFÍABORRÁS, FATÁS: “Diccionario de términos de arte y elementos de Arqueología, heráldica y numismática. Editorial Alianza. Madrid. 1995

CORRADO MALTESE: “Las técnicas artísticas”. Manuales de Arte. Editorial Cátedra.Madrid.1994CHECA: Introducción a la Historia del Arte. Manuales Arte Cátedra. Madrid. 1995VVAA: Artis Historia del Arte. 2º Bachillerato. Editorial Vicens-Vives. Barcelona 2004www.alv mendron.com