Tema 7 Renacimiento (Escultura y Pintura)
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el Renacimiento
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el Renacimiento (II)
el Renacimiento
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Marco geográfico e histórico
Escultura
Pintura
Características generales
Principales creaciones
Quattrocento
Cinquecento
Arquitectura
Caracteres generales Principales creaciones
Quattrocento Cinquecento
la escultura
el Renacimiento
el Renacimiento
Caracteres generales
Los artistas se inspiran en las obras clásicas y las reinterpretan siguiendo los valores de la sociedad renacentista. A esta influencia dominante se añade la pervivencia del naturalismo realista propio del Gótico vigente en Europa.
Se busca la belleza formal, capaz de producir placer estético a través de la proporción, la simetría y el canon;
Preocupación por la expresividad de las figuras, aunque nunca exagerada. Las figuras (incluso en momentos dramáticos) aparecen con una actitud digna y elegante.
Composiciones sencillas (a veces sólo aparece un personaje), equilibradas y simétricas que trasmiten serenidad y nunca desequilibrio (salvo en el Manierismo)
Como materiales, prefieren el mármol y el bronce, igual que en la Antigüedad, pero también utilizaron el barro cocido, recubierto con esmalte vidriado y policromado, y la madera.
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Los artistas se inspiran en las obras clásicas y las reinterpretan siguiendo los valores de la sociedad renacentista.
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A esta influencia dominante se añade la pervivencia del naturalismo realista propio del Gótico vigente en Europa.
el Renacimiento
Se busca la belleza formal, capaz de producir placer estético a través de la proporción, la simetría y el canon;
el Renacimiento
Preocupación por la expresividad de las figuras, aunque nunca exagerada. Las figuras (incluso en momentos dramáticos) aparecen con una actitud digna y elegante.
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Composiciones sencillas (a veces sólo aparece un personaje), equilibradas y simétricas que trasmiten serenidad y nunca desequilibrio.
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Como materiales, prefieren el mármol y el bronce, igual que en la Antigüedad,
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…pero también utilizaron el barro cocido, recubierto con esmalte vidriado y policromado, y la madera.
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Tipologías
Escultura en relieve .
Escultura de bulto redondo.
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Temática
Escultura religiosa .
Escultura profana (retratos, temas mitológicos,históricos y alegóricos )
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Mientras que en la escultura medieval primaba el arte narrativo (se trataba de contar secuencias, episodios evangélicos, etc. debido a su función didáctica) ahora nos encontramos con un arte menos narrativo y mucho más sensorial: se pretende representar figuras o escenas bellas.
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El cuerpo humano desnudo adquiere gran importancia, como ejemplo máximo de la belleza perfecta, siguiendo las ideas antropocéntricas, y representándose de una manera realista, con estudio de la anatomía, el movimiento y la proporción, según el canon clásico.
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El retrato tiene un gran auge en esta época, expresión de la importancia del individuo en la sociedad.
ESCULTURADE BULTO REDONDO
BUSTOSFIGURAS
DE CUERPOENTERO
MONUMENTOSFUNERARIOS
ESTATUASECUSTRES
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ESCULTURAEN RELIEVE
composiciones sencillas,
armoniosas, claras y serenas
captación del espacio y la profundidad medianteel nuevo sistema de
representación de la perspectiva. También se utiliza
en la misma obra el alto, medio
y bajo relieve, para dar sensación de
profundidad.(RELIEVE PICTÓRICO)
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Evolución de la escultura renacentista
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La escultura del Quattrocento
El Quattrocento será en escultura un siglo florentino, apareciendo los caracteres que definen el estilo.
El primer gran escultor enteramente renacentista es Lorenzo Ghiberti, aunque inicia su estilo con muchas supervivencias formales del Gótico. Destaca sobre todo por la visión pictórica de los relieves. El efecto lo consigue decreciendo el modelado hacia el fondo, donde coloca como pantalla paisajes naturales o arquitecturas clásicas. Su obra maestra será la puerta este del Baptisterio de la Catedral de Florencia: La Puerta del Paraíso.
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En 1401 se convoca un concurso para realizar las puertas que faltaban del Baptisterio de Florencia, se presentan importantes artistas, entre ellos Brunelleschi, pero el concurso lo gana Ghiberti. Puerta con escenas evangélicas fundida en bronce, tanto el marco como la composición conservan elementos del Gótico internacional, curvas de las figuras y paisaje acartonado, pero también innovaciones clásicas, como el volumen.
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En 1425 le encargaron las terceras puertas del baptisterio. Están fundidas en bronce dorado, divididas en rectángulos con marcos festoneados. Entre ellos coloca diez paneles que representan las escenas bíblicas. .Muestran un cuidadoso relieve pictórico cuyo modelado decrece progresivamente desde el relieve alto al casi plano. El artista estudia con sumo cuidado las posturas, integra perfectamente el fondo con las figuras y aplica con sabiduría los efectos de la perspectiva lineal. Fue originalísimo en el sentido de que cada gesto de los protagonistas coincidía exactamente con la edad y el sexo del personaje.
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Pero el gran escultor del siglo XV florentino es Donatello.
Trabaja todo tipo de materiales, con los que representa la figura humana con gran variedad de edades y actitudes (niños, jóvenes, ancianos).
Su estilo expresivo, estilizado y nervioso, se centró en la representación del hombre
al que esculpió con diversos estados de ánimo y en diferentes edades.
Domina a la perfección la anatomía y sus figuras están dotadas de serenidad y dignidad. Fue el primero que, desde los romanos, se atrevió a representar un cuerpo
desnudo. Destacó por el dominio de la técnica del bajorrelieve, que se caracteriza por su peculiar manera de difuminar las líneas con suavidad, sin bruscos contrastes de luz y sombra, empleando un relieve muy plano, con figuras aplastadas o esbozadas (schiacciato).
Debe bastante al pasado clásico: la belleza clásica, la delicadeza se nota desde sus primeras obras, el culto al desnudo, el retrato ecuestre.
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Escultura en bronce que muestra al personaje bíblico casi niño, pensativo y melancólico, con el pie sobre la cabeza del decapitado Goliat. El suave contraposto en S aporta elegancia y sensualidad a la postura. Aunque el joven aparece desnudo, porta un detalle naturalista en el sombrero florido típico de los campesinos de la Toscana: se dice que simboliza a la república de Florencia, con todo un futuro juvenil por delante. La composición invita a rodearlo y admirarlo desde todos los puntos de vista.
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Otros artistas: Lucca della Robbia quien además del mármol, introdujo la terracota (barro cocido vidriado), con dulces Vírgenes con el Niño, en blanco sobre fondos azules o verdes, de gran popularidad y Andrea Verrocchio, autor del Condottiero Colleoni, escultura ecuestre en bronce, llena de dinamismo y expresividad.
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La escultura del Cinquecento
El siglo XVI viene definido por va a ser el predominio de lo romano frente a lo florentino.
Hay asimismo una difusión de los modelos renacentistas por toda Europa gracias a la importación de piezas italianas, a la contratación de artistas italianos (caso de Domenico Fancelli y Pietro Torrigliano, en España) y los viajes a Italia emprendidos por artistas de otros países.
En lo estrictamente formal, las delicadezas cuatrocentistas y el amor el detalle menudo, van a ceder el paso a una grandiosidad monumental y simplificadora. El realismo da paso a la idealización.
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La primera mitad del siglo XVI la acapara la personalidad artística de Miguel Ángel(1475-1564).
Se formó en la Florencia de los Medici, donde entró en contacto con las ideas neoplatónicas, que unidas a un profundo sentimiento religioso, marcaron su obra. Fue arquitecto, pintor, poeta, y sobre todo escultor.
Miguel Ángel entendía la obra escultórica como la expresión de una idea: el artista lucha contra la materia para arrancarle la forma bella concebida en su mente. La aplicación de este planteamiento fueron esculturas limpias y sin añadidos, hechas en mármol con una técnica excelente.
Le interesaba especialmente el hombre, tanto la anatomía como los estados de ánimo. Como escultor representa la figura humana en sus más diversos sentimientos y estados Sus figuras, casi siempre desnudas, destacan tanto por su fuerza física como espiritual presentando cuerpos poderosos y monumentales, y están preñadas de dramatismo y tensión contenida (terribilitá).
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Evolucionó a lo largo de su larga vida, por lo que podemos establecer varias etapas artísticas:
En las primeras obras escultóricas Miguel Ángel nos muestra su maestría técnica, su virtuoso acabado del mármol, su afán de conseguir la belleza ideal. A esta etapa pertenecen el relieve pictórico de la Virgen de la Escalera, la Piedad del Vaticano y el David.
En 1496 viajó a Roma donde esculpió la Piedad del Vaticano, un grupo de esquema piramidal. Su sentido de la belleza es idealizado, con la figura de la Virgen de apariencia más joven y de mayor tamaño que el Hijo muerto. Es una realización serena, que muestra un claro contraste entre los ropajes amplios de María y el cuerpo desnudo de Cristo. El estudio anatómico de la figura de Jesús es cuidadoso y detallado, apenas deformado por el sufrimiento, como si estuviera plácidamente dormido. El acabado formal de la Piedad del Vaticano es de un virtuosismo irreprochable.
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Reflejo de sus estudios de obras clásicas al llegar a Roma. Soberbia obra de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado; de belleza neoplatónica y composición racional, triangular. Sorprende la extremada juventud de la Virgen en la que quiso, sin duda, expresar no la Virgen real, madre doliente y madura, sino la Virginidad eterna y sin edad.
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En 1501 el Gremio mayor de la lana de Florencia le encargó el David. Vasarinos dice que lo esculpió para ponerlo junto al palacio de la Señoría. Utilizó un bloque de mármol blanco de Carrara de cuatro metros y medio de alto. La obra representa a a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta, que porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra.
Se trata, pues, de un joven desnudo, de anatomía cuidadosamente estudiada, pletórico de fuerza, con el torso ligeramente vuelto hacia el lado derecho y la cabeza girada a la izquierda. Es un monumento a la juventud triunfante. Su expresión es concentrada, la actitud tensa y el movimiento contenido. Es una escultura sin añadidos como él mismo recomendaba.
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La tensión corporal: la musculatura (e incluso los tendones y las venas) son
claramente perceptibles.
Los rasgos son típicos de un luchador que se apresta al combate. Esa expectación se traduce en la mirada,
enormemente penetrante.
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Desnudo heroico, de tamaño mayor que el natural, impresionante en su grandiosidad, rompiendo la iconografía tradicional, que lo representaba como adolescente. Realizado sobre un enorme bloque de mármol, pero de forma alargada y estrecha, lo que le obliga a hacer una obra casi plana.
En él apreciamos los rasgos de su arte: la “terribilitá”, el carácter terrible y amenazador de sus figuras; la tensión de la anatomía, el movimiento contenido y centrípeto, con los miembros hacia adentro; la falta de simetría en la postura; la pasión del rostro y el perfecto estudio anatómico, dando la sensación de que la figura está viva.La postura es helénica, pero las manos, el gesto terrible, la disposición en zigzag del cuerpo, comunican una tensión que no es clásica, sino punto de partida del Manierismo.
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La plenitud del genio(1505-1534). En este periodo, tras el impacto que le produjo el Laocoonte, recién descubierto, su obra adquiere más plasticidad y una intensa expresividad contenida, la terribilitá.
En 1505 el Papa Julio II le llamó a Roma por para encargarle su mausoleo.
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En 1520, de nuevo en Florencia, recibió el encargo de varias tumbas para una capilla funeraria, en la iglesia de San Lorenzo. Estas Tumbas de los Médici son otra de sus obras maestras por la perfecta simbiosis entre las poderosas y plásticas formas anatómicas y la expresión tensa y contenida. Identificamos también rasgos manieristas como la sensación de inestabilidad de las figuras alegóricas, y la opresión, por falta de espacio, de los
personajes sentados.
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Últimas obras(1550-1564). Tras unos años en que se dedicó al urbanismo, a la pintura y a la arquitectura, retomó la actividad escultórica y se enfrentó de nuevo el tema de la Piedad, como en la de la catedral de Florencia y en la Piedad Rondanini, su última obra inacabada. En ella Miguel Ángel se despreocupa de los valores formales, dejando muchas superficies esbozadas, y acentúa los rasgos manieristas para conseguir un intenso patetismo. Los restos corpóreos de Cristo aparecen casi fundidos con los de María, como si fueran una misma masa y un mismo sufrimiento, y parece que se escurren o que ascienden, recorridos por un eje llameante, serpentinato. Podríamos decir que es la más atormentada manifestación plástica de la soledad de los últimos años del artista y una de las esculturas más desgarradas del arte universal.
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La escultura manierista
Hacia la tercera década del siglo XVI, el arte renacentista desembocó en una reacción anticlásica, el Manierismo. La palabra procede de la expresión italiana “allamaniera de…”,es decir, lo que se hace a la manera de los grandes maestros. Fue un movimiento visible en todas las ramas del arte, complejo e intelectual, que sustituyó la búsqueda de la belleza por lo refinado, lo conceptual, lo críptico y lo sorprendente. El Manierismo coincidió con la crisis de valores que se produjo en Europa como consecuencia de la Reforma luterana, de las guerras religiosas y de la confusión provocada por el “sacco de Roma”, el saqueo de la capital de la Cristiandad por los ejércitos del emperador Carlos V.
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Arte caprichoso, imaginativo, efectista y expresivo que, aunque usa el lenguaje clásico, lo revisa y transforma buscando impresionar al espectador, siendo sus principales caracteres:
Continúa el interés por el cuerpo humano.
En las composiciones predominan las líneas curvas y la forma serpentinatta (helicoidal o serpentina) para acentuar el dinamismo (influencia de la escultura helenística)
Se defiende el la multifacialidad (la obra está pensada para ser vista desde distintas perspectivas) y se usan varios bloques de mármol.
El canon se alarga y las figuras se retuercen
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Juan de Bolonia
El rapto de las Sabinas presenta un original y rebuscado esquema compositivo vertical, acorde con el alargamiento propio del manierismo, asimismo es un buen exponente de la forma “serpentinatta”.Otro rasgo manierista es que la lucha carece de todo dramatismo, como si fuera una escena circense
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Benvenuto Cellini.
El Perseo degollando a Medusa, fue fundido en bronce y finalizado en 1554, mide 320 cm. La escultura, más preocupada por mostrar la hermosura del cuerpo que la grandeza de la acción, presenta la gallarda actitud de Perseo, semidios y héroe de la mitología griega, aunque realmente representa el triunfo de Cosme I de Médicis sobre sus oponentes republicanos. Además de la fuerza de la figura principal destaca también el elaborado pedestal marmóreo con arpías y máscaras entre las que se abren cuatro hornacinas con dinámicas y elegantes figuras alusivas al mito de Perseo. Es una de las cimas expresivas del manierismo maduro, una obra en la que se muestran influencias de la escuela florentina, de Miguel Ángel y de Rafael.
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¿Y en España?
Alonso Berruguete León Leoni
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Juan de Juni
la pintura
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La pintura italiana de los siglos XV y XVI no es ni unitaria ni homogénea; se caracteriza por la variedad, como consecuencia de la individualidad de los artistas y de la multiplicidad
de escuelas.
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Caracteres generales
Temas: religiosos (aunque reciben un tratamiento secularizador, de modo que importa más la belleza formal que el sentimiento religioso), mitología pagana, alegorías, retratos, hechos históricos, etc.
Técnicas. pintura mural al fresco. La pintura de caballete la realizan al temple sobre tabla, sobre todo en el siglo XV. Pasada la mitad del siglo, se introduce el óleo, procedente de Flandes, primero sobre tabla y en el siglo XVI sobre lienzo.
Realismo: se pretende captar la realidad, aunque no copiándola, sino sublimándola mediante la racionalización y la idealización.
Valoran la expresión, intentando reflejar los estados de ánimo, el temperamento y los valores.
Representación del espacio mediante la perspectiva lineal. El descubrimiento de la perspectiva se debió a Brunelleschi, quien proporcionó a los pintores los medios para crear un espacio racional. El primero que la formuló por escrito fue Alberti. El Quattrocento fue una época de tanteos e investigación, pero que aún adolecía de imperfecciones. Se suele señalar a Leonardo da Vinci como el creador definitivo de la representación del espacio: en su Tratado de la Pintura sistematiza los logros de sus antecesores, y la perfecciona con dos nuevos elementos, la perspectiva del color, o difuminado de los colores en relación con la distancia, y la perspectiva menguante o pérdida de determinación de las formas en la lejanía (perspectiva aérea)
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Caracteres generales
Representan la luz natural, no simbólica, que se distribuye de manera uniforme, crea volumen en las figuras y da sensación de profundidad.
Interés por el movimiento. Consideran que el movimiento corporal refleja el equilibrio interior, y por ello prefieren que sea majestuoso y equilibrado. Para conseguir soluciones verosímiles estudian y representan escorzos:
El estudio compositivo se hace en función de la unidad de la obra. La composición establece el nexo entre todos los elementos creando una sensación de equilibrio y armonía. Los pintores aplican esquemas geométricos, con preferencia triangulares y circulares, en los que inscriben las
formas.
Concepción unitaria: La obra constituye una unidad indivisible, que se intenta conseguir mediante la armonía y el equilibrio de las partes. El artista no detiene al espectador en los detalles, al contrario le obliga a abarcar simultáneamente la totalidad de la obra. Por eso conjuga composición, luz, espacio, marco arquitectónico, volumen, etc., en un fin común.
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Pintura del Quattrocento
La pintura del Quattrocento continuó siendo en buena parte de carácter religioso, pero se introdujeron con fuerza temas de la mitología clásica (hasta el punto de que algunos temas religiosos son tratados como fueran temas mitológicos), que contribuyeron a desarrollar la representación del desnudo humano.
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El soporte dominante siguió siendo el soporte sobre tabla aunque se empezará a usar el lienzo en Venecia y, con el tiempo en toda Italia.
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También destacó la pintura mural.
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Clasicismo.
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Perspectiva lineal, que permitía lograr en una superficie plana la apariencia de profundidad.
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Avances en el empleo de la luz, con la que conseguirán mostrar el volumen de los objetos o seres representados y que se apreciaran los planos de profundidad.
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Masaccio retomó el interés de Giotto por el volumen y la monumentalidad de los cuerpos, a los que añadió los hallazgos que en otras ramas artísticas aplicaban Brunelleschi y Donatello. En colaboración con Brunelleschi investigó sobre perspectiva. Su actividad pictórica se desarrolló entre 1422 y 1428 (murió a los veintisiete años) creando un nuevo sistema de representación basado en la aplicación de la perspectiva lineal, en la proporción y en el análisis de la incidencia de la luz sobre los cuerpos, para articular los volúmenes y situarlos en el espacio. Asimismo ordenaba con minucioso cuidado la disposición compositiva. Con él arranca, en sentido estricto, la pintura del Renacimiento. Entre sus obras destacan La Trinidad, en Santa María Novella y los frescos de la Capilla Brancaci, en la iglesia del Carmen, ambas en Florencia.
Primera generación florentina
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La Trinidad, fresco para Santa María Novella, es la primera obra pictórica arquetípicamente renacentista: la perspectiva convierte la imagen en un trompe l’oeil (engaño visual) que confunde los límites del espacio real y del pintado. Representa una gran hornacina, con una bóveda de cañón decorada con casetones, en perspectiva con el punto de fuga bajo. En la parte inferior, en primer plano, se simula un altar y, sobre un pedestal, aparecen los donantes. En el segundo plano, dentro de la capilla hornacina que se abre bajo un arco de medio punto, aparece el Crucificado flanqueado por la Virgen y San Juan; tras ellos, en tercer plano, está la figura de Dios Padre. La iluminación proyectada de frente
acentúa las formas y el volumen de las figuras. Este fresco constituyó una experiencia orientada a configurar un sistema de representación clásico, científico y universal, pues muchos de los aspectos en él desarrollados fueron recogidos y sistematizados posteriormente por Alberti en su tratado DellaPittura(1436).
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Fra Angélico, fraile del convento florentino de San Marcos, entiende la pintura como una forma de oración. Su estilo tiene mucho del goticismo medieval de la Escuela de Siena, al que añade elementos del Renacimiento como la perspectiva. Su obra más conocida es La Anunciación y en ella encontramos lo más significativo de su estilo:figuras estilizadas, detallismo, colorido ornamental, ternura en las expresiones, abundancia de oros, todo ello ambientado
en un espacio renacentista.
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Tradición gótica. Se observan rasgos tradicionales como el fondo dorado, las figuras están muy estilizadas, los personajes manifiestan un ingenuo fervor religioso y la forma torpe y somera de la perspectiva. Las arquitecturas, aparentemente clásicas, son un ejemplo de arquitectura pictórica, como pone de manifiesto la supresión, por razones compositivas, de las columnas situadas dentro del pórtico. Otra característica renacentista es la recreación de la naturaleza como marco de la escena.
Narra simultáneamente el episodio de la expulsión de Paraíso tras el Pecado Original y la Anunciación a María. Las figuras de la Virgen y el arcángel san Gabriel ocupan, el primer termino. En el centro de la fachada aparece un medallón con la efigie de Dios Padre en grisalla. La actitud de la Virgen al recibir la buena nueva es humilde y confiada. Las alas del arcángel se intercalan entre las columnas, proporcionando una necesaria referencia a los términos del espacio pictórico. El Espíritu Santo desciende de lo alto, traído por un haz luminoso.
La escena de la Expulsión de Adán y Eva introduce, en el lado izquierdo de la composición, una escenografía totalmente distinta, la expulsión de éstos del Paraíso es vigilada por un ángel. En la predela de esta pala describió el artista las escenas del Nacimiento y desposorios de María, la Visitación, Epifanía, Presentación en el Templo y Tránsito de la Virgen. Su reducido tamaño impuso una ejecución miniaturista que revela la extraordinaria técnica del maestro.
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Sandro Botticelli gozó de la protección de los Medici y estuvo muy influido por los ambientes neoplatónicos. No estuvo preocupado por las conquistas técnicas. Es característico su dibujo de trazos nerviosos, el movimiento que agita a sus figuras, las formas ondulantes, la tristeza y melancolía de sus rostros, los paisajes primaverales, la profundidad, la glorificación del cuerpo humano desnudo, la belleza idealizada. Las figuras parecen desplazarse flotando. Los ropajes que las envuelven se agitan como movidos por la brisa. Los rostros son bellos y delicados, sin expresiones dramáticas. No le interesa el espacio ni la perspectiva, el fondo es sólo un pretexto decorativo. El cielo aparece en azules y grises fríos y distantes. Con todo, en el último decenio del XV ha desaparecido la visión optimista y esperanzada de sus alegorías mitológicas, para dar paso a un trasfondo temático más oscuro e inquietante.
Segunda generación florentina
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Es característico su dibujo de trazos nerviosos, el movimiento que agita a sus figuras, las formas ondulantes, la tristeza y melancolía de sus rostros, los paisajes primaverales, la profundidad, la glorificación del cuerpo humano desnudo.No le interesa el espacio ni la perspectiva, el fondo es sólo un pretexto decorativo.La apariencia misteriosa e indeterminada de Venus por influencia del neoplatonismo.
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Se continúa el camino de experimentación iniciado en el siglo anterior, destacando ahora los avances en el tratamiento de la luz, así como la introducción de la perspectiva aérea, en la que se simula el efecto atmosférico que la luz ejerce sobre los objetos, dependiendo de donde se encuentren (por ello los más alejados se ven con menor nitidez).
Como en la arquitectura y la pintura, se aprecia asimismo una evolución a lo largo del siglo:
A comienzos del XVI se desarrolla un gusto clasicista, buscándose la monumentalidad y la belleza ideal. Continúa el gusto por el desnudo.
A lo largo del siglo los escenarios dejaron de ser ambientes en los que aplicar las leyes de la perspectiva y se convirtieron en espacios en los que se realzara la monumentalidad de las figuras, que pasan a ser la principal preocupación de los creadores. En las escenas se prescindirá de lo accesorio.
A partir de la tercera década se buscó un mayor movimiento y expresividad que desembocará en el Manierismo.
Pintura del Cinquedento
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Escuela florentino-romana
Leonardo da Vinci (1452-1519) fue el creador del clasicismo renacentista.
Estableció tres tipos de perspectiva, la lineal, la menguante y la del color, con lo que puso las bases de la perspectiva aérea.
Aplicó la técnica del sfumato o difuminado de las formas, creando la sensación de que las figuras quedan sumergidas en la atmósfera del cuadro, como si emergieran sutilmente de la luz, lo que les confiere un aire poético de misterio.
Consigue mediante expresiones, miradas y gestos, una perfecta unidad emocional; la gracia de sus actitudes y las expresiones de sus personajes transmiten una dulzura que fue unánimemente alabada por sus contemporáneos.
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Escuela florentino-romana
Destacar asimismo su dominio de las técnicas compositivas y la penetración fisiológica y psicológica de sus personajes.
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Suponemos que la modelo es Mona (apócope de Madonna, es decir, señora) Madonna Elisa Gherardini, nacida en Florencia el 1479 y casada el 1495 con el banquero napolitano Francesco di Bartolommeo di Zanobi, marqués del Giocondo. La combinación de la perspectiva aérea y de la técnica del sfuma to consiguen una estupenda sensación tridimensional y de profundidad. Los críticos de arte coinciden en afirmar que lo mejor del cuadro son las manos y por supuesto la enigmática sonrisa. Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial.
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La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron. El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa francamente enigmática. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas. El brazo izquierdo descansa sobre una butaca. La mano derecha se posa encima de este brazo.
Esta postura transmite la impresión de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos. La técnica de Leonardo da Vinci se aprecia con más facilidad gracias a la "inmersión" de la modelo en la atmósfera y el paisaje que la rodean, potenciada además por el avance en la perspectiva atmosférica del fondo, que sería logro final del Barroco, y en la que los colores tienden al azulado y la transparencia, aumentando la sensación de profundidad.
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Rafael Sanzio (1483-1520) desempeñó un doble papel en la pintura del siglo XVI pues, por un lado, fue un enardecido defensor del Clasicismo, y por otro su capacidad de síntesis de la obra de Leonardo y de Miguel Ángel le acercó, en algunas de sus últimas obras, a los principios del Manierismo. Su maestro Perugino le enseñó el orden simétrico de las composiciones. En Florencia conoció la obra de Leonardo del que supo asimilar el sfumato.
el Renacimiento
En 1508 se instaló en Roma, bajo el mecenazgo de Julio II, para el que decoró las estancias del Vaticano. La más destacada es la Estancia de la Signatura, cuyo programa iconológico presenta la concordancia entre el espíritu cristiano y el mundo de la Antigüedad, bajo la dirección de los Papas. En estas obras se aprecia la influencia de Miguel Ángel (mayor monumentalidad de sus figuras y composiciones).
el Renacimiento
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En La Escuela de Atenas, Rafael nos deja una perfecta síntesis de los avances pictóricos de la época. La escena sucede en un monumental marco arquitectónico en que aplica con rigor la unidad de perspectiva; el punto de fuga se sitúa entre los dos personajes centrales, Platón y Aristóteles, y allí confluyen las líneas de fuga de la arquitectura. Una luz natural homogénea envuelve y ordena el conjunto. El color armonioso y variado de las vestiduras resalta sobre la uniformidad cromática del marco arquitectónico. Las figuras ocupan, cuidadosamente distribuidas, su lugar definido en el espacio; son majestuosas y monumentales y cada personaje parece expresar un estado de ánimo a través de su medida gesticulación.
En esta obra se plantea una ordenación ideal de la cultura humanista en clave cristiano-platónica: el saber humano como complementario de la revelación.
La configuración de la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos de Apolo y Palas Atenea, como espacio renacentista y la representación de los sabios de la antigüedad como hombres contemporáneos de Rafael subrayan además la idea de continuidad entre el presente y el mundo antiguo.
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Miguel Ángel (1475-1564) repitió en su pintura los mismos tipos de la escultura. Creador de cuerpos de robusta complexión física y de almas impetuosas, concentraba la energía en el modelado de las formas. Dio gran importancia al dibujo y utilizó el color como auxiliar para dotar de volumen a los cuerpos, hasta el punto de que parecen esculturas (especialmente los desnudos). Empleó violentos escorzos con la intención de obtener dinamismo.
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La capilla sixtina
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Entre 1508 y 1512, por encargo de Julio II, pintó la Bóveda de la Capilla Sixtina. Finge elementos arquitectónicos (pilastras, cornisas) en relieve para dividir la enorme y compleja superficie de la bóveda; en este marco dispone unas trescientas cincuenta figuras, de tamaño mayor que el natural, plenas de fuerza vital. La unidad procede del programa iconográfico cuyo tema es la creación y el pecado del hombre y, como consecuencia, la necesidad de la Redención. Unifica el mensaje profético del mundo pagano, representado por Sibilas, con el anuncio cristiano de la venida del Mesías que hicieron los Profetas. Las escenas centrales sacadas del Génesis, como la Creación del Hombre y El Diluvio Universal, narran la historia de la creación hasta la caída en el pecado. Los Desnudos (Ignudi), representan al hombre en su desnudez y en su tragedia tras la culpa.
el Renacimiento
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Destaca la Creación de Adán, donde el gesto creador de Dios se proyecta a través del contacto eléctrico de los dedos, presentándonos el acto de la creación con una grandeza jamás igualada. La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube arrebatada, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible.
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En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflado de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella. Su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana.
el Renacimiento
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Manierismo
A partir de la tercera década del siglo, el Manierismo llega también a la pintura, definiéndose especialmente por:Ruptura de la verosimilitud, mediante formas rebuscadas, luces irreales, tonos cromáticos irreales, muchas veces fríos y de apariencia de porcelana, engaños visuales (trompe l’oeil), etc. Destrucción del espacio unitario, con puntos de fuga desplazados y múltiples e introduciendo elementos anecdóticos.Desequilibrio de las composiciones. Formas serpenteantes (serpentinatas), alargamiento del canon, figuras deformadas, posturas inestables. Temas y estilo refinados, lo que limitó este movimiento a la sociedad culta.
el Renacimiento
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Escuela venecianaLas circunstancias históricas y geográficas de la República veneciana hicieron posible que surgiera una escuela con características propias. Venecia era una rica y cosmopolita metrópoli comercial, en la que el lujo y el boato estaban a la orden del día. Debido al comercio, tenía una relación con el Mediterráneo oriental, que no tuvieron otros estados italianos. Ese exotismo de los lejanos países está presente en muchas obras venecianas. Si la Escuela florentino romana concedía aún gran importancia a la línea, la Escuela veneciana rinde culto al color, olvidándose incluso del dibujo previo. Y junto a ello:•Se plasma un mundo alegre enmarcado en escenarios lujosos.•Se representa una atmósfera luminosa y llena de color.•Las técnicas más utilizadas eran la pincelada suelta y el sfumato.•Se introdujo un tipo de desnudo femenino delicado y sensual.
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Tiziano (¿1488?-1576) es uno de los pintores más famosos y prolíficos de la historia del Arte. Su larga vida le permitió pasar por numerosas fases teniendo en sus comienzos una visión de la naturaleza vital e idealizada, para llegar en sus obras finales a un apasionamiento interpretativo y una libertad de pincelada que le aproxima al Barroco. El prestigio que alcanzó en vida le permitió retratar a las más altas personalidades de su época, como al emperador Carlos V, Felipe II, al Papa Paulo III, etc. De sus pinceles salieron temas religiosos, mitológicos, alegóricos, retratos, etc. La atmósfera de sutil luz dorada que baña sus obras, da suntuosidad a las composiciones que, en el caso de los temas mitológicos, se realza por la sensualidad de los desnudos. En el retrato consiguió efigies de imponente grandiosidad en las que la importancia concedida al papel social del modelo, visible en atuendos, insignias o riquezas, no oculta la hondura psicológica del
retratado.
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El Renacimiento pictórico fuera de Italia
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En España, en el primer tercio se dio una paulatina introducción de las formas italianas pero sobre una sólida base de pintura flamenca (caso de Pedro Berruguete); en el segundo tercio, continúa el proceso, dominado ahora por el clasicismo rafaelesco y el Manierismo (Alonso Berruguete, Luis de Morales…). En el último tercio llega la influencia de Miguel Ángel y la pintura veneciana (Juan Fernández Navarrete, entre otros).
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El Greco (1541- 1614) quien durante su formación estuvo en contacto con la pintura bizantina, la veneciana, la de Miguel Ángel y la manierista, supo forjar un estilo muy personal, reflejo de sus crecientes inquietudes espirituales. En su obra española, las figuras se alargan y se retuercen cada vez más (tendencia que acentuó en los últimos años, con lo que logró una gran espiritualización en su pintura, que preludia futuros estilos artísticos del siglo XX), llegando a parecer que los personajes no pesan y flotan en el espacio. Sus composiciones son complejas y abigarradas, con un tratamiento del color cercano a los pintores venecianos. Es asimismo un maestro en el uso
de la luz.
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