Tema 7. Siglo XIX; del Romanticismo al Modernismo

S. XIXDel Romanticismo al Modernismo

LCC. Carlos J. Torres Trejo

El s. XIX fue un periodo de grandes transformaciones, algunas de las cuales, como la expansión urbana, la aparición de nuevas industrias y la introducción del ferrocarril, cambiarían por completo nuestra forma de vida.

Algunos artistas respondieron a estas novedades interesándose en temas que hasta entonces no había tratado el arte, e inspirándose en la agitación de la ciudad moderna.


Romanticismo

Constituyó una revolución en el aspecto visual, literario y espiritual a finales del s. XIX.

Se basa en sentimientos y emociones, muchas veces asentadas en la melancolía y la tristeza.

El mundo que pinta es un mundo interior, porque el existente es desconocido y sombrío.

El arte busca lo pintoresco, lo sublime y lo romántico.


El artista romántico

El artista romántico seguía siendo ampliamente educado, sin embargo se guía bajo la premisa de la estética idealista, fundamentada por la filosofía de Immanuel Kant, del “arte por el arte”. Este principio implicaba la libertad artística, paralela a la libertad de expresión definida como una de las libertades básicas proclamadas por la revolución liberal. Por la misma razón, en ocasiones se puede identificar con el “arte incomprendido”, que del mismo modo desarrollaron en su mayoría, una vida bohemia o extravagante, realizando sus propuestas artísticas de forma ajena las instituciones y los encargos oficiales. Muchos de los postulados del romanticismo, en tanto el artista bajo un genio creativo único y alejado del común social siguen rigiendo en la concepción actual de la actividad artística.

LCC. Carlos J. Torres TrejoEl árbol con cuervos

Caspar David Friedrich1822


Características

Se refleja el interior de cada autor.

Sentimientos antes que la razón.

El color simbólico.

Contrastes lumínicos para acentuar el dramatismo.

Composiciones desequilibradas.

El gusto por lo exótico.

Naturaleza presente como sentimiento melancólico.

El individuo y el centro, todo gira en torno a sus emociones y sentimientos.


Théodore Géricault

Preferencia por las escenas dramáticas.

Explora emocionalmente escenas de gran intensidad que representan imágenes de sufrimiento, muerte o triunfo.

Realizó numerosos estudios de cuerpos humanos, tanto vivos como muertos.

Uno de los máximos representantes del pathos, a través de retratos de lo insano, las imágenes de moribundos y espectáculos visuales de gran fuerza expresiva.

Consigue efectos dramáticos usando colores osados y saturados, en conjunto con una luz brillante y un modelado explícito.

La luz que ilumina sus composiciones es extraordinariamente natural.


La Balsa de MedusaThéodore Géricault

1819


William Turner

Máximo representante de la escuela romántica inglesa.

Fascinado por las fuerzas de la naturaleza y su paisaje que las hizo protagonistas de sus obras. Prefería los paisajes marinos, que le permitían explorar el dramatismo de las

tormentas y los truenos. En los paisajes de Turner, el color y la luz son protagonistas y piezas integradas de

la composición.

Su estilo se caracteriza por la claridad y la brillantez.

La paleta de colores se baja por lo general en rojos y amarillos puros y brillantes.

Evita las sobras y oscila entre el uso de capas de pigmento finas y gruesas.

Su característica luz fluyente disuelve las formas casi hasta la abstracción.

Tuvo enorme influencia en los artistas europeos de la segunda mitad del siglo XIX.

Tempestad de NieveWilliam Turner

1842

Lluvia, vapor y velocidadWilliam Turner

1844


Fascinado por le proceso de la Revolución Industrial, acontecida en 1750, su obra Lluvia, vapor y velocidad es uno de los primeros cuadros de la historia en que aparece el elemento icónico de dicha revolución, una locomotora. Sin embargo ésta no se aprecia con exactitud. Más bien se intuye. Técnicamente es una pintura muy avanzada a su tiempo, con pinceladas sueltas y desenfadadas que destruyen por completo el proceso tradicional de elaboración de un cuadro. Con Turner, el dibujo y los contornos que delimitan las figuras dejan de existir. En esta obra Turner opone lo nuevo a lo viejo. El tren avanza a toda velocidad sobre un puente de ferrocarril de reciente construcción, en contraste con el antiguo puente de carretera de la izquierda. La horizontalidad del puente antiguo le otorga un carácter estático, mientras que la inclinación del ángulo del puente de ferrocarril contribuye a la sensación de velocidad del tren.


Delacroix y la libertad

Si bien hemos dicho que el lema del Romanticismo era “el arte por el arte”, existía un amplio compromiso político y social de los artistas, principalmente los franceses.

En La libertad guiando al pueblo Eugene Delacroix refleja la revuelta burguesa de julio de 1830. El movimiento se inició como protesta contra una serie de ordenanzas que restringían libertades ciudadanas ante el fracaso de la Revolución Francesa y la restauración borbónica. La revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha y liberación nacional en varios países europeos. El artista romántico se siente más comprometido con el pueblo, con sus desventuras, su sufrimiento y su lucha.

El color para Delacroix no sólo tenía un valor de representación sino sobre todo un significado emocional propio, con el que intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposición de ánimo de las personas.

En el centro del lienzo aparece representada la libertad, personificada en la figura de una mujer que, bandera francesa y bayoneta en mano, invita al pueblo a levantarse en armas contra la monarquía borbónica a fin de conseguir la tan ansiada libertad. Hay una estructura en posición de pirámide con los muertos por la Libertad debajo de la mujer. En el cuadro aparecen jóvenes, adultos, clase obrera, burgueses y soldados. De fondo se ve un cielo turbulento de París.

La libertad guiando al pueblo

Eugene Delacroix1830


El Realismo

Se opuso al Romanticismo, ya que eran hombres comprometidos con la situación de los más desfavorecidos.

Su mirada se centra en los cambios sociales que se daban en Europa después de la Revolución de 1848.

Crítica social.

Los temas dejan de ser heroícos, en sus pinturas aparecen campesinos, trabajadores, lavanderas, niños de la calle; gente del pueblo.

La realidad se debe pintar lo más fielmente posible.

Carpintero trabajandoWilliam Henry Fox Talbot

1843


Las espigadorasJean-Fracois Millet

1857

…las consecuencias de la Revolución Industrial fueron incalculables: el hombre se había convertido en un

esclavo existencial de las máquinas, es decir un pequeño engranaje de una gran empresa de producción con fines

lucrativos…

Los picapedrerosGustave Courbet

1851


Gustave Courbet. Seguramente uno de los máximos representantes del realismo, personaje controvertido para su tiempo, se dedicó a representar principalmente escenas de la vida cotidiana. La elección de sus motivos la legitimaba tan clara como simple “Sólo pinto lo que veo. Por eso no pinto ángeles, porque nunca he visto alguno”.

En la diapositiva anterior, por ejemplo, pintó a los picapedreros en su dura jornada. El joven, que sostiene una cesta con las piedras recién picadas sobre la rodilla avanzada, le da la espalda al espectador. Tampoco puede reconocerse la cara del hombre mayor, que está tapada por el ala del sombrero. De esta manera los personajes consiguen un anonimato que los convierte en representantes de toda la clase. El pintor no describe los destinos de nadie en particular, sino que explica sin más la miseria de toda una capa social.

AutorretratoGustave Courbet

1842

El origen del mundoGustave Courbet

1866


Impresionismo

Los pintores impresionistas, como los realistas, escogen la vida cotidiana como se temática principal.

Influenciado por los nuevos postulados del realismo científico, así como por los avances en la comprensión de la visión humana.

Se inspiran en los grabados japoneses y la fotografía moderna.

Los impresionistas pintaron instantáneas de la vida moderna al aire libre y registraron los efectos de la luz en sus modelos con densas y toscas pinceladas.

Salón de los Rechazados de 1847, primera exposición impresionista.


La nueva pintura al aire libre trataba temas modernos con colores vivos y pinceladas breves y gruesas que dejaban acabados irregulares. Aunque los pintores dedicaran bastante tiempo a un mismo cuadro, querían que conservara un aire espontáneo y que captara los efectos fugaces de la luz del sol y las sombras.

Mujer con sombrilla(Madame Monet y su hijo)

Claude Monet1875


Características

La captación de la luz es el asunto esencial de su pintura. Se pretende un realismo total. Para ellos sólo es real la relación aire-luz. Los efectos cambiantes de la luz sobre los objetos es lo que les interesa. Este es el verdadero tema del cuadro.

Es el momento, el instante lo que se quiere pintar.

La influencia de las estampas japonesas se plasmará en sus composiciones.

Negación del claroscuro, las sombras se representan con colores.

Su pincelada suelta y vibrante capta la atmósfera de la escena.

La pintura al aire libre es practicada con asiduidad.

Descubren nuevos puntos de vista, con encuadres sorprendentes.

Privilegian los elementos propiamente pictóricos: color, pincel, tela.


Impresión amanecerClaude Monet

1872


La Catedral de RouenClaude Monet

1892 en adelante


Baile en el Moulin de la Galette

Pierre Auguste Renoir1876


Baile en el Moulin de la Galette

Describe las festividades vespertinas que tienen lugar en los jardines de París, donde la atmósfera es alegre y chispeante. En el fondo, varios de los amigos de Renoir pueden ser idénticos, evidentemente por haberse ofrecido como modelos, mientras que sobre sus hombres se ve a un número indefinido de parisinos.

Las figuras, aparte de ese fondo inmediato, han sido pintadas de manera abreviada, sin poner atención cuidadosa a sus particularidades anatómicas o al detalle de su vestimenta. Aún en el fondo es retratado con rápidos golpes y vibrante colorido, lo que ayuda a extraer la disolución de los contornos y ayuda enormemente a dar la idea de la captura de un momento dinámico en el tiempo.

Lo que Renoir está tratando de lograr no es la reproducción analítica y estructurada de una escena actual, sino más bien un cuidadoso estudio de los efectos luminosos y cromáticos que se reflejan sobre un grupo de gente y su entorno, en el preciso momento en que el artista los está mirando.


Postimpresionismo

El postimpresionismo se desarrolló partiendo directamente de los postulados impresionistas.

Se interesan por los estudios científicos en torno a la luz.

Las reproducciones están por encima de la reproducción precisa de la realidad.

Algunos trabajaron en diferentes estilos, por lo que se les puede relacionar con varios movimientos a la vez. Gauguin y Van Gogh, por ejemplo, pertenecieron a los

simbolistas, para los que algunos colores, formas simplificadas y temas espirituales provocaban respuestas emocionales en el espectador.


Paul Cézanne

Nació en Aix-en-Provence y se convirtió en uno de los más grandes pintores modernos.

Su obra tendió un puente entre los estilos más tradicionales del siglo XIX y los cambios radicales que trajeron consigo las vanguardias del s. XX.

Desarrolló dentro del movimiento postimpresionista, un estilo poderoso y personal que ejercitó una notable influencia en los artistas coetáneos, así como en movimientos estilísticos posteriores.

Su modo de representación de planos de figuras para crear un todo completo, idea que volvería a aplicar Picasso.


Cézanne se inspiró en el arte de los impresionistas y se centró en la exploración de los objetos como conglomerados de formas.

Estaba más interesado en la visualidad de la pintura, que en el tema del cuadro.

A fuerza de pintar el mismo tema, fueran manzanas, naranjas o montañas, Cézanne logró desarrollar a fondo su técnica.

Estudió de forma metódica los distintos efectos de la luz y la perspectiva, y el modo en que cada una destacaba distintas facetas del objeto que captaba utilizando distintos planos de color y mostrando los distintos componentes geométricos de los objetos.

Se le considera como el percusor del cubismo.


Montaña de Sainte-VictorieVincent Van Gogh

1871


Georges Seurat

En la década de 1880, el pintor francés Georges Seurat inventó una técnica llamada puntillismo, en la que las imágenes se creaban con puntitos de colores puros que contrastaban entre sí.

Se inspiró en estudios de la época sobre la percepción de las cosas, en concreto, los colores. Creía que los colores mezclados en el ojo del espectador, en vez de en su paleta, ganaban luminosidad.

La torre EiffelGeorges Seurat

1889


Carta a C. Morice, de 1901, escrita por Paul Gauguin

“En este gran cuadro:¿Adónde vamos?

Tras la muerte de una anciana.Un pájaro extraño, estúpido

concluye.¿Quién somos?

Existencia diaria.El hombre de instinto se pregunta

lo que quiere decir todo esto.

¿De dónde venimos?Manantial. Niño. La vida empieza.

El pájaro concluye el poema comparando el ser inferior frente al ser inteligente en

este gran todo que es el problema enunciado por el título.

Tras un árbol dos siniestras figuras, envueltas en ropas de color triste, ponen detrás del árbol de la ciencia su nota de dolor causada por esta misma ciencia, incluso en comparación con unos seres

simples en la naturaleza virgen que podría ser un paraíso de concepción

humana dejándose llevar por la alegría de

vivir.”

¿De dónde venimos? ¿Quién somos? ¿A dónde vamos?

Paul Gaugin1897


Paul Gauguin abandonó París a cambio de una vida rural. Después de vivir con van Gogh en Arlés, juntó dinero y viajó al Pacífico Sur.

Se estableció en la isla de Tahití, donde, alejado de la urbe, desarrolló un estilo tosco inspirado en el arte tradicional de la región. Simplificó las figuras, aplanó la perspectiva. Lo consideraba altamente simbólico y espiritual. Fue uno de los primeros en reconocer el gran valor estético de las artes

consideradas “primitivas”.

Sus obras generalmente hablan de seres en armonía con la naturaleza, y son alegorías a la vida. Los objetos, las plantas, las flores y animales contenidos en un mosaico de formas.

Faa IheihePaul Gauguin

1898


Vincent Van Gogh Casi un completo desconocido en vida,

Van Gogh es hoy día uno de los pintores más famosos del mundo.

Comenzó a pintar a la edad de 27 años, y su vida fue tan corta como extraordinariamente prolífica y tormentosa. Muchas veces la fascinación proviene

del saber de sus desórdenes mentales, que llevaron a la mutilación de su oreja.

Colaboró con artistas coetáneos para hacer surgir un nuevo tipo de arte, principalmente con Gauguin.

Confería al color cualidades psicológicas, escribió “En vez de intentar reproducir con exactitud lo que tengo ante los ojos, uso el color arbitrariamente para expresarme más contundentemente”

Autorretrato con sombrero de fieltro

Vincent Van Gogh1887


Caracterizado por vigorosas y densas pinceladas de color, aplicadas a menudo en estado puro.

La pincelada configura una imagen de trazos vertiginosos, en ocasiones rasgados con el mango del pincel.

Aunque su género favorito es el paisaje, constituyen interpretaciones subjetivas de Van Gogh. Campo de trigo con cuervos

Vincent Van Gogh1890


La noche estrelladaVincent Van Gogh

1889

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