Todo Al Rojo. Realismo Socialista
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8/19/2019 Todo Al Rojo. Realismo Socialista
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TODO AL ROJO - PÁGINA 1
UNED2014-2015Grado en Historia del Arte
Arquitectura y Vanguardiaen el Periodo de Entreguerras
TODO AL
ROJO
Boris VladimirskiROSES FOR STALIN
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UNA VISITA VIRTUAL AL REALISMO SOIALISTA
PRUEBA DE EVALUACIÓN CONTINUA
Nombre y apellidos: Mª Nazaret Castro
Dirección:
Correo electrónico: [email protected]
Código de la asignatura: 67024027
Centro asociado:
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En el año 1917 marca el fin del régimen zarista y se
instaura el primer régimen comunista del mundo. En
1927, se entrega el poder a Stalin, comenzando la era del
Stalinismo. En su gobierno se establecen unos planes
quinquenales para el desarrollo del país, poniéndoseen marcha el primero en 1929. Dos eran los objetivos:
desarrollar la industria y colectivizar la tierra. En la
década de 1940, Rusia había alcanzado el tercer puesto a
nivel mundial en producción industrial, después de EEUU
y Alemania.
La sociedad couminsta no conocía el paro ni las crisis
de los países capitalistas, pero el nivel adquisitivo de la
población era tan bajo que apenas permitía su subsistencia.
Por otra parte, la represión ideológica era enorme. Las
purgas políticas eliminaban cualquier posible adverariodel Estado. Diez millones de personas murieron durante
el Estalinismo. Stalin estuvo en el poder hasta su muerte,
en 1953. Para entonces, la URSS ya era una de las potencia
económicas y militares más importantes del mundo.
En este marco social se desarrolla el Realismo Socialista.
Al contrario que el periodo revolucionario de 1917-
18, caracterizado por el vanguardismo, se impone el
realismo llamadao “fotográfico”, donde los artistas y
arquitectos tenían que seguir las reglas del romanticismo
revolucionario. Se caracterizó por una crítica feroz a las
vanguardias, quedando prohibidas en 1932 en la URSS.
Todos los artistas fueron incorporados (a la fuerza) a la
Unión de Artistas.
TODO ALROJO
UNA EXPOSICIÓN SOBRE EL REALISMO SOCIALISTA
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UNA VISITA VIRTUAL AL REALISMO SOIALISTA
El Realismo Socialista fue el estilo oficialdel arte Soviético desde mediados dela década de los 30 del siglo XX hasta ladisolución de la Unión Soviética. Su esenciareside en las premisas de los escritos deMarx, Engels y Lenin, emergiendo comoresultado del esfuerzo institucional en laintensificación y codificación del control
de las artes. Ekaterina Degot, en suartículo “El realismo socialista desde elpunto de vista de la crítica de arte”, explicaeste movimiento como contraposicióna las vanguardias, como un tipo de artetotalitario y propagandístico revestido de
formas conservadoras.
La vanguardia practicada por artistas
como Goncharova, Rodchenko y Malevichdominaron el periodo revolucionario en suprimer momento, ya que la nueva política
y el arte no tradicional fueron vistos comocomplementarios.
Sin embargo, el liderazgo comunista nuncaestuvo a gusto con este tipo de arte yquería un estilo que pudiera ser utilizadocomo propaganda para el estado soviéticoy que el hombre común pudiera entender.En 1930, las vanguardias fueron atacadas
por ser áridas, sin alma, formalistas y
fomentar el culto a las máquinas.
Su propósito era ser accesible a las masasy tener un propósito social desde unaóptica idealizada y optimista, a través dela transformación de los “habitantes de
la nación” en “ciudadanos soviéticos”. Enpalabras de Andrei Zhdanov, mediantela remodelación ideológica y educacionalde la clase trabajadora en el espíritu del
socialismo.
PRESENTACIÓN
“La educación es una arma cuyo efecto depende de quién
la tenga en sus manos y de a quién apunte”.
Josef Stalin.
REALISMOSOCIALISTA/
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ALEXANDER GERASIMOV /
Stalin y Voroshilov en el Kremlin
1938. Óleo sobre tabla. 150 x 195 cm.
Galería del Estado Tretyakov. Rusia.
YURI NEPRINTSEV/
Descanso después de la batalla
1955. Óleo sobre tabla. 192 x 300 cm.
Galería del Estado Tretyakov. Rusia.
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UNA VISITA VIRTUAL AL REALISMO SOIALISTA
Con Stalin comenzó un proceso de censurasin límites con la intención de controlartodo el arte nacido en el seno de la URSS.Se suprimieron escuelas de arte y el canonsocialista se impuso.
En una sociedad revolucionaria, con ungobierno revolucionario, el arte debíaserlo también. El que no encajara debía
ser depurado. Todo arte formalista yprogresista fue considerado capitalista,por lo tanto no debía tener importanciapara el proletariado ni el proletariadopara él, por lo que fue censurado. MaximGorki llamó a la vanguardia (1907-1917) “ladécada más vergonzosa en la historia de laintelectualidad rusa”. Teniendo en cuentala severa represión, no es de extrañar quemuchos de los artistas más prolíficos dela vanguardia huyeran. Kandinsky, Chagall,Gabo y Pevsner se encontraban entre losque emigraron a causa de la represiónsoviética. Al final de los años 30, muchosartistas fueron incluso condenados amuerte o a trabajos forzados. Aquellosque no encajaban fueron censurados yacusados de formalismo artístico.
El propósito del Realismo Socialista fueelevar a la clase obrera y su trabajo, asícomo educar a los ciudadanos en lasmetas y el significado del comunismo. Adiferencia del arte burgués, no fue creado
para museos, galerías, coleccionistas
particulares ni especialistas, sino que
tuvo como único consumidor al propio
Estado. La cultura estalinista se proyectó
de una forma anticomercial, con el únicoobjetivo de educar y sobre todo dirigir alas masas.
El Realismo Socialista no fue entendido enla URSS como una corriente, sino como unametodología. Aunque podamos pensaren él como el “arte oficial”, el arte estabahecho por artistas que, aunque atados aun método y temática, podían desarrollarlas obras según sus ideas.
Hasta su final, las piezas artísticas del
Realismo Socialista fueron portadorasde la idea de comunismo del futuro, másque del socialismo de la época. Entresus temas encontramos la glorificacióndel héroe de la clase trabajadora, la
representación del crecimiento industrial,
la agricultura colectiva y la lucha contra el
capitalismo. Aun así, debido a su amplitudde temas, géneros, técnicas y prácticas, sudefinición como movimiento sigue siendocontrovertida.
En su mejor momento, nos dejó obrasllenas de vida, de una energía inmediatay llenas de potencia. En el peor, quedó deél una propaganda vacía que no enseñanada, que no emociona.
Sus orígenes se remontan al mismoRealismo y a la estéticas de los Ambulantesdel siglo XIX. En relación al Realismo,sus premisas básicas compartían larepresentación de la realidad lo más fielmente posible, apartándose de loideal y buscando lo bello en la realidadmisma. Como ejemplo podemos nombrar aDeineka y su obra “Futuros Aviadores”, enla que podemos observar la expresividad
de su libre creación aunque su temática secircunscriba al programa institucional.
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Respecto a los Ambulantes, dentro de laimpronta que dejaron en el arte ruso hastalos años 20, encontramos situaciones dedenuncia social y campesinos idealizados,como los de Reptin o Venetsianov, siendo
en una exposición celebrada en 1922cuando los artistas del Realismo Socialistasubrayan su conexión con ellos.
Después de la Revolución, variosmovimientos dispares surgieron pararepresentar el espíritu revolucionario. Elestallido de la Revolución Rusa provocóel exilio de muchos intelectuales queallí vivían, y a los que la dictadura del
proletariado no les agradaba aunqueeran de corte liberal y progresista. Otrossectores innovadores y rupturistas
surgieron, siendo uno de ellos fue la nuevaformación de la Asociación de Ambulantes,bajo la forma de Artistas Revolucionariosde Rusia.
Mientras tanto, los postulados del Realismo
Socialista comienzan a surgir, quedandorodeados por otras olas de expresióninfluenciadas por las dos décadasanteriores. Se recogieron en los sindicatosde artistas como El Frente de Izquierda,el Proletkult y la Sociedad de Pintoresde Caballete. Estos grupos captaron larevolución de forma diferente entre sí, yaunque finalmente fueron condenados por
el Régimen Soviético, sus ideas tuvieroncierta influencia en el posterior estilo delRealismo Socialista.
ALEKSANDR DEINEKA/
Futuros aviadores1938. Galería del Estado Tretyakov. Rusia.
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UNA VISITA VIRTUAL AL REALISMO SOIALISTA
De 1932 a 1934 se publicaron más decuatrocientos textos sobre el RealismoSocialista. Dentro de ellos, se preguntabauna y otra vez qué tipo de realismopodría corresponder a los objetivosdel movimiento. Según las primerasdefiniciones, consistía en una mezclacontradictoria de varias filosofías,por lo que el establecimiento de sus
verdaderos objetivos y directrices resultóser problemático. De alguna manera, elinquebrantable sentimiento revolucionariodebía ser combinado con el realismo delos Ambulantes, que se basaba en granmedida en la documentación sobre lalucha de clases.
Para la realización del programa artísticoestatal, los artistas no podían dejar de
aprovechar algunas de las estilizacionespopularizadas en las décadas precedentes.Muchas técnicas de principios de sigloencontraron su camino en las grandes obrasde este periodo. En particular, el sentidodecorativo del color y el tratamiento de lalínea, se pueden observar en piezas comolas de Gerasimov retratatando a Stalin parael Congreso del Partido XVIII (1939).
Este movimiento no se dedicó a larepresentación estricta de la naturaleza yde las escenas sociales de una forma literal,sino que el “naturalismo” fue condenadodesde el principio. Lo “real” dentro deeste movimiento era más emocional e
intangible que las narrativas sociales y los
paisajes impresionistas de los Ambulantes.
Buscaban en la representación la ideade una fuerza poderosa, que evocara elorgullo soviético y que el movimientopudiese trascender a través del arte.
Además de la técnica, debemos tratar unelemento más concreto como fue el énfasispuesto en el tema. La importancia quedebía tener el mensaje en las obras quedóasí: debía representar un futuro comunistay un presente glorioso. Con este fin, loshéroes rusos, tanto contemporáneoscomo históricos, fueron representadosconjuntamente.
Un trabajo de Laktionov, Carta desdeel frente (1947), capta este mensaje.Representa a una familia donde se reúnenpara disfrutar felizmente de las noticiasllegadas desde las trincheras. Aunque laacción se llevó a cabo en un día nublado,sin sol, se iluminó la escena con un solbrillante, que encuentra la perfectarealización de la idea. El brillo, sin sertécnicamente real, dispara la fuerza de lapintura a través de un sentimiento optimistade vida e inmediatez. El arte soviético tuvo“alta misión” de describir con veracidadla vida de las personas, inspirándolaspara construir el comunismo y educar agrandes hombres, de sentimientos nobles
y un profundo conocimiento de la vida.
Las obras debían ennoblecer al hombre,
inspirándolo y dirigiéndolo hacia un actodel que sentir orgullo.
Algunos autores comentan que elmovimiento insistió de manera innata enuna estética imposible. El historiador dearte Mateo Cullerne Brown, en PinturaRealista Socialista, sostiene que elrealismo socialista pecó de ambicionescontradictorias, asegurando de esta forma
su fracaso como forma de arte. Se apoyóen los precedentes anteriores del realismo,
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pero mirando hacia delante, hacia un futurocomunista, aunque caracterizado por sunegativa a “crear”. La experimentación fueduramente criticada y rechazada comoarte genuino. Cuando el primer Congresode la Unión de Artistas de Rusia se reúneen 1960, se reafirman sus principios y,aunque se permiten algunos cambios, seburlan de los artistas “no oficiales”. Con
artistas no oficiales entendemos los quetenían que vender , ya fuera en privado o através de marchantes (o trabajar en otrasprofesiones para salir adelante). Muchosde estos artistas fueron exportados a losEstados Unidos.
Un punto de vista más matizado, tanto
artística como políticamente, es el quemanifestó el círculo de historiadoresdel arte norteamericanos de izquierdasagrupados en torno a la revista October.Esta línea de opinión se formó en buenaparte bajo la influencia del artículo“AvantGarde and Kitsch”, de ClementGreenberg, donde se analiza el artesoviético desde el punto de vista de lamodernidad occidental. Se describe comoel más clamoroso ejemplo de kitsch ycontraponiéndolo a la vanguardia más
innovadora, por su carácter mecánico,y a la obra única, por su propensión a lareproducción masiva.
Por el contrario, la concepción que adelantóBoris Groys insiste en que éste representa eldesarrollo creativo de todas las tendencias
artísticas precedentes y, por lo tanto,
también de las vanguardias. Los críticosde Groys habitualmente argumentan quesu concepción representa una lecturaposmoderna del arte estalinista. Esto escierto en cuanto que el realismo socialistase veía a sí mismo como un arte “posteriora la modernidad burguesa”.
ALEXANDER LAKTIONOV/
Carta desde el frente1947. Óleo sobre lienzo.
Galería del Estado Tretyakov. Rusia.
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REALISMO SOCIALISTAEN DIEZ PUNTOS ESENCIALES
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Estilo que dominó la pintura soviética durante 50 años a partir de la década de 1930.Tanto el estilo como el contenido fueron controlados por el Estado con el propósitode promover los objetivos del socialismo y el comunismo.
Hunde sus raíces en el neoclasicismo y en las tradiciones del realismo en la literaturarusa del siglo XIX, que describe la vida de la gente sencilla. Se ejemplifica con lafilosofía de Gorki, el trabajo de los Ambulantes y Jacques-Louis David como influencianotable.
Los artistas estuvieron bien entrenados en las escuelas de arte, mientras que estatradición se fue debilitando en Occidente, donde la originalidad se consideró másimportante que el estudio riguroso.
Para Occidente fue objeto de burla por considerarlo Kitsch, pero el estilo cuenta conobras de gran interés y originalidad.
Las obras de arte, según los postulados del Régimen debían ser:
Proletarias: relacionadas con los trabajadores y comprensibles para ellos.
Típicas: escenas de la vida cotidiana y de las personas.
Realistas: en el sentido de representación.
Comprometidas: con los objetivos del Estado y del Partido.
Su objetivo fue elevar al trabajador común, ya fuera de fábrica o agrícola, mediante larepresentación de su vida y el trabajo de una forma que resultara admirable.
La censura y los intentos de controlar el contenido del arte no habían comenzadotras la Revolución, sino que eran una característica de largo arraigo en la vida rusa.El castigo por incumplimiento era un asunto serio, pudiendo llegar a la exclusión y aldestierro del artista.
Mientras que en las sociedades de mercado, los artistas profesionales se ganaban lavida vendiendo a la alta burguesía o aristocracia, en la sociedad soviética no solo sesuprime el mercado, sino que pocos o ninguno de los individuos fueron capaces depatrocinar las artes y no había un comprador posible que no fuera el estado. La faltade competencia no proporcionó un incentivo para sobresalir, lo que embrutece tantolas artes como otras esferas de la vida soviética.
El arte estaba lleno de salud y felicidad, con pinturas repletas de escenas industrialesy agrícolas, donde entraban en acción “héroes” en el sentido socialista del término.
Los artistas tenían el mismo estatus que matemáticos, escritores y funcionarios delEstado, permitiéndoles por ello el acceso limitado a otras ciudades para perfeccionarsu técnica y mantener relaciones de cierta diplomacia.
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GALERÍA
Artistas invitados:
Isaac Brodsky. Lenin en el Instituto Smolny.
Valentina Kulagina. Panel para la Unión de Exposiciones Agrícolas.
Gustav Klutsis. Bajo la bandera de Lenin para la construcción del socialismo.
Boris Kustodiev. El Bolchevique.
Yuri Pimenov. Nueva Moscú.
Mijaíl Nésterov. Los filósofos.
Kliment Redko. Sublevación.
Aleksander Deineka. Corredores.
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ISAAC BRODSKY
Isaac Brodsky (1884-1939), nace en Ucrania y
se forma como pintor de paisajes y retratos
de corte academicista. Su maestro fueel gran autor realista Ilya Repin. Tras la
revolución proletaria rusa (1917) y la guerra
civil, su obra se inscribe dentro del Realismo
Socialsita, derivando hacia postulados
hagiográficos que ensalzaban las virtudes
de la clase obrera y el socialismo, dentro de
las directrices marcadas por Stalin.
ISAAC BRODSKY/
Lenin en el Instituto Smolny
1930. Óleo sobre lienzo.
190x187 cm
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Su técnica logró desmarcarle de otros pin-tores, mediante el empleo del color y la
luz, que hace de sus obras piezas de granbelleza estilística. Tampoco participó delos excesos respecto al engrandecimien-to exagerado de temas y personajes quemanifestaron otros autores, pero sí con-siguió acercarnos la tensión y la emo-ción catacterísticas de este movimiento.Sabemos que en ocasiones empleaba fo-tografías como base de sus composicionesque, sumado a su formación academicista,explica el por qué de un realismo tan verazen sus cuadros.
En esta obra, el artista ha elegido unmomento y lugar específico para plasmarla acción de la pintura (los primerosmeses del régimen soviético, cuyo ComitéCentral se encuentra en el edificio del
Instituto Smolny para las Damas Noblesde Petrogrado).
Una atmófera íntima preside lacomposición, en la que Brodsky pretendetransmitir un retrato con una semejanzaabsoluta del retratado, donde presentaa Lenin concentrado, mostrándonos unaspecto casi empresarial, concentrado en
su tarea, y de perfil respecto al espectador.La figura está dibujada a una escala casi
natural, lo que asegura la sensación derealismo y permite al espectador sentirte
justo delante del líder, por así decirlo.
La representación por el pintor es tanprecisa y minuciosa, que de hecho loconsigue. El color de la pintura se asemejamucho al color real del ambiente, dondeno escatima en detalles como el cable deluz a la salida. Esta especificidad ayuda afortalecer la exactitud de la interpretación
y subraya la importancia histórica delmomento.
Esta obra fue hecha después de la
muerte de Lenin, y tenía la intención de
canonizar a la imagen del líder mundial del
proletariado, consiguiendo una obra que,
además de introducir al espectador en la
historia del siglo XX, le obliga a reflexionar
sobre su pasado.
Dentro de un régimen tan opresor, su obrano solo sirve de crónica del momentohistórico, sino también de que el arte,independientemente de los mecanismospolíticos que lo gestionen, puede
entenderse e interpretarse desde diversospuntos de vista.
INDEPENDIENTEMENTE DE LOSMECANISMOS POLÍTICOS QUE
GESTIONEN EL ARTE, ÉSTE PUEDE
ENTENDERSE E INTERPRETARSEDESDE DIVERSOS PUNTOS DE VISTA.
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VALENTINA KUNAGINA
Poco sabemos acerca de las mujeres
artistas de la década de 1930 bajo el
gobierno de Stalin. La generación demujeres artistas de la década de 1930basaron el logro de sus antecesorasconstructivistas en el diseño del cartel,aunque con algunas diferencias. Muchasde ellas trabajaban este medio no porel borrado de la jerarquía de las artes através del arte utilitario, sino porque elsistema artístico soviético era cada vez másconservador y volvió menos accesible elacceso de la pintura a las mujeres. Por otraparte, se centraron en el tema de género no solo por su compromiso, sino porquea menudo eran los únicos temas que seles asignaban, dentro de una estructurainstitucional sexista, en la que solo a losartistas masculinos se les otorgó acceso alos temas “universales”.
Valentina Kulagina es una figura detransición entre las mujeres artistas dela vanguardia de la década de 1920 y sushomólogas figurativas en la década de 1930.Estudió a los constructivistas e incluso secasó con uno de ellos, trabajando en eldiseño de cartelería como un compromisocontinuo para hacer llegar el constructivimoa las masas.
A través del trabajo deValentina Kulagina
,los actos cotidianos del trabajador y
soldado se vuelven heróicos.
VALENTINA KUNAGINA/
Panel de fotos para el hall de entrada delPabellón de Siberia de la Unión de
Exposiciones Agrícolas.1938. Impresión en plata.
21x11,5 cm
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Su representación de varias figurasque realizan la misma tarea al unísono,refunden las actividades mundanas enheroicas para el colectivo. De hecho, suscarteles más conocidos tratan el tema delDía Internacional de la Mujer Trabajadoraen 1930 y 1931. Aunque Kulagina utiliza
la técnica del fotomontaje, sus diseñosson conceptualizados sobre todo entérminos de forma y color, con fotografíasadicionales en los planos secundariosy normalmente sumergidas bajo capasde color. Sus temas, tanto históricoscomo contemporáneos, a menudo sonmodificados por grandes figuras dibujadasa mano que tratan de transmitir la energíade la obra proletaria.
Fue criticada por usar imágenes dibujadasa mano en sus carteles, lo que la apartabade la ortodoxia vanguardista en contra decualquier tipo de figuración que no fuerafotográfica. Sin embargo, muchas mujeresartistas modernistas la tomaron comoinspiración, experimentando nuevasformas de figuración. Desarrollaron unnuevo tipo de arte moderno y realista,como medio de transmitir el idealsocialista de una mujer igual de fuerte,no estando sujeta a desigualdades y a la
objetivación a la que se enfrentaban las
del occidente capitalista. Para Kulaginano había diferencia entre el fotomontajey el dibujo, sino que eligió las imágenesque mejor transmitían el tema asignado.
En esta obra, respondió a la difícilasignación de presentar una imagenpositiva de las trabajadoras del colectivo
femenino proletario, precisamente en elmomento más brutal de la colectivizaciónforzada del gobierno soviético dela industria. Dado que las mujereseran particularmente resistentes a lacolectivización, debido a la tradición delideal de vida doméstica y religiosa, el
gobierno las convirtió en el foco de suscampañas de propaganda. Kulagina hizohincapié en la importancia de las mujeressoviéticas y sus logros, como contrapesoa su objetivación, que persistió en la URSSa pesar de la retórica de igualdad.
Kulagina nació en 1902 y se unió ala Vkhutemas en 1920. Allí estudióconstrucción gráfica y arte, donde conoce
a Klutsis, casándose al año siguiente. Alo largo de esa década, vivieron en comobecarios en la escuela, que tambiénalbergaba a Rodchenko, Stepanova ySenkin. En 1928, se une al grupo October,un grupo de artistas cuyos miembrosincluyen a Klutsis (que estaba a cargo dela sección de fotomontaje), Rodchenko,Ignatovich y Lissitzky.
Después de graduarse, trabajó paraIzogiz (Grupo de Arte Editorial del Estado)y VOKS (Sociedad para las RelacionesCulturales en el exterior), encargándosede la recepción de comisiones nacionalese internacionales para los diseños decarteles de exposiciones. Después de ladetención y ejecución de Klutsis en 1939,y hasta el comienzo de la Segunda Guerra
Mundial en 1941, trabajó como diseñadorade fotomontajes para la Unión deExposiciones Agrícolas.
LA IMPORTANCIA DELAS MUJERES SOVIÉTICAS Y SUS
LOGROS, COMO CONTRAPOSICIÓN A
SU OBJETIVIZACIÓN.
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GUSTAV KLUTSIS
Gustav Klutsis fue uno de los pioneros enel uso del fotomontaje dentro de las artesgráficas soviéticas. Combinó imágenes dearchivo con figuras políticas, de su propiafamilia, y fotografías de carteles de la callecuidadosamente compuestas de dirigentesy trabajadores soviéticos.
GUSTAV KLUTSIS/
Bajo la bandera de Lenin para
la construcción del socialismo.1930. Litografía.
37x27 cm
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Experimentó con las técnicas de la doble
exposición y el fotograma, documentando
su proceso artístico fotografiando como
trabaja sus montajes, siendo a veces una
fotografía el formato final de su pieza
terminada. Sus obras, encargadas por el
Estado, conmemoraron los aniversarios
y acontecimientos políticos, mientrasque la valorización del proletariado la
consiguió exhortando a los trabajadores
a tomar el mando a la manera de Marx,
Lenin y Stalin.
En esta obra, celebra la rápida
industrialización que se había iniciado
en el marco del Primer Plan Quinquenal
de 1928. Retrata a Stalin como legítimo
sucesor de Lenin en el liderazgo dela Unión Soviética. A pesar de estar
conectados, Stalim aparece de una
forma algo fantasmal al fondo. Lenin,
sin embargo, ocupa la posición central y
sugiere que fue Lenin y no Stalin el padre
de los bolcheviques. A pesar de todo,
la estrella de Stalin continúa brillando.
Aunque el mensaje era ortodoxo, el cartel
tiene el tipo de composición dinámica queStalin condenó. Lo llamó “formalismo”,
convirtiéndolo en un crimen artístico.
Justo después de la realización del cartel,
a principios de 1930, el estalinismo se
centró en el diseño de cartelería a base
de fórmulas rígidas y banales dentro del
arte de propaganda.
El “culto a la personalidad” fue un aspectomuy importante dentro del programa
de propaganda visual del partido
comunista. Todas las áreas de la vida civil
fueron inundadas con retratos, carteles
y estatuas que celebraban el legado de
estos grandes hombres. De hecho, el culto
a la personalidad juega un papel muy
importante en la preservación y facisnación
que el comunismo despierta en nuestros
días. Con el nazismo encontramos tambiénun ejemplo parecido.
Klutsis nace en Letonia en 1985. Fue
reclutado por el ejército ruso en 1915 y
participó en el derrocamiento del zar y
el asalto al Palacio de Invierno de 1917.
Desarrolló su lealtad a Lenin a principios
de su vida, ya que sus hermanos fueron
arrestados y llevados al exilio como
opositores al régimen. Klutsis intentótraer a Lenin de vuelta en sus últimos
carteles, a pesar de los intentos de Stalin
de erigirse como el gran fundador del
bolchevismo.
Klutsis estudió en Vkhutemas, con
Malevich, donde conoce a su futura
esposa, Valentina Kulagina. Fue profesor
en la escuela después de la graduación ycofundaron el grupo de artistas October,
junto a El Lissittzky, Rodchenko y
Einsenstein. En 1937, Klutsis supervisó la
producción de los paneles de fotomontaje
para el pabellón soviético en la Exposición
Internacional de Arte y Tecnología en París.
Fue arrestado por el gobierno de Stalin en
enero de 1938, poco después de regresar
de París, por su presunta participación enuna organización fascista-nacionalista.
Fue ejecutado tres semanas más tarde.
EL CULTO A LA PERSONALIDAD JUGÓUN PAPEL MUY IMPORTANTE EN LA
PRESERVACIÓN Y FASCINACIÓN DEL
COMUNISMO.
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BORIS KUSTODIEV
Kustodiev nace en Astracán en 1878.Estudia en San Petersburgo, en la Academia
de Bellas Artes, siendo uno de los alumnosfavoritos de Ilya Repin. Retratista notable,fue invitado por su maestro para trabajaren una gran pintura ceremonial de losmiembros del Consejo de Estado. Sinembargo, el artista expresó al máximo enlas pinturas de género el tema de la vidade los comerciantes en Rusia.
BORIS KUSTODIEV/
El Bolchevique.1920. Óleo sobre lienzo.
101x141 cm. Galería Estatal de Tretyakov. Rusia.
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Sus pinturas son festivas, con colores
brillantes. Visitó Francia y España como
titular de la Academia, estudiando através de Europa los grandes tesoros del
arte occidental.
Durante la primera revolución rusa (1905-
1907), Kustodiev dibujó caricaturas para
diversas publicaciones. En 1908, comenzó
a trabajar en el campo del retrato
escultórico. Desde 1911, fue miembro deasociaciones como la Unión de Artistas
Rusos. Su vida y obra están vinculadas
inseparabalemente con el Volga y con
los campos de la zona, donde pintaba
escenas de la vida rural tradicional,
como las ferias, el carnaval y las fiestas
populares. Kustodiev ocupa un lugar de
honor entre los artistas de principios
del siglo XX que trabajaron para crearuna nueva cultura socialista. Un pintor
con mucho talento, maestro del retrato
psicológico e ilustrador de libros.
Su talento se hace más evidente en sus
pinturas sobre temas de género, en las
que transmitió la fuerza inagotable y la
belleza del alma rusa. A pesar de contraer
tuberculosis y posteriormente quedar
inválido, su trabajo permanece radiante yoptimista.
“Ahora todo mi
mundo es micuarto.”
Después de la Revolución, Kustodiev
buscó crear imágenes que transmitieran
la grandeza e importancia de los cambios
que habían tenido lugar en el país.
Inventó entonces un nuevo tipo de héroenacional. Interesado en el diseño de
escenografía, este talento fue evidente en
El Bolchevique. Vemos la figura gigantesca
de un bolchevique que lleva una bandera
de color rojo, caminando a través de
una ciudad. La imagen es enérgica,
indomable, llena de fuerza y voluntad. A
pesar de su ingenuidad y artificialidad,
la pintura se mueve tanto por su estiloaudaz como por su composición, y por la
sinceridad de la respuesta del artista a
los acontecimientos de la época.
El Bolchevique nos remite a La libertad
guiando al pueblo de Delacroix. También
participa de una composición piramidal,
con el vértice en el asta de la bandera, y
un significado de libertad y revolución a
través del movimiento y la acción.
“NO SÉ SI HE TENIDO ÉXITO EN LAEXPRESIÓN DE LO QUE YO QUERÍAEN MI OBRA: EL AMOR A LA VIDA, LA
FELICIDAD Y LA ALEGRÍA. EL AMORHACIA RUSIA: ESE FUE EL ÚNICOTEMA DE MIS PINTURAS.”
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YURI PIMENOV
Yuri Pimenov (1903-1977) participó en el
periodo experimental del arte soviético
durante el nuevo régimen político, pero
inclinándose hacia la figuración y elestilo de la Compañía de los Pintores de
Caballete. Fue un artista único. Aunque el
realismo socialista era el único tipo de arte
en la antigua URSS oficialmente aprobado,
no tuvo miedo en experimentar con estilos
y técnicas y desarrolló su propia manera de
expresar la pintura.
YURI PIMENOV/
Nueva Moscú.1937. Óleo sobre lienzo.
140x170 cm. Galería Estatal de Tretyakov. Rusia.
“El arte tiene un alma sutil. Cuanto más
inteligente y complicado se vuelva un hombre,
más rico y profundo será su arte. Es el arte
el que requiere inteligencia, no la artesanía.
Se requiere de una organización especial y
delicada del alma... la búsqueda de lo real, la
exploración del mundo... no tiene límites.”
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Aunque el objetivo del Realismo Socialistaera dar forma a una visión del mundorevolucionaria, los mundos creados porPimenov no parecen serlo tanto. Suespíritu romántico brilla, incluso a través
de los retratos de los trabajadoresordinarios, vistos ahora como Héroesdel trabajo socialista y constructores delcomunismo. A partir de sus grandes lienzosde la década de 1920, fue trabajandohacia formatos menores, más sutiles enel contenido, la forma y el color, comomedio de evocar la vida cotidiana de suscontemporáneos de una forma poética.
La forma en la que él admiraba la bellezade la vida, la ternura y la preocupaciónque sentía por ella, se hace presente encada escena, en cada retrato, en cadanaturaleza muerta, escribió el académicoBoris Nemensky en sus memorias. Desdemediados de la década de 1930, Pimenovtrabajó en una serie de pinturas sobreMoscú, incluyendo esta obra, que se hizoespecialmente popular. Muchas cosas
parecen estar ocurriendo en esta escena.A primera vista, la imagen recuerda a laatmósfera de Nueva York, sobre todo alas fotografías de Berenice Abbott. Lacomposición se realizó como si de unfotograma capturado por la lente de unacámara se tratara. El artista pone el acentoen la figura de una mujer al volante de unautomóvil, presentándola ante nosotros.A través de ella nos adentra en el espaciode la pintura, y nos invita a mirar a laciudad del mañana a través de los ojos de
su heroína – las siluetas bien formadas decasas nuevas, las grandes extensiones delas calles y las plazas, la letra del metroque se acaba de abrir. Todo esto es es elalegre y renovado Moscú. Conduciendoun vehículo, podemos pensar que laprotagonista está emancipada, y comparte
con occidente el hecho de la conducción,ya que posiblemente su destino era serama de casa. El clavel rojo en la ventana
lateral se nos presenta como símbolo delsocialismo, motivo iconográfico que serepite también en el patrón de su vestido y en las banderas rojas del edificio de laUnión en el frente. Los coches se parecen
a los Ford, y puede ser que lo sean, pero elque ella conduce y la mayoría de los cochesde la época eran versiones soviéticasde automóviles occidentales. No haymuchos coches alrededor porque todavíamuchos no podían pagarlos. Tenemos lasensación de que se dirige hacia algúnevento relacionado con el ocio, porquetanto su vestuario como los de los demás
transeúntes así nos lo sugieren. No soncampesinos o trabajadores. Quizás fuerahacia el teatro, dado el gusto de Pimenovhacia las obras extranjeras y su trabajoen cartelería para teatro. El color, que sepresenta jugando con una multitud decolores y tonos, se define con un trazode pincel que transmite la vibración dela luz y el aire. La técnica de la pinturaimpresionista crea una sensación de
ligereza, de refinamiento, a lo largo detoda la estructura de la lona. La imagencreada por Pimenov fue vista por suscontemporáneos como una imagenpoética de los tiempos, un símbolo de lanueva vida, donde se celebra la ciudady los ciudadanos. Estos rascacielossoviéticos fueron construidos en lo queantes fue Tierra Santa. La mujerse dirigehacia el edificio de la Unión con lasbanderas rojas y la estatua de Stalin oLenin. El estalinismo era la nueva religión.
LA ASOCIACIÓN PINTORES DE CABALLETEEran “pintores de género, románticos,muy emocionales y al mismo tiempo
“abstractamente” técnicos.”http://arterusouv.blogspot.es/1295988318/la-pintura-en-la-etapa-del-
realismo-socialista/
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MIJAÍL NESTEROV
Los retratos fueron una parte muyimportante de la obra de Nesterov, ademásde extensa (hasta prácticamente la décadade 1930). Comenzó pintando al estilo de
los Ambulantes, siendo siempre exigenteconsigo mismo. Nesterov creía que susretratos no eran del calibre de los de suspredecesores, como Perov o Repin.
MIJAÍL NESTEROV/
Los Filósofos.1917. Óleo sobre lienzo.
125,5 x 126,1 cm. Galería Estatal de Tretyakov. Rusia.
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Casi todos sus retratos creados antes
de la Revolución fueron destinados más
tarde a ocupar enormes composiciones
o murales. Se centró en las personascercanas a él -miembros de su familia,
amigos y asociados.
Antes de la Revolución Bolchevique de
1917, retrató a destacados pensadores y
filósofos rusos, entre ellos “El arzobispo
Anthony”, “Los filósofos” y, más tarde “El
Pensador” (1922). Estas piezas reflejan su
búsqueda de certezas morales, así comoreflexiones profundas, para despertar la
conciencia de lo que estaba aconteciendo
en el país. Se mostró satisfecho con estos
retratos, que impulsaron su confianza
como artista.
La década de 1920 fue el comienzo de
una nueva etapa en su carrera creativa.
Cuando más envejecía, más pasión y
energía muestran sus retratos. Casi
siempre escogía los modelos a retratar él
mismo, rechazando trabajos por encargo
que le privarían de la comprensión e
interpretación de los mismos. En la
década de 1930, Nesterov pintó retratos
de algunos temas que él ya había tomado
anteriormente, motivado por el deseo de
crear una imagen refinada acorde con lanueva situación política. Pintó a Tolstoi,
Shaliapin y a Pavlov, además de a otros
muchos intelecturales rusos de la época.
No fue amigo de la revolución, pero se
ajustó a ella en cuanto pudo, evitando
las discusiones políticas y refugiándose
en su vida privada. Cuando la revolución
rusa ocurrió, contando con 55 años (y 40
de trabajo tras de él), reunió suficienteresistencia y fuerza de voluntad artística
para convertirse en un artista clásico del
arte soviético, como indican sus retratos.
En “Los filósofos”, Nesterov cuenta con
los grandes pensadores rusos Bulgakov y
Florensky. El retrato fue el resultado de
un entusiasta trabajo, consiguiendo, como
él mismo la denominó “una obra de un
solo golpe”, sin bocetos ni borradores. La
composición representa a los pensadores
teológicos que toman un paseo, tomando
la idea años antes a través de una pieza
de su obra “En la Rus” (Alma del pueblo).
Bulgakov escribió en sus “Notasautobiográficas”: “El artista no planteó
solamente un retrato de dos amigos, sino
una imagen espiritual de la época, con
dos caras que expresan la misma idea,
solo que de manera diferente. Uno de
ellos vio un horror y el otro, la paz. Lo
consideré un acto de previsión artística
de dos imágenes apocalípticas de Rusia.”
LOS AMBULANTES → A partir de 1960, y bajo
el influjo de los escritos de Chernichevski y
de Prakhov, la nueva generación de pintores
rompe con el clasicismo académico y busca
revelar la comunión del hombre ruso con la
naturaleza.
En la Sociedad de Artistas Ambulantes, los
artistas se reúnen para trabajar en un arteque debe estar al servicio del pueblo, con la
idea de difundirlo por todo el imperio (de ahí
el nombre de “Ambulantes”), y mostrar así la
realidad social y política rusa de la época.
Los temas del movimiento fueron la pintura
histórica, de género, el paisaje y como una
escena íntima puede transformarse en una
representación conjunta del pueblo ruso. Los
ambulantes consideraron que solamente elrealismo les permitía actuar y mostrar la vida
social.
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KLIMENT REDKO
Redko vio la Revolución de 1917 como unsímbolo de libertad, una oportunidadúnica para que los artistas pudieranexperimentar libremente, dedicándose a
cultivar su propia técnica. Fue uno de losmuchos artistas que ayudaron a decorarlas celebraciones de la Revolución.
KLIMENT REDKO/
Levantamiento.1925. Óleo sobre lienzo.
170,5 x 212 cm.
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Trabajó para el Centro de Estudios de
Arte y Diseño de Kiev después de la toma
del poder bolchevique, en colaboración
con Chelischev, decorando las calles y
plazas de Kiev con fotos y paneles sobre
el comunismo. En 1927, fue enviado a París
para mejorar sus habilidades artísticas.
Allí trabajó en el departamento de
exposiciones de los delegados comerciales
de la URSS en París, manteniendo
contactos con el diario Le Monde.
Sus obras fueron expuestas en el PalacioReal, y galerías como Grandjean, Castelle
y Vignon. Se hizo amigo de Picasso,
convirtiendo sus años en París en un
periodo de posterior madurez artística.
Después de la Segunda Guerra Mundial,
Redko fue excluido de la Unión de Artistas
por sus tendencias burguesas durante el
segundo periodo de las represiones deStalin. La única manera de ganar dinero se
convirtió en la enseñaza de aficionados al
arte de la Academia Timiryazev. Muere en
1956 sin ningún tipo de reconocimiento
oficial.
En el centro de su vida, un año justo
después de la muerte de Lenin, Redko
completó su obra maestra “Uprising”
(levantamiento). No fue considerada como
una gran obra, pero es en la que más se
involucra como artista.
En un primer momento, pensó en llamarla“RCP”, pero luego le cambió el nombre por
“Revolución”, para finalmente cerrarla con
“Uprising”.
Al igual que muchas de las vanguardias,
Redko abrazó la revolución. Pensaba,
como muchos otros artistas, que la nueva
era traería consigo nuevas creaciones en
el arte y nuevas ideas en la forma de vida,nutridas además por las innovaciones
tecnológicas.
Esta obra, a pesar de mostrar su
admiración a Lenin, es considerada por
algunos críticos como una imagen de
la tragedia. A pesar de manifestar la
rebelión, la subyuga a los viejos sistemas.
La composición de “Uprising” recuerda ahitos iconográficos cristianos, con el líder
en el centro del gran diamante rojo como
continuación del Salvador, en majestad.
La geometría de las perpendiculares y
diagonales, donde encontramos a Trotsky,
Krupskaya y Lunacharski, transmite
energía pero nos deja una obra con un
diseño lleno de contradicciones. Aun
acogiendo el beneplácito de la revolución,
nos revela también su lado oscuro.
REDKO PENSABA QUE LA NUEVAERA TRAERÍA CONSIGO NUEVAS
CREACIONES EN EL ARTE Y NUEVAS
IDEAS EN LA FORMA DE VIDA.
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ALEKSANDER DEINEKA
Deineka es uno de los artistas que consiguehacernos dudar de la oposición, en loque a Realismo Soviético se refiere, entrevanguardia y kitsch. Nace en 1899 en Kurks,y estudia en la Escuela de Arte de Kharkov.Participa en la guerra civil posterior a laRevolución, del bando del Ejército Rojo.
Consigue una beca en 1920 para estudiaren los Talleres Artísticos Superiores deVkhutemas, pero abandona ese camino“experimental” (como el de Malévich,Popova o Rodchenko) y prefiere unaestética más conservadora.
ALEKSANDER DEINEKA/
Corredores.1932-33. Óleo sobre lienzo.
Museo Estatal Ruso.
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Una vez que abandona la Vkhutemas,
cofunda en 1925 la OST (Sociedad de
Pintores de Caballete), un grupo que
proclamaba la preeminencia de la pintura
figurativa sobre el arte revolucionario,
aunque no oculta la influencia de la
modernidad en su obra. En las obras
de esta etapa, vemos la influencia
del lenguaje visual del fotomontaje,
desarrollado previamente por Klutsis,
aunque la afina mediante el uso de la
pintura para conseguir una estética más
tradicional.
Este resurgimiento de la tradición pictórica
figurativa puede verse como la vuelta al
orden promulgada por el Régimen.
En esta obra, Deineka nos presenta la idea
de cultura física, higiene y disciplina de
los cuerpos de los ciudadanos socialistas.
Este concepto fue de gran preocupación
para las autoridades soviéticas.
A pesar de que la idea de perfección
física socialista era diferente de la
capitalista, hubo un debate continuo
acerca de su naturaleza, que comenzó
en 1920 y se definió en 1934. Los clubes
deportivos pre-revolucionarios habían
sido accesibles solo a las clases sociales
privilegiadas, dentro de ideologías
contrarias a la bolchevique. El Estado
soviético promovió organizaciones que
alentaron la higiene física al tiempo que
evitaron la competencia malsana que
encarnaba el espíritu del capitalismo. El
programa educativo físico fue dotado de
una gran parte de financiación estatal.
Los cuerpos de los protagonistas aquí
no son objetos de deseo, sino que se
presentan asexuados, oficializados. Si
en el arte nazi se ensalzaba el cuerpo
aristocrático, en el realismo socialista es
el cuerpo proletario el que toma el poder.
El papel del Estado en la salud física fue
una característica notable de la década
de 1930. Consiguió una generación más
saludable que cualquier otra, presentando
los cuerpos sanos como metáfora de
las mentes sanas, inmaculadas ante
la psicosis y las depravaciones de sus
contrarios occidentales.
La cultura física, la disciplina y el
entrenamiento de del cuerpo socialista
como hogar de la mente socialista, fue
uno de los movimientos más populares
de la década. Se ensalzó además la
importancia del deporte de masas,
puesto que el rechazo a la actividad
física de la burguesía y aristocracia se
mostraba como lo sucio y mundano.
ESTE RESURGIMIENTO DE LATRADICIÓN PICTÓRICA FIGURATIVA
PUEDE VERSE COMO LA VUELTA
AL ORDEN PROMULGADA POR ELRÉGIMEN.
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BIBLIOGRAFÍA
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· BATCHELOR, D.; WOOD, P.; y FER, B.: Realismo, racionalismo y surrealismo.
El arte de entreguerras 1914-1945. Madrid, Akal, 1999.
• CHIPP, Herschel B., Teorías del arte contemporáneo: fuentes artísticas y
opiniones críticas. Madrid, Akal, 1995.
· CALVO SERRALLER, Francisco, GONZÁLEZ GARCÍA, Ángel y MARCHÁN FIZ,
Simón, Escritos de arte de vanguardia 1900-1945. Madrid, Istmo, 2008.
· Videoconferencias elaboradas por el Equipo Docente.
· DEGOT, Ekaterina. El Realismo Socialista desde el punto de vista de la crítica
de la arte. Material facilitado por el Equipo Docente de la asignatura.
· Fundación Joan March. ALEKSANDR DEINEKA (1899-1969). Una vanguardia para
el proletariado. Madrid. 2011.
ARTÍCULOS ONLINE
·http://es.rbth.com/articles/2012/01/15/la_utopia_romantica_de_
deineka_15181.html
· http://arterusouv.blogspot.es/
· https://artoftherussias.wordpress.com
· http://www.moma.org/collection/theme.php?theme_id=10195
·http://www.guggenheim.org/new-york/education/sackler-center/sackler-
exhibitions/past-exhibitions/230
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