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Contenidos elaborados a partir de los recursos educativos CREA de la Consejería de Educación de la Junta de Andalucía 2º BACHILLERATO ARTE - CULTURA AUDIOVISUAL II - PROF. ENRIQUE M. TEJERO GALVÁN 1 Unidad 3 Tema 1 Medios de comunicación audiovisual: Radio y podcast Probablemente conozcas la radio comercial: casi cualquier emisora que sintonices con un reproductor de radio tradicional forma parte de la “radio” tal como se ha conocido durante casi todo el siglo XX. Quizá has escuchado otros modelos de radio, como radio comunitaria o radio libre: durante los años 80 y los 90 funcionaron pequeñas emisoras cuyo alcance no iba mucho más allá de un barrio o de un pueblo. No tenían licencia para emitir, pero lo hicieron, y crearon nuevos modelos. La radio siempre tuvo vocación popular. Montar una radio es mucho más barato que montar una televisión y probablemente más barato que montar una publicación en papel. Por eso hemos podido disfrutar de experimentos de medio de comunicación radiofónico “alternativos” y libres. En este tema te familiarizarás con el formato "radio", conocerás un poco más las peculiaridades expresivas del medio radiofónico, sus distintos formatos y especialmente, conocerás las herramientas técnicas que se necesitan para producir un programa de radio, desde la escaleta, el guion o el montaje del audio mediante algunos programas gratuitos como Audacity. En la era de internet el formato radio se transforma en el podcast que son archivos de audio que se cuelgan en plataformas web específicas (Ivoox, SoundCloud, etc) y que los usuarios puedes descargar previa suscripción al canal que los emite. Las emisoras de radio fueron rápidamente conscientes de que si no aprovechaban la tecnología de los podcasts en su propio beneficio perderían sus audiencias. Así comienza el proceso de podcastización de la radio, especialmente desde el auge de las tecnologías y dispositivos móviles que permiten escuchar los podcasts "a la carta" en cualquier momento y lugar. A pesar de que esta se sigue escuchando en frecuencia modulada, onda media o streaming (emisión en vivo por Internet) las emisoras intentan que sus programas estén disponibles en sus páginas webs para la descarga por suscripción, que es exactamente lo que significa podcast. Tras este tema volverás a sentir el poder de fascinación de la radio.
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Contenidos elaborados a partir de los recursos educativos CREA de la Consejería de Educación de la Junta de Andalucía
2º BACHILLERATO ARTE - CULTURA AUDIOVISUAL II - PROF. ENRIQUE M. TEJERO GALVÁN
1
Unidad 3
Tema 1
Medios de comunicación audiovisual: Radio y podcast
Probablemente conozcas la radio comercial: casi cualquier emisora que sintonices con un reproductor
de radio tradicional forma parte de la “radio” tal como se ha conocido durante casi todo el siglo XX.
Quizá has escuchado otros modelos de radio, como radio comunitaria o radio libre: durante los años
80 y los 90 funcionaron pequeñas emisoras cuyo alcance no iba mucho más allá de un barrio o de un
pueblo. No tenían licencia para emitir, pero lo hicieron, y crearon nuevos modelos. La radio siempre
tuvo vocación popular.
Montar una radio es mucho más barato que montar una televisión y probablemente más barato que
montar una publicación en papel. Por eso hemos podido disfrutar de experimentos de medio de
comunicación radiofónico “alternativos” y libres.
En este tema te familiarizarás con el formato "radio", conocerás un poco más las peculiaridades
expresivas del medio radiofónico, sus distintos formatos y especialmente, conocerás las herramientas
técnicas que se necesitan para producir un programa de radio, desde la escaleta, el guion o
el montaje del audio mediante algunos programas gratuitos como Audacity.
En la era de internet el formato radio se transforma en el podcast que son archivos de audio que se
cuelgan en plataformas web específicas (Ivoox, SoundCloud, etc) y que los usuarios puedes
descargar previa suscripción al canal que los emite. Las emisoras de radio fueron rápidamente
conscientes de que si no aprovechaban la tecnología de los podcasts en su propio beneficio
perderían sus audiencias. Así comienza el proceso de podcastización de la radio, especialmente
desde el auge de las tecnologías y dispositivos móviles que permiten escuchar los podcasts "a la
carta" en cualquier momento y lugar. A pesar de que esta se sigue escuchando en frecuencia
modulada, onda media o streaming (emisión en vivo por Internet) las emisoras intentan que sus
programas estén disponibles en sus páginas webs para la descarga por suscripción, que es
exactamente lo que significa podcast.
Tras este tema volverás a sentir el poder de fascinación de la radio.
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1. Radio & Internet, portavoces de todo
Con la aparición de la radio por Internet, se liberalizan las posibilidades de comunicación.
En su historia de más de un siglo, muchas veces se ha dado al medio radio por “muerto”. Sin
embargo, hoy vuelve a ser uno de los vehículos más eficaces y populares para la transmisión de
noticias, información, música y debates del mundo actual, aunque sus usos han ido evolucionando
con el tiempo. La nueva “edad de oro” de la radio coincide con la popularización de las tecnologías
que nos permiten, si tenemos un poco de paciencia, montar una radio online con un ordenador
personal y una conexión a Internet.
¿Qué necesitamos?
Para hacer un programa de radio se necesita:
una fuente de sonido: micrófonos, voces, música en directo o grabada.
mezcla de sonido: analógica o digital (software tipo Audacity).
un transmisor de la señal de sonido: emisora (antena) o servidor conectado a Internet
con capacidad para transmitir.
un sistema de recepción de la señal de sonido: transistor/receptor de radio, o dispositivo
tipo ordenador conectado a Internet de banda ancha.
El medio radio: tú eres el DJ
Streaming: quiere decir corriente continua, sin interrupción. La tecnología que permite que, casi al
mismo tiempo que un contenido es digitalizado y transmitido por internet, pueda ser reproducido en
los ordenadores de los usuarios, es lo que se conoce como “streaming”. En buena medida, es
tecnología fundamental para la radio por internet, aunque también existe la modalidad de
reproducción en diferido o descarga.
2. La Radio
Desde el taxista al viandante, del transistor al MP3. La radio es un medio que no muere. Rápido,
barato y cercano. ¿Pero quiénes son los dueños de la radio? Hay grandes empresas, el estado, los
ayuntamientos e incluso la conferencia episcopal, hay también asociaciones y colectivos que ponen
en marcha proyectos de radio y gracias al podcast las personas nos convertimos en dueños de
nuestra propia radio, si queremos claro.
El podcast ha nacido para romper la idea de que la comunicación radiofónica sea propiedad de los
mediadores sociales que conocemos como medios de comunicación. Los dueños de las emisoras de
radio responden a múltiples intereses, comerciales, económicos, ideológicos, estilísticos, calidades.
Todo esto generan una identidad de la cadena.
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Los podcasts elaborados por particulares son capaces de dinamitar esa estructura y tienen las
mismas oportunidades, en teoría, de alcanzar las mismas audiencias que los medios de
comunicación de masas. Tú mismamente puedes podcastear.
2.1 Expresión y expresividad
La radio y los podcasts se basan en la expresión oral. Por tanto, hay que escribir para el oído y no
para la vista. El mensaje sonoro falla cuando nos hablan como si leyeran un periódico y cuando no se
utiliza la expresividad musical.
El conocido como lenguaje radiofónico se consigue aplicando una cadencia y una entonación
concreta, que se conoce como fraseo:
No se locuta siguiendo las reglas que marca la escritura, sino que las frases se cortan
y se respiran siguiendo el impulso del pensamiento.
Es necesario poner el énfasis en algún lugar de la frase, pero, ojo, no será casual ni
gramático, sino que dará una pista sobre la intención del locutor que nos comunica qué
es para él lo importante.
La velocidad de exposición de las noticias en la radio suele estar entre las 160 y las 190
palabras por minuto.
Además, y por oposición al uso de la voz y la música, hay que prestar atención a la ausencia de
sonido: el silencio. Algo que Evelina Tarroni definió como “un momento de tensión llevado casi hasta
el espasmo”. El silencio puede ser tensión, sí, pero también humor, reflexión, descripción o incluso
sustituto de una palabra o un pensamiento que no se desea explicitar.
¿Cómo usar la música?
Hay tres usos de la música muy distintos:
Programático: El locutor presenta y pincha una canción. Esto sucede constantemente
en la radio musical, tanto en la comercial basada en las listas de éxitos como en
muchos programas y podcast dedicados a difundir la música.
Funcional: Sintonías, ráfagas, fondos, contrapuntos. Canciones o efectos de sonido
musicales le sirven al locutor para ambientar una narración.
Asimilativo: Música creada para ser tocada en la radio. En sus orígenes se encuentra la
música experimental, pero ahora podríamos incluir aquí los conciertos acústicos que se
realizan en programas como Disco Grande de Radio 3.
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2.2 Formatos
Estos son los géneros habituales y tradicionales:
La información: noticias y flashes informativos, reportajes y crónicas.
Las entrevistas: muy habituales, como la del vídeo de más arriba.
La opinión: comentarios y tertulias.
La ficción: dramatizaciones o docudramas.
Las retransmisiones de eventos, principalmente deportivos.
La radio interactiva: llamadas de los oyentes, mensajes en un contestador.
Y los podcasts además han abierto vías a la experimentación en formatos que requieren de una
menor producción, pero pueden ser igualmente efectivos:
Conversaciones en grupo o entrevistas largas vía Skype.
Monólogos personales a la manera de un blog hablado o audioblog.
Conversación desenfadada y transgresora, más cercana a la del bar que a la que
escuchamos en la radio normal.
Paseos por calles o en viajes, grabados con un móvil o una grabadora.
Aportes de audiocomentarios enviados por los oyentes.
Gracias a que la producción de sonido es mucho más barata que la de vídeo sus experimentos son
muchos más fáciles de encontrar en la red.
2.3 El Guión
Tanto para el podcast más sencillo como para la producción radiofónica más elaborada la manera
de comenzar a pensar en formato radio es la de dibujar dos columnas verticales en un folio. En la
columna de la izquierda se apuntan las indicaciones técnicas y en la columna de la derecha las
locuciones.
En la columna técnica se deben marcar los tiempos: cuándo deben entrar los diferentes elementos o
bloques del programa y cuál es su duración. También se apunta en qué plano deben escucharse las
locuciones o las músicas. Si se usan cedés se apunta el corte que se quiere introducir o el nombre del
archivo de audio.
En la columna de la locución se escribe el texto que las diferentes voces deben leer.
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2.4 El montaje
Cuando hablamos de montaje o edición de audio estamos pasando un guion a su estado final, justo
antes de emitirlo. Siempre hay que hacer dos tipos montajes: el técnico y el expresivo.
Para montar técnicamente reunimos todos los materiales que queremos utilizar en nuestra
pieza: cortes de voz, músicas y efectos de sonido y los colocamos en un programa de
edición de audio (como, por ejemplo, Audacity, un software sencillo, libre y gratuito).
El montaje expresivo es el más creativo. En él decidimos si queremos que nuestros sonidos
sean consecutivos (unos detrás de otros a lo largo del tiempo) y/o simultáneos (ponemos
unos encima de otros, estableciendo prioridades sobre lo que nos parece importante,
para traerlo a un primer plano -mayor volumen- o alejarlo: ponerlo de fondo a un volumen
inferior). Aquí es donde te conviertes en DJ.
Si oímos hablar a algún conocido al otro lado de la puerta, enseguida reconoceremos de quién se
trata gracias a su timbre de voz. Esta propiedad es la que nos permite distinguir unos sonidos de otros
en función de su origen y su modo de producción, de manera que cada voz es diferente porque cada
instrumento que la produce (cuerdas vocales) y amplifica (resonadores del cuerpo) son diferentes. Es
lo que nos permite distinguir un violín de una guitarra o de una flauta, aunque estas hagan la misma
nota (igual altura), al mismo volumen (igual intensidad) y durante el mismo tiempo (igual duración).
3. Podcastear la radio
La tecnología influye en la manera en la que consumimos la información. Hemos pasado del esperar
sentados a que nos den la información al ir a buscar solo aquella que nos interesa. En ese contexto
surge el podcast como blog hablado o como alternativa de profesionales de los medios de
comunicación que no cuentan con una plataforma en la que expresarse libremente.
Las emisoras de radio fueron rápidamente conscientes de que si no aprovechaban la tecnología de
los podcasts en su propio beneficio perderían sus audiencias. Así comienza el proceso
de podcastización de la radio. A pesar de que esta se sigue escuchando en frecuencia modulada,
onda media o streaming (emisión en vivo por Internet) las emisoras intentan que sus programas estén
disponibles en sus páginas webs para la descarga por suscripción, que es exactamente lo que
significa podcast.
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3.1 Escuchar Podscat
Para escuchar podcast online o descargados en el ordenador solo es necesario una conexión a
Internet y un programa de audio. Puedes usar VLC (reproductor multimedia) o Juice que es un software
multiplataforma especializado en podcast.
Para encontrar podcast:
Radio Podcastellano emite 24 horas de podcasts en español. Formar parte de la
programación de esta radio online ayuda a promocionar los podcasts.
En Radio Nacional puedes suscribirte a todos sus programas de radio.
Y en Itunes Store puedes encontrar multitud de podcast gratuitos.
Desde aquí te recomendamos dos:
¿Quieres hacer el favor de leer esto por favor? Un podcast sobre libros de Elena Cabrera
y Carolina León en Radio Carcoma.
Phlow.es una revista sonora dedicada a la música electrónica creada con licencias
libres.
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Tema 2
Medios de comunicación audiovisual: Televisión
La televisión es junto a la radio uno de los medios de comunicación más importantes y populares que
ha existido y esto es así debido a que gracias a su gratuidad como también a su fácil acceso permite
que millones de personas de todo el mundo puedan recurrir a él inmediata y fácilmente. La televisión
es en muchos casos criticada por considerarse que ha reemplazado el interés de las personas por
otras formas de comunicación que pueden requerir más tiempo, que pueden parecer más aburridas
o más lentas, etc. Sin embargo, la televisión permanece aún hoy en día (con el gran desarrollo de
internet) como un medio de comunicación mundialmente accesible y cuya importancia radica en el
hecho de que permite conocer noticias, entretiene y utiliza lenguajes accesibles para miles de
personas en todas partes.
En este tema nos centraremos en conocer un poco sus orígenes como tecnología de la
comunicación y repasaremos también su historia en España, con la apertura de nuevos canales, la
llegada de las cadenas autonómicas y el salto a la TDT. También se hablará de cómo se reparten
estos medios entre las distintas empresas o consorcios de comunicación. Cerraremos el tema
hablando de la importante función de la televisión como servicio público poniendo algunos ejemplos
y antecedentes.
1. Los orígenes
Sobre la historia de la televisión. Vamos a destacar algunos aspectos importantes.
Es habitual encontrar en los libros de historia que los inventos tecnológicos se atribuyen a
hombres concretos de genio inusual, como si alguien pudiera tener una idea que no se
inspira en otra anterior o que no se apoya en los descubrimientos y avances previos. Lo
cierto es que todo descubrimiento, invento o avance científico y tecnológico se asienta
sobre sus precedentes. Por eso, un acercamiento que se centra en la figura del inventor
como origen será por lo general incapaz de recoger la complejidad histórica con la que
cualquier invento ve la luz. El caso de la televisión no es una excepción, la historia de sus
orígenes está salpicada de nombres que fueron aportando avances concretos que irían a
tomar la forma de un televisor: Jacob Berzelius, Paul Nipkow, John Logie Baird, Vladimir
Kosma Zworykin o Philo Taylor Farnsworth son algunos de ellos.
Un precursor para el sistema de reproducción electrónico de imágenes sería el disco de
Nipkow, un sistema mecánico que vio la luz en 1884.
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Este sistema disponía un disco plano con diferentes perforaciones sobre las que se sometía un
haz de luz; tras esto un cable retransmitía la señal luminosa hacia una pantalla. Cuantas más
perforaciones tuviera el disco, mejor resolución tendría la imagen final.
En 1895 se desarrolla el tubo de rayos catódicos por S. Thompson, que vendrían a ser un invento
esencial de la televisión desde sus orígenes hasta principios del siglo XXI, cuando se sustituyen
por otros sistemas de reproducción de imágenes. Durante alrededor de cincuenta años, cada
televisor contó en su interior con un tubo catódico similar al de la fotografía a continuación:
Con el invento del iconoscopio por parte de Zworykin y Farnsworth en 1934 se produce otro
salto en el desarrollo tecnológico que iría a dar con la televisión tal y como la conocemos hoy:
se abandonan los intentos de mecánicos de transmisión de imágenes para pasar al sistema
electrónico. El iconoscopio disponía las imágenes para ser proyectadas sobre una placa
sensible a la luz que fragmentaba la imagen en miles de elementos luminosos conocidos como
píxeles. Estos píxeles retenían la carga lumínica, que eran proyectados al exterior de la cámara.
Será a partir de mediados del siglo XX cuando empiece a usarse la señal de vídeo para
transmitir las imágenes creadas por los inventos precedentes. La señal de vídeo permite
descomponer y recomponer la imagen para que sea transportable a través del espacio en
un espacio de tiempo muy corto. Para eso, descompone las imágenes en líneas que se
recomponen de nuevo en el receptor, en el televisor. Durante la segunda mitad del siglo XX
existieron dos estándares de cantidad de líneas por cuadro: en Estados Unidos eran 525 bajo
el sistema NTSC, en Europa 625 con el PAL. El cuadro es cada imagen con todas las líneas
completas que se producen, y se producían entre 25 y 30 cuadros por segundo, dependiendo
también de diferentes estándares.
Así, las primeras emisiones televisivas se produjeron en 1927 por la BBC en Inglaterra y en 1930
por la CBS y la NBC en Estados Unidos. Durante la década de los 30 empiezan a regularizarse
las transmisiones en las ciudades más grandes del mundo: Londres, Berlín, Nueva York. Un
ejemplo paradigmático fue la retransmisión de los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936, que se
realizó en espacios públicos como parte de la campaña de propaganda del régimen
nacionalsocialista de Hitler.
2. Historia de la televisión en España
Orígenes de TVE
Se conservan pruebas suficientes para afirmar que la televisión fue un invento que despertó gran
interés en distintos sectores de la sociedad de la República de España, pero no sería hasta 1948
cuando se realizaran las primeras emisiones de prueba en Barcelona (Feria de Muestras) y Madrid
(Círculo de Bellas Artes) realizadas por Philips y la RCA norteamericana para convencer a las
autoridades públicas de la dictadura de las bondades de su implementación.
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Entre 1951 y 1952, Televisión española (TVE) comienza sus emisiones de prueba. Las emisiones
regulares no comenzarán hasta las 20:00 del 28 de octubre de 1956, y los contenidos iniciales fueron
desde discursos oficiales o misas hasta entregas del Noticiario Documental hasta entonces exhibido
en cines o actuaciones de orquestas. Durante sus tres primeros años de existencia, TVE sólo podrá
sintonizarse en Madrid por cuestiones técnicas de cobertura. Será en 1959 cuando se empiece a
emitir la televisión en Barcelona y Zaragoza, utilizando de evento fundacional un partido entre el Real
Madrid y el Fútbol Club Barcelona. Desde ese momento, la televisión se fue expandiendo por los
distintos territorios del estado hasta terminar por llegar a todas las comunidades cuando aterrizó en
las Islas Canarias en febrero de 1964.
Sin embargo, el acceso a la televisión era aún limitado por cuestiones económicas. Por eso el Estado
desarrolló políticas para incentivar al consumo, como la venta de los aparatos a plazos. También se
fomentó la publicidad televisiva con tarifas de emisión mucho más bajas que las de otros medios de
comunicación. A finales de los 60 se calcula de manera algo imprecisa que en España existían tres
millones y medio de televisores en los hogares, lo que cubría alrededor de un 40% de los hogares
españoles. Estos últimos años de la década serán conocidos como la Edad de Oro de TVE. La
producción televisiva de series como El Santo o Los inocentes; concursos como Un, dos, tres…
Responda otra vez; o la edición televisiva del Eurovisión que ganará Massiel (1968) ayudarán a que el
televisor se convierta en un objeto de presencia obligatoria en cada casa.
2.1. Pluralidad de canales
En la década de los 70, la mayoría de los países europeos empiezan a conceder licencias privadas
para acabar con el monopolio del Estado en la emisión. En España, aún quedarán algunos años
para que las empresas entren en el lucrativo negocio televisivo, pero sí que se empezarán a poner en
marcha el proyecto de una segunda cadena de Televisión española y más adelante las televisiones
autonómicas con el proyecto democrático.
La segunda cadena de Televisión española
La segunda cadena de Televisión española, TVE 2, nació con una inversión económica por parte del
régimen franquista muy baja: únicamente contaba con un estudio de cincuenta metros cuadrados,
una mesa, una silla y una unidad audiovisual móvil por módulos. El 15 de noviembre de 1966
empezaron las emisiones regulares, pero no será hasta el Mundial de fútbol del 82 cuando la señal se
pueda recibir en toda España.
La despreocupación política que mostró la dictadura hacia esta cadena permitió que desde muy
temprano se programara contenido de calidad sin demasiada propaganda del régimen, durante los
primeros años se programó música clásica y cine del bueno. Fue la primera vez que el telespectador
podía ver las grandes películas de la historia del cine desde el sofá de su casa. De hecho, TVE 2 fue el
campo de ensayo de algunos de los directores más importantes de la historia del cine español, como
Iván Zulueta, José Luis Borau, Josefina Molina o Pilar Miró.
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2.2. Las cadenas autonómicas
El Congreso de los diputados viene a aprobar la ley que permitía que hubiera más canales de
televisión a finales de 1983, aunque algunas cadenas como la televisión vasca o la catalana ya
habían sido aprobadas por las propias autonomías meses antes.
Durante la década de los ochenta aparece la primera generación de televisiones autonómicas que
vienen a constituirse como una Federación bajo las siglas FORTA. A esta federación pasan a
pertenecer la EITB (País Vasco, diciembre de 1982), TV3 (Cataluña, enero de 1983), TVGa (Galicia,
julio de 1985), Canal Sur (Andalucía, 1987), Telemadrid (Madrid, 1989), Canal 9 (Valencia, 1989), En la
segunda mitad de la década de los 90 irían sumándose otras como Canal 2 Andalucía. Esta
Federación de autonómicas sirvió durante mucho tiempo para comprar los derechos sobre
programas de manera conjunta y emitirlos en cada autonomía de manera independiente, como en
el caso de la liga de fútbol.
Las televisiones autonómicas han cumplido la función de representar las identidades de las diferentes
regiones del estado español. Aunque también es cierto que en muchas ocasiones se ha mantenido
una relación un tanto inmovilista de la cuestión identitaria de cada región desde los espacios de
producción de estas cadenas, y también que la gestión económica de algunas de ellas (como
Canal Sur), ha dejado deudas de considerable importe.
2.3. Las cadenas privadas
Pero será la entrada de la empresa privada la que producirá el cambio más significativo en la
televisión, acercándola más que nunca a la que conocemos hoy en día. Antena 3 inició su emisión
en diciembre de 1989, Telecinco lo hizo en marzo de 1990 y Canal +, la única de ellas que era de
pago, lo hizo en septiembre de 1990.
La incorporación de estas tres cadenas modificó el espectro televisivo para siempre; hasta entonces
nunca se había discutido el liderazgo de TVE, y desde entonces se tuvo que renegociar el negocio
publicitario, así como el modelo para cifrar los espectadores de cada una. Claro, hasta entonces no
había sido necesario porque el monopolio de la emisión era de distintos organismos del estado, pero
entonces la televisión empieza a pensarse desde los parámetros no sólo del interés general, sino
fundamentalmente económicos.
En 2005 vendría a nacer otro canal generalista para competir en término de igualdad por el espectro
televisivo: Cuatro nacía del terreno abonado por Canal +, vendría a absorber muchos de los
contenidos que la cadena de pago habría estado emitiendo en abierto hasta entonces.
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El 27 de marzo de 2006 vendría a estrenarse la última de las cadenas generalistas que vendrían a
completar la oferta televisiva en cuanto a canales generalistas se refiere.
El siguiente gran salto tecnológico que daría la televisión llegaría en 2010, que abriría aún más la
oferta audiovisual y dispersaría de nuevo las audiencias en una infinidad de canales difíciles de
controlar.
2.4. El salto al TDT
En 2010 se deja de emitir televisión en analógico en España para pasar al sistema de Televisión Digital
Terrestre (TDT). El cambio supuso la compra masiva de recibidores de TDT por parte de los ciudadanos
y el espectro tradicional se cubrió de nieve para siempre.
La señal TDT presenta algunas ventajas frente a otros sistemas como la televisión por satélite y la
televisión por cable:
1. Se utiliza mejor el ancho de banda que con la televisión analógica: donde antes se podía enviar
un solo canal la TDT permite multiplexar los canales, es decir, condensar la señal de hasta cinco
canales distintos a través de una sola señal.
2. Esto ha hecho que aparezcan muchos canales nuevos asociados a cada una de las televisiones
generalistas. Los diferentes gobiernos han ido concediendo más espacios de canales a las distintas
cadenas, pero en sus orígenes, cada canal disponía de tres o cuatro espacios para canales nuevos
que habitualmente se rellenaron con contenidos concretos y editorializados. Así se podía destinar un
canal para la emisión de series, otro para cocina y otro más para, por ejemplo, emisión de concursos.
3. La señal permite enviar canales con mejor calidad. Todos los canales empezaron a ofrecer versión
en HD o alta definición porque el espectro radioeléctrico puede aprovecharse mejor con el TDT.
4. Y, por último, la amplitud de banda del TDT permite que se envíe más y mejor información en
general, lo que permite emitir otros tipos de contenidos y opciones. Por ejemplo, el EPG o Electronic
Program Guide (Guía Electrónica de Programas) permite conseguir más información de los
programas televisados; y también se permiten opciones como emitir programas de pago sin
instalación adicional como en el caso de la antigua Canal +.
Como decíamos, el TDT ha hecho que la oferta se multiplique exponencialmente, lo que ha tenido
repercusiones en la bajada generalizada de porcentajes de audiencia en todos los canales que ya
existían.
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Sin embargo, la multiplicación de la oferta de canales no ha significado una mayor pluralidad en la
información que se transmite; más que nunca, los canales se concentran en grandes grupos
empresariales con intereses políticos muy concretos.
2.5. Propiedad de los medios
Sí, cada vez existen más canales, pero eso no parece garantizar la pluralidad informativa que
necesita cualquier sociedad: una abrumadora cantidad de canales pertenecen a un número muy
reducido de conglomerados mediáticos que a su vez tienen relaciones e intereses en otros negocios
y empresas en ocasiones afines a los poderes estatales.
Grupo Atresmedia
El grupo empresarial Atresmedia tiene intereses empresariales en diferentes vertientes de la
producción mediática: hace publicidad, radio, televisión y cine. Los canales de televisión propiedad
de este grupo son: Antena 3, La Sexta, Neox, Nova, Xplora, las versiones HD de estos canales y
Antena 3 Premium (Latinoamérica). Atresmedia pertenece a su vez a Grupo Planeta, un macro-
conglomerado mediático que gestiona diversas editoriales como Altaya, Planeta de Agostini o
Planeta; también publican el diario La Razón.
Como se puede comprobar, Atresmedia detenta la posesión de medios de comunicación de muy
diversa orientación política: desde el conservadurismo de La Razón hasta la televisión más orientada
a público de izquierdas La Sexta. Pero esto no quiere decir que este grupo no tenga orientación
política tras los intereses económicos.
Mediaset España Comunicación
Por su parte, el grupo Mediaset emite desde los canales de Telecinco, Cuatro, Factoría de Ficción,
Boing, Divinity, Energy, Be Mad TV HD, y las versiones en alta definición de los canales generalistas.
Mediaset es controlado por el grupo Fininvest, propiedad del ex-presidente de Italia Silvio Berlusconi.
Además de los canales de televisión, el grupo gestiona la agencia de noticias Atlas, la gestora
Publiespaña, o la productora cinematográfica Telecinco Cinema. Como se puede observar en el
esquema más arriba, el grupo Mediaset se está imbricando con mucha profundidad en el modelo
productivo de otro de los grandes conglomerados mediáticos de España, hoy en profunda crisis
económica, el grupo Prisa.
En definitiva, el hecho de que tan pocas manos controlen tan grandes fragmentos televisivos
produce que la diversidad informativa sea cada vez más fácilmente cuestionable en España.
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Por otra parte, TVE y La 2 han sufrido graves lesiones a su independencia durante la última legislatura,
con la colocación de profesionales de dudoso prestigio en cargos de importancia. Es por eso tan
importante que se vuelvan a pensar modelos para una televisión alternativa, plural y de carácter
pedagógico.
3. La televisión como servicio público: hacia una televisión
pedagógica
Roberto Rossellini fue un director de cine y realizador de televisión que, además de contribuir con
títulos fundamentales a la corriente del Neorrealismo italiano (Roma, ciudad abierta (1945), Paisá
(1946), Europa ‘51 (1952), entre muchas otras), produjo una extensa obra de películas televisivas de
gran relevancia pedagógica hacia el final de su carrera.
El Neorrealismo fue una corriente cinematográfica surgida de los escombros de la II Guerra Mundial
en Italia; hacia 1945 se empezaron a producir películas que reflejaban la situación de pobreza
extrema de la sociedad italiana tras la guerra y el fascismo de Mussolini. De acuerdo a este
movimiento, la estética se subsumía a la realidad que vivían los personajes de estas películas. Estos
eran generalmente encarnados por actores no profesionales, por protagonistas en la realidad de los
acontecimientos que sufrían en las películas. La cámara, cargada con película reciclada de otras
producciones por la escasez de la época, trataba de registrar la realidad sin caer en interpretaciones
psicológicas o en recursos estéticos espectaculares. Roberto Rossellini fue uno de los autores que más
contribuyó a desarrollar esta corriente cinematográfica, que con el remitir de los efectos de la guerra
fue transgrediendo sus propios presupuestos. Rossellini se inclinó cada vez más hacia la
representación de la profundidad psicológica de sus personajes, y esto le hizo sufrir muchas críticas
de los defensores del Neorrealismo más puro.
En 1963 decidió abandonar el cine para experimentar con las posibilidades de la televisión desde la
idea de crear una enciclopedia televisiva cuyas imágenes sirvieran de instrumento pedagógico para
los espectadores. Rossellini consideraba que el cine como medio artístico estaba en crisis por culpa
de la tendencia a convertirlo en un negocio rentable, que hacía que las imágenes tendieran de
forma progresiva hacia la espectacularidad. De la misma manera, consideraba que la televisión
venía a ocupar una posición similar como instrumento publicitario de la sociedad de consumo. Sin
embargo, este nuevo medio que se había extendido como la pólvora por las casas italianas durante
la década de los 50, se ofrecía a los ojos de Rossellini como el medio ideal para realizar una labor
pedagógica.
“Sólo la televisión puede ser aquella universidad popular que reclamaron hace tiempo, de manera
un poco utópica, los programas de los partidos socialistas.” Roberto Rossellini
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Se propuso componer una enciclopedia visual que explicara algunos de los eventos importantes de
la historia de la manera más simple y lineal posible. El objetivo era cambiar la mirada televisiva para
orientarla hacia la información sobre épocas pasadas, dirigir el audiovisual hacia lo que llamó una
‘imagen esencial’. Imaginaba un tipo de audiovisual que fuera capaz de acercar y de hacer
comprender el modo de pensar, de experimentar el presente, de las épocas pasadas. No se
aproximaba a los acontecimientos de la historia con una intención espectacular, sino todo lo
contrario: intentaba representar los problemas que presentaron las sociedades pasadas de la
naturalidad de lo cotidiano. Por eso, sus películas televisivas tienen un aire de crónica, de
observación plana de los hechos, aunque obviamente sean reconstrucciones.
El primer resultado de este esfuerzo fue L’etá del ferro, en 1964, en una serie sobre el descubrimiento
del metal por parte del hombre. Siguió con La prise du pouvoir par Louis XIV (1965), La lotta dell'uomo
per la sua sopravvivenza (1967-69), Atti degli Apostoli (1968), Socrate (1970), Blaise Pascal (1971),
Agostino d'Ippona (1972), L'età di Cosimo de Medici (1972) y terminó con Cartesius (1973). Muchas de
estas películas sólo fueron emitidas por la RAI y TVE, cayendo en el olvido durante décadas. Con la
entrada del nuevo siglo y la digitalización de películas fueron recuperadas por estudiosos para
estudiar las propiedades de su imagen, recuperándolas como experimento fundamental para
explorar las posibilidades educativas del lenguaje televisivo.
4. Índices de audiencia
Pero, ¿qué factores deciden qué permanece durante interminables temporadas en la parrilla
televisiva y qué se cae de ella a las pocas semanas de empezar? Te habrá ocurrido en más de una
ocasión que descubres que han cancelado de repente un programa que te gustaba. El culpable,
más que probablemente, será el índice de audiencia; el factor que decide la mayoría de los
cambios en la agenda de las cadenas generalistas. Siempre existe un margen para la
experimentación audiovisual en algunos espacios, y con la llegada de la pluralidad de canales del
TDT, han aparecido canales minoritarios dedicados a contenidos concretos. Pero lo cierto es que en
el caso de las cadenas generalistas, la audiencia por lo general es el factor diferencial, porque si se
sigue emitiendo un contenido con escaso público, los anunciantes dejarán de invertir en publicidad
para ese fragmento horario, lo cual es catastrófico para las presupuestos de los conglomerados
multimedia que poseen las cadenas. Teniendo en cuenta su importancia en la configuración de lo
que se emite, podemos preguntarnos cómo se miden esos índices de audiencia para asegurar que
los resultados son fiables y se deja de emitir lo que no interesa.
El aparato en la fotografía es un audímetro; la tecnología que se encarga de contabilizar las
audiencias de las cadenas de televisión en España. Pero no todo el mundo tiene su propio audímetro
al lado del televisor en casa.
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Solo alrededor de 4500 hogares disponen de uno; los datos que estos aparatos envían los procesa una
empresa que ostenta el monopolio de las audiencias televisivas en España, Kantar Media. Que 4500
aparatos sirvan para generar una estadística de lo que ve toda España significa que cada aparato
representa alrededor de 10000 personas, por lo que una de las tareas esenciales de Kantar Media es
la de seleccionar con rigurosidad qué hogares pueden representar con mayor fiabilidad los consumos
de los españoles en general.
Pero este modelo de contabilidad de las audiencias tiene unos límites claros y, probablemente, sus días
contados. Internet permite contabilizar las visitas y audiencias a la programación televisiva con una
fiabilidad nunca antes vista. Modelos como Netflix, HBO o Filmin (servicios de streaming de contenidos
seriados o películas) permiten conocer con exactitud cuáles son los consumos más generalizados de
sus clientes. En esa dirección trabajará cada vez más la medición de audiencias alrededor del mundo.
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Tema 3
Medios de comunicación audiovisual:
Narrativas del siglo XXI: Las series
Las series de televisión no son una invención contemporánea. Como casi todo formato o práctica
que se populariza en un momento dado, tiene antecedentes históricos que explican su origen. La
narrativa seriada es complicada de ubicar, sobre todo si tenemos en cuenta que la tradición oral
narrativa se remonta a tiempos inmemoriales. Pero un ejemplo claro del origen de las series podrían
ser las novelas decimonónicas que eran publicadas por entregas; Balzac con su enorme proyecto de
la Comedia Humana es otro de los antecedentes. Otro fenómeno que se perpetúa luego en las
emisiones radiofónicas, desde principios del siglo XX hasta los años 60. Eran muchas las personas que
se congregaban alrededor de la radio en la fecha y hora adecuadas para seguir la historia
dramática que los tenía enganchados. Como sucederá posteriormente con las series televisivas,
muchas de estas radionovelas eran adaptaciones literarias. Más concretamente en narrativa seriada
para televisión, los años 40 supusieron el comienzo de esta aventura. Podemos definir serie televisiva
como:
“Una obra audiovisual que se difunde en emisiones televisivas distinguidas unas de otras
(generalmente por medio de un periodo de tiempo determinado por la cadena), manteniendo
cada una de ellas una unidad argumental en sí misma y con continuidad, al menos temática, entre
los diferentes episodios que la integran”.
Este tema tratará de dilucidar las claves del éxito de las teleseries, así como el cambio de
paradigma que se produce con la llegada de Internet y la cultura digital en la producción y
distribución de bienes de consumo, especialmente los audiovisuales. También nos detendremos en
algunos ejemplos del emergente fenómeno de las webseries en España y Andalucía.
1. El éxito de las series de televisión contemporáneas
Los últimos 25 años han supuesto un auténtico boom en cuanto a la producción de series de
televisión. Desde Twin Peaks, Aquellos Maravillosos años, Expediente-X o Friends en los 90; pasando
por Los Soprano, The Wire, Lost o Six feet under y llegando hasta Breaking Bad, Mad Men o Juego de
Tronos (con casi total seguridad el lector echará en falta alguna, en cuanto a series, está claro que
cada cual tiene su propio listado de indispensables y esa es otra de las pruebas del auge de este
fenómeno). Todas ellas tienen una serie de características comunes o de referencias que explican
esta popularización.
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1.1 Carácter enciclopédico de la historia
El éxito de las series de televisión contemporánea se ha debido a la posibilidad de explorar universos
narrativos más complejos, donde los personajes pueden ir cambiando a lo largo de la historia
(ofreciendo así más opciones que los noventa minutos que suele durar una película de media) y las
tramas pueden desarrollarse con más calma, ofreciendo así múltiples posibilidades.
No obstante, si bien en muchas producciones cinematográficas existe uno o dos guionistas, la gran
diferencia del proceso creativo es que muchas de las series contemporáneas cuentan con equipos
muy numerosos de guionistas cuyas metodologías de trabajo pueden llegar a ser complejas.
Por ejemplo, en algunas series se establecen equipos de guionistas que trabajan las tramas por
separado, sin saber en qué están trabajando el resto, y luego ponen en común las historias y es un
guionista que ejerce de coordinador quien trata de establecer las conexiones.
1.2 Porosidad de la historia
Pero otra opción fundamental que explica su éxito es la posibilidad de los productores, en algunos
casos, de modificar la historia en función de las audiencias, de lo que pueden leer en Internet acerca
de lo que piensan sus seguidores sobre los personajes y en general de toda la información con la que
cuentan y que da pistas sobre qué tramas interesan más o menos.
Aquí nos encontramos con una interesante ambivalencia: si bien hay series en cuyo caso se respeta
el devenir narrativo establecido por los guionistas por parte del equipo de guionistas, hay otras donde
se toman decisiones exclusivamente por motivos de audiencia. Así, no solo es común ver cómo se
refuerzan tramas y personajes que parecen atraer la atención de la audiencia, sino que en ocasiones
incluso se hacen desaparecer personajes muy queridos porque van a generar un pico de audiencia.
1.3 Protagonismo coral
A pesar de que las series contemporáneas tienen identificados cuáles son sus protagonistas, la
cuestión del tiempo que hay para desarrollar la historia (pensemos que, si en una película hay 90
minutos, en una serie de 5 temporadas a razón de 10 capítulos por temporada y de 45 minutos el
capítulo, tenemos un total de 37 horas y media) resulta clave para entender la forzosa coralidad
protagónica que hay en cuanto a los personajes. Así, la desaparición de personajes como
herramienta para generar audiencia necesariamente ha de ir acompañada de un número suficiente
de personajes relevantes en la historia. Entre otras cosas porque los reemplazos suelen tomar tiempo y
la audiencia no ama a un nuevo personaje de la noche a la mañana.
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1.4 "Adiós" al espectador medio
David Simon, el célebre creador de The Wire, pronunció una vez durante una entrevista una frase que
ha sido citada miles de veces desde entonces: “Que le den al espectador medio”. El contexto de la
frase se explica leyendo la cita al completo de dicha entrevista:
“Mi estándar de verosimilitud es simple y viene de cuando empecé a escribir narrativa en prosa: que
le den al espectador medio. Siempre se me dijo que debía escribir para el espectador medio cuando
trabajaba en un periódico. El espectador medio, tal y como ellos se referían, era un subscriptor
blanco, con dos niños y medio, 3,3 coches, un perro, un gato y muebles de jardín. Él no sabe nada y
necesita que todo le sea explicado cuánto antes… Y este marco narrativo es desolador. Así que
mejor que le den”.
En el caso de The Wire, la serie disecciona la corrupción en Baltimore a través de las relaciones entre
policías, periodistas, vendedores de drogas, políticos, profesores… La serie es una de las más
alabadas porque, entre otras muchas cosas, Simon cuenta que durante los rodajes los vecinos se
acercaban a sugerir historias puesto que se sentían muy representados por las historias de los
personajes retratados en la serie. Esto también se explica porque durante años, David Simon cubrió
como periodista los mismos temas de los que va la serie.
Así que paradójicamente, este alejamiento sobre la noción de “espectador medio”, ha seducido
masivamente a muchos espectadores que han encumbrado esta ficción como una de las más
relevantes de los últimos 20 años, poniendo en cuestión la propia provocación que hacía David
Simon sobre las audiencias masivas y el mainstream.
Esa afirmación de David Simon, que da cuenta de una filosofía narrativa, ha permitido una
progresiva sofisticación en el terreno de las series que ha desembocado en algunas de las series más
complejas narrativamente y al mismo tiempo exitosas de los últimos años.
1.5 Multiplicidad de filias
Lo cierto es que hay una explicación no literaria y mucho menos romántica con respecto al acto de
escritura: las series contemporáneas se han centrado en nichos de mercado muy concretos. La
cultura digital e Internet han multiplicado las opciones en cuanto filias o identidades singulares a las
que adscribirse como consumidores. Obviamente esto permite abordar temas e historias que
probablemente no tendrían cabida en otros formatos (por ejemplo, el caso de Transparent, una serie
que narra la historia de un hombre que se declara transexual justo cuando se jubila.
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Después de llevar una vida entera siguiendo los cánones de la heteronormatividad, con esposa y tres
hijos incluidos como parte de su historia).
Esto se explica también por el modelo impuesto por canales de suscripción tales como HBO o Netflix.
Estas cadenas han podido explorar historias menos convencionales porque o bien tenían recursos
como para arriesgarse (como es el caso de HBO, cuyo modelo de negocio hasta los 2000 eran las
retransmisiones deportivas, y fue gracias a su bonanza económica que decidió arriesgarse a producir
ficción seriada, con la seguridad de que podía arriesgarse pues sus ingresos estaban garantizados
por otra vía) o bien han podido rastrear y estudiar perfectamente el comportamiento de sus
audiencias.
En España por el contrario y hasta la fecha, se sigue manteniendo muy presente esta noción del
espectador medio, reflejado durante años en series muy conservadoras narrativamente y destinados
a “todos los públicos” y que ha producido grandes desperdicios de la historia de la ficción
audiovisual tales como Los Serrano o Aquí no hay quién viva (y quizás revertidos en los últimos tiempos
con esperanzadores casos tales como Ministerio del Tiempo).
1.6 Descargas P2P
El boom de las series tampoco podría entenderse si no se pone en contexto una de las prácticas que
ha ayudado a popularizar el consumo de series: las descargas P2P. Si bien actualmente las
plataformas como Netflix se han dado cuenta de que los usuarios están dispuestos a pagar si pueden
elegir cómo, cuándo y dónde ver los capítulos de sus contenidos preferidos, lo cierto es que las
descargas P2P han ayudado al auge de las series en los últimos 5 años.
La industria siempre se ha mostrado muy crítica con respecto a las descargas, situando esta práctica
como una de las mayores aberraciones comerciales y como la razón principal de pérdidas
millonarias. Es cierto que existen páginas web que se lucran con la publicidad y que ofrecen
descargas directas de modo ilegal. Pero si analizamos esta práctica desde la óptica del consumo
individual, lo que vemos no es nada distinto de la década entre los 80 y 90, en la que los grupos de
amigos se pasaban música grabada en cintas de cassette.
La descarga P2P desvela dos cuestiones que no deberíamos pasar por alto: el deseo de millones de
personas de consumir historias y una industria audiovisual cara y torpe ante el cambio de paradigma
que ha supuesto Internet. Obviar que el cine ha llegado a tener precios prohibitivos para la ola de
precarización que ha asolado muchos países en el mundo es no entender por qué alguien querría
consumir una serie sin pagar. No obstante, cada vez más son las plataformas que han entendido el
cambio de paradigma y en España por ejemplo contamos con Filmin, que además de un amplio
catálogo de películas online, también ofrece cada vez más series.
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2. La larga cola: webseries en España
La Larga Cola es un concepto acuñado por Chris Anderson que trata de explicar el cambio de
paradigma que se produce con la llegada de Internet y la cultura digital en la producción y
distribución de bienes de consumo, especialmente en los productos culturales. El Do It Yourself (la
cultura del “Hazlo tú mismo”) ha vivido un gran desarrollo con la llegada de Internet. Se multiplican
los tutoriales sobre cómo hacer cualquier cosa y al tiempo que se abarata el acceso a la tecnología
que permite crear, editar y distribuir contenidos audiovisuales. El aumento en el consumo produce
cada vez más y más creadores cada vez más preparados.
Esta explosión de prácticas aparentemente amateurs ha puesto en cuestión muchas de las
cuestiones que se consideraban canónicas y ha supuesto un caldo de cultivo que probablemente
generará los contenidos memorables del futuro. En España, el auge de las series producidas por
grandes cadenas de televisión ha provocado (y como parte del efecto de la Larga Cola) una
auténtica explosión en lo que se ha venido a denominar Webseries.
El formato webserie se ha enmarcado dentro de la producción seriada de ficción con la
característica de que en muchos casos se partía de presupuestos muy bajos, de sistemas artesanales
de autoproducción o de campañas de microfinanciación que cubrían los costes básicos. Uno de los
casos más exitosos y paradigmáticos fue la serie Malviviendo. Estrenada en 2008 y escrita por el
canario David Sainz, la serie narra las peripecias de los habitantes del humilde barrio de “Los
Banderilleros”. La serie usaba un lenguaje coloquial y políticamente incorrecto que terminó
seduciendo a miles de jóvenes. Fue tal su éxito, que la fiel comunidad llegó a conseguir a través de la
presión en redes sociales que sus creadores visitaran el programa de Andreu Buenafuente.
Uno de los motivos identificables del éxito de Malviviendo en Andalucía y el resto de España se debe
a que han sabido traducir los tópicos y estereotipos tradicionalmente asociados a los andaluces para
hacerlos presente en sus contenidos sin parodiar o ridiculizar la forma de ser de los andaluces. En
series nacionales emitidas a través de las cadenas generalistas es muy habitual encontrar personajes
andaluces asociados inevitablemente a los tópicos de la región; ejemplo de ello son series como Ahí
Abajo o La que se avecina.
Ha sido tal el éxito de la producción de webseries que, si bien en los 90 y 2000 era raro no ver a una
provincia o localidad con su correspondiente Festival de Cortometrajes, hoy empieza a suceder
poco a poco lo mismo con las webseries.
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Tema 4
Medios de comunicación audiovisual:
Profesiones de la Industria Cultural Audiovisual
El artista audiovisual mexicano llamado Fernando Llanos. A principios del año 2000 hizo una serie de
fotografías y acciones callejeras en las que, equipado con una cámara, un ordenador y un proyector
de vídeo, se convertía en una especie de superhéroe llamado VIDEOMAN.
Esta obra permite hacer una reflexión inicial sobre todas las profesiones y tareas que puede haber
detrás de un proyecto audiovisual. Fernando Llanos tiene todo el proceso de producción audiovisual
pegado a su cuerpo: una cámara, un ordenador que modifica la señal de vídeo y que lo graba (con
lo que puede ser director y actor al mismo tiempo), así como un proyector que hace la exhibición de
la película.
Más allá de la cuestión técnica, en esta obra de arte se hacen algunas reflexiones interesantes:
¿llegará un momento en que no necesitemos trabajar en equipo para hacer una producción
audiovisual? ¿No es este el ideal que hay detrás de los dispositivos móviles que cada vez cuestan más
dinero y hacen más funciones? ¿No es acaso esa idea una propuesta de la industria audiovisual y
tecnológica? ¿Con la tecnología aspiramos a una sociedad cada vez más individualista? Sabemos
que probablemente estés leyendo esto en la soledad de tu zona de estudio, porque estudiar a
distancia implica muchos momentos de soledad, pero el trabajo audiovisual es colectivo y creemos
que es bueno que así sea. Hay que conocer bien todas las profesiones y poder hacer muchas cosas
para poder trabajar en equipo, pero la idea de que todo lo haga una sola persona es incluso
aterradora. También en este tema dedicaremos un epígrafe a reseñar las distintas opciones
formativas para estudiar una profesión audiovisual así como otro a ver cómo está la situación
económica del sector en la actualidad así como las condiciones de trabajo del gremio audiovisual .
1. Profesiones en el mundo del cine y la televisión
Si te has parado a mirar alguna vez los créditos de cualquier película o serie de televisión, por lo
general aparece un número considerable de profesionales. Como bien sabes, hay varias fases en la
producción de contenidos audiovisuales. Aunque hagamos referencias al cine, por necesitar de
producciones más complejas, en el mundo de la televisión (en series o en documentales) serán
necesarias la mayoría de estas figuras. Los títulos de crédito de un largometraje pueden durar más de
5 minutos, como en el caso del vídeo que tienes más arriba de la película española “Abre los ojos”
del director Alejandro Amenábar.
Analicemos bien este listado:
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1.- Preproducción
Dos son los roles más fundamentales: el de Guionista y el de Producción Ejecutiva. Sin guión no hay
película, salvo en ocasiones especiales o producciones experimentales. El guión puede hacerlo una
sola persona, puede hacerlo un equipo o puede hacerlo incluso la misma persona al tiempo que
cumple otros roles como dirección, producción ejecutiva o incluso el de actor principal.
La producción ejecutiva es la que se encarga de poner en marcha el proyecto mediante ayudas,
ventas a televisión y distribuidoras, búsqueda de financiación y co-producciones. Dentro de estos
equipos de trabajo están las personas que trabajan en la búsqueda de los recursos, que suelen ser
también equipos en los que aparecen roles de administración, comunicación o fundraising
(búsqueda de fondos) para poder llevarla a cabo.
2.- Producción
Es aquí cuando el equipo crece y se despliega en sub-equipos que se coordinan de manera más o
menos jerárquica y donde siempre habrá un director, jefe de equipo o responsable. En una
producción estándar existen los siguientes equipos:
Dirección de producción. El rol es el más invisible, excepto cuando se le conceden
premios, pero es fundamental. Organiza a todos los equipos, controla el presupuesto, se
encarga de que en un rodaje todo esté en su sitio y toma decisiones clave.
Dirección. Con sus ayudantes y con otras profesiones específicas como la de Script (que
vela por la continuidad y prever cualquier incidencia en el raccord de la película) es un
equipo que se encarga de la toma de decisiones de carácter artístico en el rodaje. Un
buen director o directora sabe cuándo lo que se ha rodado es lo que hace falta para la
película.
Dirección de fotografía. Es otro equipo fundamental, que trabaja también con otros sub-
equipos como puede ser el equipo de cámara (en el que se pueden encontrar
operadores especiales, ayudantes, foquistas, etc.), el equipo técnico de iluminación
que está formado por iluminadores y también por eléctricos.
Equipo de Actores y Actrices. En él encontraremos a los papeles protagonistas, los
papeles secundarios y también la gestión de extras. Alrededor de actores y actrices
tenemos profesiones concretas como Figurinista (que coordina el trabajo de los extras) y
por supuesto Maquillaje, Peluquería y demás servicios similares que trabajan codo con
codo con el Equipo de Arte de la película.
Equipo de Arte. También se conoce como Dirección de Arte y es quien se encarga de
coordinar el trabajo de Decorados, Atrezzo, Vestuario y todo lo que tenga que ver con
la ambientación de una película de época.
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Imagina que si estás haciendo una película de época aquí puede haber mucha
complejidad desde efectos especiales a personas que se encargan de los animales que
forman parte del “decorado”.
Sonido Directo. Este equipo se encarga, además de la grabación de los diálogos de los
personajes, de la grabación de ambientes sonoros y de validar o no una buena toma
de sonido. El equipo de Sonido Directo es prácticamente el único que está escuchando
qué sonidos recogen los micrófonos en cada momento del rodaje.
3.- Postproducción
La Postproducción recoge los procesos que se realizan una vez finalizado el rodaje y que vendrán a
darle sentido a todo lo que se ha filmado de manera no cronológica y fragmentarizada. Aunque es
cierto que cada vez es más habitual que el proceso de postproducción y de producción se hagan
simultáneamente, esta fase de trabajo se hace con el resultado de las grabaciones. En ella, entran
en juego algunos roles fundamentales:
Edición o Montaje. que se encarga de darle sentido a las palabras del guión mediante las imágenes
que se rodaron. Trabaja codo con codo con el equipo de efectos especiales visuales, grafistas, etc.
Composición musical y mezclas de sonido. La grabación de la banda sonora, cuando es música
orquestal, se suele hacer sobre un pre-montaje de las secuencias para poder ajustar el tempo y el
tono.
2. Profesiones en la industria de la comunicación
En la industria de la comunicación podemos encontrar diferentes equipos de producción de
contenidos audiovisuales que detallamos a continuación:
Los equipos de ENG son los que llevan cámaras ENG (Electronic News Gathering). De tamaño más
reducido que las cámaras de estudio; tienen como característica principal la portabilidad y son los
equipos que graban noticias fuera del estudio o se utilizan para las conexiones en directo. Un equipo
de ENG suele estar formado por un reportero o periodista que se pone delante de la cámara, un
operador que se encarga tanto del vídeo como del audio y una persona de producción que ayuda
a ambos. Como hemos visto en la Actividad de Lectura de inicio de este tema, los equipos son cada
vez más reducidos. En el vídeo de promoción de una empresa que da estos servicios puedes ver
algunos ejemplos de cámaras y profesionales de unidades ENG.
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Nuevas profesiones: gestión de comunidades online (Community Manager). Aunque no hemos
dedicado un apartado específico a las nuevas producciones audiovisuales que ocurren en Internet,
bien es cierto que muchas de las profesiones nombradas anteriormente se han ido disgregando y
troceando para tener sus propios nichos de trabajo en la red Internet. El profesional conocido como
“Community Manager” se dedica a gestionar comunidades a través de redes sociales y debe tener
un control sobre los medios, saber escribir y cada vez más, como hemos visto en otros contenidos,
conocer los nuevos paradigmas audiovisuales de la red: vídeos cortos, gif, micronarrativas, etc.
3. ¿Dónde estudiar una profesión audiovisual?
Existen tres formas de seguir aprendiendo algunas de estas profesiones relacionadas con el mundo
audiovisual. Veamos las características principales de ellas:
1.- Formación Universitaria. Si quieres realizar una carrera universitaria, estos son los datos más
relevantes a saber sobre la formación de grado en Comunicación Audiovisual según el portal de
información universitaria Universia:
COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL 4 AÑOS, 240 CREDITOS.
2.- Formación Profesional de Grado Superior. Hay una rama completa de Imagen y Sonido en el que
puedes especializarte en los siguientes títulos:
Pie: Captura de Títulos de Imagen y Sonido del Portal TODO FP del Ministerio de Educación.
En Andalucía puedes encontrarlo en centros públicos de Formación Profesional y además existe
también oferta privada. La formación profesional garantiza prácticas y un aprendizaje cercano con
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el día a día de la profesión. En el portal Todo FP del Ministerio de Educación puedes orientarte mejor.
Un instituto que imparte esta formación desde hace muchos años, y que por ello tiene bastante
prestigio, es el Instituto Oficial de RTVE. Puedes encontrar en su web muchas de las cosas que hacen
y las producciones del alumnado.
3.- Escuelas de Cine.
Son escuelas, normalmente privadas, pero con apoyo público, que tienen titulaciones propias y en
otras se imparten formación superior de Máster o incluso de Grado. En Andalucía en la actualidad no
existe ninguna y las más reconocidas son la ESCAC de Barcelona y la ECAM de Madrid.
4. Situación económica del sector y condiciones de
trabajo
Solo para que conozcas mínimamente las condiciones laborales en las que se mueven todos estos
profesionales, es interesante atender al convenio laboral de las producciones de cine. Un convenio
colectivo es un acuerdo que suscriben los representantes de los trabajadores y empresarios para fijar
las condiciones de trabajo y productividad y las obligaciones a que se compromete cada parte. Es el
resultado de una negociación colectiva entre ambas partes y todas las empresas del sector están
obligadas a cumplirlo. Aun así, como en todas las profesiones de servicios, hay desigualdades. Por
ejemplo, en la incorporación de la mujer a puestos de responsabilidad. También hay mucha
precariedad e intermitencia en todos estos trabajos.
Existen muchos convenios que regulan la actividad de los sectores profesionales en los que se
enmarcan la Cultura Audiovisual. Desde el convenio de Artes Gráficas, Convenio de Industria
Fotográfica, Convenio de Producción Audiovisual, Convenio de Doblaje, de Exhibición
Cinematográfica, de Producción, Convenio de Actores y Actrices y hasta un futuro convenio de
Empresas de Animación. Existen listados de todos actualizado, como por ejemplo, la Sección del
Sindicato UGT.
