WASSILY KANDINSKY Y LA SINESTESIA QUE LO CONDUJO A LA MÚSICA

VISUAL

Cómo la música puede ser representada sin utilizar sonido

Paolo Di Marco Alessia Spadaccini

“Las obras de Wassily Kandinsky mostran como el artista utilizaba su sinestesia – la capacidad de ver el

sonido y de oír el color – para crear las primeras pinturas del mundo

verdaderamente abstractas.”

Ossian Ward

INTRODUCCIÓN

El trabajo plantea la relación y el vínculo entre el sonido y la imagen, considerada como el componente icónico de lo visual.

Podemos definir la Música Visual como una modalidad representativa, sobre todo audiovisual, pero también visiva, donde los caracteres de la imagen están relacionados con la estructura musical o del sonido.

El que fue capaz de entender profundamente la sinestesia, tanto como la función sensorial, sino también como idea artística fue Wassily Kandinsky que exploró la relación entre el color y el timbre juntando un color al sonido de cada instrumento musical y que utilizó términos musicales como títulos para algunos de sus cuadros.

EVOLUCIÓN HISTORICA

Los primeros intentos de traducir pictóricamente efectos musicales se pueden encontrar en las antiguas culturas de India y China.

Más recientemente el sacerdote gesuista francés Beltrand Luis Castel (siglo XVIII) empezó a estudiar el intento de escribir el tono de los sonidos con los colores en capas superpuestas del pintor Arcimboldi (siglo XVI).

En el siglo XX el pintor milanés Luigi Veronesi, dibujando algunos compases de una sonata de Beethoven, nos ha puesto visualmente lo que era sólo la sensación auditiva.

En la partitura del Prometeo para piano y orquesta de 1911, Alexander Scriabin puse algunas marcas que incluyen una proyección de luces coloradas.

Arnold Schoenberg, tras las experiencias de Scriabin, escribió, a partir de 1909, Glückliche Die Hand (Mano Feliz). La partitura muestra signos de colores que deben ser proyectados en una pantalla en relación con el flujo de la música.

En 1913 Roberto Carrà escribió el “Manifiesto de la pintura de los sonidos, los ruidos y colores”.

En 1928, en la Bauhaus H. Neugeboren dibuja en papel cuadriculado una Fuga de Bach.

Oskar Fischinger creió “Los primeros estudios 1-13” entre los años 1929 y 1934, desarollando las ilustraciones y los contrapuntos visuales de las composiciones musicales de Brahms, Mozart y Beethoven.

Pero el que exploró la relación entre el color y el timbre juntando un color al sonido de cada instrumento musical Wassily Kandinsky, el artista abstracto más pertecenente a la Música Visual.

LA MÚSICA VISUAL Música Visual, a veces llamada "música de color", se refiere a la

utilización de las estructuras musicales en imagenes visuales. También se refiere a los medios o dispositivos que se pueden traducir los sonidos o música en una presentación visual.

Una definición ampliada deberá incluir la traducción de la música a la pintura: esta fue la definición original del término acuñado por Roger Fry en 1912 para describir la obra de Wassily Kandinsky.

Música Visual se refiere al mismo tiempo a los sistemas que convierten música o sonido directamente en las formas visuales por medio de un instrumento mecánico, la interpretación de un artista, o un ordenador.

SINESTESIAS(ESCUCHO COLORES, VEO MÚSICA)

Entre los trastornos sensoperceptivos que afectan a la integridad de la percepción se encuentran aquellos en los que, en lugar de distorsionar el objeto percibido perdiendo alguno o algunos de sus componentes, las percepciones se aglutinan: son las sinestesias, un trastorno infrecuente de la percepción en el que el estímulo a través de uno de los sentidos provoca simultáneamente la sensación en otro.

Las sinestesias más frecuentes aunan percepciones visuales y auditivas, de modo que los sonidos, las palabras o la música evocan simultáneamente la

visión de colores.

SINESTESIA Y KANDINSKY

Wassily Kandinsky, pintor de origen rusa, quiso evocar el sonido a través de la vista y crear el equivalente pictórico de una sinfonía que no solo estimula los ojos, pero también las orejas.

A pesar de la falta de pruebas médicas para la sinestesia de Kandinsky, la correlación entre el sonido y el color fue una preocupación permanente para el artista.

Quiza Kandinsky descubrió su sinestesia en una representación de la ópera Lohengrin de Wagner en Moscú, cuando dijo:

“He visto todos los colores en mi espíritu, ante mis ojos. Salvajes, casi loco se esbozaron las líneas de

frente a mí.”

Fue en este momento especial que Kandinsky se dio cuenta del enorme poder que el arte podría ejercer sobre el espectador y que la pintura podría desarrollar competencias equivalentes a las de la música.

Después de 1910, se desvinculó de su trabajo en tres categorías:

Impresiones;

Improvisaciones;

Composiciones.

A menudo se añaden títulos musicales a fotos individuales.

Sin embargo, el curioso don de Kandinsky dio al mundo otra forma de apreciar el arte que se hereda por muchos más poetas, artistas abstractos y los rockeros psicodélicos en el resto del disonante siglo XX.

KANDINSKY: RELACIONES COLOR-

MÚSICA En sus obras Kandinsky expone teorías sobre el uso del color, ya viendo un vínculo muy estrecho entre las obras de arte y las dimensiones espirituales.

El color puede tener dos efectos en el espectador: • un efecto físico, poco profundo y basado en sensaciones

momentaneas, determinadas por la por parte de la retina;

• un efecto psíquico debido a la vibración del espiritu (producida por la fuerza psíquica de los seres humanos) a través del cual el color llega al alma y que puede ser directo o ser producido en asociación con otros elementos sensoriales. El efecto psíquico del color está determinado por sus cualidades sensibles: el color tiene olor, sabor, sonido.

La composición pictórica está formada por el color, que, aunque en nuestra mente es ilimitada, en realidad toma forma.

Color y forma no pueden existir por separado en la composición.

La combinación de forma y color se basa en la relación privilegiada entre formas y colores individuales: si un color se asocia con su forma privilegiada, los efectos y las emociones que surgen de los colores y de las forma se van mejorado.

Compositión IV (1911); Oil on canvas, 159.5 x 250.5 cmKunstsammlung Nordrhein-Westfallen, Dusseldorf.

KANDINSKY Y LA MÚSICA El término “composición" puede implicar una metáfora con la música: Kandinsky quedó fascinado por el poder emocional de la música.

Como la música se expresa a través del sonido y del tiempo, permite al oyente una libertad de la imaginación, una interpretación y una respuesta emocional que no se basa en algo de literal o descriptivo, sino en una cualidad abstracta.

Lo contrario occurre con la pintura que todavía depende de la representación del mundo visible.

La música puede responder y apelar directamente al interior de la artista y expresa los valores espirituales, así por Kandinsky es un arte más avanzado.

“PUNTO, LÍNEA, SUPERFICIE”

Este ensayo de Wassily Kandinsky está dedicado a la parte gráfica de la Música Visual, que puede existir incluso sin colores.

El punto es el primer núcleo del significado de una composición, comienza cuando el artista toca el lienzo; es estático.

La línea es la huella dejada por el punto en movimiento y por eso es dinámica. Puede ser horizontal (la forma más concisa de la infinita movilidad fría); vertical (la forma más concisa de la infinita movilidad caliente), diagonal (unión uniforme de frío y calor). Puede ser rota, doblada, mixta.

La superficie es el material de apoyo que es destinado a recibir el contenido de la obra. Por lo tanto, la obra, es limitada por dos líneas horizontales y dos líneas verticales, o de una línea curva.

“DE LO ESPIRITUAL EN EL ARTE”

La constante referencia a la música y a la metáfora musical en su obra “De lo espiritual en el arte” es parte de sus teorías y experiencias que unien sonido y color.

Desde su mismo título, este libro de Wassily Kandinsky nos sitúa en gran medida en la formula pragmática de los expresionistas y, a la vez, nos expresa, por primera vez, la tendencia a la unificación sistemática de una teoría artística.

OTROS ARTISTAS SINESTETICOS

Charles Baudelaire

El poeta francés e influyente cronista de la vida moderna muestra la sensibilidad sinestésica en su soneto del 1857 "Correspondencias": "Perfumes, colores y sonidos se responden". Además de sus escritos frecuentes en la música de Richard Wagner, Baudelaire estaba intrigado por las experiencias sensoriales, especialmente del cuerpo dentro de la ciudad.

Olivier Messiaen

El aclamado compositor y organista francés alegó que sus acordes y ritmos complejos se le apareció en "Sueños de color" en la que vio azul, rojo y verde espirales en movimiento antes con los sonidos.

"Cuando escucho música, veo en los ojos de la mente los colores que se mueven con la música. Esto no es

imaginación, ni es un fenómeno psíquico. Es una realidad interior."

LA MÚSICA VISUAL HOY EN DÍA

Con las herramientas multimediales y tecnologicas disponibles en la actualidad hay muchas investigaciones en este campo: algunos ofrecen una interfaz visual para crear música como Hyperscore, un software que intenta hacer más intuitivo el proceso de creación musical. Hyperscore ya se está utilizando con éxito en la “Newcomers High School” en Nueva York, donde enseña Tod Machover, uno de sus desarrolladores.

Es posible componer música con sólo el trazado de líneas de colores en la pantalla y escuchando los resultados, continuando en el perfeccionamiento ulterior de tonalidad y tiempo musical a través de la forma y del color de las mismas líneas.

Otros experimentos utilizan programas que generan imágenes y sonidos como el software de “autom@tedVisualMusic”, proyecto del artista italiano Sergio Maltagliati centrado en esta emocionante relación entre imagen y sonido.

Las imágenes, creadas en relación con definidas correspondencias de sonido-signos-colores, siguen la evolución de las notas y se muestran a través del programa que genera múltiples variaciones visuales y de sonido.

También “The visual music project” de Gian Marco Vergani (Director de Arte y Artista de Medios de Comunicación), crea secuencias visuales desde famosas composiciones de música clasica.

VIDEO DE MUSICA VISUAL

Symmetries

CONCLUSIONES Wassily Kandinsky fue uno de los primeros artistas modernos que pintaron figuras abstractas de expresar los sentimientos, en lugar de crear imágenes de objetos y personas.

Wassily Kandinsky amaba la música, especialmente la música clásica: a menudo, cuando pintaba, iba a escuchar música y tratar de pintar lo que la música le hizo sentir.

Consideró la forma y color capaces de expresión: creó imágenes en relación con definidas correspondencias de sonido-signos-colores.

Comparó las notas musicales diferentes a los colores del arco iris: trató de pintar lo que las notas se vería.

Esto es el primer paso para representar la música sin utilizar el sonido.

OPINIÓN PERSONAL

Lo que Kandinsky conseguí fue callar la música: un

resultado excepcional.

FIN