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LA LITERATURA DEL RENACIMIENTO AL
BARROCO
El siglo XVI recoge algunas aportaciones medievales que combina con el saber clásico
recuperado por los humanistas y construye una serie de modelos ideales. A medida que el
tiempo avanza esos modelos comienzan a dar muestras de descomposición, hasta que el
Barroco del siglo XVII nos presenta un mundo deshecho en el que no hay lugar para
idealismos.
La evolución no es igual en todas las literaturas europeas. El Clasicismo francés del siglo XVII,
por ejemplo, intenta reconducir la quiebra de los valores por medio de la contención de los
sentimientos y el sometimiento a unas estrictas reglas de arte.
1. Caracterización de los siglos XVI y XVII
El Renacimiento se define por un conjunto de rasgos que podemos agrupar en tres bloques: la
recuperación de la cultura clásica grecolatina, la valoración de lo humano y la búsqueda de la
perfección ideal.
a. El primero de ellos, la recuperación de la cultura clásica, se debe a los humanistas
italianos que desde el siglo XIV exploran las bibliotecas en busca de textos de autores
latinos y griegos con la intención de traducirlos para difundir de esa manera sus ideas.
Así, la literatura clásica se convierte en el modelo literario de los autores renacentistas,
que pretenden imitar sus técnicas, géneros, temas, etc.
b. Frente al mundo medieval, dominado por la figura de Dios, el Renacimiento considera
lo humano como medida de todas las cosas. El antropocentrismo del periodo explica la
aparición de modelos humanos ideales que son ofrecidos como objetivos a los que
aspirar:
� El perfecto caballero, definido por Baltasar de Castiglione en El cortesano
(1528), encarna al hombre de armas y letras, buen soldado y también escritor.
� El perfecto intelectual es quien cultiva con solvencia diferentes artes y saberes
(literatura, artes plásticas, ciencia, filosofía) y es capaz de integrarlos en su
vida.
� El perfecto gobernante, a quien Nicolás Maquiavelo dedica El príncipe (1513),
se define por la virtud y la firmeza en la consecución de su objetivo prioritario:
el bien de la nación.
� El perfecto cristiano, abordado por Erasmo de Rotterdam en Enchiridion
(1503), reúne en su persona la fe en Dios, la imitación de la vida de Cristo y la
práctica de una religiosidad que huye del rito y la superstición y que se opone
frontalmente a la religiosidad practicada durante la Edad Media.
� La mujer perfecta, símbolo de la belleza divina, es definida por sus rasgos
físicos (cabellos dorados, ojos claros, cuello largo, manos delicadas) y por sus
virtudes morales (discreción, pureza, bondad).
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c. Pero la valoración de lo humano no significa la negación de la religión. Dios es la
perfección absoluta y el hombre y la naturaleza son sus creaciones, reflejo de esa
perfección. La novedad del Renacimiento consiste en considerar que el ser humano es
capaz de alcanzar y reflejar dichas perfecciones mediante su inteligencia y su
habilidad. Para ello el arte renacentista incorpora una serie de caracteres técnicos
como la simetría y el equilibrio en la composición, la sencillez aparente en el estilo y la
claridad en la construcción de los escenarios.
Los rasgos que definen la literatura renacentista se concretan en tres temas
característicos:
� El amor, entendido como relación espiritual que purifica y perfecciona el
enamorado.
� La naturaleza, que simboliza la perfección divina y la aspiración de paz y
estabilidad.
� La mitología clásica, bien como simple adorno erudito, bien como ejemplo de
los sentimientos expresado por los autores.
Este esquema empieza a descomponerse a mediados del siglo XVI. El enfrentamiento entre los
partidarios de la Reforma1 protestante y los defensores de la ortodoxia católica, unido a las
luchas entre países por ocupar un papel dominante en el mundo, provocan el derrumbe de los
ideales renacentistas.
En el siglo siguiente, la Guerra de los Treinta Años y las hambrunas hacen que el desengaño y
el pesimismo sean los rasgos dominantes en la producción literaria europea y caractericen un
nuevo movimiento, el Barroco. A consecuencia de esa actitud pesimista, el artista barroco se
siente incapaz de creer en los ideales renacentistas. La naturaleza ya no es símbolo de
perfección, sino que, a menudo, refleja la inestabilidad emocional de los escritores; las
relaciones amorosas se tiñen de impureza y sensualidad; y la denuncia de una realidad
insatisfactoria ocupa el centro de muchas obras en las que escasean los comportamientos
humanos positivos.
Los autores barrocos siguen considerando a los clásicos como modelos dignos de imitación,
pero se acercan a ellos con mayor libertad. En el escritor del XVII prevalece el deseo de
originalidad y la búsqueda de elementos que diferencien sus obras. El contraste entre
sentimientos, la asimetría, el desequilibrio, la abundancia de elementos ornamentales o la
dificultad de las obras son recursos habituales empleados por los escritores barrocos.
El Barroco concretó los caracteres anteriores en una serie de temas recurrentes:
� Continúan los temas renacentistas (amor, naturaleza y mitología), pero alterándolos
para ofrecer al lector una visión desengañada de la vida.
� La reflexión sobre el paso del tiempo y el análisis de los defectos humanos se
convierten en centro de buena parte del Barroco.
1 La Reforma protestante se inicia en 1517 cuando Lutero, preocupado por la corrupción en la Iglesia, expone sus 95 tesis en la iglesia de Wittenberg. En muy poco tiempo se extienden sus ideas sobre la salvación a través de la fe, la no obediencia al Papa y la negación de la doctrina de la Iglesia. La Iglesia católica responde con la convocatoria del Concilio de Trento (1545-1562) que reafirma los principales punto de la doctrina católica.
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� El asunto religioso es abordado por muchos autores que ven a Dios como única
esperanza para la salvación y para dar sentido a la vida humana.
� Junto a los temas derivados del desengaño y el pesimismo, el Barroco ofrece también
el canto de los goces de la vida y del presente, ya que si algo define la época es el
contraste de actitudes, incluso en un mismo autor.
2. La poesía de los siglos XVI y XVII
En este periodo la poesía presenta dos variedades: poesía lírica, en la que predomina la
expresión de sentimientos, y poesía narrativa, que se vale del verso para la narración de una
historia.
2.1. Poesía lírica
La poesía lírica evoluciona desde formas renacentistas hasta otras más desengañadas y
barrocas. En esta evolución se distinguen tres momentos cuyas fechas no coinciden en todos
los países: el petrarquismo, la superación del petrarquismo y la poesía del siglo XVII.
El petrarquismo
Petrarca recogió la poesía amorosa provenzal para escribir su historia amorosa en el
Cancionero. Un siglo después Pietro Bembo (1470-1547) fija la forma en que la poesía
amorosa será abordada durante el siglo XVI. Los rasgos que definen la lírica petrarquista se
organizan en torno a dos núcleos de interés: la forma de expresión y los temas poéticos.
La expresión poética se caracteriza por lo siguiente:
• Las estrofas preferidas son el soneto y la estancia, que combina endecasílabos y
heptasílabos.
• Los poemas se agrupan en cancioneros que relatan una historia amorosa unitaria.
• La expresión de los sentimientos es moderada, pues el poeta debe controlar su
sufrimiento.
• El lenguaje poético aspira a la expresión sencilla y huye de los juegos verbales y
conceptuales.
El tema poético casi único es el amoroso. Su tratamiento es fruto de distintas fuentes entre las
que destacan Platón, Ovidio, el amor cortés y, por supuesto, Petrarca. La nueva forma de
entender el amor puede descomponerse en una serie de motivos temáticos:
• Concepto de amor. Se produce un enfrentamiento entre una idea espiritual y
purificadora del amor y otra impura y carnal. Las dos concepciones llevan al poeta a
debatirse entre sentimientos contradictorios.
• Enamoramiento. La belleza de la amada es la causa del enamoramiento del poeta y
produce en él una herida agradable, pues la pasión amorosa da sentido a su vida. El
enamoramiento debe producirse por voluntad propia o a causa del destino ciego.
• El amor tiene efectos físicos en el poeta (palidez, debilidad, timidez) y anímicos, entre
los que destaca el dolor provocado por la indiferencia de la amada o por su ausencia.
• La amada se caracteriza por su belleza y virtud. Sin embargo, encierra el defecto de la
falta de piedad hacia el enamorado, lo que la convierte en «dulce enemiga».
• El poeta enamorado se define por dos caracteres: el sometimiento a la amada y el
sufrimiento por sus desdenes o por su ausencia.
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Junto al amor, otros temas aparecen en los textos como complemento a la idea principal:
− La naturaleza, que el Renacimiento considera reflejo de la perfección divina, es
frecuente escenario de las historias amorosas y se ajusta al tópico del locus amoenus.
− La mitología es empleada en dos sentidos: como simple adorno o como
representación del estado espiritual que el poeta quiere comunicar.
Este esquema poético creado en Italia a fines del siglo XV se exporta a otras literaturas a lo
largo del siglo XVI. En España triunfó en los primeros años del siglo con Garcilaso de la Vega y
Juan Boscán, a los que siguieron Gutierre de Cetina o Hernando de Acuña. En fechas similares
se introdujo en Portugal con Francisco Sá de Miranda y Antonio Ferreira. Algo más tardía es la
llegada a Francia, ya que hasta 1545 no aparece el primer cancionero petrarquista de manos
de Maurice Scève. En la literatura inglesa, el petrarquismo no se incorpora hasta el último
tercio del siglo XVI con Edmund Spencer y Philip Sidney.
La superación del petrarquismo
En la segunda mitad del siglo XVI comienza la transformación del petrarquismo, que se
advierte en la ampliación temática de los poemas. El amor sigue siendo tema capital de la
poesía, pero ya es habitual encontrarlo vinculado a otros asuntos, como el paso del tiempo. Así
sucede en la poesía de La Pléyade, un grupo poético francés de la segunda mitad del XVI entre
cuyos miembros destacan Joachim du Bellay (1522-1585) y Pierre Ronsard (1524-1585). Los
rasgos que unifican el grupo son:
• La aceptación del código petrarquista, aunque acaben superándolo.
• El carácter intelectual y algo elitista de su poesía.
• Las referencias autobiográficas en los poemas.
• La variedad temática, que los llevó a escribir sobre el amor, la naturaleza, el goce de
los placeres; pero también sobre el paso del tiempo, la política y la realidad
contemporánea francesa.
El sentimiento religioso hace acto de presencia en la segunda mitad del siglo. Poetas como
San Juan de la Cruz o Santa Teresa de Jesús utilizaron el lenguaje y los motivos temáticos del
petrarquismo para expresar sus experiencias místicas. Miguel Ángel Buonarroti compone al
final de su vida poemas de contenido religioso en los que expresa el arrepentimiento por sus
pecados.
Otro tema importante de la segunda mitad del siglo XVI es la reflexión moral sobre el sentido
de la vida, el comportamiento humano y los efectos del tiempo.
La poesía del siglo XVII
La lírica de la segunda mitad del XVI preparó la llegada del desengaño y de la ruptura de
ideales que caracterizan el siglo XVII. Los poetas de este siglo continuaron los temas ya
existentes (amor, moral, religión); pero también recuperaron la poesía satírica y de crítica
social tan habitual en los últimos tiempos de la Edad Media y que se había mantenido como
tema menor.
En este siglo es necesario distinguir dos tendencias poéticas formalmente bien diferenciadas:
la poesía clasicista francesa y la poesía escrita en España e Inglaterra.
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A finales del siglo XVI François de Malherbe (1555-1628) establece las bases de lo que será el
clasicismo francés, teorizado a mediados del siglo siguiente por Nicolás Boileau. Su forma de
entender la poesía se define por el predominio de la técnica sobre la inspiración del autor, la
expresión contenida de los sentimientos, la claridad de la expresión poética y el uso del verso
alejandrino.
Frente al clasicismo francés, la lírica que se compuso en España e Inglaterra es bastante
diferente. Desde el punto de vista técnico, destaca la expresión libre que no se somete a reglas
férreas. Esto permite una mayor variedad métrica y convertir la forma del mensaje en un
elemento poético principal.
En el aspecto temático, la poesía inglesa y española se centra en lo amoroso, lo moral y lo
religioso. Los poetas se debaten entre sentimientos contradictorios que oscilan entre el
hedonismo (doctrina que proclama el placer como fin supremo de la vida) y el
arrepentimiento; entre el goce del presente y la reflexión sobre el paso del tiempo y la muerte.
Aparte de la española, la lírica más interesante del siglo XVII es la compuesta en Inglaterra. Allí
destaca William Shakespeare, que publica en 1609 un libro de sonetos según la forma inglesa
(compuestos por tres serventesios se rima consonante y un pareado final también de rima
consonante). Temáticamente, se centran en la expresión del sentimiento amoroso, dirigido a
una amada desconocida que ya nada tiene que ver con el ideal de belleza renacentista.
Tras Shakespeare, el autor más importante es John Donne (1572-1631), cuya obra oscila entre
dos núcleos temáticos: sus experiencias amorosas, expuestas desde una perspectiva muy
realista, y la preocupación religiosa, que lo lleva a reflexionar sobre el discurrir del tiempo, la
muerte y el arrepentimiento de los pecados juveniles. La suya es una lírica caracterizada por el
coloquialismo y la ironía.
2.2. Poesía narrativa o épica culta
La narración de historias en verso sufre, al igual que la lírica, una evolución temática a lo largo
de los siglos XVI y XVII: poemas de asunto novelesco en la primera mitad del XVI; poemas de
asunto histórico, en la segunda; y poemas de asunto religioso, en el XVII.
Poemas de asunto novelesco
Las historias de Roldán (u Orlando, en italiano) y Carlomagno dieron origen en Italia a un gran
número de cantos populares que en el siglo XV se pusieron de moda con dos peculiaridades: se
omite la muerte de Roldán y se incluyen elementos fantásticos inventados, hasta el punto de
que desaparece toda referencia histórica.
Siguiendo la moda, Matteo Boiardo compuso el poema Orlando enamorado, en el que mezcla
la materia carolingia con la materia de Bretaña.
Es éxito de la historia fue tan grande que, en los primeros años del siglo XVI, Ludovico Ariosto
(1474-1533) escribió Orlando furioso, una continuación del poema de Boiardo.
Los caracteres más significativos de la obra son:
• Está compuesta en estrofas de ocho versos endecasílabos (octava real), que se
convertirá en la forma estrófica elegida por los demás poemas épicos de la época.
• Sigue el modelo de la epopeya clásica en algunos aspectos:
− El poema se divide en cantos.
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− Los protagonistas son presentados como héroes.
− El peso de la historia recae en episodios bélicos y caballerescos.
• La intención del autor es puramente burlesca.
• En el texto predomina la imaginación, la fantasía y la desmesura.
Poemas de asunto histórico
El éxito del libro de Ariosto hizo que proliferasen en la segunda mitad del siglo poemas de
intención épica. En la mayoría de los casos, sin embargo, los autores de este tiempo
renunciaron a la intención burlesca y acercaron sus textos a la seriedad de la épica clásica.
Lo más característico de estos poemas es el intento de reflejar asuntos históricos verdaderos
para convertirlos en señas de identidad de las naciones. Es decir, pretendieron recuperar la
función nacionalista de la epopeya clásica y de los cantares de gesta medievales, aunque
dirigiendo sus obras a un público culto que exigía una literatura trabajada y erudita.
La moda de la épica culta triunfó en España con Alonso de Ercilla y su Araucana (1569), poema
que relata algunos episodios de la guerra entre españoles y mapuches en Chile.
En Italia, Torcuato Tasso escribió Jerusalem liberada (1580), cuyo asunto es el asedio a los
lugares santos durante la Primera Cruzada.
El gran poema épico de la época es Os Lusíadas (1572) del portugués Luis de Camoens, que
relata el primer viaje de Vasco de Gama, con el que se abrió la ruta marítima que permitió
comunicar Europa y la India. Los rasgos más significativos son:
• La intención del autor es cantar hazañas reales.
• El protagonista no es un héroe individual sino el conjunto del pueblo portugués.
• El tema de la obra trasciende la intención puramente nacionalista para representar el
enfrentamiento entre el ser humano y la naturaleza, a la que acaba dominando gracias
a su esfuerzo e inteligencia.
• Alterna en su obra historia y mitología.
• Aunque la obra es épica, su argumento no es exclusivamente bélico, ya que introduce
pasajes líricos, descriptivos y simbólicos.
Poemas de asunto religioso
El siglo XVII marca un nuevo cambio de dirección en la poesía épica culta con el giro hacia el
tema religioso. Este cambio se debe al inglés John Milton (1608-1674) y su epopeya religiosa
Paraíso perdido (1667), que narra la desobediencia de Adán y Eva a través de cuatro episodios:
• En el primero, Milton relata la rebelión de Satanás y su expulsión del Cielo. Como
consecuencia, el Diablo decide vengarse de Dios utilizando al hombre como
instrumento.
• El segundo episodio cuenta cómo Satanás averigua cuál es la morada del hombre y la
prohibición de comer fruta del Árbol de la Ciencia del Bien y del Mal. También se
expone cómo Cristo decide bajar a la Tierra para purgar los pecados humanos.
• El tercero se centra en la tentación de Satanás a Eva, a quien acaba convenciendo de
que coma el fruto prohibido.
• El último episodio muestra cómo Eva muestra la fruta a Adán para que la coma. Tras la
consumación del pecado de desobediencia, Dios envía al arcángel Miguel para que
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expulse a la pareja del Paraíso y les muestre el futuro que espera a la humanidad a
causa de su pecado.
3. El teatro de los siglos XVI y XVII
El teatro se convierte en uno de los géneros principales en las literaturas europeas a partir del
siglo XVI, como consecuencia de la evolución de unas tendencias que se remontan a la Edad
Media. En este lento proceso es necesario señalar sus antecedentes: la Edad Media y el siglo
XV, época de transición entre las formas medievales y renacentistas.
Durante la Edad Media surgen las primeras representaciones teatrales, que responden a
asuntos religiosos y profanos.
El nacimiento del teatro religioso tiene que ver con las representaciones navideñas y de la
Pasión de Cristo, realizadas con la intención de dar a conocer los principios cristianos de una
manera más didáctica y atractiva.
El origen del teatro profano, en cambio, se vincula con la labor de los juglares, que a menudo
incluían en sus recitados pequeñas dramatizaciones de la historia que contaban o sobre otros
asuntos.
Los autores cultos medievales también cultivaron el género profano, tal como sucede en la
comedia elegíaca, género habitualmente escrito en latín que sigue la tendencia iniciada por las
comedias de Terencio.
El siglo XV supone un avance importante en la historia del teatro. En esa época se ponen de
moda las danzas de la muerte, espectáculo popular en el que la Muerte invita a bailar a
diferentes personajes que representan distintos grupos humanos y sociales.
También surgen en este siglo la comedia humanística, género dialogado en prosa y destinado
a la lectura, no a la representación. Este género sigue la línea de la comedia elegíaca y
entronca también con la comedia de Terencio. La obra más interesante de esa tendencia es La
Celestina, del español Fernando de Rojas.
Desde finales del siglo XVI se produce la fusión de las tendencias populares y cultas con el
nacimiento de los teatros nacionales inglés, español y, posteriormente, francés. La teatralidad
forma parte de la vida europea de la época como lo demuestran las fiestas populares y
religiosas o las grandes celebraciones de las clases aristocráticas, en las que la puesta en
escena, la artificiosidad y la espectacularidad se imponen al contenido.
Así, en los siglos XVI y XVII el teatro se convierte en un espectáculo de masas y reproduce en
sus textos la vida, los sentimientos y las necesidades de las gentes. El eco social que alcanza el
teatro explica que los poderes sociales se empeñen en reglamentar las representaciones para
controlar su moralidad. Por ejemplo, se separó a los hombres de las mujeres o se prohibió a las
mujeres interpretar papeles en las obras, como ocurre en Inglaterra.
El deseo de someter a reglas el hecho teatral también afecta a los textos literarios. Siguiendo a
los clásicos grecolatinos, algunos teóricos pensaron que el teatro debía someterse a reglas
literarias:
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• La unidad de tiempo: el argumento representado en la obra no debe exceder las doce
horas.
• La unidad de lugar: toda la acción representada debe suceder en el mismo espacio.
• La unidad de acción: la obra debe representar una única acción protagonizada por los
personajes principales.
El respetar o no estas reglas permitió establecer dos tendencias en el teatro europeo del siglo
XVII:
• El respeto a las reglas dramáticas, que se convirtió en el rasgo definitorio del teatro
francés de la segunda mitad del siglo XVII.
• La ruptura de dichas reglas, que define el teatro representado en España e Inglaterra.
Junto a estas dos tendencias, pervive un tipo de teatro de origen popular que triunfa en Italia
con el nombre de commedia dell’arte.
3.1. Commedia dell’arte
La comedia dell’arte triunfa en Italia en los siglos XVI y XVII. Su origen se remonta a la época
romana, ya que entonces existió una forma de teatro popular, la fabula atelana caracterizada
por la improvisación en torno a una serie de personajes con caracteres fijos. Esta forma teatral
se convirtió en los últimos tiempo se la Edad Media en el núcleo central de las compañías
italianas de cómicos itinerantes.
La intención de la commedia dell’arte es provocar la carcajada mediante un enredo amoroso.
En el hilo argumental se incluyen frecuentes golpes, carreras, equívocos y bromas de todo tipo
que los autores adaptan a los gustos del público que asiste a la representación. Junto al humor,
es frecuente que las obras ofrezcan ciertas dosis de sátira social y política.
El rasgo más significativo de estas representaciones es la ausencia de diálogos escritos. Los
actores tan solo cuentan con un leve guión sobre el que improvisan una historia que se adecue
al carácter de los personajes que encarnan.
Como consecuencia de dicho rasgo, los personajes responden a un código que establece su
vestuario, maquillaje, accesorios, tipo de lenguaje y comportamiento en escena. De esta
manera, e l público los reconoce y sabe qué se puede esperar de ellos en la representación.
Aunque a lo largo del tiempo aparecieron numerosos personajes, estos pueden clasificarse en
tres grupos:
• Criados. Habitualmente son campesinos que han llegado a la ciudad para buscar
trabajo y se ponen a las órdenes de algún patrón. Algunos de estos personajes son:
− Arlequín. Viste traje de rombos y máscara de cuero negro. En su carácter
dominan el hambre constante y su amor por Colombina, así como la mezcla de
torpeza, inteligencia natural y astucia para sobrevivir en condiciones adversas.
− La hermosa Colombina es la perenne enamorada de Arlequín y suele burlarse
de los patronos que quieren cortejarla.
− Polichinela viste traje amplio de color blanco, careta de nariz ganchuda y una
enorme joroba. Conoce rumores y cotilleos.
• Amos. Habitualmente son los padres de familia y centro de la acción, ya que de ellos
depende el matrimonio de los hijos y el premio o castigo de otros personajes:
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− Pantaleón o Pantalón tiene barba larga, viste atuendo rojo y capa negra. Es
rico, codicioso pierde la cabeza por muchachas jóvenes. Su personalidad lo
coloca en situaciones ridículas.
− El Doctor luce una tremenda barriga. Aunque aparenta grandes
conocimientos, es bastante ignorante, lo cual lo hace ridículo.
− El Capitán no es exactamente un amo, pero tampoco un criado. Viste de
militar y lleva espada, que siempre amenaza con sacar, aunque nunca lo hace.
Es un brabucón que presume de fuerza y valor, pero se asusta pronto.
• Enamorados. Son hijos de los amos. Jóvenes que sienten un amor puro y aspiran a
casarse. Sufren a lo largo de la obra por los equívocos, castigos y prohibiciones.
Gracias a las compañías de cómicos itinerantes, la commedia dell’arte se difundió fuera de las
fronteras italianas y sus elementos fueron incorporados por el español Lope de Rueda en la
primera mitad del siglo XVI y por el teatro francés del siglo XVII. También traspasó las fronteras
temporales. Así, en el siglo XVIII, el italiano Carlo Goldoni basó en ellas algunas de sus obras y
en el siglo XX, en España, Jacinto Benavente recurrió a sus caracteres.
3.2. El teatro inglés
El teatro inglés de esta época, en la que floreció William Shakespeare, se denomina «teatro
isabelino» por desarrollarse durante el reinado de la reina Isabel I de Inglaterra, es decir, en la
segunda mitad del siglo XVI y comienzos del XVII.
La importancia de Shakespeare hace que el estudio del teatro inglés suela parcelarse en tres
etapas que recorren la época anterior al autor, la suya y la posterior.
Antes de Shakespeare, que llega a escena en torno a 1582, se advierten dos tendencias
predominantes en el teatro inglés:
• Representaciones de tipo popular sobre asuntos religiosos o morales, junto a obras de
carácter humorístico, que proceden de la Edad Media.
• Obras cultas inspiradas en el teatro latino y la comedia humanística del Renacimiento.
Este tipo de representaciones se realizaban en los palacios de los nobles, que incluso
patrocinaban las compañías de actores.
En la época de Shakespeare se constituye el teatro isabelino, se funde la tradición medieval y
la culta y se convierte en un espectáculo de masas. Así lo demuestra la construcción de
edificios destinados exclusivamente a la representación, la consolidación de las compañías y el
apoyo que el mundo teatral tuvo por parte de la monarquía inglesa.
El espectáculo teatral del momento se caracteriza por los siguientes rasgos:
• Se representa en edificios poligonales que recuerdan los patios de las pasadas en que
se escenificaban los espectáculos populares anteriores. En el patio de estos edificios se
encontraba la escena, y alrededor del patio, dos o tres pisos de galerías. No existía
diferenciación social en el tipo de localidades que se repartían entre el patio, las
galerías e, incluso, la propia escena.
• Las representaciones comenzaban a primeras horas de la tarde y se extendían hasta el
anochecer.
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• La escenografía era muy escasa, prácticamente sin decorados, de modo que el peso de
la representación recaía sobre el texto, que debía hacer imaginar al público todo lo
que no podía mostrarse.
• Las compañías de actores estaban integradas únicamente por hombres, ya que la ley
inglesa prohibía a la mujer trabajar por considerarlo inmoral.
• Las obras se adscribían a tres géneros: la tragedia sangrienta, inspirada en Séneca; la
comedia de enredo, que sigue a Plauto y Terencio; y el drama histórico de asunto
medieval.
En este panorama triunfan, además de Shakespeare, algunos autores que anticipan caracteres
de sus obras. El primer gran éxito fue La tragedia española (1594), de Thomas Kyd, que ofrece
dos rasgos significativos: resalta el horror, la crueldad, la muerte y la venganza; y fija tres tipos
de personajes que Shakespeare convertirá después en mitos literarios: el hombre vengador
(Hamlet), la heroína enérgica (Lady Macbeth) y el conspirador maquiavélico (Iago).
Pero el dramaturgo que comparte con Shakespeare protagonismo fue Christopher Marlowe
(1564-1593), a quien se deben dos innovaciones esenciales:
• El uso del “verso blanco” para la composición del texto dramático. El verso blanco no
tiene rima y responde al esquema del pentámetro yámbico latino alternando sílabas
átonas y tónicas: o-ó / o-ó / o-ó / o-ó / o-ó (A time before we came unto this cell?)
• La creación de un modelo de héroe capaz de vencer sus limitaciones de clase o
condición para alcanzar sus objetivos. La ascensión del personaje termina con su
amarga caída, ya que en el proceso ha transgredido las leyes de Dios y de los hombres.
El personaje se caracteriza también por su lucha interior entre el sometimiento a las
normas religiosas o políticas y la afirmación de su individualidad.
Su obra La trágica historia del Doctor Fausto (1604) fue la primera adaptación dramática de la
leyenda de Fausto. El Fausto de Marlowe presenta a un héroe trágico que vende su alma para
conseguir poder y conocimiento.
William Shakespeare nació en 1564 en Strattford-on-Avon y murió el 23 de abril de 1616, el
mismo día en que fallecía en España Miguel de Cervantes. Fue actor y perteneció a varios
grupos diferentes. Más adelante fundó su propia compañía que se instaló en teatro The Globe.
El más importante e influyente de los dramaturgos ingleses logró transformar con su genio
todos los géneros y materias que tocó. Aunque los temas de muchas obras no son originales,
pues están tomados de crónicas medievales, de relatos italianos o de otros dramas anteriores,
él los renovó y consiguió darles un sentido nuevo. Sus obras se pueden clasificar en:
• Comedias. Corresponden, en general, a su etapa inicial, por lo que algunos de sus
resultados son todavía imperfectos y carecen de la madurez que se aprecia después.
Las comedias más importantes son La fierecilla domada, Como gustéis, Las alegres
comadres de Windsor, Mucho ruido y pocas nueces y la obra maestra de este género el
sueño de una noche de verano. En este primer periodo aún no predomina un personaje
grandioso y, en consecuencia, se presta mayor atención a la trama, por lo que las
obras son más corales. La acción tiene un desarrollo complicado que suele centrarse
en alguna intriga amorosa.
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• Dramas históricos. En ellos se percibe un mayor pesimismo del dramaturgo. Escoge
como punto de partida personajes de la historia inglesa y romana y profundiza en la
faceta humana que se esconde tras el personaje público. Los más importantes son:
Ricardo III, Enrique IV o Julio César.
• Grandes tragedias. Tienen como núcleo temático las grandes pasiones del ser
humano: el amor, la venganza, la traición, los celos o la ambición. Con ellos alcanza la
mayor hondura expresiva y desaparecen los halagos al público que se percibían en
etapas anteriores, dando como resultado obras independientes sin concesiones a
ninguna clase social. Las más importantes son Romeo y Julieta, El mercader de Venecia,
Hamlet, Macbeth, Othelo o El rey Lear.
• Obras finales. Hay una clara tendencia a la simbología e introduce elementos
fantásticos. Son obras de madurez, propias de un hombre alejado de pretensiones
cortesanas que busca una expresión lírica y serena. Cabe destacar Cuento de invierno y
La tempestad.
La mayor aportación de Skakespeare está, sin duda, en la configuración de los caracteres. Se
ha dicho que lo más sobresaliente es la humanidad es estos, su complejidad. El autor crea un
personaje y hace que la trama se adapte a él. Por ello, su teatro no es de tipos, sino de
hombres contradictorios que parecen de carne y hueso. Muchos de ellos han quedado como la
encarnación de emociones universales: Othelo, los celos; Macbeth, la ambición; Hamlet, la
duda; Romeo y Julieta, el amor prohibido.
Tras la época de Shakespeare, la escena inglesa continuó su desarrollo y éxito popular durante
algún tiempo. Sin embargo, las circunstancias que vivía el país (guerra civil, enfrentamiento
religioso) motivaron sucesivos cierres de teatros, hasta que se prohibieron las
representaciones en 1660.
3.3. El teatro francés
En Francia, a diferencia de Inglaterra y España, el teatro tuvo un florecimiento más tardío y
menos popular, en la segunda mitad del siglo XVII, por varias razones:
• En Francia, el teatro se desarrolla bajo el patrocinio de la realeza y la corte, que
mantienen los teatros, pagan a las compañías teatrales y, por tanto, eligen la línea de
las obras de su preferencia: la tragedia.
• Esas mismas compañías teatrales representaban grandes espectáculos en la corte, en
los que se combinaba el baile, la música y una lujosa escenografía.
• A esto se une la prohibición de representar espectáculos religiosos públicos, del tipo
de los autos sacramentales españoles.
• La presión de la Academia Francesa, una institución creada en 1634 para vigilar el uso
de la lengua y proteger la creación literaria, para que se respetara la regla de las tres
unidades.
Consecuentemente, el teatro no va a ser un género popular, sino elitista. Solo la comedia, con
la adaptación al gusto francés de la commedia dell’arte y, posteriormente, con Molière, gozará
del favor popular, aunque nunca llegará el espectáculo de masas que fueron el teatro inglés y
el español.
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El género más representativo y peculiar del teatro francés es la tragedia, representada,
primero, por Pierre Corneille (1606-1684) hasta llegar a su máxima expresión con Jean Racine
(1639-1699).
Molière
La aportación de Molière (1622-1673) es decisiva para la evolución del teatro como
espectáculo y como texto. En él se funden la tradición medieval, la latina, la commedia
dell’arte y la influencia española.
La vida y el teatro se hallan indisolublemente mezcladas en la figura de Molière. Nacido en
París como Jean- Baptiste Poquelin. Desde su juventud se unión a una troupe de actores, con
los que se dedicó al teatro ambulante. En 1658, bajo la protección del hermano del rey, pone
en escena sus propias obras y, gracias al éxito que obtuvieron, quedó encargado de organizar
los espectáculos de la corte. En 1673 murió tras la representación de El enfermo imaginario, en
el que interpretaba el papel protagonista.
El objetivo declarado de Molière era «enseñar a los hombres cómo son sin dejar nunca de
divertirlos». Esto explica que en sus textos destaquen los temas de la familia, la educación, la
condición de la mujer y la crítica al machismo, así como el más importante de todos, la
hipocresía.
Las comedias más importantes de Molière son:
• Las preciosas ridículas, sátira donde dos «damitas» de la corte rechazan a sus
pretendientes y son conquistadas por lacayos.
• El burgués gentilhombre, en la que ridiculiza el esnobismo burgués de un nuevo rico
empeñado en pasar por caballero.
• Tartufo o el hipócrita es una sátira contra los falsos devotos.
• El misántropo ridiculiza a un hombre de elevados principios morales que critica
constantemente a los demás y, sin embargo, es incapaz de ver los defectos de la
muchacha de la que se ha enamorado y que encarna a esa sociedad que él condena.
• El avaro.
• El médico a palos.
• El enfermo imaginario.
El teatro de Molière importa, más que por la acción que desarrolla, por el estudio de los
caracteres: el hipócrita, el avaro, el nuevo rico, el misántropo, etcétera. Pero no son tipos
planos, sino individuos perfectamente diferenciados.
En cuanto a las novedades escénicas, hay que resaltar el uso de la tramoya y las máquinas
teatrales en una escenografía compleja. Recordemos que tanto el teatro inglés y como el
español se representaban en corrales o casas de vecinos.
3.4. La comedia española
Ver en el libro de 1º de Bachillerato los rasgos y los autores principales (Lope y Calderón) del
teatro español del Barroco.
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4. La novela en los siglos XVI y XVII
En los siglos XVI y XVII la novela no está plenamente configurada, lo que explica que se
incluyan en ella tanto los relatos largos (novelas de caballerías o pastoriles) como novelas
cortas que siguen el modelo boccacciano. Será necesario esperar a que Cervantes y los
escritores de la picaresca española compongan sus obras para que realmente la novela quede
establecida como un género similar al que hoy conocemos.
El periodo fue, por tanto, una época de tanteos novelísticos en la que proliferan modalidades
diferentes, como la novela pastoril, los libros de caballerías o la novela picaresca.
La novela pastoril nace en 1504 con La Arcadia de Jacopo Sannazaro, cuyas fuentes están en
los idilios de Teócrito, las Bucólicas de Virgilio y los Ninfale de Boccaccio. Sobre estas obras
Sannazaro estableció el modelo del género que acogieron principalmente autores españoles e
ingleses:
• Redacción en prosa y verso.
• Los personajes son pastores idealizados que viven en contacto con la naturaleza.
• El argumento consiste en la narración de la biografía amorosa de los personajes.
• La historia se desarrolla en un escenario natural idealizado, sin referencias reales y
fuera del tiempo, que se acoge al tópico del locus amoenus.
Los libros de caballerías se inician con el Amadís de Gaula (1508), en el que Garci Rodríguez de
Montalvo refunde una historia anterior. Tras él, multitud de obras españolas y portuguesas
imitan sus caracteres hasta que Cervantes demuestra el sinsentido de la caballería en El
Quijote.
Los principales rasgos del género son:
• El argumento consiste en el relato de aventuras y pruebas que debe superar un
caballero para conquistar la fama o el amor de una dama.
• Los personajes principales son el caballero, su escudero y la dama. La figura del
caballero está idealizada y su sentimiento amoroso sigue el canon del amor cortés.
• Aparición de seres fantásticos y escenarios irreales alejados de todo tiempo histórico.
La novela picaresca se inicia con el Lazarillo de Tormes (1554), aunque el género no queda
totalmente configurado hasta el siglo XVII con los siguientes rasgos:
• El protagonista es un antihéroe de origen humilde que encarna valores contrarios a los
de los personajes idealizados de la novela del siglo XVI.
• El argumento consiste en un relato en primera persona de la vida del protagonista,
entendida como un viaje de aprendizaje.
• Los relatos de definen por el realismo de los escenarios y las situaciones.
• La intención de las novelas es la crítica social.
La novela picaresca triunfó en la literatura española con Guzmán de Alfarache (1599), de
Mateo Alemán, y fue imitada por autores como el alemán H.J.C. von Grimmelshausen en sus
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Aventuras de Simplicius Simplicisimus (1669), que narra la vida del protagonista en una Europa
devastada por la Guerra de los Treinta Años.
François Rabelais
Ha pasado a la historia por ser el autor de Gargantúa y Pantagruel, cinco libros que compuso
entre 1531 y 1553, imposible de encuadrar en ninguno de los géneros de la época, ya que es
un compendio de ellos.
Los libros cuentan la vida y las disparatadas aventuras de dos gigantes, Gargantúa y su hijo
Pantagruel. Al hilo del argumento, Rabelais insiste una y otra vez en una serie de temas: el
goce vital (representado en el sexo, la comida y la bebida), la transgresión de las normas y
convenciones sociales, y la sátira de la Iglesia, la justicia y la cultura oficial.
Junto a los temas, los rasgos más significativos de la obra son:
• La diversidad de fuentes, tanto populares como humanistas, así como la realidad
inmediata de la Francia de su tiempo.
• La distorsión de los hechos narrados mediante la exageración de las situaciones.
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