Agradecimientos
En este escrito me gustaría agradecer la ayuda en todo momento de mis padres y
familia, para poder llevar a cabo mi estudio en la Universidad y apoyar mis estudios en
todo momento, ayudándome en todo lo necesario para cumplir mi meta de prepararme
como diseñador para mi futuro. Estoy muy agradecido del apoyo de mi novia Celeste,
quién me ayudo a realizar el proyecto y a soportar mis nervios durante las épocas de
exámenes finales, tanto en los momentos buenos y malos vividos en la Universidad.
A su vez, quiero agradecer a mis compañeros de la facultad por ayudarme
durante la carrera y a los docentes Claudia López Neglia, Andres Kesting y Oscar
Desplats por brindarme su ayuda profesional y humana para realizar mi proyecto de
Graduación.
Tema: Animación Argentina
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 1
Título: La animación 2D y 3D en películas argentinas
Categorización: Investigación
Objetivos:
- Analizar la animación en las películas argentinas.
- Analizar las características del dibujo animado, base del desarrollo de laanimación en la Argentina.
- Investigar las diferentes técnicas de animación usadas en el mundo y su
evolución.
- Demostrar que la animación producida en Argentina aumenta su vigenciadía a día.
IndiceRamiro González – Proyecto de Grado – 2008 2
Introducción Pág. 6
Capítulo 1: La animación en el mundo Pág.10
1.1 Definición de Animación. Pág.10
1.2 El arte del Movimiento. Pág. 11
1.3 Comienzos de la animación. Pág.13
1.4 Principales animadores. Técnicas y formas de animar. Pág. 15
Capítulo 2: La producción de la animación Pág. 18
2.1. Preproducción y producción animada. Pág. 18
2.2. Tiempos de elaboración de las animaciones 2D y 3D. Pág. 24
2.3. Principios Importantes de la animación. Pág. 26
2.4. Dinero empleado en la animación 2D y 3D. Pág. 32
Capítulo 3: Antecedentes de la animación en la argentina. Pág.34
3.1 Comienzos de la animación en Argentina. Pág.34
3.2 Cine animado publicitario televisivo y cinematográfico. Pág.36
3.3 Manuel García Ferré. Icono de la animación nacional. Pág. 40
Capítulo 4: Desarrollo de la animación con la técnologia digital Pág. 43Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 3
4.1 Corazón, las alegrías de Pan Triste (2000) Pág. 43
4.2 Análisis de “Los Pintín al rescate” (2000) . Pág. 45
4.2.1 Técnicas utilizadas. Pág. 45
4.2.2 Descripción y caracteristícas principales del Film. Pág. 47
4.3. Análisis de “Cóndor Crux" (Patagonik / Tornasol, 2000). Pág. 48
4.3.1 Técnicas de la Animación. Pág. 48
4.3.2 Formato y propiedades de la película . Pág. 48
4.4. Análisis de “DIBU 3, la gran aventura” (2002) Pág. 50
Capítulo 5: La expansión de la animación en la Argentina. Fusión de la
animación 2D y 3D Pág. 52
5.1: Análisis de “Patoruzito, la película” (2004). Pág. 52
5.1.1 Un poco de Historia. Pág. 52
5.1.2 “Patoruzito, la película”. Pág.53
5.2 Técnica de animación. Pág. 53
5.3 Desarrollo de los personajes 2D, decorados y objetos 3D. Pág. 56
5.4 Dinero invertido. Tiempos de elaboración. Pág. 58
Capítulo 6: Presencia argentina en la animación mundial Pág. 60
6.1. Técnicas de animación utilizadas en otros países. Pág. 60
6.2. Nivel en que se encuentra la animación en Argentina Pág. 64
(profesional, técnica y económicamente).
6.3. Nuevas organizaciones en Argentina Pág.67
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 4
6.4. Festivales de Animación Nacionales e Internacionales Pág.69
6.5. Productoras Argentinas Pág. 70
Conclusiones Pág. 74
Conclusión acerca del Proyecto de Grado.
Bibliografía Pág. 77
Referencias Bibliográficas Pág. 79
Introducción
Este proyecto de grado se centra en la investigación de la fusión entre la
animación 2D y 3D en las películas Argentinas. Principalmente basándose en la película
“Patoruzito, La Película” (2003), donde los personajes son animados en dos
dimensiones y los fondos y objetos desarrollados en tres dimensiones.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 5
El mismo hará hincapié en la importancia del movimiento desde las épocas
prehistóricas, en donde el hombre lo representaba en las cuevas, siguiendo por los
comienzos de la animación, desde los primeros animadores del mundo y las técnicas
que implementaban a la hora de animar. A su vez, se hace referencia a los comienzos
del cine de animación argentina, quién fue el primer animador nacional y qué técnicas
implementaba para llevar a cabo animaciones en esa época.
Este Proyecto de Graduación tiene como objetivo analizar la animación en
películas argentinas, investigar las diferentes técnicas de la animación usadas en el
mundo y su evolución y demostrar que la animación producida en el país aumenta su
vigencia día a día.
También, consiste en hacer un análisis de Patoruzito, viendo las tecnologías y
técnicas implementadas en la animación argentina, ver cuáles son las características
principales que hay que tener en cuenta para dicha animación, los elementos, pautas,
etc.
A su vez, la investigación tomará como referencia la animación en la Argentina
desde su aparición hasta las últimas innovaciones y analizará la importancia del dibujo
animado desde casos puntuales.
De esta manera se presenta la investigación desarrollada sobre el tema central
del trabajo brindando información sobre la situación actual de la animación en el país y
de lo que se producirá en un futuro cercano.
El Proyecto de Grado está constituido por 6 capítulos:
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 6
El capítulo 1 se centra en los comienzos de la animación en el mundo. Teniendo
en cuenta la importancia del movimiento desde las épocas prehistóricas representados
en las cuevas y en el arte de las piezas gráficas hasta los orígenes de la animación en los
diferentes países. A su vez, este capítulo presenta los principales animadores que
surgieron en el mundo, haciendo hincapié en las técnicas implementadas y en la
evolución a la hora de animar cada uno de ellos.
A continuación en el capítulo 2 se encuentran las etapas de preproducción y
producción. Dividiendo cada una y explicando las características principales que se
deben tener en cuenta a la hora de comenzar a elaborar una película animada. A su vez,
se explica el rol que cumple cada integrante de un estudio de animación.
También, dentro de este capítulo se desarrolla una explicación sobre el tiempo
que se necesita para elaborar una película de animación, sea esta en 2D o 3D y la
cantidad de dibujantes y animadores que participan en ella. Además, se presenta a nivel
informativo, el dinero que se utiliza para elaborar dichas animaciones y los principios
básicos que debe tener en cuenta un animador para desarrollar una animación.
Se cita un análisis de las principales productoras argentinas de animación que se
encuentran en el país.
En el capítulo 3 se encuentran los comienzos de la animación en Argentina,
estableciendo los primeros animadores nacionales, sus maneras de animar, el primer
largometraje animado que se llevo a cabo en el país mundialmente y la evolución que
estas técnicas animadas fueron teniendo a lo largo de sus comienzos, tanto en la
televisión como en los cines.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 7
A su vez en el capítulo 4 se establece un análisis acerca de la evolución de la
animación en Argentina. Haciendo hincapié en las películas Corazón, las alegrías de
Pantriste, Los Pintín al rescate, Condor Crux, Dibu 3, la gran aventura estableciendo
las principales propiedades de sus elaboraciones, las técnicas implementadas, formatos
y propiedades que fueron tenidas en cuenta en estas películas animadas nacionales.
Mediante el capítulo 5 se desarrolla el punto principal del Proyecto de Grado,
que es la fusión de la animación 2D y 3D en la película Patoruzito, la película. Sin duda
este largometraje animado produjo un cambio importante en cuanto a la calidad de la
animación nacional, es por eso que en dicho capítulo se centra en todo lo referido a su
elaboración. Comenzando desde los orígenes de este personaje conocido a nivel
nacional, Patoruzito, hasta llegar a la película, haciendo mención a las técnicas
implementadas en cuanto a su elaboración y a la forma de animación. Analizando la
creación de los personajes en 2D, decorados y los fondos en 3D de la película.
En última instancia el capítulo 6 plantea la presencia argentina en la animación
mundial. Se mencionan las técnicas de animación que se utilizan en otros países y se
analiza el nivel de la animación argentina actual, teniendo en cuenta como se encuentra
a nivel profesional y económico. Además se encuentran las nuevas organizaciones que
se desarrollan en el país y los festivales nacionales e internacionales.
Finalmente, las conclusiones ponen de manifiesto el punto de vista del Proyecto
de Grado.
El mismo se basa en la utilización de un marco teórico, que se encuentra
constituido por diferentes puntos centrales que son: la animación en el mundo, la
animación 2D en Argentina desde sus inicios hasta el día de hoy, películas de animación
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 8
argentina, la evolución de la animación 2D y 3D, fusión entre la animación 2D y 3D y
tecnologías utilizadas en Argentina para la animación.
Capitulo 1: La animación en el mundo
1.1 Definición de animación
La palabra animación proviene del latín y significa lexama anima, que significa
alma. Por lo tanto la acción de animar se traduciría como dar alma, generar alma a
aquellos objetos o personajes que no la tuvieran, en estos casos a los dibujos animados.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 9
La animación cinemática, según el animador norteamericano Gene Deitch, es la toma de
de diferentes fases de una acción imaginaria que se encuentran de manera individual,
generandose a través de la reproducción continua y constante de éstas la ilusión de
movimiento.
Dentro de las diferentes técnicas de animación se encuentran las siguientes:
La animación tradicional (2D) dibujos elaborados a mano alzada, creando cuadro a
cuadro sus movimientos y fondos.
Stopmotion: esta se desarrolla a través de la manipulación de un personaje u objeto con
volumen, de plastilina, macilla etc, modificando su movimiento con la rotación de sus
extremidades y tomando una fotografía de cada uno de ellos.
Animación 3D: dicha animación se lleva a cabo mediate elementos digitales, más
precisamente computadoras, donde con un software de modelado en 3 dimensiones, se
pueden desarrollar personajes, escenarios, objetos entre otras cosas.
Animación experimental: es aquella donde el artista expone libremente sus
pensamientos y explora acerca de los conceptos y el arte de la animación. Esta técnica
es lo contratrio a la animación tradicional y comercial. Puede que el animador no
presente ningún personaje o conflicto dentro de la animación o si, es una técnica no
muy utilizada, en donde los límites los pone el propio artista.
Animación motion capture: dicha técnica animada en estos días es muy utilizada,
teniendo en cuenta que consiste en tomar los movimientos reales de un ser humano a
través de sensores ubicados en su cuerpo (músculos y rasgos faciales) y enviados a una
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 10
computadora. Una vez que se encuentran de manera digital los movimientos se utilizan
diferentes software para incorporarles los mismos a los personajes creados en 3D por
los animadores. Este estilo de animación sin duda es también utilizado para crear los
movimientos de los personajes de los videos juegos y para ciertos personajes en donde
es muy difícil crear sus movimientos sobre papel a mano alzada.
(Taylor Richard, 2000, p.50)
1.2. El arte del Movimiento
Desde los comienzos de la humanidad el ser humano quiso y tuvo interés por el
movimiento. Ya desde las épocas prehistóricas se pudo observar que las pinturas de las
cuevas como Altamira, Lascaux, poseían animales con una cantidad de extremidades
que eran las representaciones que el hombre primitivo veía cotidianamente al trasladarse
los mismos.
Oscar M. Desplats (2005) afirma que el movimiento es el signo de todos los
organismos vivos. De esta manera, los seres humanos, los animales, las plantas, hasta
las diferentes células presentan su existencia con sus movimientos.
El cambio de estado de un cuerpo vivo, de estar en reposo a en movimiento,
siempre interesó al hombre, y es por eso que lo que se mueve es rápidamente captado y
observado por los seres humanos. De esta manera podemos decir que el movimiento es
lo primordial de la animación, y que siempre se buscó representarlo por parte del
hombre, ya sea en las cuevas prehistóricas como en la pintura y en las esculturas
griegas. Una de las representaciones más conocidas acerca de la continua observación
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 11
del hombre hacia el movimiento, es el Discóbolo, una estatua que muestra una fase del
movimiento de forma estática, donde un hombre se mueve para lanzar un disco.
Oscar M. Desplats (2005) sostiene que si esta estatua dejara de ser estática y
adquiriera movimiento dejaría de ser el Discóbolo, ya que modificaría su estado original
para ubicarse en un nuevo género o mundo, que es el arte de la cinematografía,
teniéndose en cuenta todos los límites ya instaurados y las técnicas que se desarrollan. A
su vez, todo artista responde a la naturaleza del movimiento mismo, es por eso que esto
originó los resultados y las formas de arte. En estas, se encuentra el arte cinético, que es
una rama que pertenece al arte gráfico y al arte tridimensional, que trabajando con
formas simples, logró un formidable favor popular. A través de la utilización de la
gravedad, la electricidad y la imaginación, este método de animar consiguió ser una
parte muy conocida de la cultura contemporánea, dentro de la era de la tecnología.
1.3 Comienzos de la animación
La animación al revés del cine de acción viva tiene sus raíces en el arte gráfico o
plástico, ya que sus imágenes han sido ejecutadas manualmente, su composición, su
color y su movimiento son creados por el artista. (Desplats, 2005,).
El hombre al aprender a realizar películas en movimiento comenzó a mostrar
imágenes dibujadas a mano, en los que se encontraban payasos y colombinas de diseño
simple, perros y gatos saltarines. Estos eran desarrollados por artistas de bajos recursos
y no por los grandes artistas y diseñadores, ellos se negaban a participaron de esto. De
esta manera los principios de la animación surgieron cuando las cámaras
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 12
cinematográficas capturaron el movimiento del mundo que los rodeaba y los proyectaba
en la pantalla, aunque en ese entonces, los artistas no estaban interesados en la
animación, tomando los propios inventores al cine como una herramienta de análisis y
comunicación, en donde las imágenes dibujadas no tenían lugar, preocupándose y
dándole el espacio a las películas de acción viva.
El primer intento de reproducir una animación mediante imágenes en movimiento
se produjo en el año 1640. Esto se produjo luego de que el alemán Anthonasius Kircher
elaborara el primer proyector de imágenes denominado La linterna Mágica. Este
consistía en una serie de cristales grabados que al ser reproducidos mecánicamente uno
tras otro generaba la ilusión del movimiento. En unas de las producciones se encontraba
una persona durmiendo, abriendo y cerrando la boca.
Durante varios años el arte de la animación estuvo paralizado, hasta que en 1824,
Peter Mark Roget descubrió los principios de la persistencia retiniana. Este
descubrimiento, es un acontecimiento muy importante ya que todas las imágenes que
vemos en estos tiempos se basan en esta técnica. De esta manera, se pudo conocer que
el ojo humano retiene la imagen que percibimos unos milisegundos en la retina,
mientras esa imagen ya no esté, haciendo lo mismo con las imágenes siguientes
completando un movimiento. A través de este conocimiento se realizaron muchos
inventos acerca de la persistencia de la visión, como el Traumatopo, (Figura de cartón
circular que poseeía dos caras, en donde en una iba un dibujo y en la otra una parte que
completaba al primero, entonces al hacerlo girar con dos hilos ubicados en sus laterales,
con el viento, generaba la sensación de que se unieran en una sola imagen). A esta clase
de juguetes se los denominaba como juguetes ópticos.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 13
En 1831 de la mano de Joseph Antoine Plateau se produjo la creación del
Phenakitoscopío, logrando con este el primer movimiento completo a través de
diferentes dibujos.
En Francia, la animación hizo su aparición antes que el cinematógrafo. En el año
1888 el francés Emile Reynaud inventó el praxinoscopio. Este era un juguete óptico en
donde se utilizaba una técnica pre-cinematográfica dentro de la animación. Luego de
varios intentos, este fue mejorado por él a través de su Teatro óptico, en donde se
podían proyectar películas con diferentes argumentos para un sector especial del público
francés. Estas imágenes eran acompañadas por distintos efectos y por la música. Este
espectáculo que utilizaba a dibujos animados tuvo sus inicios en 1892 y finalizó a fines
del siglo XIX.
1.4 Principales animadores. Técnicas y formas de animar
La técnica de la animación implementó sus propias leyes, las cuales fueron
desarrolladas por los primeros animadores que unieron sus conocimientos. Uno de los
pioneros fue el francés Emile Cohl, quien dibujaba figuras en negro sobre papel blanco
y luego las fotografiaba (1904). De esta manera en la pantalla se proyectaba el negativo
y se obtenían figuras blancas que se movían sobre el fondo negro. Al ver estas
animaciones uno podía percibir que Emile estaba más vinculado a lo artístico que a lo
técnico. Dentro de sus animaciones más conocidas se encuentran: Drame chez les
Fantoches (1908), Fantasmagoría (1908).
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 14
Luego estas técnicas de animación fueron cambiando y evolucionando. El
americano Winsor Mc Cay, fue el creador de Gertie the Trained Dinosaur (1909) en la
que utilizó alrededor de 10.000 dibujos para dicha animación. A su vez, otro pionero fue
Pat Sullivan que con Félix, el gato realizó el primer dibujo animado con personajes
importantes y reconocidos. La animación evolucionó rápidamente y las figuras eran
dibujadas y proyectadas en forma de perfiles negros sobre un fondo blanco,
preocupándose más en valorar al dibujante, quien le daba vida a un cartoon que al valor
artístico de los dibujos por si mismos. (Desplats, 2005, p.11).
Otro de los pioneros Max Fleischer, creador de Koko, el payaso se dio cuenta de
que los animadores podían crear sus propias formas de ritmo según el mundo irreal que
aparecía en las pequeñas figuras de los cartoons. (Halas y Manvell, p.32).
Al introducir ritmos nuevos en sus animaciones, esto generaba una acción cómica a la
historia y ayudaba a que ésta sea más dramática.
Desde el año 1908 a 1917, la animación creció considerablemente, siendo la
misma requerida por el público, dejando de ser un arte técnico solamente. Era la nueva
magia del cine, en donde el artista generaba sus dibujos y luego comenzaba a darle vida
él mismo. Estos eran muy crudos, los diálogos se desarrollaban con círculos que se
ubicaban por encima de las cabezas de los personajes, uniéndose estos en los labios de
los mismos. (Desplats, 2005, p.12)
A esta contínua evolución de las técnicas de animación se les sumó la técnica por
transparencias (cell animation), que sin duda superó la técnica de animación por fases.
Con esta nueva herramienta los fondos se seguían dibujando aparte sobre papel blanco.
Los primeros planos se dibujaban en láminas delgadas, que eran transparentes y de
celuloide y se superponían a los fondos ya establecidos a la hora de tomar las
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 15
fotografías. El creador de éste método fue Earl Hurd (Americano) quién lo realizó en el
año 1915. Luego este método fue perfeccionado por Raoul Barré y por Hill Nolan, que
creo y utilizó los fondos panorámicos móviles. Este método sin duda generó un nuevo
cambio a la hora de animar, ya que permitió el uso de perspectivas y cambiar la antigua
bidimensionalidad que el artista tuvo que utilizar durante las primeras películas
animadas.
A continuación se comenzaron a especializar diferentes animadores acerca del
como se debía delinear las figuras de los dibujos animados, al igual que el contenido de
éstas con una pintura opaca.
Otra técnica que fue muy importante en los comienzos de la animación fueron las
películas de siluetas. Las mismas fueron realizadas por Lotte Reiniger quién elaboró su
primer película en 1919, denominada The adventures of Prince Achmed. Este estilo de
animación se realizaba con personajes articulados en dos dimensiones, en donde, estas
figuras se utilizaban para generar sombras que poseían una definición distinta, variada,
debido a una iluminación posterior. Si bien era en cuanto a la expresión de los
personajes limitada, se caracterizaban por presentar figuras lisas, que no podían ofrecer
la ilusión de solidez y de modelado. De cierta forma, esta técnica creó un mundo
fantástico con sombras. Para poder desarrollarla, es necesario utilizar:
- Una placa de cristal que se usa de superficie transparente en donde se trabaja el
material.
- Los fondos deben ser transparentes y coloreados (como cielos, nubes, olas y ciertos
elementos del paisaje)
- Utilizar una hoja de plástico translúcido, para que los materiales no resbalen.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 16
- Elementos que no sean transparentes para los decorados (casas, paredes, muebles, etc.)
- Las figuras se encontrarán en la parte superior y se moverán allí.
A su vez, para cada impresión cuadro a cuadro, se debe anotar cada exposición en
el libro fotográfico. La acción es controlada por medio del gráfico original de la música.
(Desplats, 2005, p.20)
* Ver imágenes y más información en la Pág, 1 del cuerpo C (Anexo)
Capítulo 2: La producción de la animación
2.1 Preproducción y Producción animada
A lo largo del tiempo las herramientas para generar películas animadas fueron
evolucionando. Una película de animación surge de los conocimientos que posee el
animador acerca del público al cual va ir dirigida la película. Cada película animada se
encuentra constituida por dos etapas: la preproducción y la producción. (Halas et al,
1980)
Preproducción:
Cada película animada parte de la base de una idea, para desarrollarla es
necesario que diferentes grupos de personas propongan las ideas que poseen, generando
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 17
lo que se denomina una Brain Storm (Tormenta de ideas). Cada una de ellas es anotada,
para luego ir descartando la menos interesante y hacer hincapié en la que mayor
aceptación tiene entre todos.
Una vez que la idea ya está establecida se prosigue a desarrollar el Storyboard,
en donde el guionista se encarga de tomar una idea y transformarla en un plan de trabajo
de un film listo para empezar a producirse. Este es desarrollado en forma de comics,
con cuadraditos separados que representan cada escena. En ellos se incluyen los ángulos
de cámara, efectos, transiciones, movimientos de cámara, títulos y créditos. A su vez, se
encuentran este estilo de Storyboard para el estudio y otro de mejor calidad, en color, y
montado en cartón para el cliente cuando es un film comercial.
El guión posee una gran relevancia en esta etapa. Al escribir el contenido del
guión se establece las diferentes ideas que conforman a la estructura de la película.
Además, se encuentra el estilo, que se utiliza para incorporar y mantener las
instrucciones que se llevarán cabo y cuando se realizarán. Este se divide en dos
columnas: en el lado izquierdo se ubica lo de la imagen (se escribe en mayúscula) y en
la de la derecha se encuentra el sonido.
En toda película animada los personajes son los elementos principales de
trabajo. Dependiendo de su creación nace la atención del público, es por eso que los
personajes tienen que ser atractivos y convincentes tanto física como expresivamente.
Siendo así, logran el éxito y la aceptación total del público. El creador de los personajes
animados debe visualizar las acciones naturales del ser humano, para luego plasmarlas
en sus dibujos, y lograr que estos sean reconocidos por el espectador. Unas de las
cualidades más importantes a la hora de diseñar a los personajes son las proporciones
que van a poseer sus cuerpos. El personaje debe ser reconocido y percibido por el
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 18
espectador cuando es visto desde diferentes puntos de vista. A su vez, es importante que
sea un diseño de fácil utilización para el staff de dibujantes, que son los que lo copian
del animador principal.
Las proporciones de los personajes son fijas, y deben ser conocidas y manejadas
por todos los que participan en la animación. Para ello se encuentra la hoja de modelos,
en donde se hayan las vistas de los personajes de frente, perfil, de tres cuartos frente y
de atrás. También se establece la hoja de relación de personajes, que se utiliza para
mantener una adecuada proporción entre ellos durante toda la película animada.
(Desplats, 2005).
La banda de sonido es un elemento trascendental en cada película animada, ya
que permite lograr un realismo mayor de la imagen y de la historia que se esta
visualizando. El sonido se produce cuadro a cuadro, al igual que la imagen. La unión de
ambos elementos se desarrolla y se sincroniza cuadro por cuadro, de acuerdo a lo que el
realizador quiere. La banda sonora está constituida por voces, música y efectos sonoros,
que al ensamblarse con la imagen logran la comunicación, reforzando la idea de la
película. Estos efectos pueden ser realizados antes de la etapa de producción, para guiar
el ritmo y timing de la imagen o pueden ser grabados después de la filmación,
trabajando con la imagen.
La sincronización de la imagen y el sonido tiene que ser exacta para que el
mensaje y el desarrollo de la animación sean creíbles por el espectador. Para ello, el
sincro labial, es uno de los primordiales elementos a tener en cuenta. El sincro de la voz
con la boca del personaje que pronuncia la palabra es fundamental. El acento de la frase
y la entonación guía al animador a la hora de gesticular la boca como el resto de los
aspectos de la cara junto con los movimientos del cuerpo. (Desplats, 2005, p.170 - 171)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 19
Producción:
La producción de una película de animación esta constituida por los siguientes
profesionales:
El productor: es el encargado de tratar con el cliente y de elaborar el presupuesto. A
diferencia de una película de acción real, no es un empresario, sino que cumple el rol de
administrativo y también el de jefe creativo del estudio.
El Director: es la persona que se encarga de guiar la película desde el punto de vista
creativo. Debe estar atento y observar en todo momento el desarrollo de la película. Se
encarga de instaurar un ritmo de trabajo y analiza cada toma desde un punto de vista
global. A su vez, se encarga de controlar la actividad de los grupos de trabajo.
El Layoutman: es el encargado de realizar los detalles de cada escena del film,
generándola con los encuadres definitivos. Esta persona es también el director de arte
del film, ya que decide el estilo de la película. Un layoutman debe dibujar a los
personajes de la misma manera que los fondos del film, en cuanto a su calidad.
El animador principal: es el dibujante que lleva a cabo los principales dibujos de cada
movimiento de los personajes animados. Es decir, dibuja la posición clave de cada
movimiento del personaje, tanto el primero, como la última pose del movimiento. En
cada dibujo clave, el animador realiza un diagrama a escala en donde se muestra la
relación de tiempos entre ese dibujo y el que le sigue. La cantidad de poses o dibujos
que el animador principal realice estarán relacionadas al ritmo que el director le quiera
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 20
otorgar al movimiento animado. Para una mayor aceleración utilizará menos poses del
movimiento, y para una mayor desaceleración utilizará más dibujos en el movimiento.
El animador asistente: se encarga de hacer los dibujos intermedios de un movimiento de
un personaje. Estos dibujos son los que se encuentran entre los dibujos claves de cada
movimiento, entre el primero y el último. El animador principal es quién le asigna la
cantidad de intermedios que el dibujante asistente debe realizar.
El dibujante a tinta y el colorizador: se encarga de trabajar con tintas negras y blancas,
también de colores y con otros tipos de pinturas. Es importante que estas se adapten a
las líneas finas que predominan en el trabajo de películas de animación para cine. Es
importante que este dibujante realice un buen trazado de contornos de los dibujos, ya
que estos dependen mucho de su forma lineal y al estar bien su contorno hace que el
movimiento tenga una buena fluidez y un buen estilo. A su vez, se encuentra el
supervisor que se encarga de controlar que los dibujos posean el trazado adecuado,
basándose en los dibujos originales y en el orden correcto. Luego los dibujos se envían
al departamento de coloración. En este lugar, se le aplican a los dibujos los colores ya
aprobados por el director, a través de un mezclador de color que posee información
acerca de que color y cantidad necesita cada unos de los personajes animados. Esta
persona desarrolla su trabajo durante todo un día y es supervisado por el jefe del
departamento de coloración. Las pinturas que se utilizan deben estar acorde con el
grado justo de opacidad, ya que deben durar para que estas no se salten, y a demás
deben secarse rápidamente. Generalmente estas personas, los dibujantes a tinta y los
coloreadores, son mujeres, debido a que este trabajo demanda una gran paciencia,
exactitud y limpieza.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 21
Comprobador: es el que comprueba que el material este bien antes de llegar a las
cámaras. Comprueba que cada cuadro tenga la transparencia bien utilizada, ya que de
esta manera se evita que se produzca algún error en el pintado, así como también en el
trazado de los personajes. Además, supervisa los fondos y todos los elementos
terminados de la animación, debido a que ante cualquier inconveniente podría llegar a
ocasionar un problema o defecto en el movimiento durante la reproducción de la
película en la televisión o cine. Al producirse alguna falla estos se encargan de
corregirlos, teniendo en cuenta que los mismos no sean grandes. Es muy importante que
las transparencias estén bien limpias, y es por eso que se estudian y analizan,
previamente a ser fotografiadas.
El cameraman: se encarga de exponer cuadro a cuadro a los fondos y las
transparencias. Su deber es fotografiar y es responsable de: las fotografías normales, el
trabajo de mesa, los acercamientos, rotaciones, los fundidos. Este logra que la
animación tenga un aspecto totalmente diferente de la animación, especialmente en el
momento que se la reproduce. Imprime los dibujos una vez que se encuentran
terminados, sobre las películas, teniendo en cuenta la secuencia adecuada que las
mismas poseen y que fueron otorgadas con mucha anterioridad. A la hora de fotografiar
un cuadro, el cameraman tiene en cuenta la exposición que debe utilizar para dicho
momento. Para ello, el director le brinda un gráfico con la exposición adecuada. A su
vez, en ese gráfico se encuentra la transparencia que debe utilizar, así como también, los
efectos especiales, los acercamientos con la cámara y los posibles fundidos a realizar
con cada cuadro en particular.
Hoy en día, los equipos que poseen los cameraman, contienen un foco automático de
seguimiento, que lo que hace es permitir que el foco no varíe a medida que se acerca o
aleja la cámara en el cuadro. De esta manera el cameraman puede tomar campos
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 22
cercanos o alejados sin tener que modificar el foco. Además se encuentran equipos que
logran que se pueda generar los movimientos de la cámara hacia varios lados y también
modificar sus velocidades. Esto se realiza a través de un control remoto. Se puede variar
de 35 mm a 16mm y de pantalla normal a panorámica.
El editor: su función es montar la película, pero también se vincula mucho con el
director, aconsejándolo, sobre que es conveniente para el cronometrado de la música,
los diálogos y los efectos etc. Cuando posee el sonido editado comienza el primer
montaje con los dibujos a lápiz. El editor en varios casos decide si debe adelantar o
atrasar algunos cuadros de la animación para lograr el mejor resultado de la misma.
El sonidista: se encarga de todo lo relacionado a la banda sonora. Verifica y superviza la
grabación de las voces, arma la banda musical y visualiza que la regrabación final de las
voces, efectos, el ambiente y la música esten acorde.
Pista Sonora: para que la pista sonora tenga una buena aceptación por parte del
espectador, es fundamental que la misma este en sincronización con las animaciones.
Esto hace creíble y atractiva a la animación. Las tres pistas sonoras son: las voces, la de
efectos y la pista que lleva la música. En los cartoons, el compositor debe expresar
exactamente el movimiento continuo que posee sus propios acentos y respuestas en
cada segundo de la partitura. La música debe crear una sensación particular y agradable
en el público y hacer que el mismo se compenetre en la animación, de manera que la
perciba con gran interés y disfrute de ella como si estuviera en ese mundo animado.
(Desplats, 2005, p.183- 203)
2.2 Tiempos de elaboración de las animaciones 2D y 3D.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 23
La elaboración de una película de animación lleva un gran esfuerzo y
dedicación. Desde la aparición de la idea en la preproducción, hasta el final de la etapa
de producción, el tiempo estimado es de 8 a 12 meses de trabajo. Eso depende del
estudio y del dinero que este posee, ya que el número de personas con que se dispondrá
para trabajar será mayor, y por lo tanto su elaboración será menos duradera. En
cualquier equipo o estudio de animación se encuentran dibujantes, animadores, gente
dedicada a esta profesión, además de un productor, director, entre otros. Estas personas
son de suma importancia ya que sin algunas de estas partes no se podrían realizar estas
clases de películas. Con el paso de los años las películas animadas fueron
evolucionando en cuanto a los medios y herramientas utilizadas, en algunas películas de
animación no tradicional la producción se lleva a cabo directamente por computadora,
haciendo que el tiempo de elaboración se menor. Esto se debe a que no se realizan
animaciones de los movimientos a mano alzada, sino que se elaboran directamente
sobre la computadora, de manera digital. Las películas animadas que se encuentran
elaboradas en 3D demandan tiempos de más de un año de elaboración. En algunos casos
como Shrek el tiempo de producción fue de 2 años aproximadamente.
Esto se debe a que se elaboraron cantidades de elementos digitales en
computadora. Para escenas de la naturaleza se realizaron 28.816 árboles digitales. A la
hora de hablar de los personajes, en esta película animada se elaboraron
aproximadamente 85 esculturas, para que una vez hechas estas los modeladores
digitalmente puedan realizar a los personajes. Este tipo de animación a simple vista
demuestra que el proceso de armado fue largo y arduo, aunque año tras año a través de
la animación, se busca representar la realidad, generando en los personajes animados
movimientos y gestos de los actores reales. Logrando atraer de esta manera no solo a los
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 24
más chicos, sino también a los grandes.
2.3 Principios importantes de la animación
Para poder llevar a cabo una correcta animación, todo animador debe tener en
cuenta una serie de puntos que son los siguientes:
1.Timing
El timing o tiempo es el principal punto que se debe tener en cuenta a la hora de
animar, ya que este es la esencia de la animación. La velocidad con que se desplaza el
objeto nos describe qué es y por qué lo hace. Si el movimiento de un personaje u objeto
es rápido, este será ágil, despierto. En cambio si el movimiento es lento, el personaje
puede estar cansado, ser grande, gordo etc. De cierta forma, el timing le brinda la
naturaleza que va a poseer los personajes y objetos dentro de una animación. Por lo
general, dentro de la animación de dibujos animados, el paso de un cuadro a otro es
rápido. En cambio, en la animación realista, estos suelen ser mas suaves, lentos, ya que
se deben incorporar poses intermedias entre las posiciones claves de un movimiento
animado. De todas maneras ambos necesitan de un gran cuidado de realización.
2.- Entrada y salida lenta a una clave (Ease In and Out or Slow In and Out)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 25
Este punto se rige de la aceleración y la desaceleración que produce un objeto o
personaje al alejarse o acercarse al punto clave. Por ejemplo:
Un brazo se detiene al acercarse a un cuadro clave (Ease In)
Una bola de bowling al estar cerca de un cuadro clave comenzará lentamente a
acelerar su movimiento para luego, una vez que tomo velocidad, tardará en detenerse
(Ease Out).
Estas aceleraciones y desaceleraciones son de gran utilidad dentro de las
animaciones, ya que para objetos como para personajes, se deben tener en cuenta los
Ease In y los Ease Out. La utilización apropiada de esta herramienta de animación, hará
que el movimiento animado sea realista o no, y que el espectador crea sus movimientos
como algo propio del objeto o personaje.
3.- Arcos (Arcs)
En la realidad, los movimientos que se producen generalmente son de manera de
arco. Es difícil que un personaje u objeto se mueva en línea recta, es por eso, que es
necesario crear trayectorias curvas en vez de rectas. Por ejemplo: cuando un brazo se
extiende, este tiende a hacer un movimiento de arco. Al generar un movimiento de un
personaje animado es necesario que la cabeza gire de izquierda a derecha, siendo en el
punto intermedio llevada hacia arriba y hacia abajo levemente dependiendo del lado
hacia donde se encuentra mirando, para que esta no parezca lineal o mecánico.
4.- Anticipación (Anticipation)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 26
Dentro de la animación la acción se constituye por tres etapas que son: la
preparación para el movimiento, el movimiento en si y la prolongación de la acción. A
esta primera etapa se la denomina Anticipación y es la más relevante de todo el
movimiento. En ciertos casos la anticipación es necesaria físicamente, por ejemplo: si
vamos a lanzar una pelota de tenis con la mano, el movimiento del brazo hacia atrás
será la anticipación, el lanzamiento en si mismo será la acción y el brazo descendiendo
y el cuerpo rotando sería la prolongación. Es decir, que la acción no sería interesante sin
la anticipación y la prolongación del mismo.
En la animación es imprescindible utilizar la anticipación para generar la
atención del espectador dentro del movimiento que sucederá después. La mayoría de los
movimientos de los cuerpos de los personajes necesitan de ella precisamente si este
parte de estado de reposo.
5.- Exageración (Exaggeration)
Dentro de las técnicas de animación, la exageración se utiliza para enfatizar y
acentuar una acción. Para que esta herramienta logre el objetivo deseado de la acción
del personaje, es necesario que se tenga en claro que partes se deben exagerar. Si esta es
bien utilizada, se logrará ver una acción realista, clara y destacada. La clave principal
de la exageración, es tomar a algún objeto o personaje y hacerlo mas extremo, con el fin
de generar en él más vida.
6.- Compresión y Extensión (Squash and Stretch)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 27
Se utiliza principalmente para generar una deformación en un objeto para lograr
que se haga evidente su manera de rigidez. Por ejemplo: al tomar una pelota de goma y
lanzarla hacia el suelo esta se deformará al impactar contra éste. A esto se lo denomina
compresión. Cuando luego comienza a subir y se estira por el movimiento se lo
denomina extensión. Lo primordial de generar estas compresiones y extensiones con un
objeto es que este no pierda su aspecto del volumen. Es decir que si un personaje o una
parte de un personaje no mantienen su volumen durante una compresión o una
extensión se perderá la credibilidad.
Esta herramienta es muy utilizada dentro de la animación con los músculos de
los personajes. También se utiliza en objetos rígidos para darle más vida en la
animación.
7.- Acción secundaria (Secondary Action)
La acción secundaria se produce como consecuencia de la acción principal. Es
decir que si un personaje mueve la cabeza los pelos se moverán también. Esta acción,
sin duda le brinda al movimiento interés, realismo al personaje y a la animación. Debe
ser notoria pero no sobrepasarse a la acción principal.
8.- Prolongación y acción superpuesta (Follow Through and Overlapping Action)
La prolongación es el movimiento final que se produce a través de una acción.
Por lo general, los movimientos no se detienen abruptamente por lo que continúan su
movimiento mientras que la acción principal ya se detuvo.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 28
La acción superpuesta se relaciona con la prolongación y la acción secundaria.
Esta se utiliza para que los movimientos de los personajes no sean robóticos, ya que la
idea es que si un personaje levanta ambos brazos a la vez, uno ascienda un poco más
rápido que el otro con el fin de brindarle naturalidad a la acción. Es decir, que estas
acciones están vinculadas directamente con la acción principal, ya que se producen a la
vez acciones superpuestas.
9.- Animación directa y animación cuadro clave a clave (Straight Ahead Action
and Pose-To-Pose Action)
En toda animación se encuentran dos maneras diferentes de animar: la
animación directa y la animación cuadro clave a cuadro clave.
En la animación directa, el animador realiza el movimiento de un personaje u objeto
cuadro a cuadro. Primero dibuja un cuadro, luego el segundo, etc, hasta finalizar la
secuencia deseada. Si bien es una técnica más libre esta puede traer dificultades con
respecto al tiempo de realización, ya que lleva mucho tiempo de elaboración.
La otra manera de animar es la de clave a clave, que es empleada por los
animadores que utilizan computadoras, sean estas animaciones 2D o 3D. En estas el
animador crea los cuadros claves de la acción, y la computadora interpola o realiza los
intermedios de ese movimiento.
La diferencia entre ambas es que con la animación clave a clave una vez
planificada la animación se conoce exactamente lo que ocurrirá a lo largo del tiempo,
mientras que con la animación directa no se sabe realmente cómo saldrán y el tiempo
que llevará realizar la secuencia hasta que se haya terminado.
10.- Postura (Staging)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 29
La postura es lo que presenta a la acción y a un elemento para que este sea
reconocido por el espectador. Es recomendable presentar un elemento de acción a la
vez, ya que si se utilizan varios al mismo tiempo los espectadores no podrán centrarse
en uno solo y no entenderán ninguno. Sin duda, la silueta de un personaje es vital para
esto, ya que si este esta en blanco y negro, será captado de la misma forma que si
estuviera en color por el que lo este viendo. Es de sumo interés que se piense muy bien
antes de elegir las poses de nuestros personajes, porque es necesario que estas sean
entendidas por la audiencia. En toda animación hay que tener en cuenta que si se
encuentran varios personajes en una misma escena, los del fondo presenten vitalidad,
pero al mismo tiempo que no sobrepasen a las acciones principales del personaje
ubicado en primer plano.
11.- Atracción (Appeal)
La atracción tiene que ver con la forma en que se presenta al personaje ante el
público, si este es atractivo y llamativo para ellos. Esto se mira de manera subjetiva ya
que a algunas personas lo estético puede gustar o no. Lo interesante de la creación de
los personajes es que estos sean atrayentes en cuanto a sus movimientos y forma de
desempeñarse. Sus actitudes son trascendentales, es por eso que una animación
interesante puede más que lo estético, ya que sin la actitud de los personajes no se logra
la captación del público.
12.- Personalidad (Personality)
Este punto no es un principio de animación, pero sin embargo, se debe tener en
cuenta ya que la personalidad que el animador le genera al personaje animado hará que
la película sea un éxito o no, depende de cómo fue pensado el accionar del protagonista.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 30
Sin duda la animación que representa al personaje debe distinguirse cuando éste está
contento o triste porque sino no se verá como real ante el espectador.
Esto nos hace pensar que los actores son personas tímidas, ya que utilizan a los
personajes animados para representar su manera de ser, su talento dentro del arte de la
animación.
(Thomas y Williams, 2000, p. 100-105)
2.4 Dinero empleado en animación 2D y 3D.
Para poder realizar una película de animación no solo se necesitan un gran grupo
de profesionales dedicados a esta disciplina, sino que también contar con un amplio
presupuesto para poder desarrollar las tareas necesarias de un film.
Si bien cada área de la producción esta divida por animadores, directores, sonidistas,
dibujantes cada uno es contratado para ese film en especial y durante el tiempo en que
la película animada se desarrolla.
El dinero invertido en películas de animación 2D es de varios millones de pesos
según las características del film, esto se debe a la cantidad de personal que se
contratará y al tiempo en que se tardará en llevar a cabo la misma. Aproximadamente,
una película de animación tiene un tiempo de preproducción, producción de 12 meses.
En Argentina Patoruzito, la película ha tenido una inversión de 2 millones de pesos,
debido a la gran cantidad de personal utilizado para su desarrollo y a los equipos
empleados.
Las películas de animación en 3D poseen grandes inversiones de dinero, pero no
solo por las personas que trabajan en ella, sino también por los equipos comprados para
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 31
las mismas, como ser computadoras con memorias y discos rígidos de gran capacidad
para poder lograr los efectos necesarios para cada film en particular y la edición de las
mismas.
Con respecto a las películas de animación por computadoras, en Argentina la
película Condor Crux fue la primera en desarrollarse. El tiempo de elaboración de la
misma fue mucho menor a una película convencional, ya que los personajes, escenarios
fueron desarrollados íntegramente en computadora haciendo que en 8 meses la misma
esté terminada.
A su vez, en países extranjeros como los Estados Unidos, el importe de dinero
asignado para los films es aún mayor. Las productoras como Dreamworks invierten en
cada película millones de dólares utilizando cantidades de personas para elaborarlas, y
a su vez, los últimos equipos tecnologícos que han surgido para ello. Tal es así que
hasta poseen programadores propios para generar diferentes maneras de crear a sus
personajes. Una de las películas taquilleras de Dreamworks fue sin duda Shrek que
logro mostrar en un personaje de apariencia extraña, interesantes propuestas por parte
de la calidad de los personajes y escenarios, centrados principalmente en la realidad de
sus personajes y en el empleo de nuevas e interesantes tecnologías.
Sin duda para cada animación tanto 2D o 3D se necesita de un capital
importante para invertir, pero a su vez, un gran equipo de producción, habilidosos
animadores y novedosas historias e ideas, porque sin ellas no se podrán elaborar
películas atractivas para los espectadores.
* Ver imágenes y más información en el capítulo 2 del cuerpo C (Anexo)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 32
Capítulo 3: Antecedentes de la animación Argentina.
3.1 Comienzos de la animación en Argentina
Pioneros Argentinos
Los primeros dibujos animados que surgieron en nuestro país fueron elaborados por
el dibujante Quirino Cristiani (Italiano emigrado al país). Quien ha desarrollado el
primer largometraje de animación tanto en versión muda como sonora mundialmente.
En el año 1916 patentó bajo el nº 15.498 un sistema de figuras articuladas. A su
vez, fue el primero en realizar películas animadas de propaganda, siendo estas mudas,
en el año 1927 y sonoras en 1932, utilizando rollos de 80 metros de extensión.
A la hora de hablar del primer film argentino de dibujos animados se encuentra La
intervención de la provincia de Buenos Aires (1916) una sátira hacia el gobernador Don
Marcelino Ugarte. En esa época no poseía conocimientos acerca de la técnica de los
dibujos animados, y tampoco se encontraban lugares para animar, como estudios y
máquinas, filmadoras adecuadas, pero sin embargo, Cristiani, una persona ingeniosa y
capaz, se las ingeniaba para llevar a cabo sus animaciones en una terraza de Buenos
Aires.
Unas de las características que utilizaba Quirino Cristiani era el trabajo con piezas
articuladas. Primero dibujaba las figuras, que eran de humanos o de animales y luego
los recortaba en trozos anatómicos. Estas piezas las ubicaba sobre un pizarrón colocado
en el suelo y en un caballete se encontraba una primitiva cámara filmadora Urban. A su
vez, utilizaba para la iluminación la luz solar y daba vuelta la manivela de la cámara
para imprimir cuadro a cuadro la animación. Para producir el movimiento Cristiani
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 33
movía las diferentes partes articuladas del personajes, primero la cabeza, y lo
fotografiaba, luego un brazo, etc. Generando de esta manera 16 movimientos de piernas
para dar un paso, y además los de la cabeza, brazos, bustos etc.
En 1916 produjo El Apóstol, una película satírica, que fue el primer largometraje de
animación del mundo. La misma duraba 1 hora y 10 minutos. Dicha película tuvo la
participación de un hijo de Laferrere y la colaboración artística de Diógenes Taborda.
Para dicha animación, Cristiani utilizó las figuras móviles, en donde las articulaciones
de los personajes fueron unidas por hilo negro para que no se rompieran sus uniones.
Este film animado se llevó a cabo en un estudio cerrado, en donde utilizó para la
iluminación reflectores que eran baterías de cocina que poseían dos carbones, generando
de esta manera una lámpara de arco. De esta manera es como se comenzaron a filmar
las primeras películas nacionales.
El 9 de noviembre de 1917, El Apóstol se estrenó en el cine Select Suipacha, y
Cristiani fue invitado a viajar a Europa y Estados Unidos para trabajar, pero él no
acepta y se queda en la Argentina.
Luego se realizaron películas de animación de la mano de Cristiani, como por
ejemplo: Peludópolis que fue el primer largometraje sonoro conocido en el mundo. Más
tarde, produce El Mono Relojero, Carbonada, El Chiste Animado, Entre Pitos y Flautas
(1941). También realizó el único film de cortometraje en colores Upa en Apuras.
Sin duda Quirino Cristiani fue un pionero en la animación Argentina y fueron
muy pocos los animadores que continuaron con esta tarea en el país, como ser: Pelele,
Ramón Columba, que elaboraron el film El viaje de Marcelo, una sátira política acerca
de los viajes del ex presidente Alvear a Europa.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 34
Para Quirino Cristiani, la animación es una especialidad en donde el animador
debe ser muy paciente y ser muy dedicado a la profesión, ya que demanda mucho
tiempo y en la época en que él animaba no era demasiado rentable. (Desplats, 2005,
p.27)
Dante Quinterno, nacido en Buenos Aires en el año 1908, fue el historietista,
editor y creador del famoso indio Patoruzú. En 1939, planificó un largometraje basado
en su personaje utilizado en tiras cómicas. Luego de viajar y visitar los estudios Fleicher
y Disney en los Estados Unidos formó su equipo de trabajo y realizó en 1942 el primer
filme argentino animado color, denominado Upa en apuros. Fue una película que
poseeía un estilo Fleischeriano y que fue un ejemplo por su calidad de animación.
3.2 Cine animado Publicitario Televisivo y Cinematográfico.
Dentro del ambito de la animación nacional fue José M.Burone Bruché, quién
comenzó en el año 1942 sus actividades como animador y reemplazó a Juan Oliva en la
agencia publicitaria Emelco. Este produjo films como Los consejos del viejo vizcacha,
una obra del poema nacional de José Hernández, Martín Fierro. Luego, en 1947 creó
una serie televisiva de animación denominada Refranes populares. Los mismos duraban
1 minuto. Además, realizó ciertas películas educativas antes de dedicarse íntegramente a
la publicidad.
Más tarde, en 1950 un estudiante de Bruché, Jorge Caro realizó una serie en donde el
protagonista era un conejo llamado Placido, quién era alegre y que tuvo mucho éxito,
especialmente en Puños de campeón. Luego de realizar varios cortometrajes similares,
Caro viajó a Perú y fundó su propio estudio de animación.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 35
En los años 50, se obtuvieron logros en el terreno del cine vanguardista.
Víctor Iturralde Rúa (1927), realizador y crítico del cine, produjo películas que fueron
dibujadas directamente sobre la película. Dentro de sus producciones se encuentran:
Ideitas (1952), Hic… (1953), Piripipi (1954) y Petrolita (1958).
También, Rodolfo Julio Bardi utilizó azulejos, cristal pintado, hilos y otros materiales
para realizar Composición en el año 1954.
En el año 1958 José Arcuri realizó dibujos de formas geómetricas para elaborar una
película abstracta de diez minutos denominada Continuidad plástica.
Se produjeron películas de muñecos realizadas por Carlos González Groppa. Entre
las principales se encuentran: Trío (1958), Franc (1959) y Magia (1960), las cuales
ganaron premios en algunos festivales internacionales.
Por los años 60 y 70 se produjo un fuerte crecimiento de las publicidades, de manera
que llego haber 450 minutos simultáneos de anuncios animados realizados por año en
argentina, una cifra envidiable para Europa. Se destacaban artistas como: Carlos
Contantini, Alberto del Castillo y el dúo de Gil & Bertolini.
Jorge “Catú” Martín realizó dibujos cómicos para revistas especiales antes de
dedicarse exclusivamente a la animación en los años 60. En los 70 dirigió alrededor de
200 cortometrajes basados en Mafalda, una niña que era rebelde y que fue creada por
“Quino”, Joaquín Lavado. Sin duda, esta historia de Mafalda tuvo un gran éxito, incluso
teniendo problemas con el ritmo, con el desarrollo y la argumentación, dejando en claro
y a la vista de que las tiras cómicas argentinas, se encontraban al mismo nivel que las
del resto del mundo.
(Bendazzi, G., 2004)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 36
Figura 1: Mafalda, de Quino. Historieta Mafalda. Fuente: Todo Historietas. Recuperado
el 5 de Febrero del 2009. Disponible en:
http://www.todohistorietas.com.ar/galeriaquino3.htm
Por otra parte, en esta década hubo una interrupción de los 3 canales de aire
privados más importantes, es por ello que se jutaron nuevamente y surgió una nueva
relación entre animadores y la animación de los Estados Unidos. Al traer nuevo
material extranjero esto revolucionó el ambiente de la animación, haciendo foco en la
exitosa técnica Stop Motion, que a su vez produjo nuevas maneras de animar utilizando
plastilina, muñecos y recortes.
El National Film Board de Canadá presento los films de McLaren y esto fue
muy seguido en el país por Victor Iturralde Rua. Sin duda los animadores y empresarios
de pequeños estudios, dedicados a películas publicitarias lograron por estos años que la
animación se encuentre en su mayor calidad.
En los años 70, uno de los pioneros dentro de la animación argentina, Simon
Fieldman regresa de Annecy, trayendo consigo, ejemplos de publicación de la ASIFA
(Association Internationale du Film Dánimacion) logrando que los animadores de
argentina se enteraran de su existencia. De esta manera muchos argentinos dedicados a
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 37
dicha profesión comienzan a desarrollar cortometrajes independientes, saliendose de las
animaciones comerciales solamente.
Años más tarde, en el `78 se comenzaron a formar grupos de animadores
provenientes de la animación publicitaria. Manuel García Ferré logra a través de su
estudio producciones nacionales recuperando de esa manera las pantallas del país. Esto
sin duda fue muy importante ya que de esta manera se produce la creación de la primera
asociación que nuclea a los animadores de argentina. Esta se llamo A.A.R.C.A.:
Asociación de Realizadores de Cine de Animación. A su vez, dicha asociación estaba
constituida por diferentes artistas, técnicos y empresarios que tenían estudios propios
con equipos que en ese momento no se podían importar al país. En los años 80 dicha
organización decayó junto con la producción publicitaria, realizando sus fundadores
proyecciones para socios, y difusiones generales, a través de Socios Honorarios a los
pioneros Dante Quinterno, Manuel García Ferré y Víctor Iturralde Rua, reconociendo su
exitosa trayectoria
(Desplats, 2008)
3.3 Manuel García Ferré. Icono de la animación nacional.
Biografía
Manuel García Ferré nació en el año 1929 en Almería, España. En el año 1947 arribó
a Argentina y a través de cortos publicitarios con personajes como Anteojito, Antifaz Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 38
consigue la fuente de ingresos para poder vivir. Con estos personajes generó diferentes
publicidades de marcas importantes del país como: Cacique, Aceite Cocinero y Nobleza
Gaucha entre otras.
Luego en 1952 García Ferré realiza su primer comic, denominado Pi pio, para el
semanario infantil Billiken. En Pi pio se presentaron por primera vez los personajes
Oaky e Hijitus. La particularidad de los personajes que creaba García Ferré era que en la
terminación de los nombres empleaba el sufijo itus, por ejemplo: Pichichus.
Otorgándole a los mismos, el manejo del latín por parte de él.
Más tarde, en 1964 crea su propia editorial y lanza su propia revista denominada
Anteojito. A demás realiza la enciclopedia para niños y jóvenes El Libro Gordo de
Petete y revistas como Muy Interesante y Ser padres hoy.
Con en el éxito de sus personajes, Manuel García Ferré comenzó a realizar episodios
semanales televisivos de la serie Hijitus. Luego en las decadas del 70 y 80, Ferré,
realizó diversas series animadas con nuevos personajes como: Calculín y la familia, El
libro Gordo de Petete y El Club de Anteojito y Antifaz. Dentro de los largometrajes que
generó se encuentran: Mil intentos y un Invento (1972) la cual fue reestrenada en el año
2001 con una nueva banda sonora y un nuevo título: Anteojito y Antifaz: Mil Intentos y
un Invento, Las aventuras de Hijitus (1973), Petete y Trapito (1975), Ico, el caballito
valiente (1981), Manuelita la Tortuga (1975) la cual fue reestrenada en el año 2005
basado en el personaje de María Elena Walsh y Corazón, las alegrías de Pantriste
(2000)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 39
Foto 2: Manuel García Ferré y sus creaciones. Fuente: La Nación Espectáculos.
Recuperado el 13 de Enero del 2009. Disponible en:
https://www1.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=2987
Foto 3: Anteojito, Hijitus y Pichichus. Fuente: Todo historietas. Recuperado el 5 de
Febrero del 2009. Disponible en: Disponible en:
http://www.todohistorietas.com.ar/ferre3.htm
Sin duda Manuel García Ferré fue un icono en la animación Argentina, ya que con
sus conocimientos y la creación de personajes autóctonos nacionales, genero que los
niños y jóvenes se interesarán en la animación nacional.
Foto 4: Los personajes de Manuel García Ferré. Fuente: Todo Historietas. Recuperado
el 5 de Enero del 2009. Disponible en: http://www.todohistorietas.com.ar/ferre.htm
Todo Historietas (2008). Hijitus y otros personajes de García Ferré. Buenos Aires.
Disponible en : http://www.todohistorietas.com.ar/ferre3.htm
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 40
Foto 5: Manuelita. Fuente: Cinenacional. Recuperado el 5 de Enero del 2009.
Disponible en: http://www.cinenacional.com/peliculas/index.php?pelicula=2354
* Ver imágenes y más información en la Pág. 4 del cuerpo C (Anexo)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 41
Capítulo 4 :Desarrollo de la animación con la técnologia digital
Sin duda el comienzo del siglo XXI fue muy importante para la animación
argentina. Tanto es así, que el país comenzó a coproducir películas de animación. En
aquellos principios de siglo, se comenzaron a ver una mayor cantidad de artistas y
técnicos de animación tradicional, clásica y digital, que le proporcionaron el estilo
profesional indispensable para poder llevar a cabo una ascendente industria de medios
audiovisuales. Esto se comenzó a lograr a través de trabajos permanentes y proyectos
tanto a corto como a largo plazo. De esta manera, se comenzó a coproducir con España
e Italia, dando a conocer de esta forma la calidad nacional y los costos competitivos de
la animación argentina.
4.1 Corazón, las alegrías de Pantriste. (2000)
La siguiente película, Corazón, las alegrías de Pantriste, fue estrenada el 13 de julio
del 2000. La misma fue dirigida y guionada por Manuel García Ferré.
Su historia es desarrollada por Pantriste, un pequeño leñador que vive en el bosque con
su familia y su amigo gnomo Mignon. Juntos deben enfrentarse a las malas acciones de
personajes como Neurus, Pucho, Serrucho y Cachavacha.
Cinenacional. (2009). Corazón, las alegrías de Pantriste. Buenos Aires.
Disponible en: http://www.cinenacional.com/peliculas/index.php?pelicula=2397
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 42
Foto 6: Pantriste, de Manuel García Ferré. Fuente: La Nación Espectáculos.
Recuperado el 13 de Enero del 2009. Disponible en:
https://www1.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=2987
Esta película se enfoca principalmente en una simple historia destinada al gusto de
los niños, utilizando para ello diversas canciones infantiles y la tecnología en 3D. Estos
elementos al conjugarse, permiten que los espectadores más pequeños sean asombrados
sin ser distraídos por ellos. El mensaje de Corazón, las alegrías de Pantriste, se centra
en la felicidad y en demostrar la importancia de la familia en la vida.
Azzaretto, R. (2009). Reviews: Larguirucho ataca de nuevo.Buenos Aires. Disponible
en: http://fotograma.com/notas/reviews/534.shtml
Si bien la película contiene la unión de elementos 2D con 3D, García Ferré sostiene
que lo esencial de la animación no son los medios con que se los realiza, como ser la
tecnología, sino el desarrollo de la historia que se presenta.
Manuel García Ferré afirma: “Parecería que únicamente hay noticia cuando a una
película se le agrega un ingrediente tecnológico”.
Para esta película se utilizaron equipos tecnológicos para los efectos especiales
similares a la supercomputadora Domino, empleados en films como Titanic. La unión
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 43
de los animadores y de las herramientas tecnológicas hicieron que se invirtiera
$4.300.000 aproximadamente, similar a la suma de Manuelita.
L. (2000) LA NACION Espectáculos: “Las secuelas son un fraude”.Buenos Aires: LA
NACION.
Disponible en: https://www1.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=2987
4.2 Análisis de Los Pintín al Rescate (2000)
4.2.1. Técnicas utilizadas
Los Pintín al rescate es una película que se estrenó el 13 de Julio del 2000 en el
país. Su realización presenta una animación tradicional, generando los movimientos y
acciones de los personajes, cuadro a cuadro, a mano alzada. Luego estos personajes
realizados en 2D, fueron trabajados digitalmente generando los colores y contornos de
los personajes en la computadora. A si mismo, se elaboraron elementos de decorados en
3D para enriquecer a la película en cuanto a la estética. Sin duda al visualizar el
largometraje animado, uno puede ver la calidad de sus dibujos y la acertada paleta de
colores que se utilizaron para diferenciar y contrastar los personajes principales de la
historia y los fondos que la conforman. Haciendo que la unión de estos dos elementos
importantes produzcan una buena lectura y credibilidad de la historia.
A su vez los personajes de la historia poseen una estética trazada en los años 60,
donde los ojos de los pinguinos son de gran tamaño y sus acciones son antropomórficas.
El mensaje de la misma es bueno ya que posee una idea ecologista, y continúa con la
idea de la serie de la televisión.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 44
Juan Garf (2000). Con un planteo Sencillo. Clarín: Espectáculos. Buenos Aires
Disponible en: http://www.clarin.com/diario/2000/07/13/c-01106.htm
A la hora de hablar de la elaboración técnica de la animación, podemos
encontrar que lo primero que se hizo antes de empezar a dibujar fue grabar las voces
que iban a poseer los personajes, de esta manera, cuando el actor dijera el diálogo
correspondiente y se expresara mediante su rostro, gestos y timbre de voz, esto le
ayudaría al dibujante para elaborar las expresiones y las características de los personajes
de la historia. La elaboración de esta película al igual que muchas otras contó con un
plan estratégico de producción, en donde día a día se iba desarrollando lo pactado desde
un principio, aunque a veces esto varía en caso de que se produzcan ciertos problemas o
atrasos.
La sincronización del sonido y la imagen se encuentran en un lugar esencial en
la animación, es por eso que al finalizar con las voces de los actores se continuó con el
desgloce del audio al cuadro. En esta etapa se produce la unión del diálogo y la imagen
y también se dibuja la boca del personaje, sus movimientos, basándose en como se
escucha el sonido.
En las películas de animación las voces que se les otorgan a los personajes deben
ser creíbles para que el espectador al escucharlo hablar crea en el personaje y en la
manera en que se expresa. En toda película de animación, el doblaje se realiza con
actores reales, que son los encargados de generar las risas y las onomatopeyas de los
personajes. Este período ocupa un 20% final del dialogo de los personajes animados. En
esta se doblan únicamente frases completas cuando en la historia ocurren movimientos
como empujones o un puñetazo sobre la mesa. Al ser la voz capturada inicialmente más
plana, se vuelve a registrar, ahora con los matices y quiebres del caso. (De Biase, 2000)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 45
4.2.2 Descripción y características principales del film
Para realizar esta película la Productora Patagonik Group y Bujos, tuvieron que
contar con 62 personas repartidas entre las áreas de producción y postproducción. Con
32 dibujantes esta película batió un record en tiempos de elaboración, ya que en sólo 6
meses fue terminada. Un film de estas características habitualmente se realiza en 2 años,
contratando a su vez a 250 personas.
Dentro de lo que es la productora Patagonik Group se encuentran diferentes
salas de elaboración del film. Luego de que los fondos y personajes fueron elaborados a
mano, un sector de animación de 4 personas digitalizan y pintan los diferentes cuadros
de la animación. Seguido a esto los envían a otras máquinas de animación que poseen
el nombre de Flame o Toonz. Dentro de lo que es el área de postproducción se
encuentra un equipo de trabajo que se encarga exclusivamente de que el largometraje
animado tome la resolución adecuada para que sea cinematográfica. Para ello, se integra
las diferentes técnicas implementadas en los diferentes espacios, lugares, que se
encuentran pintadas en 2D. La iluminación en toda película animada modifica el color
original establecido y genera las sombras de los objetos y personajes. Esto produce un
minucioso análisis con las máscaras y los efectos especiales para conocer si son las
correctas. A esto se le deben sumar los movimientos de la profundidad de campo y
chequear que la postproducción tradicional este bien potenciada con los efectos
especiales.
(Álvarez, F. y Ferretti, A., 2000)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 46
4.3. Análisis de Cóndor Crux (Patagonik / Tornasol, 2000)
4.3.1 Técnicas de la Animación
Condor Crux es una película de animación argentina que fue desarrollada
íntegramente en computadora por primera vez en el país en 3D. Fue dirigida por Juan
Pablo Buscarini, Swan Glecer y Pablo Holcer y estrenada en el año 2000 en el país.
Esta animación presenta una elaboración de personajes en 2D, donde sus movimientos y
acciones fueron elaborados de manera digital. Los fondos de la historia fueron
realizados en 3D haciendo que los protagonistas se muevan por espacios que parecen
reales. Al ver la película, uno puede percibir que durante el transcurso de la historia, se
producen una diferencia notable entre los diferentes planos. En especial en los primeros
planos donde estos no se unifican del todo con los fondos, dejando claro y a la vista que
unos fueron realizados en 2D y las locaciones en 3D. De todas maneras, el nivel de la
producción genera un interés hacia el espectador, y más si se tiene en cuenta que es la
primera vez que se produce una película de esta índole en el país.
4.3.2 Formato y propiedades de la película
La película animada Condor Crux se llevó a cabo en tres formatos diferentes para
poder comercializarla: en rollos de película para cine de 35mm, en DVD y en VHS.
Estos tres formatos le permitieron a Patagonik Group comercializar la animación una
vez finalizada cubriendo todos los medios de reproducción posible para llegar al
espectador. Si bien no tuvo una gran concurrencia de público en el cine, el alquiler y la
compra de los DVDs de la misma tuvieron una mayor aceptación por parte del público.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 47
Con respecto al DVD, el mismo esta integrado por diferentes elementos que lo
hacen interactivo, donde el espectador no solo puede visualizar la película sino también
jugar, seleccionar las escenas preferidas, ver el video clip y el trailer de la misma. Sin
duda su contenido continúa con la estética del film y con la tecnología implementada en
la película.
Con respecto a este film animado Juan Pablo Buscarini afirma:
El cine de animación y el arte digital democratizan un poco la posibilidad de plasmar
las ideas en la pantalla. Una película como Cóndor Crux no se podría haber llevado a
cabo en Argentina con actores. Ese tipo de producciones estaba vedado para nuestro
país y otros, ya que prácticamente sólo podía realizarse en estudios de Hollywood, con
un enorme presupuesto y efectos especiales.
(2008) El cine de animación y el arte digital democratizan un poco la posibilidad de
plasmar las ideas en la pantalla. Buenos Aires. UP.
Disponible en: http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/noticiasdc/detalle.php?
id_noticia=482
El 29 de mayo del 2001, en el Teatro Nacional Cervantes, se le otorgó a la
película animada Condor Crux el Cóndor de Plata al mejor dibujo animado. Dicho
premio fue entregado por el titular del Instituto Nacional de Cine y Artes
AudioVisuales y por la Asociación de Cronistas cinematográficos. Estos premios
correspondían a lo mejor de la producción fílmica elaborada en el año 2000.
Diario La Nación. (2001). Espectáculos: Los Condor de Plata. Buenos Aires.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 48
Disponible en: http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=308746
4.4: Análisis de DIBU 3, la gran aventura (Patagonik / 2002)
La siguiente película argentina fue estrenada el 18 de julio del 2002. Dirigida
por Raúl Rodríguez Peila quién le otorgó al film un aspecto más distintivo e interesante,
se logra crear una tercera saga de este personaje Dibu dentro de la pantalla grande. La
misma presenta al igual que las otras películas de Dibu, la unión de los personajes
animados realizados en 2D con los actores reales. Su elaboración requiere de mucho
tiempo tanto para la creación de los personajes animados, como para la actuación de los
actores reales, que fingen hablar con los dibujos, en este caso Dibu. En ella los actores
son los mismos que en las ediciones anteriores, generando una continuidad de la historia
y de los personajes pero modificandosé esta vez,las aventuras de Dibu y de su familia
Esta película presenta una mejoría en la calidad de la animación teniendo en
cuenta a las primeras versiones. El aspecto estético de los dibujos, la banda sonora, la
música y la dirección de arte generan un avance en su creación, otorgándole al film un
aspecto moderno y de calidad.
A su vez, en la película se utilizó para su elaboración nuevas técnicas de
animación, como ser los marcianos que se encuentran en la película fueron realizados en
3D a través de software de última generación. Los personajes como Dibu y Maggi que
son dibujados en 2D poseen movimientos naturales y reales. Estos son más evidentes si
se comparan con las películas anteriores. Estas características realzan a un proyecto
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 49
audiovisual generando un destacado movimiento con la sincronización del sonido, y así
enviar el mensaje hacia el espectador para su compresión.
La animación presenta una gran mejoría en cuanto a la forma en que se produjo,
pero no así a la historia en si del film, ya que carece de sentido.
En Dibu 3, la gran aventura, la creación de los personajes es a mano alzada,
otorgándole una distinción especial al film, debido a que al ser los movimientos cuadro
a cuadro se percibe con mayor nitidez los contornos de los personajes. Los movimientos
tanto de Dibu como del resto de los personajes trasmiten credibilidad cuando se los une
con los personajes reales.
Desde el 2000 hasta el 2003, se produjo un avance en cuanto a los aspectos
digitales y las herramientas implementadas. Las animaciones en 2D desarrollaron un
cambio significativo en su elaboración, siendo notoria la mejoría en el trazado y en los
movimientos de los personajes. La incorporación de nuevas herramientas de trabajo,
más la creatividad de los animadores, y su continua evolución hizo que la animación se
acrecentara en estos años.
* Ver imágenes y más información en la Pág. 5 del cuerpo C (Anexo)
Capítulo 5: La expansión de la animación en la argentina. Fusión de la animación
2D y 3D
5.1: Análisis de “Patoruzito, la película” (2004)Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 50
5.1.1 Un poco de Historia
La historia de este personaje tan conocido en el país comenzó el 11 de octubre de
1945, en forma de historieta, conocido con el nombre de: Patoruzito. Este personaje fue
creado por Dante Quinterno (animador argentino).El mismo surgió como una figura
para un público más infantil que el ya popular Patoruzú, también de Quinterno. A su
vez, las tiras de Patoruzito eran dibujadas por Tulio Lovato y guionadas por Mirco
Repetto. Esta historieta contaba las aventuras de un pequeño cacique que era la versión
infantil del cacique Patoruzú. Con el tiempo, para desmentir esto, se realizaron
diferentes jets. A la hora de hablar del aspecto físico de Patoruzito, podemos decir que
se vestía de la misma forma que el cacique adulto, diferenciándolos principalmente en
sus rasgos físicos. Este personaje de historieta presentaba la cualidad de ser un chico
noble, valiente, fuerte y muy generoso. Era muy diferente a su mejor amigo Isidorito,
ya que este último era despistado y muy travieso. En las aventuras de las historietas,
Patoruzito debía enfrentar a personajes malos (ladrones, indios, ambiciosos extranjeros,
estafadores), generalmente interesados en robarles las tierras que heredó de su padre, el
cacique Patoruzek.
Luego, en 1952 Leonardo Wadel produjo un primer largometraje acerca de
Patoruzú denominado Upa en apuros, que mostraba una clara estética e influencia del
cine animado americano.
Finalmente, después de varios años de historietas acerca del cacique este
personaje llegará al cine. A través de los dibujos animados que incluye a todos los
personajes de la tira de historietas se comenzó a elaborar la idea de realizar la película.
En ella se encuentran principalmente Patoruzito, Pamperito su caballo, su hermano
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 51
Upa y su mejor amigo Isidorito entre muchos otros.
Terra (2004). Espectáculos: Patoruzito llega al cine. Buenos Aires.
Disponible en: http://www.terra.com.ar/canales/cine/93/93355.html
5.1.2 Patoruzito, la Película
Dicha película fue estrenada el 8 de julio del 2004, producida por Juan
Buscarini y dirigida por José Luis Mazza.
Patoruzito la película supera y produce un quiebre en lo que hasta entonces se había
producido en animación en Argentina. Implementado nuevas técnicas, mejorando la
calidad de animación y su estética, lo que asimilan a una película del nivel
internacional.
5.2 Técnicas de elaboración y de animación del film
Para elaborar Patoruzito, la película se buscó mucha información acerca de las
historietas realizadas de Patoruzito por parte Dante Quinterno. Se estudió e investigó
para saber que es lo que mostraba su autor y cuales eran sus personajes principales.
Su desarrollo se dividió en 3 etapas principales: preproducción, producción y
postproducción.
En la preproducción se buscó información acerca de la historia, la cual muchos
datos de la misma no se encontraban.
También se investigó datos acerca de Quinterno y se comenzó a desarrollar la idea
de la película. Luego de establecer la idea principal se empezó a realizar el guión. En
este guión se desarrolló la historia de la película y lo que iba a suceder. El paso
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 52
siguiente fue la construcción del Storyboard, que es contar la historia en pequeñas tiras
de imágenes. Debido a la historia y a los personajes establecidos en el guión se tuvo
que elaborar nuevos personajes que no estaban originalmente en las historietas, y que
eran necesarios para la película y su desarrollo.
El guión sin duda presenta una historía épica, donde se encuentra mucha acción y
humor llevados a cabo por los personajes. Busca representar a las constumbres
argentinas, con la comida, el mate, los paisajes del sur entre otras tradiciones.
Con respecto a la música, la participación de Los Nocheros, León Gieco y La Mosca
representan aún más los terminos argentinos y unen de manera apropiada los dibujos de
Patoruzito con la música nacional.
En la producción se comienza a llevar a cabo los diferentes dibujos tanto de los
personajes como de los fondos. Los movimientos realizados por los personajes de la
historia fueron elaborados cuadro a cuadro, dibujo a dibujo, por una gran cantidad de
dibujantes, que la suma de todos ellos produjeron 80 minutos de película. Para esta
etapa se necesitaron más de 40 animadores. Paralelamente a esto, se fueron
desarrollando los fondos ya establecidos para cada momento de la película.
Luego en la postproducción se produjo la parte de la digitalización por
computadora. En esta etapa los personajes y los fondos fueron escaneados y
digitalizados, otorgándole a estos sus colores, la iluminación virtual, y contornos
adecuados. También, se comenzó a grabar lo que son los diálogos que iban a tener los
personajes. Para ello los actores que ponen sus voces tenían con ellos una imagen del
personaje para mimetizarse con el aspecto de los mismos. Esto era muy relevante, ya
que en esta película era la primera vez que Patoruzito y muchos de los personajes de la
historia darían a conocer su voz.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 53
Uno de lo aspectos fundamentales de esta animación es que si bien la unión de los
personajes 2D y 3D se ven acorde, su desarrollo en 3D le permitió a la producción hacer
giros de cámara de 360° con los fondos, haciendo que el tiempo de fusión entre las
escenas de los protagonistas y los decorados sea menor . Logrando de esta manera algo
impensado dentro de la animación si se tuviera que hacer de manera tradicional
A su vez, se produjo la música complementaria que iba a acompañar cada escena de
la historia y se le aplicaron a la animación los efectos sonoros especiales. Por último, las
imágenes que se encontraban digitalizadas se pasaron a material fílmico de 35 mm. Con
este material se produjo el montaje, ordenando las escenas de la película.
Entre la fusión de los personajes elaborados en 2D y los fondos 3D, la calidad es
lo que principalmente se destaca en esta película. La tecnología utilizada y la estética
que presenta es muy interesante y nunca antes vista en el cine de animación nacional.
(Buscarini, J.P., 2005).
5.3 Desarrollo de los personajes 2D, decorados y objetos 3D
Para llevar a cabo el desarrollo de los personajes, el director, el guionista y
muchas personas más tuvieron que buscar información acerca de estos personajes en las
historietas ya realizadas de Patoruzito.
Además de los personajes principales de la historieta, se crearon muchos
personajes nuevos, debido a que el guión requería de los mismos. Para cada personaje,
se produjeron diferentes características, en cuanto a su forma de ser, pensar y de actuar.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 54
El protagonista principal, Patoruzito, es un cacique pequeño, que presenta una
forma de ser valiente, noble, bondadoso y muy cariñoso con su familia. En donde el
debe aprender muchas cosas de su madre y cómo debe hacer para atravesar los
diferentes obstáculos que se le presentarán cuando sea cacique de su tierra, saber como
defender cada árbol, animal de su lugar.
Luego se encuentra los personajes como:
La Chacha que es la madre de Patoruzito
Pamperito que es el amigo y caballo de Patoruzito
Isidorito que es el amigo y padrino Patoruzito
Upita, el hermano de Patoruzito.
Ñanqul, capataz de los Patoruzek
Capitán Cañones, padre de Isidorito
Chiquizuel, enemigo del indiecito
Chupamiel, enemigo del Indiecito
Dentro de los personajes nuevos se encuentran:
Cobul: cacique que lo pone a prueba a Patoruzito a ver si puede ser cacique de su tierra.
Ibolio: Es el indio sabio que lo ayuda a Patoruzito a vencer ciertas pruebas para ser
cacique.
Malen: Amigovia de Patoruzito.
Andriu Herguzon: Arqueólogo que busca fósiles en la Patagonia.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 55
Lo que se buscó principalmente de estos personajes es que conformen una
película animada familiar y bien representativa de Patoruzito.
En cuanto a su elaboración los personajes fueron dibujados a mano alzada, de
manera tradicional, cuadro a cuadro. Al mismo tiempo que se dibujaban los decorados y
fondos.
Estos dibujos de los personajes, que representaban los movimientos de los
mismos, fueron digitalizados con tecnología de última generación, lo que hizo fue darle
los aspectos digitales a los personajes utilizando la animación 2D. (Buscarini, J.P.,
2005)
En cuanto a los fondos muchos de ellos fueron desarrollados en 3D. La
realización de los escenarios de esta manera se debe a que esta técnica permite reducir
el tiempo de elaboración, y a su vez, el dinero para su producción, ya que se deberían
contratar una mayor cantidad de dibujantes para lograr que los fondos se vean de la
misma manera y calidad. Sin duda, la implementación del 3D hizo posible animar a los
personajes en 2D con los fondos 3D, permitiendo que para cada plano del personaje
fuera más fácil mostrar la perspectiva y los distintos puntos de vista de las locaciones.
Estos paisajes que correspondieron al sur de Argentina, precisamente a la Patagonia,
fueron desempeñados con software como el Maya, 3D Studio Max. A su vez, algunos
objetos de los decorados fueron realizados en 3D implementando los mismos software
mencionados anteriormente.
5.4 Dinero invertido. Tiempos de elaboración
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 56
La elaboración de Patoruzito, la película, se llevo a cabo en más de 1 año de
trabajo. El desarrollo estuvo constituido por 100 personas, los cuales 40 eran dibujantes.
En ella participaron animadores, técnicos, asistentes de animación, el director, guionista
entre muchas personas más.
Esta película estuvo desarrollada por las productoras Patagonik Group Film,
Telefé cine, Chagall Films y Red Lojo.
El dinero invertido en esta película fue aproximadamente de 2 millones de pesos.
(Buscarini, J.P., 2005). (Bolzico, L., Escudero, C., Pinto, C. y Kabe Salas, E., 2004).
Esta película unió las creaciones animadas nacionales con un personaje típico y
reconocido de Argentina como es Patoruzito. Generando un éxito en cuanto a la
concurrencia de espectadores que vieron la película durante las vacaciones de inverno.
Aproximadamente 2.500.000 de espectadores a las salas nacionales, sin contar que la
misma se vendió a países extranjeros, como España, Italia entre otros.
Telam (2006). Cine: Presenta la Película de dibujos animados, Patoruzito II. Buenos
Aires.
Disponible en: http://www.diariodecuyo.com.ar/home/new_noticia.php?
noticia_id=150293
• Ver imágenes y más información en la Pág. 15 del cuerpo C (Anexo)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 57
Capítulo 6: Presencia argentina en la animación mundial.
Hoy por hoy se encuentra un mercado enteramente globalizado a través de
productos audiovisuales de animación, que la demanda se inrementa al pasar los días. El
target del público que los consume es muy variado ya que se encuentran niños, jóvenes,
personas adultas que son consumidores de animaciones a través del cine, de la
televisión, de los sitios webs y hasta de los celulares. Sin duda, se produjo un
crecimiento de nuevas pantallas que agrandan el desarrollo de la comunicación de la
imagen y logran que se produzcan nuevos negocios para vivir.
Día tras día, surgen nuevos festivales y mercados de animación que permiten
aumentar el nivel del saber e intercambiar de alguna manera las producciones animadas
de diferentes países. A través de los cortos y largometrajes de animación crecen los
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 58
artistas y técnicos, logrando una mayor oportunidad de demostrar sus habilidades en la
disciplina animada. Estos hechos hicieron que diversos países como Canadá, el Reino
Unido o EEUU comenzaran a considerar las animaciones de Latinoamérica y de Asia,
interesándose en las producciones de las mismas y comenzando a buscar diferentes
sponsors para de esa manera coproducir con los países en desarrollo.
6.1. Técnicas de animación utilizadas en otros países
Un poco de Historia Extranjera
Durante las décadas del 80 y 90 el cine animado creció considerablemente. En
Europa, la caída de los regímenes comunistas del Este de Europa hicieron que la
cantidad de animaciones comerciales aumentara sin precedentes luego de estar limitados
por estas políticas.
En los Estados Unidos durante el comienzo de los 90’ Disney tuvo un gran
momento con sus realizaciones donde se encontraban películas animadas como La
Bella y la Bestia. Luego se produjo la reiteración del sentido de sus films y el continuo
seguimiento de las modas a desarrollar.
Disney dio un fuerte cambio a partir del año 2004, cuando dejó de lado los dibujos
animados. Por esos años, la productora PIXAR de John Lasseter logró un ascenso
considerable en el género animado desarrollando películas de la misma calidad o mejor
que Disney como ser: Toy Story, Bichos, Monstruos S.A. entre otras.
También se elaboraron películas como El Gigante de Hierro de Brad Bird, Pesadillas
antes de Navidad de Henry Selick.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 59
En Japón, el anime se convirtió en una industria relevante mudialmente. La gran
cantidad de series de televisión que realizaron y que producen son seguidas y miradas
por muchos espectadores. Con respecto a los largometrajes, en Japón, luego de
desaparecer durante los años 70, volvieron a presentarse de gran manera de la mano de
Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira de Katsuhiro Otomo. Este país
a creado varios estilos y técnicas diferentes dentro de la animación generadas por
animadores como: Mamoru Oshii, Satoshi Kon o Isao Takahata. Uno de los más
destacados directores de la animación japonesa es Miyazaki, que debido a sus
producciones animadas y sus interesantes historias se convirtió en un director conocido
mundialmente, ubicándose dentro de los grandes directores del cine real.
En Europa, precisamente en Francia la productora Folimage ha sido reconocida
por sus cortometrajes. A su vez, a la hora de mencionar los largometrajes se ubican el
éxito de Kirikú y La bruja de Michael Ocelot, como protagonistas de un nuevo camino
de la animación francesa. Se encuentran también numerosas películas animadas como
ser: Bienvenidos a Belleville elaborada por Sylvain Chomet, Corto Maltese: La cour
secrète des Arcanes de Pascal Morelli y La prophétie des grenouille producida por
Jacques-Remy Girerd.
En el Reino Unido se cita una de las más sobresalientes productoras de
animación que es Aardman animation. Esta productora, se dedica principalmente a la
elaboración de animaciones con plastilina. Su popularidad se debió a la saga de
cortometrajes de Wallace and Gromit, producida por Nick Park. Luego de esta exitosa
animación elaboró el largometraje Evasión en la granja del mismo director. Al mismo
tiempo se crearon animaciones de manera independiente dándole lugar a importantes
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 60
estudios como Bolexbrothers y ciertos elaboradores de cortometrajes como Barry
Purves, Phil Mulloy y los hermanos Quay.
Luego del crecimiento de estas productoras y de sus animadores, nuevos
animadores nacidos en los distintos países del este han elaborado cortometrajes de
animación. Se destacan: Garri Bardín, Aleksandr Petrov y Konstantin Bronzit (Rusos);
Aurel Klimt (creador del largometraje Fimfarum) y Jan Svankmajer (Checos) entre
otros.
Dentro de la animación Latinoamericána, en los años 60, se creó en Cuba los
Estudios de Animacion del ICAIC. En estos estudios se han creado diversos
cortometrajes, series y largometrajes. Uno de los más conocidos fue el denominado
Vampiroes en la Habana, dirigido por Juán Padrón.
Años más adelante, en Perú durante el año 2003 se creó el estudio Alpamayo
Entertaiment. Este estudio se dedica a la animación en 3D y en el 2005 presenta su
primer largometraje denominado Piratas en el Callao.
Con respecto a Argentina, durante más de 10 años se mantuvo un programa de
televisión llamado Caloi en su tinta, que se basaba en el género de la animación
exclusivamente.
En estos momentos, a la hora de hablar de la animación utilizada en los
diferentes países extranjeros como Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, entre otros al
momento, se encuentra sin duda una gran variedad de largometrajes animados
realizados en 3D. Las animaciones como Shrek, Pequeños Invasores, Cars, poseen una
animación basada en la tecnología implementada de la computadora. Desde hace varios
años los estudios de animación como Dreamworks Animation, Pixar, AARDMAN,
comenzaron a utilizar la profundidad y el volumen en sus películas, generando un Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 61
mayor realismo visual. A su vez, se empezaron a elaborar guiones más complejos, ya
que los pensamientos de los personajes son más reales, parecidos a los de los seres
humanos, haciendo que dichas películas fueran tanto para los niños como para los
jóvenes y adultos.
Para realizar la película Shrek Tercero el estudio Dreamworks Animation
implementó nuevas y mejores técnicas. Para su producción los artistas utilizaron
servidores como: HP DL 145 ProLiant y puestos de trabajo HP xw9330 con procesador
AMD Opteron(tm). Estos equipos y tecnología de punta les permitió que los personajes
posean más detalles en su calidad estética y al mismo tiempo trabajar en otros
elementos, como fondos, accesorios a una gran velocidad. A su vez, esto les permitió
desarrollar el pelo de Fiona uno por uno para generar una mayor realidad y
movimiento. Sin duda estos avances tecnológicos hicieron que los animadores tengan
mayor control sobre el personaje en cuanto a lo real y sobre las partes de sus cuerpos
para generar la animación.
La Butaca (2007). Notas de producción: Como se hizo Shrek Tercero. Buenos Aires.
Disponible en: http://www.labutaca.net/films/51/shrektercero4.htm
6.2 Nivel en que se encuentra la animación en Argentina.
A la hora de analizar las películas Argentinas no se produjeron muchas hasta el
momento, aunque desde hace muchos años, 1917, Quirino Cristiani elaboró la película
El apóstol, el país posee una historia eventual y salteada.
Se encuentran muchas historietas nacionales como: Mafalda, Hijitus, Anteojitos,
entre otras, pero muchas de estas nunca fueron llevadas al cine, sino que se quedaron en
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 62
el papel. De la productora de Manuel García Ferré aparecieron muchos personajes, los
cuales algunos solamente fueron llevados al cine.
Según Juan Antín (2004), la animación en la Argentina siempre se encuentra a
un paso de comenzar un camino hacia el éxito, el problema es que nunca se llega a
concluir un concepto.
También afirma que luego de El Apóstol muchos trabajos quedaron aislados en
el país, ya que éste ocasionó un gran impacto en su género, dejando a las películas
subsiguientes en un nivel de producción desmejorado, produciendo así el aislamiento de
éstas dentro de los medios y de lo social.
Mediante los años sesenta se le brindó importancia a la publicidad animada para
la televisión pero con la aparición de los militares muchos dibujantes fueron exiliados
del país.
Entre los años 1985 y 1995 Jaime Reyes Díaz, argentino radicado en
Hollywood, regresó al país para instalar en Buenos Aires un estudio de dibujo animado
destinado a coproducir con la famosa productora Hanna-Barbera sus series para la
televisión. Estas eran animaciones famosas como Pac-man, Snurfs, Pantera Rosa y
Scooby Doo, entre otros. Los mismos comenzaron a ser animados por dibujantes
argentinos que realizaron el dibujo animado clásico a lápiz. Ya el mercado de la
animación distribuía sus producciones desde los grandes estudios de USA, Canadá,
Europa y Japón hacia los países que se encontraban en desarrollo.
Luego, García Ferré tuvo que cerrar su estudio y la revista Anteojito, siendo el único
productor de largometrajes en el país. Su último éxito fue Manuelita, que estaba
inspirada en los cuentos de María E. Walsh. Esta película animada, convocó más
público que la película de Disney Tarzán, durante las vacaciones de invierno en
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 63
Argentina. Siendo la misma el mayor éxito de un dibujo animado hasta el momento en
el país. De esta manera, a través de la aceptación del público, las productoras de
películas de acción viva comenzaron a participar de las animaciones, dejando de lado
los actores reales por personajes dibujados.
La globalización, a su vez, introdujo en la televisión nuevas posibilidades de
producir, generando series de actores con el agregado de personajes dibujados, como Mi
familia es un dibujo, que luego de su popularidad se realizó en largometraje. Además,
con el avance de la técnologia varios comenzaron sus películas realizando los fondos en
3D, con operadores de CGI, pero luego al ver que los animadores digitales eran escasos
y los de los países extranjeros eran muy cotizados, eligieron encargar la animación en
2D obteniendo el resultado no esperado.
De esta manera se ha comprobado que la actitud empresarial llama a un productor o
director exitoso en videos o películas de acción viva para realizar un film animado, en
vez de recurrir al especialista profesional probado en la materia de la animación.
Evidenciando que ambas películas son diferentes, ya que en la animación los personajes
poseen características de vida solo cuando el animador le otorga el “anima”, la vida
propia y sus personalidades, siendo creíble para el espectador. (Desplats, 2008)
En la actualidad se comenzó a generar una nueva escuela de animación
independiente de cortometrajes por las distintas ciudades de: Rosario, Córdoba, Buenos
Aires entre otras.
Hace falta, por un lado, la formación de más profesionales en el dibujo animado,
para instalar más estudios con la calidad y la capacidad de producción industrial que
exige el mercado internacional, y por otra parte, dotarlas del gerenciamiento y la
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 64
dirección apropiada. Hay que incorporar a estos estudios los productores y directores
que se hayan preparado para conducir plantas que aseguran trabajo permanente a
muchos artistas y técnicos argentinos. Por lo tanto, disponer de verdaderos estudios de
animación permitirá dar más y mejor trabajo a más jovenes dibujantes y exportar más
talento argentino. Estos son los objetivos que inspiran a la Asociación Argentina de
Cine de Animación (A.A.C.A.), teniendo en cuenta que esta es la técnica con la que
nació la animación en el mundo.
(O., Desplats, comunicación personal, correo-e, Febrero 13, 2009)
A su vez, un gran ejemplo a seguir para que la animación argentina mejore es
lo que se implemento en Corea en 1994.
El gobierno coreano reconoció que había un potencial económico en la
animación y, al final de esa década, los estudios coreanos estaban generando la mitad de
la animación subcontratada mundial. En los últimos 10 años ha habido un mayor
empuje hacia la educación, y actualmente hay cerca de 130 escuelas de animación en
Corea. Los festivales ayudan a construir un ambiente donde el estudiante y los cineastas
independientes ven modelos para expresar sus propios pensamientos y voces, y para
contar sus propias historias.
(Desplats, O., comunicación personal, correo-e, Septiembre 15,2008)
Hoy en el 2008 se puede decir que la animación va en aumento debido a que la
calidad de los animadores nacionales ha crecido considerablemente, ya que hay un
mayor interés acerca de ésta profesión. (Papalini, V. A., 2006)
6.3. Nuevas organizaciones en el país.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 65
En el año 2002, la ASIFA (Asociación Internacional del Cine de Animación)
comenzó a celebrar el día internacional de la animación, el cual se conmemora el 28 de
octubre por la primera exhibición del teatro óptico del francés Emile Reynaud en París
(1892).
También, surge la asociación Nueva Mirada, que se ocupa de realizar los
eventos por primera vez en la Argentina. Estas celebraciones sin duda fueron un éxito,
debido a la participación de programadores y animadores que trabajaban a la vista del
público. La reunión de diferentes animadores logró que estas agrupaciones se volvieran
a juntar de manera reiterada, siendo estos profesionales independientes con
conocimientos para producir largometrajes simultáneamente.
En el 2006, la fecha de celebración, 28 de octubre, quedó afuera del calendario
de la Asociación Nueva Mirada, dándole lugar a la organización de la Asociación a
través de sponsors y fundadores que realizaron un aporte económico. Luego, el Centro
Metropolitano de Diseño donó la carpa del centro de exposiciones de Dorrego. Fue allí
donde se produjo el lanzamiento de una nueva asociación, siendo el 28 de octubre el
nacimiento de la Asociación Argentina de Cine de Animación (A.A.C.A).
Al año siguiente, los fundadores de la asociación continuaron con las propuestas
ante la ASIFA internacional y el 23 de abril en la Escuela de Arte multimedial “Da
Vinci” se firmó el acta constitutiva por los 20 fundadores, comenzando las actividades
de la A.A.C.A, siendo Grupo Argentino de la A.S.I.F.A internacional.
Actualmente, se encuentran tramitando la personería jurídica como una entidad sin
fines de lucro, haciendo modificaciones en los logotipos e isotipos y en el sitio web. La
A.A.C.A actualmente se encuentra en la búsqueda de socios, generando beneficios
importantes y atractivos que pueden producirse gracias a ser parte de la A.S.I.F.A
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 66
argentina, para los afiliados en el presente y para los que en un futuro se unirán a la
asociación.
La creación de A.A.C.A. permite la gestión ante autoridades nacionales y
municipales de ayuda financiera para la producción nacional de animación y su
consolidación como industria. Sin duda, la cuota de pantalla solicitada para la
proyección de los productos audiovisuales animados argentinos en televisión, permitirá
la vuelta a las mismas de los personajes de idiosincrasia nacional y de contenidos de
intereses afines al país.
Además al ser esta designada como Grupo Argentino de la Asociación Internacional
creada en 1960 por los popes de la animación mundial en Annecy (Francia) representa
el reconocimiento internacional a lo ya actuado y al trabajo que realiza hoy la Argentina
por el desarrollo de la Animación.
La realización del Festival de Animación de Buenos Aires consolida el Intercambio
de la animación del sistema de circuitos comerciales y de realizadores independientes y
estudiantes de todo el mundo consolida la actividad en pleno aumento de la animación
en el país.
(O. Desplats, comunicación personal, correo-e, diciembre 15, de 2008)
6.4 Festivales de Animación
A nivel mundial y también en Argentina por estos años se realizan diferentes
festivales dedicados a la animación exclusivamente. Estos reproducen largometrajes
comerciales, como también cortometrajes de diferentes características.
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 67
Dentro de los Festivales internacionales se encuentran:
• Annecy, en Francia • Zagreb • Anima Mundi, en São Paulo • Anima, en Argentina
Festivales de España
• Animadrid, en Pozuelo de Alarcón • Animac, en Lérida • Anima't, en Sitges • Animacor, en Córdoba
Festivales en Latinoamérica
• ANIMA - Festival Internacional de Animación de Córdoba, Córdoba, Argentina • ExpoToons Argentina 2008- International Animation Festival. Abasto – Buenos
Aires.• Loop, en Colombia
• CREANIMAX, Guadalajara, Mexico
• Tecnotoon Animation Fest, Mexico City, Mexico
En el año 2008, por primera vez Argentina envió un representante argentino al
Festival de animación de Hiroshima llevado cabo en Japón. Allí se presentó una
película denominada 90 años de Animación Argentina, estableciendo vínculos para una
futura visita de animadores japoneses a Argentina.
(O. Desplats, comunicación personal, correo-e, Febrero 13, 2009)
6.5 Productoras Argentinas
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 68
Dentro de las productoras que se encuentran en la Argentina, podemos citar a
Patagonik Group como una de las más importantes a nivel nacional.
Patagonik Group es una productora que nació hace pocos años con el fin de
establecer largometrajes, films animados y efectos de artes digitales. Ubicada en la
Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en en el barrio de Palermo, desde sus inicios se ha
dejado llevar por los aspectos cinematográficos, teniendo en cuenta la creatividad, lo
artístico y la capacidad de sus trabajadores para desarrollar importantes medios
audiovisuales.
Asi mismo, presenta diferentes unidades de negocios que son: Patagonik Film,
Patagonik Animación y Departamentos de efectos visuales. Dicha empresa a su vez,
posee un grupo de socios que son Artear Argentina, empresa audiovisual del grupo
Clarín y propietaria de Canal 13 y Buena Vista Internacional, que es una división de
The Walt Disney Company, la cual se dedica a distribuir los sellos de los largometrajes
Walt Disney Pictures, Touchstone Picture y Patagonik entre otras.
Además, se encuentra Patagonik Animación, dedicada exclusivamente a películas
animadas desarrolladas en Argentina. Patagonik Animación surgió en el año 1997 con
el fín de realizar diferentes animaciones, en la que se encuentra la película Dibu, la
película. Tal es así que se encuentra respaldada por Buena Vista Internacional, Artear,
Cinecolor y Polka, siendo de esta manera una productora líder dentro de Latinoamérica.
Desde sus inicios, en el año 1996, la misma ha crecido considerablemente en cuanto a
su producción, realizando series para televisión, comerciales y largometrajes animados.
Debido a la calidad de animación y a la manera de producir, dicha productora se ha
convertido en un referente dentro del ámbito de la animación, tanto de dibujos
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 69
animados, efectos especiales (FX) y animaciones en 3 dimensiones (3D). Esta empresa
sin duda busca el enfoque creativo a la hora de animar e implementar la calidad,
permitiendo que sus precios de elaboración sean competitivos a nivel internacional.
Además de elaborar animaciones para Argentina, también trabaja con clientes de
America Látina, Portugal, España e Italia.
A lo largo de los años dicha productora incorporó nuevos elementos
tecnológicos para poder desarrollar nuevas formas de animar. Adisionaron equipos
especialmente para la animación 3D y la postproducción digital, haciendo que de esa
manera el personal contratado no solo tuviera buenas ideas sino también equipos
necesarios para llevarlas a cabo.
Patagonik Animación incrementó notablemente desde sus inicios del año 1997 a
la actualidad trabajando con empresas de renombre dentro y fuera del mundo de la
animación. Algunas de las empresas son: Artear, Telefe, Bimbo, Polka Producciones,
entre muchas otras más.
Dentro de los films animados elaborados se encuentran: Los Píntin al rescate,
Patoruzito, la película, Dibu, Condor Crux, El Ratón Peréz, El Arca, El Guerrero sin
nombre, entre otras.
Patagonik Animación ha obtenido premios destacados por sus siguintes
producciones animadas:
El Ratón Pérez (Festival de Toronto Internacional 2006)
(Premios Goya, Mejor Largometraje animado de habla hispana)
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 70
(Cóndor de Plata, mejor film de animación)
El Arca (Cóndor de Plata, Mejor film de animación, 2007)
Patoruzito, la película (Ganadora Cóndor de Plata, Mejor film de animación, 2004)
Condor Crux (Ganadora Cóndor de Plata, Mejor film de animación, 2000)
Patagonik (2006). Patagonik animación: Premios. Buenos Aires.
Disponible en http://www.patagonik.com.ar/animacion.htm
* Ver imágenes y más información en la Pág. 20 del cuerpo C (Anexo)
Conclusiones
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 71
La elaboración del Proyecto de Grado acerca de la fusión de la animación 2D y
3D en la Argentina demuestra lo interesante y emocionante que es el mundo de la
animación. Es ahí donde se transfiere el esfuerzo que los dibujantes producen para
llevar a cabo los movimientos de cada personaje que son muy particulares y únicos, ya
que todo depende de lo que se quiera mostrar y contar; es la inspiración del dibujante
cuando se encuentra enfrente a la hoja en blanco. Sin duda esta profesión necesita de
extrema paciencia y dedicación, sin estas características nada se podría llevar a cabo.
Es por ello que quiero citar la frase de Jan Lennica que afirma, parafraseando a
Charles Chaplin: “El único cine artístico es el de la animación, pues solo en él, el
creador puede desarrollar con entera libertad su fantasía y realizar todo lo imaginado
por su cerebro”. (1960)
En Argentina la animación fue pionera, ya que a través del animador Quirino
Cristiani se produjeron los primeros cortos y animaciones del mundo. Este animador
marcó un paso muy significativo para el país como para el resto del mundo de la
animación, debido a que con sus pruebas, experimentos y técnicas pudo realizar El
Apóstol, primer largometraje animado del mundo.
De esta manera, el Proyecto de Grado desarrolla los inicios de la animación en el
mundo, pero el análisis se centra en la animación nacional. Estableciendo, que si bien el
cine argentino, tiene su lugar en la historia universal como materia de estudio, y además
la historieta nacional posee un capítulo de suma trascendencia en el comic mundial, no
sucede lo mismo con el cine de animación local.
Según Oscar Desplats (Presidente de la A.A.C.A.): En realidad no fue por falta
de producciones realizadas y exhibidas que no hubo conocimiento real y amplio de la
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 72
animación argentina. Sino que las causas principales fueron la desaparición de las
películas de los pioneros, la falta de un archivo de filmes producidos por productores
independientes y animadores profesionales y amateurs, debido a que los propios autores
no valorizaron lo determinante de su obra hacia el futuro.
(Conversación personal, Junio 26, 2008.)
A su vez, lo que obtuve como conocimiento en este proyecto de grado es que sí fue
siempre difícil sostener una industria de cine de actores de acción viva, pretender que la
animación llegue a producirse de manera industrial es tarea para grandes
emprendedores, profesionales capacitados y grandes inversiones de tiempo y dinero a
arriesgar en películas de mercado cinematográfico pequeño. Además, la televisión
tampoco fue ni es hoy día pantalla fácil para la animación originada en el país, cuando
las señales estaban acostumbradas a la proyección de productos que después de una
vuelta al mundo, llegan a la Argentina amortizados.
Las dos generaciones de dibujantes, animadores, empresarios que reinstalaron la
animacion nacional en las pantallas de cines y TV del país encontraron la manera de
instalarse en ellas primero, y evolucionar después hacia la calidad y cantidad necesaria
de minutos producidos, para llegar a las series y largometrajes que se realizan hoy día,
incluyendo la coproducción con países de Europa y América.
Así, las dos últimas mayores producciones argentinas, Manuelita y Patoruzito, han
vendido más localidades que todos los filmes argentinos de acción viva en el mismo
tiempo.
Personalmente compruebo que tampoco existe mucho archivo de animación en el
Museo del Cine, ni encuentro cantidad de libros editados. Por lo que mi investigacion se
Ramiro González – Proyecto de Grado – 2008 73
basa no solo en ellos, sino también en entrevistas a animadores y directores y en las
charlas, conferencias y seminarios que han dictado o de las bajadas a texto de las
mismas.
El tema del estado de la animación argentina en la actualidad es todavía materia de
debate en los festivales, que desde hace pocos años se celebran en el país y en las
reuniones de trabajo de los entes estatales con la ascociación y la cámara de animación
Argentina.
Luego de ondar sobre el tema comprendí que la animación nacional debe y
necesita el apoyo del sector político para su crecimiento, ya que sin él, sin la aparición
de cortos, series, como cuota de pantalla de los productos animados nacionales, nunca
se podrá generar un crecimiento en esta profesión, y por ende se seguirá trabajando para
el exterior, sin tener encuenta al destacado animador argentino.
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