Download - El grito de munch

Ana Galván Romarate-Zabala

Historia del Arte 2º Bachillerato

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COMENTARIO DE IMÁGENES: EL GRITO DE MUNCH (EXPRESIONISMO)

“La enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles que rodearon mi cuna y me siguieron durante toda mi vida.”

"No podemos pintar eternamente mujeres que cosen y hombres que leen: yo quiero representar seres que respiran, sienten, sufren y aman”.

Edvard Munch



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I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA -Esta lámina nos muestra una imagen de la célebre pintura El grito de Edvard Munch. Existen cuatro versiones de este cuatro y una litografía sobre la misma. La que vamos a analizar es la más conocida, y se conserva en el Museo Galería Nacional de Oslo (Noruega). Fue robada en 1994 y apareció meses después.1 -El AUTOR de El grito es el pintor y grabador noruego Edvard MUNCH (1863-1944).

Es el padre del expresionismo y de hecho fue denominado “el expresionista dionisíaco” dada su atormentada vida y obra. Nació cerca de Oslo. Su madre y una de sus hermanas murieron siendo él muy joven2. Su personalidad fue conflictiva, desequilibrada e inestable. Marcó su vida su salud quebradiza y la difícil relación con su severo padre. -En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Paul Gauguin, Van Gogh y el brillante colorido del neoimpresionismo. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color. De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. -En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó. En los años 30 y 40 los nazis etiquetaron su trabajo como "arte degenerado" y retiraron sus trabajos de los museos alemanes. Este hecho hirió profundamente a Munch, que había llegado a apreciar Alemania como su segunda patria. En enero de 1944, en una Noruega ocupada por las tropas alemanas, Edvard Munch muere como había vivido: completamente solo. En su propio país se le considera el único artista noruego de resonancia internacional.

-El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, Los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El Grito), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso). Sus figuras son etéreas, sus personajes solitarios y utiliza el color de forma arbitraria. También realizó bellísimos paisajes de los fiordos noruegos y numerosos retratos. Al morir, legó más de 1.000 cuadros, 15.400 grabados, 4.500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en su honor. -El grito está fechada en el SIGLO XIX (1893), por lo tanto pertenece al arte contemporáneo. Estilísticamente corresponde a la corriente artística denominada Expresionismo. La técnica es óleo, temple y pastel sobre cartón. 1 El Grito del Museo Munch de Oslo fue sustraído en el año 2004, junto con una versión de La Madonna. Ambas pinturas fueron recuperadas en agosto del 2006 aunque dañadas. Hoy, después de haber sido restaurada, se exhibe en ese museo. 2 A otra de sus hermanas le fue diagnosticada un trastorno bipolar.



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Autorretrato, 1895; autorretrato con vaso de vino, 1906; paisaje

-El Grito fue expuesto por primera vez en 1893 con poco éxito. Formaba parte de una serie de pinturas llamada “el Amor”, donde quería mostrar las diferentes etapas del enamoramiento, siendo el cuadro que comentamos, el último de la serie. Un crítico consideró la obra en general y El Grito en particular, tan perturbador que aconsejaba que no fueran a verlo ¡las mujeres embarazadas!. No siempre la pintura de Munch era angustiosa, Munch es mucho más que El Grito. Dos ejemplos: Mujeres en el puente, 1892; Noche de verano, 1899; claro de luna, 1895

-Por lo que se refiere a la TEMÁTICA, el título lo dice todo: El Grito. Es un paisaje con una figura-arquetipo que simboliza la angustia, la soledad, la frustración. Se ha señalado que es el alter-ego del propio Munch. Munch contó en su diario (c. 1892) una experiencia vital que está en el origen del cuadro: "Paseaba por un sendero con dos amigos. El sol se puso. De repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla, muerto de cansancio. Sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad. Mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad. Sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.”

-Por lo que se refiere a los ANTECEDENTES del cuadro debemos ponerlo en relación con otras obras de este autor, anteriores al Grito, en concreto dos cuadros de título también muy significativos: Desesperación y Ansiedad. En Desesperación, un hombre sin rostro parece otear el abismo en un paisaje inquietante. -Munch admiraba la obra de los pintores postimpresionistas, especialmente Van Gogh y Gauguin, aunque también Seurat y Toulouse-Lautrec. Especialmente con Van Gogh podemos encontrar muchos puntos de conexión3. -Los referentes de esta obra no fueron sólo artísticos. Su propia experiencia vital –llena de dramas

3 Entre los puntos de conexión Van Gogh-Munch podemos destacar el temperamento inquieto y desequilibrado, la pasión por la naturaleza y las formas ondulantes o la riqueza de colorido. Con respecto a Gauguin, el uso arbitrario del color y el gusto por las tintas planas.



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familiares y problemas mentales- unido a las lecturas filosóficas de Nietzsche y Kierkegaard4 fueron determinantes en la configuración de su producción artística.

Noche estrellada, Van Gogh, 1889; Moulin Rouge, Toulouse-Lautrec, 1892

-Según detalla Robert Rosenblum -un especialista de la obra del pintor-, la fuente de inspiración para la figura humana del cuadro podría haber sido una momia peruana que Munch vio en la Exposición Universal de París en 1889. -Por otro lado, como precedente del expresionismo, es indudable la importancia que tuvo Goya con sus célebres Pinturas Negras (1819-23), como por ejemplo Saturno devorando a sus hijos (Museo del Prado). Momia peruana que pudo ser su fuente de inspiración; la desesperación, 1891; atardecer en el paseo Karl Johann (1892); ansiedad (1894)

Dos ejemplos de las Pinturas Negras de Goya

-La ESCENA de el Grito se desarrolla en un paisaje de los fiordos noruegos en el que se vislumbra vagamente una ciudad, probablemente Oslo, que se recorta sobre una colina. En primer plano, aparece un personaje, pintado someramente. Se encuentra en un puente, parece fuera de sí, está tapándose los oídos, con los ojos dilatados por el terror, la mandíbula desencajada, y la boca abierta, en pleno grito. En segundo plano, al fondo del puente, encontramos otros dos personajes, son

4 Recordemos que el filósofo danés existencialista Kierkegaard fue el autor de la obra “El concepto de angustia”. También podemos relacionar la obra de Munch con dos autores coetáneos como Ibsen y Streinberg, que reflejan en sus escritos una sentimiento trágico de la existencia.



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esquemáticas figuras oscuras, que no sabemos si van o vienen. Al otro lado del puente, se aprecia un fiordo con veleros. -Desde el punto de vista formal, la composición se organiza en base al juego de verticales -figuras, y paisaje-, horizontales –cielo- y líneas oblicuas –puente. Predominan los trazos ondulantes y sinuosos –como vemos en el paisaje, el cielo o la propia figura que grita- aunque hay una profunda diagonal de marcadas líneas rectas. Todas las líneas de fuga convergen en el puente que se pierde en el horizonte. -El colorido es en líneas generales, antinaturalista, de paleta oscura pero muy intensa: encontramos tonos rojizos, azules y negros. Merece destacarse que el rostro-máscara del personaje principal es de sombrías tonalidades amarillas-verduzcas. Munch utiliza el color como vehículo de expresión de un dramatismo angustiante. Por lo demás, el cielo rojizo se ha interpretado como una alusión a la erupción del volcán Krakatoa, que se produjo a finales del siglo XIX y cuyos efectos se pudieron apreciar en buena parte del mundo. -En cuanto a la luz, no utiliza claroscuros. La perspectiva es diagonal y, violentísima. El punto de vista es muy bajo.

-La FUNCIÓN o FINALIDAD es hacer presente a través del lienzo las emociones más profundas. No presenta ninguna finalidad política, histórica o religiosa. Lo que quiere es mostrar en este caso, su estado de ánimo, su angustia y desesperación. En definitiva, el arte como medio supremo de expresión.

-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES Y SU SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA hay que ponerlo en relación con su coetáneo el pintor belga James Ensor (1860-1949) y especialmente con los expresionistas alemanes del grupo El jinete azul y el puente (primer tercio del siglo XX) a los que influirá indeleblemente.5

La muerte y la máscara, James Ensor, 1897; la danza, Emil Nolde, 1910; caballo azul, 1911, Franz Marc

-Es una de las pinturas más célebres del arte contemporáneo, así como un icono cultural de primer orden. Por desgracia, ha ensombrecido el resto de su interesantísima obra y además se ha convertido en un reclamo publicitario hasta la saciedad, perdiendo su carácter crítico y angustioso, y convirtiéndose, la mayor parte de las veces, en un mero objeto paródico. A todo ello se suma que la celebridad de este cuadro se ha disparado con la subasta de una de sus versiones el 2 de mayo del 2012 por 119,9 millones de dólares, en la casa Sotheby's de Nueva York, convirtiéndose así en la obra más cara del mundo vendida en una subasta. -En CONCLUSIÓN, el grito es la obra más emblemática de Munch. Fue una pintura verdaderamente revolucionaria en su época ya que preconizaba una nueva manera de mostrar la realidad, sorprendentemente moderna: el Expresionismo.

5 El grito se convirtió en la portada del Manifiesto del grupo expresionista alemán El Puente.



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II.- COMENTARIO DEL LENGUAJE ESTILÍSTICO AL QUE SE ADSCRIBE LA OBRA: RESUMIRLO -Estilísticamente esta pintura es expresionista. -El EXPRESIONISMO es una corriente artística de vanguardia que surgió en Europa a caballo de los siglos XIX y XX. Los “padres” directos del expresionismo fueron entre otros, Van Gogh, Gauguin, y Munch siendo Goya su precedente lejano. -Los expresionistas buscan “expresar” a través del arte su mundo interior. Enfatizan la fuerza expresiva del color aplicando tonos distintos a los que pueden verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros de color verde esmeralda. Creían que a través de los colores podían expresar sentimientos. No buscan la representación naturalista, por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas. -El expresionismo no es un movimiento homogéneo. Hay dos focos esenciales, el francés –llamado fauvismo- y el alemán –de los grupos El Puente y el Jinete Azul- y junto a ellos hay muchas individualidades. -El EXPRESIONISMO FRANCÉS6 es denominado el fauvismo. Nos ofrece la versión más alegre y hedonista de esta corriente pictórica. Tuvo como máximo representante a Henri Matisse (1869-1954). Matisse, escribó “sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón». Este pintor está considerado junto con Pablo Picasso como uno de los más grandes artistas del siglo XX. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. -La época de apogeo del fauvismo fueron los años 1903-7. Pertenecieron a la tendencia fauve los pintores Derain7, Vlaminck, Jawlensky y Dufy.

Tres obras de Matisse: La alegría de vivir; Lujo, calma y voluptuosidad; La habitación roja

6 El propio nombre de fauves, que en francés significa “fieras”, responde a la ocurrencia de un crítico, Louis Vauxcelles, cuando visitaba una de las salas del Salón de Otoño de 1905 en París. El Salón de Otoño de 1905 era una exposición de carácter oficial. En esa muestra expusieron varios pintores unos cuadros de colores chillones, aplicados a la figura de forma arbitraria y antinatural. En una de las salas se mostraba sobre un pedestal una escultura de aire renacentista y el crítico Louis Vauxcelles sentenció: "Donatello au milieu des fauves" (Donatello en medio de las fieras)

7 Derain consideraba a la pintura como una terapia que descarga emociones. También decía “los colores son para nosotros cartuchos de dinamita”.



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Derain, puente Charing Cross de Londres; Vlaminck, naturaleza muerta

-Por su parte, el EXPRESIONISMO ALEMÁN es un capítulo apasionante del arte de vanguardia. Se nutre de la tradición cultural germánica. Básicamente, aparte de grandes individualidades, el expresionismo alemán se aglutinó en torno a dos grandes grupos: Die Brücke –el puente- y Der Blaue Reiter –el jinete azul-(Kandinsky, F. Marc, etc.). -El grupo DIE BRÜCKE (El puente) se formó en 1905 en Dresde (Alemania) con una postura formal próxima a los fauvistas. Presentaban influencias de Gauguin y Van Gogh (uso arbitrario del color y en la deformación de la realidad) también de Munch, por su temática angustiosa (el miedo, la soledad, la mujer) y su deformación de la perspectiva. -Los artistas del grupo DIE BRÜCKE pretendían servir de enlace o puente entre todos los artistas de vanguardia. Por eso pronto acusaron la influencia del fauvismo francés. E. L. Kirchner fue el alma y guía de este grupo formado además por Erich Heckel y K. Schmidt-Rottluff. A partir de 1907 difundieron sus obras en exposiciones. Sus problemas se centraban en cuestiones de carácter técnico fundamentalmente. Adoraban la escultura de pueblos primitivos de África y Oceanía. En 1911 se trasladaron a Berlín y se les añadieron Emil Nolde, Max Pechstein y Otto Müller. -Por otro lado, en 1911 Kandinsky y Franz Marc fundaron en Munich el grupo DER BLAUE REITER (El jinete azul) de breve existencia. Se les unió Augusto Macke y funcionaron como grupo hasta 1914. Sus preocupaciones eran menos psicológicas y sociales que los del grupo “El puente”, interesándose más por las posibilidades espirituales de la pintura. Parece lógico que acabaron desembocando en la abstracción. En efecto, algunos de los artistas de este grupo como Klee o Kandinsky fueron abandonando paulatinamente la figuración hasta convertirse en abstractos, los primeros abstractos. Tres obras de Kandinsky: Otoño en Baviera, El jinete azul; Paisaje con iglesia

-Sensible y refinado, el ruso KANDINSKY de hecho fue uno de los primeros y más dotados representantes de la pintura abstracta, en su caso denominada “abstracción lírica”. Kandinsky escribió que “en general el color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma”.



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Kandinsky pensaba que para llegar al interior de las cosas, el camino es el color. Recordemos que el salto hacia la abstracción se produjo en distintos ismos entre 1910 y 1917 desde posiciones muy diferentes. -Este grupo no tuvo un programa muy definido, no tuvieron cohesión interna ni el sentido programático del grupo “El Puente” pero su formación y ambición intelectual fueron muy superiores. Kandinsky, sin ir más lejos, fue profesor de la Bauhaus8 y su labor literaria –De lo espiritual en el arte- es inseparable de su labor plástica. Frente al punto de partida literario de otros grupos de vanguardia, el modelo del Jinete Azul será la música: en este sentido recogen una tradición romántica. -Por otro lado Franc Marc, también imbuido de un profundo sentido religioso, decidió dedicarse a la pintura ya que el arte era para él un medio de captar el alma de las cosas, prescindiendo de las apariencias, y un medio a la vez de crear una nueva sociedad. Presentaba un profundo interés por los animales, que pintaba con colores fantásticos e irreales. Fuera de Alemania destaca en Viena la figura de Oskar Kokoschka, en Francia Rouault y Soutine y en España Gutiérrez Solana, entre otros. Por último, no podemos dejar de recordar que la corriente expresionista también llegó al CINE con películas emblemáticas como El gabinete del doctor Caligari (1919), Nosferatu, Metrópolis, etc. III.- ASPECTOS CRONOLÓGICOS Y CONTEXTO HISTÓRICO -Como ya señalamos anteriormente, CRONOLÓGICAMENTE esta pintura está fechada en el siglo XIX –año 1893- y pertenece por tanto al Expresionismo noruego. Fue pintada por este artista en su etapa de juventud. -Por lo que se refiere al CONTEXTO HISTÓRICO en el que cabe encuadrar esta obra, el siglo XIX, hay que señalar que fue una época de hechos históricos transcendentales. Con ese siglo nos situamos de pleno en la época contemporánea, época devoradora de novedades y de grandes cambios sociales, económicas, políticas… -La Revolución Francesa de 1789 había puesto en crisis a toda la sociedad del Antiguo Régimen. Sus efectos se hicieron notar no sólo en Francia: los ideales de “libertad, igualdad, fraternidad” encuentran amplio eco en las revoluciones burguesas que se desarrollan en la vieja Europa a lo largo del siglo XIX. Es el origen del Régimen Liberal, que en el caso de España tendrá como hito incontestable la promulgación de la primera Constitución española, la liberal de 1812 denominada “La Pepa.” -La burguesía o clases medias se van reafirmando como la clase rectora del siglo XIX (protagonizan varias revoluciones), mientras toman gran auge los movimientos obreros, surgiendo una nueva clase social: el proletariado. Es también el tiempo de los nacionalismos, tanto en su vertiente unificadora (Alemania e Italia) como independentista (Grecia). -En el siglo XIX se producen grandes adelantos técnicos y científicos: avances en la astronomía, química, medicina (vacunas…); surgen inventos como el teléfono, el telégrafo, la lámpara eléctrica… produciéndose progresos espectaculares en las comunicaciones. Además del ferrocarril, se construyen los grandes transatlánticos de vapor, y ya a inicios del siglo XX aparecen los primeros automóviles. -En el siglo XIX se desarrolla la Revolución Industrial en Europa, uno de los acontecimiento más transcendentales de la historia humana. Había surgido ya en Inglaterra en el siglo XVIII. Las consecuencias del desarrollo industrial fueron profundas en la sociedad, la economía, el arte. Las ciudades se industrializan, aumentando rápidamente el número de sus habitantes. -Por último, y muy en relación con la industrialización, los países europeos inician una frenética lucha por el control de los territorios y recursos de otros continentes: es el periodo de formación de los grandes imperios coloniales (Inglaterra, Francia, etc.)

8 La Bauhaus fue una prestigiosa escuela de arquitectura y diseño alemana, de enorme importancia en el desarrollo del arte del siglo XX.



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-En el terreno del arte y la cultura el siglo XIX es extraordinariamente rico con el surgimiento de diversos movimientos artísticos como el Romanticismo, el Realismo, el Impresionismo, el Postimpresionismo y toda una serie de revivals e historicismos (neogótico, neobarroco, etc.) -España comienza el siglo trágicamente con la invasión de los franceses en 1808 (Guerra de la Independencia) y termina con el Desastre de 1898 (pérdida de las últimas colonias españolas: Cuba, Puerto Rico, Filipinas). PARA SABER MÁS http://www.munch.museum.no/?id=&mid=&lang=en http://www.edvard-munch.com/ http://www.munch.museum.no/content.aspx?id=67 http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/index.htm http://www.youtube.com/watch?v=Dr86AGJhskI&feature=player_embedded http://www.youtube.com/watch?v=HQC0NvX-nhY&feature=player_embedded http://www.youtube.com/watch?v=ia6n5wprilQ&feature=player_embedded IMÁGENES Detalles de El Grito: El puente; personajes; el cielo rojo

Detalles de El Grito: al fondo de la imagen se vislumbra Oslo; el rostro como máscara del personaje principal



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Litografía El Grito. Restauración de la versión que se encuentra en el Museo Munch de Oslo

El Grito como icono cultural que traspasa fronteras y objeto de marketing