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Oscar 2015. El triunfo de lo
independiente Por: Gerardo Medina
Los últimos veinte años en la dilatada historia de los Oscar están repletos
de títulos de bajo presupuesto que han acabado por alzarse con la dorada
estatuilla. Desde que el cine independiente despuntara hacia finales de los
80 y principios de los 90, han aparecido propuestas modestas que han
arrasado en los premios de la Academia de Hollywood. “Slumdog Millionaire”,
“Crash”, “En tierra hostil”, “American Beauty”… incluso “El paciente inglés”,
aunque aparente lo contrario, podría considerarse un film de bajo coste,
especialmente si la comparamos con lo que cuesta una película hoy en día.
Pero todas las grandes triunfadoras en los Oscar, disfruten o no de
elevados medios económicos, tienen algo en común: son títulos muy del gusto
de la Academia, grandilocuentes, en muchos casos políticamente correctos,
y con aspecto de haber costado un pastizal.
Por primera vez, los Oscar desprenden aroma a cine independiente. Sólo
algunas pocas excepciones, como “American Sniper” o “Selma”, podrían no
incluirse en ese grupo. Porque este año la gran favorita, “Boyhood”, lo tiene
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todo para ser considerado un film outsider. Pequeña, nada grandilocuente,
sincera… La cinta de Richard Linklater es al cine indie lo que “Avatar” al cine
mainstream. Y no está sola. La acompañan “Birdman”, “La teoría del todo”,
“The Imitation Game” o “Whiplash, todas ellas sencillas y modestas. Sin
olvidar a Wes Anderson y su Hotel Budapest, que pese a su lujoso diseño de
producción, vestuario y maquillaje, no deja de ser otra de esas pequeñas
joyas del cine indie de su director.
Sin embargo, pocas veces menos ha significado tanto. Porque estamos
posiblemente ante el año con mayor calidad cinematográfica de la última
década, desde que en 2004 coincidieran la grandeza tolkiana de Peter
Jackson con el mastodóntico relato suburbial de Clint Eastwood en “Mystic
River”. Pero esta vez, en el lado opuesto de la grandeza. ¿Puede ganar una
cinta como “Boyhood”? ¿Se atreverá la Academia a premiar el triunfo del
cine independiente, o tirarán de lo ya conocido y galardonarán a otra
competidora menos arriesgada, más correcta, como las de Ava Duvernay y
Clint Eastwood? El Sindicato de Productores, la antesala del Oscar a mejor
película, ya le ha negado a “Boyhood” el status de mejor cinta de 2014. En su
lugar, otra independiente, “Birdman”, así que todo sigue en su sitio. Es
posible que, por tercera vez consecutiva, mejor película y director no
coincidan, y que premien la odisea de 12 años de Linklater con un Oscar en
esta última categoría.
Son las dos categorías sobre las que planean más dudas. Lo de
interpretación prácticamente está cantado, aunque a Michael Keaton le haya
birlado en el último momento el premio del Sindicato de Actores un tal
Eddie Redmayne. Pero Keaton sigue siendo el favorito de la crítica y la
prensa, al igual que Julianne Moore, J.K. Simmons o Patricia Arquette. Tanto
como los guiones de “Birdman” y “El gran Hotel Budapest”. Tanto como la
fotografía de Emmanuel Lubezki. Tanto como el Oscar a “Ida” o
“Citizenfour” a mejores cintas extranjera y documental, respectivamente, y
más habiendo eliminado a duras competidoras como “Fuerza mayor” o “Life
Itself”.
El tema de las ausencias daría para otro amplio artículo de opinión. Aún nos
rasgamos las vestiduras por la ausencia de “La LEGO película”, o del guión de
“Perdida”, a la vez que echamos de menos mayor presencia de “Foxcatcher”
y “Nightcrawler”, otras dos propuestas pequeñas pero soberbias. Y, por
supuesto, echamos en falta a Jake Gyllenhaal. Aunque ahí están “Relatos
salvajes” y Marion Cotillard para darnos una pequeña alegría.
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No merece ya la pena molestarse por las injusticias y los olvidos en unos
premios en los que obviar el talento y la calidad siempre está presente en
beneficio de los que siguen la estricta moralidad que rige la Academia, que
ya sabemos que está compuesta por varones de más de 65 años en su
mayoría. Este año todas son pequeñas, pero grandes. Y sobre todo valientes
y arriesgadas. Gane quien gane entre las favoritas, el cine independiente ya
ha triunfado.
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Nominaciones
Oscar 2015
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Guión original
o A.G. Iñárritu, N. Giacobone y A. Dinelaris Birdman o Richard Linklater Boyhood o Dan Futterman y E. Max Frye Foxcatcher o Wes Anderson y Hugo Guinnes Gran hotel Budapest
o Dan Gilroy Nightcrawler
Guión adaptado
o Jason Hall El francotirador o Graham Moore The imitation game o Paul Thomas Anderson Puro vicio o Anthony McCarten La teoría del todo
o Damien Chazelle Whiplash
Película documental
o CitizenFour L. Poitras, M. Bonnefoy y D. Wilutzky o Finding Vivian Maier J. Maloof y Ch. Siskel o Last days in Vietnam R. Kennedy y K. McAlester o The salt of the Earth W. Wenders, J. Ribeiro y D. Rosier
o Virunga O. von Einsiedel y J. Natasegar
Corto documental
o Crisis hotline: Veterans press 1 Ellen Goosenberg Kent y Dana Perry
o Joanna Aneta Kopacz o Our curse Tomasz Śliwiński and Maciej Ślesicki o The reaper (La parka) Gabriel Serra Arguello
o White Earth J.Christian Jensen
Montaje
o El francotirador Joel Cox y Gary D. Roach o Boyhood Sandra Adair o Gran hotel Budapest Barney Pilling
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o The imitation game William Goldenberg
o Whiplash Tom Cross
Dirección de fotografía
o Birdman Emmanuel Lubezki o Gran hotel Budapest Robert D. Yeoman o Ida Ryszard Lenczewski y Lukasz Zal o Mr. Turner Dick Pope
o Invencible Roger Deakins
Banda sonora original
o Gran hotel Budapest Alexandre Desplat o The imitation game Alexandre Desplat o Interstellar Hans Zimmer o Mr. Turner Gary Yershon
o La teoría del todo Jóhann Jóhannsson
Canción original
o Everything is awesome Lego, la película o Glory Selma o Grateful Beyond the lights o I'm not gonna miss you Glen Campbell... I'll be me
o Lost stars Begin again
Diseño de producción
o Gran hotel Budapest Adam Stockhausen y Anna Pinnock o The imitation game Maria Djurkovic y Tatiana Macdonald o Interstellar Nathan Crowley y Gary Fettis o Into the Woods Dennis Gassner y Anna Pinnock
o Mr. Turner Suzie Davies y Charlotte Watts
Diseño de vestuario
o Gran hotel Budapest Milena Canonero o Puro vicio Mark Bridges
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o Into the Woods Colleen Atwood o Maléfica Anna B. Sheppard y Jane Clive
o Mr. Turner Jacqueline Durran
Maquillaje
o Foxcatcher Bill Corso y Dennis Liddiard o Gran hotel Budapest Frances Hannon y Mark Coulier
o Guardianes de la galaxia Elizabeth Yianni-Georgiou y David White
Mezcla de sonido
o El francotirador John Reitz, Gregg Rudloff y Walt Martin o Birdman Jon Taylor, Frank A. Montaño y Thomas Varga o Interstellar Gary A. Rizzo, Gregg Landaker y Mark Weingarten o Invencible Jon Taylor, Frank A. Montaño y David Lee
o Whiplash Craig Mann, Ben Wilkins y Thomas Curley
Edición de sonido
o El francotirador Alan Robert Murray y Bub Asman o Birdman Martin Hernández y Aaron Glascock o El Hobbit Brent Burge y Jason Canovas o Interstellar Richard King
o Invencible Becky Sullivan y Andrew DeCristofaro
Efectos especiales
o Capitán América: El soldado de invierno D. DeLeeuw, R. Earl, B. Grill y D. Sudick
o El amanecer del planeta de los simios J. Letteri, D. Lemmon, D. Barrett y E. Winquist
o Guardianes de la galaxia S.Ceretti, N. Aithadi, J. Fawkner y P. Corbould
o Interstellar P. Franklin, A. Lockley, I. Hunter y S. Fisher
o X-Men: días del futuro pasado R. Stammers, L. Pecora, T. Crosbie y C. Waldbauer
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Película de animación
o Big Hero 6Don Hall, Chris Williams y Roy Conli o Los BoxtrollsAnthony Stacchi, Graham Annable y Travis Knight o Cómo entrenar a tu dragón 2Dean DeBlois y Bonnie Arnold o Song of the seaTomm Moore y Paul Young
o El cuento de la princesa KaguyaIsao Takahata y Yoshiaki Nishimura
Cortometraje de ficción
o AyaOded Binnun y Mihal Brezis o Boogaloo and GrahamMichael Lennox y Ronan Blaney o La lampe au beurre de yakHu Wei y Julien Féret o ParvanehTalkhon Hamzavi y Stefan Eichenberger
o The phone callMat Kirkby y James Lucas
Corto de animación
o The bigger pictureDaisy Jacobs y Christopher Hees o The dam keeperRobert Kondo y Dice Tsutsumi o FeastPatrick y Kristina Reed o Me and my moultonTorill Kove
o A single lifeJoris Oprins
Oscar honorífico
Maureen O'Hara, Jean-Claude Carrière, Hayao Miyazaki y Harry Belafonte
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¿Quién ganó
los Globos
de Oro?
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Mejor película dramática:
Nominadas:
Boyhood (Momentos de una vida)
Selma
The Imitation Game (Descifrando Enigma)
La Teoría del Todo (The Theory of Everything)
Foxcatcher
Ganadora: Boyhood (Momentos de una vida)
Mejor comedia o musical:
Nominadas:
Birdman
El Gran Hotel Budapest (The Grand
Budapest Hotel)
Into the Woods
Pride
St. Vincent
Ganadora: El Gran Hotel Budapest (The
Grand Budapest Hotel)
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Mejor dirección:
Nominados:
Wes Anderson por El Gran Hotel Budapest
(The Grand Budapest Hotel)
David Fincher por Perdida (Gone Girl)
Alejandro González Iñárritu por Birdman
Ava DuVernay por Selma
Richard Linklater por Boyhood (Momentos de una vida)
Ganador: Richard Linklater por Boyhood (Momentos de una vida)
Mejor actor dramático:
Nominados: Steve Carell por Foxcatcher
Benedict Cumberbatch por The Imitation Game (Descifrando Enigma)
Jake Gyllenhaal por Nightcrawler
David Oyelowo por Selma
Eddie Redmayne por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)
Ganador: Eddie Redmayne por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)
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Mejor actriz dramática:
Nominadas: Jennifer Aniston por Cake
Felicity Jones por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)
Julianne Moore por Siempre Alice (Still Alice)
Rosamund Pike por Perdida (Gone Girl)
Reese Witherspoon por Alma Salvaje (Wild)
Ganadora: Julianne Moore por Siempre Alice (Still Alice)
Mejor actor en comedia o musical:
Nominados: Ralph Fiennes por El Gran Hotel Budapest
(The Grand Budapest Hotel)
Michael Keaton por Birdman
Bill Murray por St. Vincent
Joaquin Phoenix por Vicio Propio (Inherent Vice)
Christopher Waltz por Big Eyes
Ganador: Michael Keaton por Birdman
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Mejor actriz en comedia o musical:
Nominadas: Amy Adams por Big Eyes
Emily Blunt por Into the Woods
Helen Mirren por Un Viaje de Diez Metros (The Hundred-Foot Journey)
Julianne Moore por Maps to the Stars
Quvenzhané Wallis por Annie
Ganadora: Amy Adams por Big Eyes
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Mejor actor de reparto:
Nominados: Robert Duvall por El Juez (The Judge)
Edward Norton por Birdman
Mark Ruffalo por Foxcatcher
J.K. Simmons por Whiplash
Ethan Hawke por Boyhood (Momentos de una vida)
Ganador: J.K. Simmons por Whiplash
Mejor actriz de reparto:
Nominadas: Patricia Arquette por Boyhood (Momentos de
una vida)
Jessica Chastain por A Most Violent Year
Keira Knightley por The Imitation Game (Descifrando Enigma)
Emma Stone por Birdman
Meryl Streep por Into the Woods
Ganadora: Patricia Arquette por Boyhood (Momentos de una vida)
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Mejor película extranjera:
Nominadas: Turist - Suecia
Gett: The Trial of Viviane Amsalem - Israel
Ida - Polonia
Leviathan - Rusia
Tangerines (Mandarinas) - Estonia
Ganadora: Leviathan - Rusia
Mejor guión:
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Nominados: Wes Anderson por El Gran Hotel Budapest
(The Grand Budapest Hotel)
Gillian Flynn por Perdida (Gone Girl)
Alejandro González Iñárritu, Nicolas Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bo por Birdman
Richard Linklater por Boyhood (Momentos de una vida)
Graham Moore por The Imitation Game (Descifrando Enigma)
Ganador: Alejandro González Iñárritu, Nicolas Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bo por Birdman
Mejor banda sonora:
Nominados: Alexandre Desplat por The Imitation Game
(Descifrando Enigma)
Jóhann Jóhannsson por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)
Trent Reznor y Atticus Ross por Perdida (Gone Girl)
Antonio Sánchez por Birdman
Hans Zimmer por Interstellar
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Ganador: Jóhann Jóhannsson por La Teoría del Todo (The Theory of Everything)
Mejor canción:
Nominadas: "Big Eyes" de Big Eyes - Lana Del Rey
"Glory" de Selma - John Legend y Common
"Mercy Is" de Noé (Noah) - Patty Smith y Lenny K
"Opportunity" de Annie
"Yellow Flicker Beat" de Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 1 (The Hunger Games: Mockingjay - Part 1) - Lorde
Ganadora: "Glory" de Selma
Mejor película animada:
Nominadas: El Libro de la Vida (The Book of Life)
Los BoxTrolls (The BoxTrolls)
Cómo Entrenar a tu Dragón 2 (How to Train Your Dragon 2)
Big Hero 6
La Lego película (The Lego Movie)
Ganadora: 'Cómo entrenar a tu dragón 2'
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Top 10 mejores
películas de 2014
Los Oscar en muchas ocasiones se olvidan de
grandes películas, por este motivo, nuestros
colaboradores han creado una serie de
rankings en los que incluyen bajo su juicio
personal, las mejores películas de 2014.
¿Cuáles son tus preferidas?
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TOP 10 MEJORES PELÍCULAS DE 2014
Por Gerardo Medina
(ordenadas de mejor a peor)
1. Enemy de Denis Villeneuve
2. Foxcatcher de Bennett Miller
3. Birdman de Alejandro G. Iñárritu
4. La Venus de las pieles de Roman Polanski
5. La isla mínima de Alberto Rodríguez
6. Nightcrawler de Tony Gilroy
7. Big Bad Wolves de Aharon Keshales y Navot
Papushado
8. La LEGO Película de Phil Lord y Christopher Miller
9. Whiplash de Damien Chazelle
10. El gran Hotel Budapest de Wes Anderson
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TOP 10 MEJORES PELÍCULAS DE 2014
Por Laura Magaña
(ordenadas de mejor a peor)
1.- Perdida
2.- La Teoría del todo
3.- Capitán América: El Soldado de Invierno.
4.- X-men: Días del Futuro pasado.
5.- Al Filo del mañana
6.- Bajo la misma estrella
7.- Ocho Apellidos Vascos
8.- El amanecer del Planeta de los simios.
9.- Guardianes de la Galaxia
10.- La Isla Mínima
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TOP 10 MEJORES PELÍCULAS DE 2014
Por Raquel Sanchez
(ordenadas de mejor a peor)
1. Birdman
2. Interestellar
3. El Hobbit: la batalla de los cinco ejercitos
4. Snowpiercer
5. Guardianes de la Galaxia
6. La LEGO película
7. El gran hotel Budapest
8. X-men: días del futuro pasado
9. Agosto
10. Nebraska
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TOP 10 MEJORES PELÍCULAS DE 2014
Por Carlos Benjamín
(ordenadas de mejor a peor)
1.- Saint Vincent
2.- Interstellar
3.- La Teoría del Todo
4.- Corazones de Acero
5.- Birdman
6.- Al filo del mañana
7.- Invencible (Unbroken)
8.- El Hobbit: La batalla de los 5 ejércitos
9.- Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1
10.- The Purge: Anarchy (The Purge 2)
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Estrenos de
Cine
febrero
2015
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Título: Bob Esponja: un héroe fuera del agua
Título Original: The SpongeBob Movie: Sponge Out of Water
Género: Animación, Aventuras, Familiar, Comedia
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Paul Tibbitt
Guión: Jonathan Aibel, Glenn Berger
Reparto: Antonio Banderas, Clancy Brown, Tom Kenny, Thomas F.
Wilson, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Mr. Lawrence, Kaitlyn
Ervin, Carolyn Lawrence, Noah Lomax, Jesica Ahlberg, Veronica
Alicino, Sirena Irwin, Lillian Ellen Jones, Chris Conner
Sinopsis:
Bob Esponja, el invertebrado marino famoso en el mundo entero,
desembarca en nuestro mundo para vivir su aventura más súper
heroica hasta la fecha.
Fecha de Estreno: Viernes, 06 de Febrero de 2015
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Título: El Destino de Júpiter
Título Original: Jupiter Ascending 3D
Género: Acción, Ciencia Ficción
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Andy Wachowski, Lana Wachowski
Guión: Andy Wachowski, Lana Wachowski
Reparto: Channing Tatum, Mila Kunis, Sean Bean, Gugu Mbatha-
Raw, Douglas Booth, Eddie Redmayne, James D'Arcy, Terry
Gilliam, Tuppence Middleton, Maria Doyle Kennedy, Vanessa
Kirby, Doona Bae, Christina Cole, Tim Pigott-Smith, Kick Gurry
Sinopsis:
Jupiter Jones (Kunis) nació bajo el cielo de la noche, y las
señales apuntaban a que estaba llamada a grandes cosas. Ya
mayor, Jupiter sueña con las estrellas, pero se topa con la fría
realidad de su trabajo como limpiadora de casas y un sin fin de
rupturas problemáticas. Y no empieza a ser consciente del
destino que le estaba aguardando hasta que Caine (Tatum), un
cazador ex militar genéticamente modificado llega a la Tierra
para perseguirla; y es que su firma genética la señala como la
continuación en la cadena de una herencia extraordinaria que
podría alterar el equilibrio de todo el universo.
Fecha de Estreno: Viernes, 06 de Febrero de 2015
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Título: Foxcatcher
Título Original: Foxcatcher
Género: Biopic, Drama, Thriller, Deportes
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Bennett Miller
Guión: E. Max Frye, Dan Futterman
Reparto: Steve Carell, Channing Tatum, Mark Ruffalo, Sienna
Miller, Vanessa Redgrave, Anthony Michael Hall, Guy Boyd, Brett
Rice, Jackson Frazer, Samara Lee, Francis J. Murphy III, Jane
Mowder, David Bennett, Lee Perkins, Robert Haramia
Sinopsis:
Sólo, hundido y sin recursos, el ex-campeón olímpico de lucha
libre Mark Schultz (Channing Tatum) es invitado de repente por
el millonario John du Pont (Steve Carell) para viajar a su lujosa
finca y montar juntos un equipo para los Juegos de Seúl 1988.
Mark aprovecha la oportunidad con la intención de salir también
de la sombra de su popular hermano mayor David (Mark Ruffalo),
prominente entrenador y ganador igualmente de la medalla
olímpica.
Pero una vez instalado Mark en el centro de entrenamiento de la
granja “Foxcatcher”, lo que en principio parece una relación de
amistad y respeto mutuo se vuelve algo más oscuro debido a la
personalidad explosiva de DuPont y la presión psicológica que
ejerce contra todos los de su alrededor. Fecha de Estreno:
Viernes, 06 de Febrero de 2015
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Título: Red Army
Título Original: Red Army
Género: Documental, Histórica
Nacionalidad: USA, Rusia
Año: 2014
Director: Gabe Polsky
Guión: Gabe Polsky
Reparto: Scotty Bowman, Mark Deakins, Vyacheslav Fetisov,
Anatoli Karpov, Alexei Kasatonov, Ken Kurtis, Felix Nechepore,
Vladimir Pozner, Tatiana Tarasova, Vladislav Tretiak
Sinopsis:
Se adentra en la historia de la Unión Soviética y la dinastía
deportiva más exitosa de la historia: el equipo de Hockey
conocido como El Ejército Rojo. Contada desde la perspectiva de
su capitán Slava Fetisov, la historia narra su transformación de
héroe nacional a enemigo político. Desde la URSS a Rusia, la
película examina cómo el deporte es un reflejo de los
movimientos sociales y culturales y establece un paralelismo
entre el ascenso y la caída del Ejército Rojo de hockey y el de la
Unión Soviética.
Fecha de Estreno: Viernes, 06 de Febrero de 2015
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Título:
Título Original: The Interview
Género: Comedia
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Evan Goldberg, Seth Rogen
Guión: Evan Goldberg, Seth Rogen, Dan Sterling
Reparto: James Franco, Seth Rogen, Randall Park, Lizzy Caplan,
Diana Bang, Tommy Chang, Charles Rahi Chun, Dominique Lalonde,
Timothy Simons, Steve Chang, Anesha Bailey, Harrison Lee, Ben
Schwartz, Aubrey K. Miller, Mercy Malick
Sinopsis:
En esta alocada comedia de acción Dave Skylark (James Franco)
y su productor Aaron Rapoport (Seth Rogen) dirigen un programa
de TV sensacionalista sobre famosos llamado “Skylark Tonight”.
Cuando descubren que el líder Norcoreano Kim Jong-un es un fan
del programa, organizan una entrevista con él en un intento por
demostrar al mundo lo buen periodistas que son. Pero en el
momento en que Dave y Aaron se están preparando para viajar a
Pyongyang, sus planes sufren un cambio cuando son reclutados
por la CIA para matar a Kim Jong-un.
Fecha de Estreno: Viernes, 06 de Febrero de 2015
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Título: Cincuenta sombras de Grey
Título Original: Fifty Shades of Grey
Género: Drama, Romance
Nacionalidad: USA
Año: 2013
Director: Sam Taylor-Johnson
Guión: Kelly Marcel
Reparto: Jamie Dornan, Dakota Johnson, Jennifer Ehle, Max
Martini, Marcia Gay Harden, Eloise Mumford, Rita Ora, Luke
Grimes, Callum Keith Rennie, Anthony Konechny, Victor Rasuk,
Dylan Neal, Emily Fonda, Jason Cermak, Julia Dominczak
Sinopsis:
Adaptación de la novela de E.L. James.
Cincuenta sombras de Grey es la esperada adaptación
cinematográfica de la novela del mismo título, que se convirtió en
un auténtico fenómeno global. Desde su publicación, la trilogía
Cincuenta sombras ha sido traducida a 51 idiomas y se han
vendido más de cien millones de ejemplares en formato
tradicional y e-book, convirtiéndose en la serie con más
ejemplares vendidos en menos tiempo en toda la historia de la
literatura.
Fecha de Estreno: Viernes, 13 de Febrero de 2015
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Título: La Señal
Título Original: The Signal
Género: Ciencia Ficción, Thriller
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: William Eubank
Guión: Carlyle Eubank, William Eubank, David Frigerio
Reparto: Patrick Davidson, Brenton Thwaites, Olivia Cooke, Beau
Knapp, Jeffrey Grover, Laurence Fishburne, Roy Kenny, Timothy
Holmes, Ricardo Campos, Drew Sykes, Lin Shaye, Robert
Longstreet
Sinopsis:
Nic (Brenton Thwaites), Haley (Olivia Cooke) y Jonah (Beau
Knapp) son tres estudiantes universitarios que están
planteándose su futuro. Haley se traslada durante un año y su
abnegado novio Nic, junto con su amigo Jonah, la están ayudando
con la mudanza a la otra punta del país.
Pero su viaje por carretera a través del Suroeste se ve obligado
a dar un rodeo para localizar a un genio informático que ya ha
conseguido colarse en los sistemas del MIT y sacar a la luz fallos
de seguridad. Nic y Jonah han despertado la curiosidad de este
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misterioso hacker, y viceversa. Cada vez se van acercando más,
se intercambian provocaciones online y el trío se ve atraído a una
zona aislada. Cae la noche, establecen contacto y de repente
todo se oscurece.
Cuando Nic recobra el conocimiento, se encuentra viviendo una
pesadilla. Sus amigos no aparecen por ninguna parte, pero está
decidido a localizarlos, sea como sea el estado en que puedan
seguir con vida. Su única pista es el hombre que lo está
interrogando meticulosamente, el Dr. Wallace Damon (el
candidato al Óscar, Laurence Fishburne). Damon expresa su
preocupación por la seguridad de Nic, e intenta evaluar el sentido
de la realidad del joven. Mientras se libra una batalla de ingenios
entre ambos, Nic busca un modo de liberarse.
Fecha de Estreno: Viernes, 13 de Febrero de 2015
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Título: El Francotirador
Título Original: American Sniper
Género: Acción, Biopic
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Clint Eastwood
Guión: Jason Dean Hall
Reparto: Bradley Cooper, Sienna Miller, Jake McDorman, Kyle
Gallner, Luke Grimes, Sam Jaeger, Brando Eaton, Keir O'Donnell,
Brian Hallisay, Eric Close, Owain Yeoman, Max Charles, Billy
Miller, Eric Ladin, Navid Negahban
Sinopsis:
De la mano del director Clint Eastwood, llega “El Francotirador”,
protagonizada por Bradley Cooper como Chris Kyle, el
francotirador más letal de la historia del ejército de los Estados
Unidos. Pero hay algo más en él aparte de ser un buen tirador.
El marine del grupo de operaciones especiales de la Marina de
Estados Unidos, Chris Kyle, es enviado a Irak con una sola misión:
proteger a sus compañeros de ejército. Su precisión milimétrica
salva incontables vidas en el campo de batalla y, a medida que se
extienden sus valientes hazañas, se gana el apodo de “Leyenda”.
Sin embargo, su reputación también crece detrás de las líneas
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enemigas, de manera que ponen precio a su cabeza y se convierte
en objetivo prioritario de los insurgentes. También se está
enfrentando a otra batalla en casa: ser un buen marido y padre
desde el otro lado del mundo.
A pesar del peligro, y del precio que, debido a su actividad, tiene
que pagar su familia en su país, Chris sirve durante cuatro
angustiosas misiones en Irak, personificando el emblema del
credo de los SEAL: “no dejar a ningún hombre atrás”. Pero al
volver a su casa,con su mujer, Taya Renae Kyle (Siena Miller) y
con sus hijos, Chris descubre que lo que no puede dejar atrás es
la guerra.
Fecha de Estreno: Viernes, 20 de Febrero de 2015
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Título: Ex Machina
Título Original: Ex Machina
Género: Drama, Ciencia Ficción, Thriller
Nacionalidad: USA, Reino Unido
Año: 2014
Director: Alex Garland
Guión: Alex Garland
Reparto: Domhnall Gleeson, Oscar Isaac, Alicia Vikander, Corey
Johnson, Deborah Rosan, Evie Wray, Chelsea Li, Sonoya Mizuno,
Elina Alminas, Ramzan Miah
Sinopsis:
Ex Machina es un intenso thriller psicológico que cuenta la
historia de Caleb, un programador de 24 años que trabaja en una
de las mayores empresas de Internet del mundo. Un día gana un
concurso cuyo premio es una semana de vacaciones en la mansión
privada del presidente ejecutivo de la compañía. Cuando Caleb
llega a la estupenda casa en medio de la nada, descubre que
deberá participar en un experimento tan extraño como
fascinante en el que interactuará con la primera inteligencia
artificial auténtica del mundo que habita en el cuerpo de una
preciosa mujer robot.
Fecha de Estreno: Viernes, 27 de Febrero de 2015
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Título: La mujer de negro: el ángel de la muerte
Título Original: The Woman in Black: Angel of Death
Género: Drama, Thriller, Misterio
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 2015
Director: Tom Harper
Guión: Jon Croker
Reparto: Helen McCrory, Jeremy Irvine, Oaklee Pendergast,
Adrian Rawlins, Hayley Joanne Bacon, Leanne Best, Ned
Dennehy, Leilah de Meza, Amelia Pidgeon, Shane Salter, Richard
Banks, Leigh Dent, Jorge Leon Martinez, Phoebe Fox, Jude
Wright
Sinopsis:
Secuela de La Mujer de Negro.
Un grupo de ocho escolares, acompañados por la directora Jean
Hogg (Helen McCrory) y la joven profesora Eve Parkins (Phoebe
Fox), se ven evacuados de Londres durante la Segunda Guerra
Mundial y trasladados a la casi desierta aldea de Crythin Gifford.
Allí conocen a Harry Burnstow (Jeremy Irvine), un piloto de la
RAF que tiene el mismo destino que ellos, la ruinosa casa Eel
Marsh, situada en una isla conectada a tierra firme únicamente
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por la carretera de las Nueve Vidas, una calzada que desaparece
con las mareas.
En busca de refugio de los horrores de la guerra, su presencia no
tarda sin embargo en despertar una fuerza malévola que surge
de la oscuridad y lleva décadas rondando esta imponente y
aislada edificación: La mujer de negro.
Fecha de Estreno: Viernes, 27 de Febrero de 2015
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Las Críticas
de las
candidatas
al Oscar Por Gerardo Medina
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‘LA TEORÍA DEL TODO’
La física del amor
Una personalidad tan relevante como Stephen Hawking, una de las mentes más
brillantes y prodigiosas del siglo XX, necesitaba ya un biopic. Incluso más que otros
muchos personajes que han copado este subgénero dramático en los últimos tiempos, y
por qué no decirlo, las ceremonias de entrega de los Oscar de los últimos quince años. Y
por fin ha llegado, con notable y reconocible flema británica, una puesta de largo de
parte de su biografía que trata de recoger los aspectos más llamativos de la misma.
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Durante su primera media hora, “La teoría del todo” es un biopic de altura.
Detalla sus logros a la vez que desarrolla, con total veracidad y cercanía, el avance de la
esclerosis lateral amiotrófica, una enfermedad neurodegenerativa que fue condenando
las habilidades motrices de Hawking a vivir a expensas de una silla de ruedas y de un
aparato que traducía sus pensamientos en palabras, mientras su cerebro continuaba
completamente sano e intocable. Primero se te escapan de las manos los objetos más
cotidianos, después tienes dificultad para andar, y por último no puedes hablar ni
moverte, y hasta tragar se convierte en una hazaña peligrosa.
Pero no sólo aborda el problema desde el punto de vista del enfermo, sino que
posteriormente tiene el enorme acierto de mostrar de manera puntual el punto de vista
de quienes tienen que convivir con él, y es aquí donde la cinta hace especial hincapié en
la figura de su esposa, minada psicológica y físicamente ante la situación que vive día a
día. En este sentido, el trabajo de su pareja protagonista, Eddie Redmayne y Felicity
Jones, no podía ser mejor. Él, soberbio y meticuloso a la hora de encarnar a Hawking,
tanto que parece su doble, y ella cargando a sus espaldas con convicción con un
personaje complejo que por algunos de sus actos podría no empatizar con el público.
“La teoría del todo” viene a ser “Una mente maravillosa”, pero versión 2.0. No
alcanza el nivel de ñoñería de la oscarizada película de Ron Howard, ni mucho menos
su nivel de hipocresía, pero repite buena parte de sus esquemas. Es decir, es una versión
edulcorada de la vida de un genio y la relación con su esposa, sometidos ambos al reto
de convivir con una enfermedad dura y feroz. La dirección de James Marsh tiene
destellos de excelente director, como las constantes referencias al trabajo de Hawking
en los pequeños detalles como una mancha de café o la visión de una hoguera a través
de un suéter, pero acaba soterrada por el academicismo y la corrección política de un
producto destinado a llevarse galardones, que prefiere dar rienda suelta al romance y las
emociones antes que a la física pura y dura y a analizar la figura del hombre tras el
genio.
Le falta encontrar ese difícil equilibrio entre amor y ciencia. Lo que queda es un
biopic que no molesta pese a su exceso de sentimentalismo, pero que podría haber dado
algo más que la simple física del amor, esa que unifica lo más importante de la vida, la
que nos permite nuestro mayor legado a la Humanidad.
NOTA: 6 sobre 10
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‘Whiplash’
Buen trabajo
Tal y como se cuenta en varias ocasiones en “Whiplash”, si el baterista Jo Jones no
hubiera humillado a Charlie Parker en público lanzándole unos platillos en plena
actuación, no existiría “Bird”. De esa anécdota nació la leyenda, del tesón y esfuerzo
por mejorar se forjó el mito, independientemente de que no fallara ni una sola nota en
aquel momento. El jazz ya no es lo que era, está muriendo, y como dice el personaje del
autoritario Fletcher en el film, los discos que se encuentran en cualquier Starbucks son
buena prueba de ello. Porque no hay dos palabras más dañinas que “Buen trabajo”.
En su segundo trabajo, Damien Chazelle habla precisamente de eso, de reconocer el
talento y exprimirlo al límite, de la perseverancia como único vehículo para alcanzar el
ansiado éxito. Cualquier otro sentimiento puede aplastar el sueño de ser uno de los
grandes. Cualquier atisbo de Humanidad puede hacerte perder el compás. Es de
principio a fin una historia de enseñanza llevada al extremo, de cómo el fin justifica los
medios y cómo estos pueden alentar o desanimar. Es la búsqueda de un nuevo Charlie
Parker y escarba en lo que se esconde en la exigente trastienda de la música, en la que
una sola nota fuera de tempo puede decidir tu futuro.
Chazelle logra una excelente dirección en la que música e imagen van de la mano.
Pocas veces se ve un montaje en el que cada fotograma vibre con cada nota musical
hasta el punto en que lo hace esta película. Logra así un film que es puro ritmo, y que
solamente se relaja y se vuelve ligeramente convencional y previsible a partir de cierto
momento crucial en la trama, para luego remontar en sus últimos minutos, como si de
un trasunto cinematográfico del “Caravan” de Juan Tizon y Duke Ellington se tratase, y
ofrecernos uno de los finales más vibrantes de los últimos tiempos, capaz de exorcizar
al protagonista y al público.
“Whiplash” es un brillante ejercicio de narrativa cinematográfica, en el que Chazelle
además se perfila como un formidable director de actores. Mención especial para el
joven Miles Teller, todo un descubrimiento que tiene la difícil tarea de no languidecer
ante un titán de la interpretación como J.K.Simmons, al que ya iba siendo hora de que le
llegase el reconocimiento que merece. El actor representa la figura absorbente y
dominante que Teller requiere para ser un gran músico, y juntos logran que una
propuesta que es puro ritmo no decaiga prácticamente en ningún momento. Y de la
disciplina militar que impone el personaje de Simmons, del sudor y la sangre que
acaban bañando los platillos, sólo se le puede decir a Chazelle “Buen trabajo”, aunque
esperemos que con ello no se acomode de cara a su próximo trabajo.
NOTA: 8 sobre 10
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‘The Imitation Game’
El cerebro computacional
En “El juego de la imitación”, Alan Turing sentaba las bases de lo que debía cumplir un
organismo cibernético inteligente. Un humano a un extremo. Una máquina y otro
humano al otro. El humano debe determinar quién es el humano y quién la máquina. Si
se equivoca, el organismo puede ser catalogado como inteligente. El autor ya esgrimía
entonces lo que hoy en día conocemos como computadoras, y a largo plazo, lo que en el
futuro posiblemente veamos como algo cotidiano, la inteligencia artificial conviviendo
con la humana.
En una escena de “The Imitation Game” –de nuevo un minuto de silencio por los
traductores de los títulos en España-, Turing se sienta al otro extremo de una mesa y
habla a su entrevistador de su experimento mental. Sólo una mente computacional como
la del criptógrafo inglés podía ser capaz de vencer a otra máquina, en este caso una que
ayudara a los ingleses a ganar la guerra contra los escurridizos alemanes. Retraído, poco
experto en relaciones sociales, lógico y matemático. Justo como ese Christopher
destinado a vencer a la máquina Enigma y ganar así la guerra contra los alemanes, un
organismo formado por cables de cobre y bobinas que había nacido como recuerdo de
una persona de vital importancia en la vida del científico. De nuevo, humanos y
máquinas confundiéndose entre sí.
Y no podía ser interpretado por otro actor que no fuera Benedict Cumberbatch, un
intérprete que ha hecho de su rostro de replicante su mejor baza para la actuación. No
hay más que ver la serie “Sherlock”. Él es lo mejor de “The Imitation Game”, una
producción típicamente británica que trata de relatar el triunfo sobre Enigma de un
genio meticuloso y obsesivo. Y a su vez da viajes hacia el futuro, una vez acabada la
guerra, y hacia el pasado, cuando era un niño. Y simultáneamente trata de tocar muchos
más palos como la homosexualidad en la reprimida Inglaterra de mediados de siglo, la
dualidad hombre-máquina o la personalidad y parte de la biografía de su personaje
protagonista.
Lo intenta, porque la película de Morten Tyldum no consigue destacar en ninguna de
sus vertientes narrativas. No pasa de la corrección ni siquiera en su realización, su
guión, su banda sonora, su fotografía… o en sus interpretaciones. Porque que
Cumberbatch se erija como lo mejor de la función no significa que esté sobresaliente.
Todo el reparto está correcto, como el film en sí, incluido él. No hay escenas para el
recuerdo, no hay momentos grandiosos ni mágicos. Es como si una máquina se hubiera
hecho cargo de la dirección y haya eliminado cualquier atisbo de emoción, tanto hacia
el público como a la hora de filmarla. Un juego interesante fruto de un cerebro
computacional, pero que no pasa de ahí, de ser interesante y funcional. Me pregunto si
pasaría el Test de Turing. NOTA: 6 sobre 10
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‘Birdman’
De qué hablamos cuando hablamos de amor
Si en la serie de Cartoon Network “Birdman: Attoney at law”, el superhéroe creado por
Hanna-Barbera malvivía como abogado de los antiguos personajes de dibujos animados
de la productora, en su nuevo trabajo Alejandro González Iñárritu presenta a un actor
venido a menos que sigue viviendo a la sombra del héroe alado que le brindó la fama
dos décadas atrás, mientras se embarca en la odisea de adaptar una ambiciosa obra de
Raymond Carver que le permita surcar los cielos del estrellato de nuevo. Aunque su
director ha negado cualquier conexión con estas referencias, no deja de ser llamativo el
no origen de esta película.
Lo que no puede negar es que no es casualidad el haber escogido a Michael Keaton
como protagonista de su historia. En el que es el mejor papel de toda su carrera, Keaton
dibuja una caricatura de sí mismo, de sus tiempos como Batman y su ascenso y caída
como estrella rutilante del séptimo arte. El actor da una de las mejores interpretaciones
del año y se presta al juego del cineasta mexicano, el de ofrecer lo que no vemos tras los
escenarios.
Original, divertida, mágica, brutalmente ácida y arriesgada en una estructura formal que
bien merece desde ya el Oscar a mejor director, montaje y fotografía, pero que también
puede cansar a más de uno u obligarle a buscar posibles fallos, “Birdman o (La
inesperada virtud de la ignorancia)” es un prodigio de narrativa cinematográfica. El
magnífico uso de su banda sonora, su espíritu teatral respaldado por uno de los mejores
repartos del cine reciente –todos, desde Edward Norton hasta Emma Stone, pasando por
Zach Galifianakis y Naomi Watts, están soberbios-, y su guión ágil y mordaz que
disecciona sin miramientos por igual todo lo que sucede entre bambalinas y lo que
rodea al mundo del espectáculo son otros de sus grandes aciertos.
Egos desatados, lazos familiares y conyugales por unir, compañeros de profesión
difíciles, críticos que no necesitan ver una obra para hundirla… Iñárritu dispara dardos
envenenados contra todo lo que se mueve por las humeantes calles de Broadway. Pero
si de algo trata esta joya es del amor. Del amor confundido con la admiración, ése del
que viven esos actores que se meten en la piel de superhéroes de Marvel, o esos
directores embebidos en franquicias taquilleras sin fin. Todo ese éxito acabará un día, y
a partir de entonces, o sigues siendo Birdman o te elevas a los cielos como una leyenda.
NOTA: 9 sobre 10
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‘Wild’ (Alma Salvaje) Reese Witherspoon nominada al Oscar
Viaje a ninguna parte
La peregrinación como camino hacia el autodescubrimiento. El cine
ya ha abordado la temática del viaje existencial, el que emprende una
persona en busca de sí misma. Desde “All is Lost” hasta la incomprendida
“La playa”, pasando por una recomendación española, “The Way”, que
tenía el Camino de Santiago como uno de sus grandes protagonistas. Lo
nuevo de Jean Marc Vallée, que hace poco más de un año daba el salto al
cine que disfruta recibiendo premios hollywoodienses con la loable “Dallas
Buyers Club”, va en esa línea argumental.
Para analizar “Wild”, se podría partir de dos líneas que definen al
film y que constituyen sus dos vías principales. En primer lugar, el
buenísimo trabajo que realiza Reese Witherspoon en la que supone, de
lejos, su mejor interpretación desde que ganase el Oscar hace casi una
década, si bien en todo este tiempo se ha preocupado más por hacer caja
que por recordarnos lo buena actriz que es. La intérprete, como su propio
personaje en la ficción, carga con buena parte del peso de la cinta a sus
espaldas, y lo hace con convicción, dejándose la piel por el camino.
Y en segundo lugar, está el viaje de redención personal que su
personaje emprende, una traslación a la pantalla del que emprendió Cheryl
Strayed en la vida real, todo un icono de la literatura estadounidense. Una
travesía por la América inhóspita que para ella supuso dejar atrás su yo
salvaje, ése que venía de una tumultuosa existencia desde una pérdida
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familiar irreparable que la llevó a coquetear con las drogas y acostarse con
cualquiera que se encontrase a su paso.
Es precisamente en esta segunda vertiente donde la propuesta de
Vallée no encuentra el sendero correcto hacia su destino, que no debería ser
otro que el de convertirse en una experiencia vital incluso para el
espectador. De hecho, intrigan más los flashbacks que el cineasta disemina
a lo largo del recorrido de su protagonista y el montaje no lineal de los
mismos, que obliga al espectador a ordenarlos mentalmente y rellenar los
huecos que queden por llenar, que el viaje en sí mismo. Su referente directo
e inmediato sería “Into the wild”, donde Sean Penn conseguía a través de
una encomiable poesía visual que la odisea de Christopher McCandless se
volviese emotiva y evocadora para el público. Aquí eso no se consigue, no
hay un ápice de emoción, no existe un solo plano con el que te quedes
maravillado, pese a la acertada dirección del canadiense y el buen hacer de
su actriz protagonista.
El libro de Strayed es todo un referente en la sociedad
norteamericana. Los que lo han leído lo describen como toda una
experiencia vital, como una obra aleccionadora e inspiradora. La
adaptación al cine de sus memorias debía convertirse en una aventura
fascinante y emocionante. “Wild” no es una aventura. Ni siquiera es
fascinante ni emocionante. Es un viaje hacia ninguna parte para acabar con
una vida de miseria. Y si todos los viajes de este tipo van a ser como éste,
es mejor quedarse en casa.
NOTA: 4 sobre 10
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ENTREVISTAS
‘La Señal’
Director y
coguionista:
William Eubank
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Entrevista con el director y coguionista William Eubank
P: ¿Cómo fue la génesis de este proyecto concreto,
particularmente como película narrativa? Escribiste LA SEÑAL
con otros dos guionistas...
William Eubank: Bueno, mi último filme, “Love”, era un proyecto
más vanguardista. Pero soy un gran fan de “En los límites de la
realidad (La dimensión desconocida - The Twilight Zone)”, de lo
que Rod Serling solía hacer como narrador, y siempre había
querido hacer una de esas, una historia con elementos intangibles
y extraños que te hagan pensar: “¿Qué rayos está pasando?”.
Había estado dándole vueltas al concepto de un individuo que se
ve metido en una situación concreta y extrema, cuya auténtica
naturaleza tendría que descubrir esta persona. Lo que me gusta
de películas como “La fuga de Logan” es que el protagonista
principal es como los espectadores, comparte tu punto de vista;
el público siente una conexión, sobre todo si es un personaje
agradable. También admiro el concepto de Roman Polanski de
estar, en la medida de lo posible, “mirando por encima del
hombro”, de modo que estás descubriendo y reaccionando a lo
que sucede junto con el protagonista principal y la película se
vuelve así más interactiva.
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Así que, mientras terminaba de montar “Love”, estuve hablando
con mi amigo David Frigerio y se nos ocurrió la idea de LA
SEÑAL; empezamos a escribir el nuevo guión antes incluso de
terminar el montaje. Además, ¡me apetecía hacer algo que fuera
a ver más gente que “Love”! [Ríe]
P: Y tu hermano, Carlyle Eubank, también empezó a trabajar en
el guión.
WE: Entró a formar parte desde el primer momento. Trabajamos
bien juntos; curiosamente, cuando escribimos, yo tiendo a pensar
de forma más lineal y mi hermano tiende más a lo extravagante
con sus ideas. Es el yin de mi yang.
P: LA SEÑAL explora la estética de las “metodologías
anticuadas”. Desde el principio, hay un contraste entre la
tecnología más avanzada y la menos. Hoy en día, existe la
posibilidad de rastrear a cualquiera a través de un ordenador...
WE: Y también hay alguien trabajando con un bloc de papel y una
pluma, que es algo que se comenta; con ellos, hay un cierto
elemento de rol para el personaje que los utiliza. Me he quedado
enfrascado más de una vez pensando cómo ciertas tecnologías
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conducen a otras tecnologías y, aun así, todos podemos vernos
atrapados en la rutina usando siempre las mismas cosas.
P: Al concebir esta película, ¿te inspiró la obra de cualquier otro
director?
WE: Visualmente, creo que sí: aquellos cuya obra veo y pienso:
“Esto es lo que creo que pretende este tipo”. Quería que LA
SEÑAL tuviera un comienzo realista, como la vida misma, para
que luego pudiéramos pasar directamente al tema extraño, con un
estilo lo más parecido posible al de Stanley Kubrick, en el que
todo tiene líneas, es agudo y firme. Más adelante, y no sé cómo
pasó, las cosas se ponen mucho más David Lynch. [Ríe]
P: ¿Hubo alguna otra película de cosecha más reciente de bajo
presupuesto, o de ciencia ficción con pocos medios, que te
sirviera de inspiración? Como “Pi, fe en el caos”, la ópera prima
de Darren Aronofsky, o tal vez “Memento”, de Christopher
Nolan. En lo que se refiere a películas que obligan a pensar al
espectador.
WE: “Pi, fe en el caos” es una película que siempre tengo en
mente, porque me encanta el hecho de que se trate de una
historia para devanarse los sesos que tiene lugar básicamente en
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un cuarto. “Memento” es una buena referencia, pero la verdad es
que nunca pensé en ella mientras hacía LA SEÑAL. Tiendo a
pensar mucho en pequeñas producciones de ciencia ficción, como
“Moon”, de Duncan Jones; historias en las que te ves obligado a
crear una trama que empieza en una habitación y luego sale de
allí, haciendo que desaparezcan las paredes porque te preocupa
mucho lo que les pasa a los personajes. LA SEÑAL es distinta en
el sentido de que empieza al aire libre y luego pasa rápidamente a
otro lugar; estamos obligando a los espectadores a estar
retenidos con Nic. El personaje pasa de libertad a encierro.
Pensaba en la cinta de Vincenzo Natali “Cube”, y en cualquier
película que encierra a un personaje en un lugar, sin que entienda
qué está pasando.
P: Bueno, ese camino conduce hasta la obra de un realizador que
ha ejercido una gran influencia en todos los demás desde sus
tiempos: Alfred Hitchcock. Resulta que tuviste a alguien de visita
en tu set de rodaje que había trabajado con él, ¿no?
WE: Sí, me contó que, mientras rodaba, Hitchcock era muy
formal y directo al grano, sabía exactamente lo que quería,
conseguía lo que quería y se marchaba. Me lo contaba un
operador de cámara que estuvo unos días con nosotros y había
sido ayudante de cámara en [la película de Hitchcock de 76] “La
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trama”. Hablamos un día mientras comíamos, pero sentí que
pasaba algo antes, porque habíamos filmado un travelling en el
que seguíamos a los personajes y a él se le había ocurrido una
forma muy de la vieja escuela de seguirlos que era más que un
simple travelling. Aunque no acabó en el montaje final de la
película.
P: Hay una serena elegancia en la forma de filmar, que parecía en
formato panorámico.
WE: Sí, la rodamos en [relación de aspecto panorámica] 2:40.
Ninguna otra proporción te permite mirar directamente a los
ojos de un actor; la interpretación puede así brillar. Ayudó con
otras facetas de la película, como los planos de Nuevo México o
conducir por la carretera y que parezca que se te viene encima.
Esta no es más que mi segunda película, así que voy aprendiendo
cosas sobre mí mismo sobre la marcha. Para mí todo tiende a ser
muy visual. Empecé como director de fotografía y siempre me
pareció que esa era la forma de entrar en el bosque de la
realización cinematográfica.
En los primeros planos, creo que los rostros quedan mejor en la
pantalla cuando cortas la barbilla y la parte superior de la
cabeza...
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P: Sí, Laurence Fishburne es una actor icónico con una gran
presencia, y a menudo lo bisecas en un rostro y una voz; es
imponente, y aun así tiendes a mostrarlo por encima del cuello en
LA SEÑAL.
WE: Bueno, él sabe cuánto peso aporta su voz a las escenas y
sabe cómo sacar el máximo partido a la más mínima expresión.
Pero, la primera vez que nos reunimos, me preguntó si tenía que
llevar todo el tiempo el traje [protector] de su personaje. Le dije
que sí. Y me respondió: “¿Estás seguro?”. “Sí”. “Entonces, de
acuerdo, me apunto; sólo quería asegurarme”. Me explicó que le
preocupaba cómo a veces se pueden perder los matices de una
interpretación. Le comenté que estaba de acuerdo, pero que, tal
como iba a filmarlo todo, estaría muy cerca de él, ¡probablemente
demasiado tiempo! Le dije que me aseguraría de que sus matices
pudieran verse en pantalla y él confió en mí. Luego, durante el
rodaje, hubo momentos en los que apenas podía ver porque tenía
la cámara pegada a la cara...
Pero estamos hablando de Laurence Fishburne, así que quería que
se le viera bien. Era una elección artística, pero también
necesaria; se combina todo eso y llegamos a su personaje. Una
vez tomadas esas decisiones, entonces tenía que resolver ciertas
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cuestiones relacionadas con la grabación del sonido. Pero la
fuerza que aporta tiende a apreciarse por encima de todo lo
demás.
P: ¿Cómo es su proceso?
WE: Le va mucho explorar distintas posibilidades. Lo mismo te
pide probar a hacer algo de otra manera, o añadirle un detalle;
algunas de esas cosas acabaron en el montaje final y otras no. Le
encanta meterse en su personaje, más allá de lo que otros
actores se meterían; no teme arriesgarse con las elecciones de
su persona, así que consigue que funcionen.
No había trabajado nunca con un actor de su talla. Asumió un
riesgo al decir que le encantaba el guión y que quería hacer la
película. Durante el rodaje, se acercaba a mí y me felicitaría por
mi atención al detalle. Que te ofrezca esa confianza... es un tipo
genial.
P: ¿Cómo fue el proceso de selección para el resto de los papeles
del reparto?
WE: Prefiero encontrar actores que ya sean como su personaje
para empezar. Eso me resulta importante. Brenton Thwaites
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estaba en Australia trabajando en algo y yo estaba en Nuevo
México... y llegaba media hora tarde a nuestra reunión por Skype.
Pero fue de lo más agradable, y vi un verdadero carácter en él
que quería que Nic tuviera... y, si a Brenton no le hizo gracia que
yo llegara media hora tarde, hizo un trabajo magnífico para
convencerme de que no pasaba nada. Pensé: “¡Ganamos todos!”
[Ríe] Brenton resultó ser muy trabajador, supo dotar a su
personaje exactamente de lo que yo quería transmitir con él en la
pantalla.
P: ¿Esa ventaja de partida con sus personalidades os facilita
interactuar en el set?
WE: Sí, porque, entonces, cada vez que te quedes bloqueado
creativamente, puedes pensar en la persona real que se
encuentra en esa situación; “¿Qué haría Brenton?”. Eso ayuda al
proceso de dirección, porque te estás metiendo en alguien que ya
es así, aunque a veces cuesta convencer al actor de que va a
interpretarse básicamente a sí mismo. Pero creo que aporta una
mayor autenticidad.
P: Aunque ni Olivia Cooke ni él son estadounidenses; él es
australiano y ella es británica.
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WE: Sí, y los dos saben disimular bien sus acentos, salvo por
alguna que otra toma suelta en la que a alguien se le escapa. Me
gusta mucho el acento natural de Olivia, pero me pareció que
sería injusto dejar que uno de sus personajes tuviera acento y el
otro no.
P: Has hecho arrastrar mucho a Olivia por los pelos en esta
película...
WE: Oh, ¡supo tomárselo muy bien! He trabajado en rodajes en
los que los actores eran difíciles e interrumpían el proceso antes
de que consiguieras lo que necesitabas. Lo que me gustó de
Brenton, Olivia y Beau Knapp es que siempre sentían que podían
hacerlo mejor y yo también me sentía siempre así... deseando
poder tener más tiempo. Puede parecer [que ha salido] perfecto,
pero, ¿y si no es así?
P: Pero, al hacer una película independiente, las limitaciones de
presupuesto y tiempo obligan a seguir avanzando
constantemente, ¿no es así?
WE: Por supuesto. En LA SEÑAL, teníamos un calendario de
rodaje de 28-29 días. Fuimos ambiciosos para nuestro
presupuesto; por ejemplo, contamos con prostéticos del estudio
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de efectos Legacy. Ayudé a diseñar esas piezas; Legacy las creó
e hizo un trabajo sensacional. Entonces, cuando tuvimos que
cumplir [los plazos de tiempo que teníamos en] un día de rodaje
de 12 horas en medio de una tormenta de arena en el desierto,
tuvimos que intentar ver cómo aplicar el maquillaje y los
prostéticos. Me gusta ocuparme de todo personalmente y me
cuesta mucho dejar que lo hagan otros. Después de dos años de
preparación, fue como, “¡Esta es la diana y vas a acertar de
lleno!”.
Cuando te metes a rodar, están pasando tantas cosas a la vez que
necesitas tener tus ideas creativas bien claras desde antes,
cuando tenías tiempo para respirar. Es de esperar que tengas la
parte creativa ya lista, de modo que te puedas ocupar de todo lo
demás que va surgiendo.
P: ¿Qué es lo que te resulta más increíble de poder haber hecho
por fin la película?
WE: Que la hiciéramos en tan poco tiempo. Además del viento y
la lluvia de Nuevo México, o que cerráramos el puente de Taos,
como ya hicieran en “Terminator Salvation”, ¡pero no era una
película de nuestra envergadura!
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P: Volviendo al tema de las necesidades de la creatividad y a
planificar por adelantado, ¿trabajar con poco presupuesto te
animó a asumir mayores riesgos, alentó tus ambiciones visuales y
narrativas? ¿O más bien las cohibió? ¿O un poco de ambas?
WE: Al emprender el proyecto, ya conoces los retos creativos,
los encuadres, por ejemplo, con tan poco presupuesto. Pero, lo
primero, se trata de crear algo con lo que la gente se identifique
y tal vez no hayan visto nunca antes, y sea factible con ese
presupuesto. Me implico muy directamente con lo que filmo y la
forma de hacerlo, así que siempre estoy intentando pensar en los
efectos y en cómo hacer las cosas. Hago pruebas de antemano
con pequeñas videocámaras.
Para alguno de los momentos de locos de Jonah [Beau Knapp], mi
hermano Carlyle y yo hicimos muchas pruebas y resolvimos cómo
hacerlo con camas elásticas. El día del rodaje, estábamos allí
montándolo todo.
En segundo lugar, siempre intentas rodearte de la mejor gente
posible. En producciones de bajo presupuesto, si no tienes mucho
dinero para hacer cosas, aún puedes reunir a una buena familia
creativa. En LA SEÑAL, contamos con Mark Rayner como
coordinador de especialistas, que trabajó con Christopher Nolan
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en “Origen”; fue una gran suerte poder contar con alguien así
para realizar la planificación conmigo. Eso nos permitió además
contar con Nash Edgerton como especialista –que es, él mismo, un
cineasta de talento– y con Darrin Prescott para encargarse de la
seguridad con el agua, porque es amigo de Mark. Gracias a Mark,
conseguimos a lo mejor de lo mejor.
Es especialmente importante colaborar estrechamente con tu
ayudante de dirección. En LA SEÑAL, Jim Grayford nos
consiguió gran cantidad de auténticos milagros.
Y luego, en el proceso de montaje, se producen toda clase de
cosas interesantes. Nuestro excelente montador, Brian Berdan,
empezó con David Lynch, en “Terciopelo azul” y luego trabajó en
la serie “Twin Peaks”. Brian tiene una sensibilidad distinta de la
mía; en mi primera película, “Love”, me di cuenta de que Brian
tenía otra forma de ver las cosas diferente a la mía. He llegado a
apreciar mucho su perspectiva, su punto de vista nuevo. ¡Sus
aportaciones pueden ser tan fuera de lo corriente!
Tengo unos diarios en los que voy anotando cosas. Todo lo que
hago va a parar a mi diario, incluidos esquemas dibujados de
preplanificación. Cuando se trata de hacer una película, estamos
hablando de dos años de ideas...
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P: ¿Hay también dibujos en esos diarios?
WE: Sí, utilizo papel milimetrado. Cuando empiezo a trabajar en
un proyecto, tengo diferentes capas en mente y tengo “diarios
iniciales” que llevo a cuestas conmigo para que no se me olvide
ninguna idea. Cuando entro en la fase de escritura del guión,
suele haber otro diario para ese proceso. Cuando por fin dicen
“vamos a hacer esta película”, voy a comprar el cuaderno grande
de marca Moleskine, exactamente como el del personaje de
Matthew McConaughey en “True Detective”. ¡Sólo que el mío
acaba con mucha mejor pinta! [Ríe] En este es donde hago los
storyboards de la mayor parte de la película, abordo todas las
escenas, me enfrento a la película desde una perspectiva de
rodaje. Lo dibujo todo a lápiz, hago diagramas, anoto mis ideas
sobre los personajes de cada escena. Eso me lleva casi tanto
hacerlo como escribir el guión. Me llevo este diario tan grande al
set de rodaje, donde continúa engordando cada vez más.
P: Así que siempre es un trabajo en curso.
WE: Siempre, sí. Dejo espacio extra en el grande porque sigo
trabajando en él durante el proceso montaje. En LA SEÑAL,
había unas cuantas páginas sobre el tráiler. Allí acaban todo tipo
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de cosas; alguien lo pisó, así que dejé la huella...
P: ¿Cómo fue la experiencia de presentar LA SEÑAL como
estreno mundial en Sundance? No era tu primera película pero,
¿crees que había allí cierta sensación de descubrimiento hacia ti,
como cineasta?
WE: La verdad es que solía ir a Sundance. Fui 4-5 veces, como
técnico de cámara, para Panavision; básicamente, me sentaba y
hablaba maravillas de las cámaras digitales. Las primeras, como la
F-900 que se usó en “Collateral”. Veía todas las demás cosas que
pasaban a mi alrededor y soñaba con poder ir. Cuando no estaba
trabajando, iba a ver películas. Mi abuelo vivía en Salt Lake City
por entonces, y me lo llevaba a cenar a costa de Panavision; fue
director de fotografía en la Armada. Solía decirme: “¡Algún día,
irás a ese festival!”. Falleció hace un par de años, así que no llegó
a verme ir por fin. Fue muy especial estar allí, acordándome de
él.
Sundance fue un sueño. Estaba abrumado de verme allí. Me sentí
como si me hubieran dedicado una estrella; si la realización es
una progresión, Sundance es un nivel al que esperas llegar. No sé
si alguno de mis demás filmes volverá a ser una “película de
Sundance”, pero esa experiencia fue increíble, sentir la energía
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de toda la gente. Tener ocasión de compartir mi cinta con ellos
fue algo único, y tuvo una gran acogida. Cada pase fue cada vez
mejor. Creo que puse el volumen demasiado bajo en el primer
pase, aunque todo el mundo dijo que fue genial; seguí subiéndolo
en cada proyección posterior. Ver la película con público, fue un
gusto descubrir poco a poco dónde reaccionaban. Las sesiones de
preguntas y respuestas fueron divertidas; la gente se quedaba
boquiabierta al oír hablar a Brenton, porque no sabían que fuera
australiano.
P: ¿Era la primera vez de Brenton en Sundance?
WE: Sí. Y también de Beau. Por desgracia, Olivia no pudo ir.
P: ¿Y os quedáis todos levantados hasta tarde para asistir al
estreno mundial a medianoche?
WE: [Ríe] ¡Sí, no dormimos mucho! Se agotaron las localidades
del pase y el nivel de energía se mantuvo alto en todo momento.
P: ¿Incluso para Brenton, Beau y tú, durante la sesión de
preguntas y respuestas a la 1.40 de la madrugada?
WE: Oh, sí. Hubo algunas preguntas de locos. Había niños
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pequeños correteando; ¡no me podía creer que sus padres los
hubieran traído y les permitieran quedarse levantados tan tarde!
P: ¿Cuáles son tus próximos proyectos?
WE: Tengo muchas cosas en mente. Estoy terminando de escribir
un thriller de acción militar con David Frigerio [coguionista de LA
SEÑAL]. También estoy trabajando en una historia de época con
un toque de un 1% de fantasía.
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