ADOLF LOOS (1870-1933)Ornament und VerbrechenVIENA 1908Ornamento y delito y otros escritos. Barcelona 1980

Adolf Loos es uno de los arquitectos cuya obra escrita alcanza el mismo nivel que su obra construida. Aun después de ser conocido como arquitecto siguió escribiendo, pues tenía un objetivo que consideraba como una misión: una arquitectura y un diseño modernos, funcionales y sin ornamentos ni arte. A sus colegas «deformados» oponía el artesano sencillo y natural.Loos nació en Brno en 1870 y era hijo de un cantero; ese origen le marcó. Después de hacer prácticas como albañil estudió Arquitectura entre 1890 y 1893 en la Universidad Técnica de Dresde, carrera que no finalizó. La visita a la Exposición Universal de 1893 en Chicago se amplió hasta una estancia de tres años en Estados Unidos, que le dejó huellas profundas. Loos conoció los desarrollos más recientes como la construcción en esqueleto y la arquitectura de rascacielos de la Escuela de Chicago. Sin embargo, su verdadero descubrimiento fue el estilo de vida vital de Estados Unidos. En 1896, Loos se estableció en Viena, donde comenzó proyectando interiores de vivienda y de comercios.En 1909-1911, Adolf Loos construyó una casa para la sastrería Goldman & Salatsch. Su emplazamiento en la Michaelerplatz, enfrente del Hofburg (Palacio), la convirtió en un escándalo. La zona comercial, recubierta de mármol, produce un efecto representativo y abstracto a la vez y revela modelos norteamericanos, pero también una postura clasicista. De dicha zona se distingue claramente el área de vivienda, con una fachada de revoco sin ornamentación, y ventanas fuertemente incisas. La casa de la Michaelerplatz es un manifiesto en piedra, que ilustra el rechazo de todo ornamento, ya proceda del historicismo o del modernismo; en su lugar apuesta por los materiales y las proporciones.El escandaloso exterior empujó la exquisita decoración y la estructura espacial a un segundo plano. Aquí se aprecian los primeros pasos hacia el denominado plan espacial, queLoos desarrolló partiendo de modelos anglosajones. Plan espacial significa que no se trata tan solo de proyectar una planta, en la superficie, sino que hay que tener también en cuenta la tercera dimensión. Cada espacio necesita la altura adecuada a su función; de este modo surge un conjunto complejo e intrincado.Junto a la arquitectura para la burguesía, después de 1918 Loos se dedicó a la construcción de viviendas para obreros. Para ello, desarrolló modelos para el urbanismo en los barrios periféricos; siguiendo la necesidad como consecuencia de la posguerra, dichos modelos se basaban en el principio del autoabastecimiento. «Toda población parte del jardín. El jardín es lo primario, la vivienda lo secundario»; así expone Loos en sus Regeinfiir die Siediung (Reglas para el poblamiento, 1920). Fue, durante un año, el director de la Oficina de Urbanismo, pero los obstáculos burocráticos le hicieron abandonar. Se trasladó por un año a París; sin embargo, aquí no tuvo apenas encargos, con excepción de una casa para el poeta Tristan Tzara, amigo suyo. Entre las últimas obras construidas de Loos, poco antes de su muerte en 1933, se encuentra una casa doble en la Exposición de la Werkbund austríaca, signo de un acercamiento tardío, pues Loos no participó en la fundación de la Werkbund, a la que dedicó comentarios sarcásticos, con títulos como «Los superfluos», dirigidos a los artistas modernistas Josef Hoffmann (1890-1956), Henry van de Velde (1863-1957) y Richard Riemerschmid (1868-1957): «Lo que necesitamos es una cultura de ebanistas. Si los artistas aplicados volvieran a pintar cuadros o a barrer calles, la tendríamos».Si se consideran en un contexto su obra construida y la publicada, el equivalente del manifiesto en piedra, en la casa de Michaelerplatz, sería Omament und Verbrechen(Ornamento y delito, 1908), un escrito polémico muy difundido, como sugirió el propio autor. En 1910, Loos propuso al galerista berlinés Herwarth Walden, como texto para el anuncio de una conferencia: «Adolf Loos, arquitecto de Viena conocido por sus ideas radicales, cuya primera construcción monumental fue detenida por el ayuntamiento de Viena, dará una conferencia. El arquitecto Loos es conocido por la conferencia del pasado año: Ornamento y delito, que despertó tanta polémica». Cuando Loos escribió Ornamento y delito tenía una experiencia de diez años dedicados a escribir. Se había dado a conocer al gran público en 1898 con una serie en Freie Presse. Sus artículos solían tratar de arquitectura; sin embargo, también expresaba su opinión sobre la confección y el calzado. Una y otra vez intentaba liberar los objetos de la vida corriente de su sobrecarga artística y representativa y devolverles una sencillez adecuada estética, funcional y social.En Ver sacrum, la revista de la Secesión vienesa, se publicó en 1898 Die Potemkin'sche Stadt (La ciudad de Potemkin), un ataque a la arquitectura histórica de la Ringstrasse.«Cuando paseo por la circunvalación, es como si un Potemkin moderno hubiera querido convencer a alguien de que se había trasladado a una ciudad de puros nobles». A la «plebe», a los arribistas, les reprochaba vivir por encima de sus posibilidades, en casas de alquiler que querían ser palacios renacentistas. También atacaba a los arquitectos que accedían a estos

deseos, pues —decía— no construyen palacios, sino casas banales, a las que cuelgan ornamentos. «Sus detalles ornamentales, consolas, coronas de frutos, y trozos de diente son pegotes de cemento». Para un esteta del material como Loos, esa farsa era insoportable, no solo en el sentido moral, sino también en el económico, por el derroche de mano de obra, tiempo y dinero que suponía.En su estancia en Estados Unidos, Loos se confesó entusiasta partidario del progreso: «Sí, nuestro tiempo es bello, tan bello que no querría vivir en ninguna otra época».Buscaba la forma moderna. Sin embargo, ver en Loos únicamente un antitradicionalista sería injusto. Encontró su ideal en los comienzos del siglo XIX, en la sencilla arquitectura burguesa y en el neoclasicismo de Karl Friedrich Schinkel.El historicismo de la Ringstrasse no era su único enemigo hacia 1900; Loos se volvió también contra los contemporáneos que se regodeaban en las formas modernistas. Atacaba a los diseñadores que se portaban como si fueran artistas y que, a sus ojos, cometían crímenes estéticos. Los paralelismos con la crítica de su amigo Kari Kraus de la «modernidad de la decadencia de cafetería» y la decadencia del lenguaje son evidentes. En la sátira Vom armen reichen Manne (El pobre hombre rico), Loos ponía en evidencia al tipo del arquitecto artista déspota y ridiculizaba a sus clientes. El «pobre hombre rico» se dirige a un famoso arquitecto y le dice: «Consígame arte. Lo que cueste, no importa». Y este hace de la casa una obra de arte integral, en la que nada —ni siquiera un guante- se escapa al diseño, con el resultado de que el «pobre hombre rico» ya no es el señor estético en su propia casa. Moral implícita de esta historia: el arte es el arte y el objeto de uso diario es un objeto de uso diario, que debe estar libre del arte.Esta moral se repite y un elevado número de artículos se puede reducir a unas pocas tesis y tópicos, tratados ya en Ornamento y delito. Loos comienza, con una generosa simplificación, pasando rápidamente por la evolución individual y social incluyendo la aparición del arte como origen erótico; como prueba de una ornamentación ingenua e inocente presenta los tatuajes de Papua. «El hombre moderno que se tatúa es un criminal o un degenerado». Después pasa a tratar sus propias ideas: «Yo he llegado al siguiente convencimiento, que me ha regalado el mundo: la evolución de la cultura es sinónimo de desaparición del ornamento de los objetos de uso diario». La falta de ornamentos es lo adecuado a los tiempos modernos. «La ausencia de ornamentos es signo de fuerza espiritual». El gusto por el ornamento, ya sea tallado, cortado o fundido, no es solo un problema estético, sino también «un crimen contra la economía nacional», pues esclaviza a los trabajadores a realizar un trabajo inútil y mal pagado.Es evidente que con todo esto Loos se ganó enemigos; su actuación fue una lucha continua. Los artículos escritos entre 1897 y 1900 los publicó en 1921 con el título resignado Ins Leeré gesprochen (Hablando en el vacío}. Sin embargo, el siguiente volumen (1931) se llamó Trotzdem (A pesar de todo), tomado de una cita de Nietzsche: «Lo decisivo se produce a pesar de todo». En su prólogo, Loos hizo satisfecho balance, en el momento culminante de la Nueva Arquitectura, de la que era adalid excéntrico: «De las luchas de 30 años he salido victorioso: he liberado a la humanidad del ornamento superfluo».Ornamento y delito se publicó sin ilustraciones; la selección de fotografías muestra ejemplos de la obra construida de Adolf Loos, Introducción

El fenómeno del arte de vanguardia es uno de los más típicos de la cultura contemporánea. El término vanguardia denota la acción de un grupo o movimiento artístico que experimenta formas y temas con anticipación respecto a la producción normal.Entre las muchas contradicciones de la vanguardia está la de una doble exigencia: por una parte se persigue un arte puro, por otra se alienta continuamente la intención de un arte social comprometido. De este dualismo deriva el segundo, el que exige de un lado una especie de reducción de toda la realidad a una sola experiencia específica y de otro una correspondencia entre todos los sectores artísticos y de éstos con la vida, hasta tal punto que la vanguardia se convierte en algo global, en una ideología. Se desarrolla antes y después de la primera guerra mundial.

La pura visibilidad

La pura visibilidad es la teoría es el método crítico- estético más adecuado para comprender las tendencias geométricas- constructivas, como el cubismo, el purismo, el neoplasticismo, el constructivismo, etc.La teoría de la pura visibilidad se debe a Konrad Fiedler, quien se propone estudiar las artes figurativas independientemente de lo que representan. Es decir, considerar la pintura, la escultura y la arquitectura por sus valores formales, por sus aspectos puramente visuales. Sostiene que existe un conocimiento de la realidad a través de las formas visuales del arte.

De acá se deduce que la naturaleza de por sí no dice nada al arte. A esto podemos atribuir el distanciamiento progresivo del arte y la naturaleza, actitud que encontraremos casi como una constante en las corrientes de las vanguardias del siglo XX. En lugar de la imitación, se exige del arte una función de orden y de clarificación.Otro tema teórico de Fiedler encontró amplia correspondencia en muchas poéticas de la vanguardia. Separa lo bello del arte. No estudia el arte como un objeto de placer estético, sino como un lenguaje al servicio del conocimiento.El código académico, la estética psicológica y la cultura del Einfuhlung pierden valor al poder ser la obra de arte fea. Su concepto del valor relativo de la belleza es precursor del expresionismo, del interés por el arte negro, la descomposición cubista, las asimetrías neoplásticas, y por el dinamismo espacial, de la nueva arquitectura.

El impresionismoFue un momento del gusto en la producción de algunos pintores, entre 1870 y 1880, importante por su interés como primer movimiento hacia un arte autónomo. Pintores como Monet, Manet, reaccionaron contra la pintura histórica y propusieron un arte que se apoyara exclusivamente en el valor de la imagen, recogida al aire libre en contacto con la naturaleza.Descomponiendo los colores en pinceladas pequeñas muy próximas, intentaron traducir los colores en luces. Esto pone acento en la técnica, entendida como búsqueda expresiva.La representación de la naturaleza sufrirá varias transformaciones hasta que cese del todo con el arte abstracto. Las obras de los pintores resultará muy parecida a la de los arquitectos cuando quede librada de toda influencia de la naturaleza, para concentrarse en los valores cromáticos y compositivos, en la lógica interna del cuadro.Un pintor impresionista es Paul Cézanne. En vez de captar una impresión efímera, tiende a introducir en su arte el clasicismo. Los colores pierden en luminosidad, pero su pintura se consolida en formas cerradas y compactas. Sostiene que todas las representaciones de la realidad pueden reducirse a las formas del cubo, del cilindro, de la esfera, etc. Esta acentuación de la geometría anticipa el cubismo.

Hacia mediados del siglo XIX surgió en la pintura francesa un nuevo realismo que tuvo unaprofunda influencia tanto en el arte oficial como en el arte de vanguardia del momento. En partefue una reacción al estilo correctoµ de los salones, y en parte a una reacción a las visionessubjetivas de la naturaleza y a la fantasía exagerada del paisajismo romántico. Al mismo tiempo,y con una actitud más positiva, manifestaba nuevos intereses y un enfoque lúcido, que paraalgunas personas resulto excitante y refrescante, y para otras, profundamente ofensivo, según elpunto de vista. Resumía los sentimientos y convicciones que prevalecían en un numeroso grupode jóvenes artistas comprometidos y con talento, y sirvió de base al primer movimiento artiscicoimportante de los tiempos ´modernosµ, el movimiento bautizado como impresionismo. Elimpresionismo nació en las obras de un pequeño grupo de pintores de Avant-garde que vieron lagran preocupación del nuevo realismo por una representación exacta de la percepción visual dela naturaleza, y compartieron el creciente rechazo hacia las restricciones académicas y unrespeto mayor por el esbozo preliminar.2 Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ellose centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principalesdel movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, AugusteRenoir y Alfred Sisley. Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luzsobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas depenumbra.

El simbolismoEntre las corrientes postimpresionistas de importancia por su relación con la arquitectura está el simbolismo. Marca una separación más profunda con la naturaleza. Para Maurice Denis, un cuadro es una tela recubierta de colores dispuestos con un determinado orden. La nueva pintura habría sido una expresión de ideas traducidas en símbolos.El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta JeanMoréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya quelas intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes. El Simbolismo es un movimientoliterario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo.Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado conlos problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistas de 1885disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevosvalores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a

la realidad de sumomento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y ladegradación.4Cada vez había más artistas que frustrados por el creciente materialismo de laépoca, buscaban dar un significado a la vida mediante una búsqueda interior de la verdaduniversal y personal. Quizás sus exploraciones del mundo de los sueños y su dedicación a lasemociones humanas no siempre desembocaron en la esperanza de hallar soluciones, pero en todocaso produjeron de la época por cuestiones tales como la muerte, el sexo, lo demoniaco y laespiritualidad.

El fauvismoFue un movimiento cuyo objetivo era la síntesis forma color. En las obras de estos artistas había dibujos y trazados lineales, resultando la imagen de la yuxtaposición violenta de zonas de colores primarios. Este movimiento inspiró el expresionismo y el cubismo.Los fauvistas eran un pequeño grupo de pintores que trabajaba en parís a comienzos del siglo. Seles dio ese nombre que significaba ´animales salvajesµ. Tenían el interés de por un color brillantey puro.Hoy en día nos sorprende que esta pintura fuese considerada salvaje. El color erabrillante pero la composición estaba muy organizada. Matisse utilizaba el color intenso porqueera lo que mayor impacto producía, aunque el color no fuese siempre el correcto.Cuando pensaba que con un color diferente lograría mejores resultados, lo utilizaba. Para sugerirel espacio, para indicar la luz y a menudo como simple decoración, recurría más al color que alclaro oscuro.Hacia 1908 el Fauvismo había alcanzado su punto álgidoEl fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.Precedentes del FauvismoPara hablar de los orígenes tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin, ya que ambos huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.El expresionismoToda experiencia de vanguardia desemboca en el expresionismo y, de él parten todas las corrientes del arte moderno. Entendido como la continuación del Jugendstil, puede considerarse como el más subjetivo y romántico.Decae toda forma decorativa para dar lugar a la deformación de los objetos representados.

Los pintores expresionistas rechazan cualquier experiencia pictórica, planteando la necesidad de un lenguaje figurativo que se renueve en cada obra.Es el nombre que reciben en el arte del silgo XX pinturas como esta que adoptan como tema delcuadro estados mentales, representando con tanta fuerza que la apariencia normal de las cosasqueda distorsionada. Sin embargo, la desventaja del expresionismo es que mucho estadosmentales extremos son demasiado personales y apenas tienen significado e interés para quien nosea el propio artista. Pero en sus mejores cuadros como el grito, los expresionistas pusieron aldescubierto una amplia desesperación humana que nadie había expresado anteriormente enpintura. Worringer, el historiador de arte alemán mantiene que el expresionismo no essimplemente un estilo, sino una fuerte tendencia que se repite principalmente en el norte deEuropa, como si el mundo frio del norte indujera a sentimientos de inseguridad y temor.El enfoque expresionista, la atmosfera que estos artistas captaron y subrayaron, aparece bienexpresado en la obra,cinco mujeres en la Calle. Unas mujeres en la calle pueden presentarse demaneras distintas. Estas mujeres vestidas a la moda y con trajes caros, están frente a unescaparate mirando otros objetos de lijo. No es un tema siniestro y sin embargo la atmosferaglobal de la pintura lo es. Las mujeres parecen congeladas en posturas erizadas. La actividad estáconcentrada en la piel dura y seca. Todo contribuye a crear una atmosfera de decadencia. Eltema se apretuja en el lienzo; no hay lugar para que descanse la vista

El cubismoComo rasgos descriptivos del lenguaje cobista podemos señalar: construcción de imágenes mediante una estructura geométrica; representación plástica de los objetos a través de los planos que los constituyen; multiplicidad de las configuraciones al cambiar el punto de vista; representación de la totalidad de la espacialidad del objeto; simultaneidad de las visiones; fusión de la figura con el fondo. Declaraban pintar no lo que veían, sino lo que sabían.El cubismo rompe con la perspectiva del Renacimiento. Considera los objetos desde varios puntos de vista, ninguno de los cuales tiene dominio absoluto. De esta manera, a las tres dimensiones del Renacimiento, que se han tenido durante siglos como caracteres fundamentales, añade una cuarta, el tiempo. La cuarta dimensión vincula el cubismo con el racionalismo. La insistencia cubista en la investigación espacial obliga a los arquitectos a concebir en términos de volumen y no en términos de masa y de compacidad.Podría decirse que este lenguaje antecede a la arquitectura racional. La discrepancia fundamental entre cubismo y racionalismo radica en que, mientras que la fuerza de la arquitectura racional está en correspondencia precisa con el programa, la del cubismo está en el deseo de ser reformador.El primero de los movimientos del nuevo arte del siglo XX, cambio la manera de representar eltema en una pintura.Los artistas, durante mucho tiempo, habían intentado resolver el problema de la representacióndel mundo tridimensional sobre la superficie plana del lienzo.En el siglo XIX el artista francés Paul Cezanne experimento un sistema nuevo, identificando lasformas geométricas presentes en casas, arboles y montañas, pero sin observarlas necesariamentedesde un único punto de vista. Braque y Picasso estaban sustituyendo la perspectiva tradicional ysu ilusión tridimensional por un espacio pictórico mucho más plano.Desde 1907 a 1909 trabajaban bajo la influencia de Cezanne. Al eliminar toda ilusión deprofundidad, los elementos de la escena avanzaban hacia adelante, salían de su contexto,quedando incluso amontonados como objetos dentro de una caja. Esta fue la etapa transitoria delcubismo.En la siguiente fase de 1909 a 1911, conocida actualmente como ´cubismo analítico, el tema pasatodavía a ser menos importante que su tratamiento. Una vez decidido el tema concibieron la ideade observarlo de todos los lados y de agrupar todas estas facetas en una vista única. En teoríaeste procedimiento tenía que representar lo más posible el tema. En la práctica dificulto muchoel reconocimiento de los objetos de sus naturalezas muertas.En la tercera Fase del cubismo, denominado ´cubismo sintéticoµ o collage encontramos dentro delos cuadros letras, palabras enteras, números y en ocasiones, objetos reales,El nuevo estilo fue por tanto un tratamiento especial del tema, una manera de desmenuzarlo deanalizarlo, de relacionarlo de diferentes maneras en una parte con otra, de simplificar el temapara conectarlo más intensamente con el espacio circundante, abolir la pintura como meraimitaciónAsí, el cubismo es solo uno de los componentes del racionalismo arquitectónico.

El purismoEl primer movimiento que deriva del cubismo es el purismo, surgido por obra de Le Corbusier con el manifiesto Apres le cubisme, redactado en 1918. Los puristas se plantean una pintura absolutamente objetiva implicando la moderna civilización mecánica. Sus cuadros son composiciones objetivas de elementos simples, que se unen con el fondo en una imagen

unitaria sin elementos sobresalientes. El purismo no fue un gran movimiento pictórico, pero sancionó la unión entre el arte y la producción industrial.Purismo es en arte todo estilo y movimiento estético o que busca recuperar la supuesta pureza(cultural, moral etc.) existente en épocas anteriores ó al movimiento estético que tiende a ladepuración estilista, a un máximo posible de simpleza (sin perder por ello la calidad artística),por ejemplo usando en lo posible colores, líneas y formas puras, sin rebuscamientos. Atendiendo a ambas definiciones posibles del término "purismo", en la historia del arteoccidental se destacan dos movimientos "puristas" bien diferenciados temporal y espacialmente yaún más diferenciados en lo formal: el uno ocurrió principalmente en la Italia del Ottocento ycorresponde con la primera de las definiciones de "purismo"; el otro movimiento purista tuvo sucentro en la Francia de los años 1920

El futurismoEl futurismo fue el primer movimiento de vanguardia propiamente dicho.Encarnó la ruptura con el pasado, el maquinismo, el belicismo, las actitudes provocadoras y profanadoras, proclama una posición anticipadora del tiempo futuro.En pintura traduce en formas plásticas y en colores chillones los ideales y los mitos contra la tradición. Todos los pintores trataron de reproducir el sentido de la velocidad.La arquitectura futurista traduce en formas e ideas arquitectónicas las premisas generales del movimiento: rechazo de todos los estilos tradicionales, destrucción del ambiente preexistente, exaltación de la producción mecánica, empleo de nuevos materiales, dinamismo de la forma arquitectónica producida por líneas de efectos dinámicos y por el propio dinamismo de los ascensores, metropolitanos, puentes colgantes, etc.1.- La arquitectura futurista es la arquitectura del cálculo, de la audacia temeraria y de la sencillez; la arquitectura del hormigón armado, del hierro, del cristal, del cartón, de la fibra textil y de todos los sustitutos de la madera, de la piedra y del ladrillo, que permiten obtener la máxima elasticidad y ligereza.

2.- Sin embargo, no es una árida combinación de practicidad y utilidad, sino que sigue siendo arte, es decir, síntesis y expresión;

3.- Las líneas oblicuas y las líneas elípticas son dinámicas, que por su propia naturaleza poseen un poder expresivo mil veces superior al de las líneas horizontales y perpendiculares.

4.- La decoración, como algo superpuesto a la arquitectura, es un absurdo, y que sólo del uso y de la disposición original del material bruto o visto o violentamente coloreado depende el valor decorativo de la arquitectura futurista.

5.- Al igual que los hombres antiguos se inspiraron, para su arte, en los elementos de la naturaleza, la arquitectura futurista debe encontrar esa inspiración en los elementos del novísimo mundo mecánico que se ha creado.6.- La arquitectura como arte de distribuir las formas de los edificios según criterios preestablecidos está acabada.

7.- Por arquitectura debe entenderse el esfuerzo por armonizar con libertad y gran audacia el entorno y el hombre, es decir, por convertir el mundo de las cosas en una proyección directa del mundo del espíritu.

8.- De una arquitectura así concebida no puede nacer ningún hábito plástico y lineal, porque los caracteres fundamentales de la arquitectura futurista serán la caducidad y la transitoriedad. Las casas durarán menos que nosotros. Cada generación deberá fabricarse su ciudad.

El dadaísmoLa primera guerra mundial marca una división entre las vanguardias pre y postbélicas. La guerra transformó los objetivos de las vanguardias. La vanguardia se realiza en los países neutrales a la guerra, Holanda y Suiza.Tuvo un carácter irónico y provocador, y desempeñó un papel importante en el desarrollo de la vanguardia internacional. Confirió una mayor libertad y falta de prejuicios a las formas de los cubistas.El movimiento Dada o dadaísmo, es una reacción de escritores y artistas opuesta a los futuristas,que eligieron el nombre dada, palabra que en el lenguaje infantil quiere decir ´caballito demadera, pero al ser lenguaje infantil puede significar cualquier cosa. Estos escritores artistascreían que una sociedad capaz de producir algo tan horripilante como la

primera guerra mundialera una sociedad malvada, cuya filosofía y cultura deberían destruirse totalmente, ya que estabasocial y moralmente en bancarrota. Dada fue una actitud más que un estilo; Fue un movimiento internacional y artístico entre los años 1915 y 1922. Lo fundaron los pintoresHans Arp, el poetaTristan Tzara y otros escritores, en donde los artistas Dada presentaron por primera vezespectáculos estrafalarios de música y danza.Los dadaístas se proponían destruir diversos modos el arte establecido. Se burlaban de los objetosartísticos. Sin duda Dada consiguió provocar el escándalo, pero en el aspecto positivo, y comomuchos de los demás movimientos, hizo que la gente mirara imágenes de una manera distinta.Las pinturas y los objetos Dada obligaban al observador a poner en tela de juicio las realidadesaceptadas y a reconocer el papel del azar y de la imaginación.

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros.La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.Jean ArpRealizó relieves, collages y bordados donde combina las técnicas del automatismo y las imágenes oníricas, desarrollando una iconografía muy personal de formas orgánicas que él mismo llamó escultura biomórfica.Un día, al mirar un dibujo que había roto en muchos pedacitos y tirado al suelo porque no le gustaba, se dio cuenta de que la disposición que les había dado la caída reflejaba mucho mejor la novedad plástica que trataba de obtener. Reunió los fragmentos y los pegó, yuxtaponiéndolos en la forma que dictaba la casualidad.Bloque: forma terrestre es una construcción realizada en madera cortada y pintada que presenta formas elementales agrupadas siguiendo el impulso del azar.Pez y bigote es una obra humorística creada sobre una base de madera recortada y pintada que aúna cierto infantilismo en las formas y la espontaneidad del azar.Raul HausmannSu aportación más importante es el fotomontaje, que consiste, en el montaje, sin plan definido, de recortes de fotografía, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra plásticamente nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético.En El crítico de arte ofrece la visión de un experto de arte y lo representa desdentado y con un zapato en la cabeza para denunciar la vaciedad y la inutilidad de sus pensamientos.Kurt SchwitterCreó ensamblajes de cartón, madera, alambre y objetos rotos, así como collages con diversos objetos, billetes de autobús, envolturas de quesos, suelas desgastadas, colillas, etc.En su casa elaboró una obra a la que llamó Merz-Säule. Se trataba de una escultura hecha de bultos y concavidades con hallazgos cotidianos o con objetos tomados a sus visitantes como

mechones de cabello o uñas cortadas, y que tenía la propiedad de crecer como si fuera un organismo vivo. Cada día le agregaba algo y llegó a crecer tanto que ocupó dos pisos.Max ErnstMax Ernst, junto con Baargeld, organizaron una exposición que obligaba al publico a pasar entre unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos.En medio de la sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. En las paredes colgaban collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los espectadores. La exposición fue prohibida.La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas refugiados como Duchamp o Picabia, que junto con los americanos como Man Ray dan vida al dada neoyorquino.Marcel DuchampSu principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría de obra de arte.En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine.Man RayRealizó un conjunto de obras que llamó "objetos de mi afecto". Entre ellas está Cadeau, que consiste en una plancha de cuya base salen algunos clavos, o la obra llamada La puericultura II, que es una base cilíndrica de bronce en cuya parte superior sobresale una mano color verde.El movimiento dada construye el ambiente propicio para que surjan otras grandes corrientes, como el Surrealismo, y propone una nueva definición del arte al romper con los esquemas tradicionales integrando objetos del entorno cotidiano dentro de los medios de expresión plásticos

El neoplasticismoNace en Holanda en 1917 con la revista De Stijl. Entra en el arte abstracto, en el continuo proceso de alejamiento de la naturaleza, y lo resuelve con la desaparición de las referencias naturalistas, en beneficio de las formas geométricas, orgánicas o de fantasía. Las tesis del movimiento se basan en la lucha contra el individualismo, el rechazo al mimetismo, en una unidad estrecha entre pintura, escultura y arquitectura. Tiene un lenguaje muy claro: en pintura, las líneas se cortan únicamente a 90º, los recuadros son de colores rojo, amarillo y azul; en arquitectura, la descomposición la descomposición del volumen en planos de colores, la eliminación de vanos, reemplazándose estos por los espacios faltantes entre planos, muros privados de jerarquía y necesidad de recorrer el edificio para reconocer sus partes.

El neoclasicismo, para distinguirlo de otras recuperaciones de los clásicos, hace referencia al´nuevo clasicismoµ, que surgió en roma como reacción al rococó y a algunos aspectos delbarroco, y que se extendió por toda Europa y el nuevo mundo.El principal teórico del nuevo clasicismo fue Johann Joachim. Sus criterios sobre el arte griego,cuya esencia consistía para él en ´la noble sencillez y la serena grandezaµ.El modelado de las figuras es natural, la ilusión del espacio es convincente, y la utilización deluces y sombras tiene un efecto dramático.La anatomía es representada con precisión: cabezas, cuellos, torsos están relacionados entre sicon exactitud física.1 El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa almovimiento estético que venía a reflejar en las artes, los principios intelectuales dela Ilustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía produciendo en la filosofía y queconsecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura.

Suprematismo y constructivismoEl suprematismo, cuyo emblema puede ser el cuadrado negro sobre fondo blanco, plantea una nítida distinción entre actividad práctica y creación artística. El suprematismo equivale a la supremacía de la sensibilidad sobre la representación naturalista o expresionista. En el campo de la arquitectura prescinde de todo objetivo práctico. Son sensaciones plásticas. Un ejemplo es la arquitectura, construcciones reales pero carentes de un destino inmediato.Entre el suprematismo y el constructivismo hubo convergencias, como la conformación abstracta, y divergencias: las sensaciones puras contraponen un elevado interés por la técnica del constructivismo.Paralelamente a estos dos movimientos hay otra tendencia, la del formalismo. Se refiere a la teoría de la pura visibilidad. El formalismo en la arquitectura intenta el establecimiento de

unas formas simbólicas y la institucionalización de un auténtico lenguaje arquitectónico comunicativo.La vanguardia arquitectónica y la arquitectura del expresionismoExiste una vanguardia arquitectónica expresionista y una producción arquitectónica de edificios con sello expresionista.El expresionismo en arquitectura actúa con un notable retraso respecto al de los pintores, y solo adquiere consistencia en Alemania. En un clima de país derrotado, nace un movimiento artístico, al que se adhirieron entre otros Gropius y Mies Van der Rohe, en el intento de unificar el arte y el pueblo. La arquitectura era el punto de convergencia de todas las iniciativas. El cinismo y el conformismo son el lado negativo. El lado positivo se expresa en el entusiasmo por la realidad inmediata que resulta de considerar las cosas de manera completamente objetivas.Para afirmar sus ideales de una arquitectura que tenga sus raíces en la espiritualidad frente a lo utilitario, que pretenda la unificación de todo tipo de trabajo creativo, desde el artesanal al mecánico, los expresionistas llevan su protesta a tal punto que rechazan todo compromiso profesional, reduciendo sus obras a los dibujos.El desarrollo del expresionismo desemboca en el racionalismo. Las imágenes irrealizables de la vanguardia dieron lugar a una auténtica producción de edificios expresionistas. Lo primero es un desarrollo natural de la vanguardia hacia lo racional. La segunda es una corriente paralela que compite con el racionalismo. Entre el llamado utopismo de la arquitectura del expresionismo y el racionalismo riguroso no existe una contradicción, sino una continuidad.En el expresionismo no se encuentran muchas constantes. Se puede mencionar el uso del hormigón armado con todas sus posibilidades plásticas, la adopción del vidrio independientemente de sus propiedades, el gusto por el detalle, la intención de fundir orgánicamente el edificio con el paisaje.Zevi sostiene que el expresionismo es un componente permanente de la arquitectura moderna. Desde Gaudí y la capilla de Ronchamp de Le Cobuseir, hasta Gropius.