Altum no 3 unis

No. 3 MAYO - AGOSTO 2013

REVISTA DE ARQUITECTURA Y DISEÑO • UNIVERSIDAD DEL ISTMO • ISSN 2305-3267

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CONSEJO EDITORIALDirección: Ana María Cruz de García, Decana Facultad de Arquitectura y Diseño UNISSubdirección: María Estela de TobarDiseño: Luis QuelEdición y producción: Thelma CastilloAvenida Las Américas 20-21, zona 14 Edificio Bellini Apto. 201, Guatemala, C.A. 001014Impresión: IpressAño 1, Número 3, Guatemala 2013© Universidad del Istmo, Facultad de Arquitectura y DiseñoCiudad de GuatemalaPBX (502) 2429-1400 www.unis.edu.gt

CONTENIDO1 Editorial

Arquitecta Ana María de García

Decana, Facultad de Arquitectura y Diseño

2 Retórica en la comunicación: El diseño como

proceso proyectual de innovación,

Licenciada Ana Mercedes Gallardo Ceballos

6 Importancia de los códigos en la comunicación

Christian Dereck Morales, Mtro. en Diseño Gráfico

con especialización en Planning

10 El profesionalismo de un diseñador de

interiores

Mónica Ajcivinac Nowell, BA en Decoración de

Ambientes

14 Tendencia: Coalición de tecnología y diseño,

Licenciada Manola Flores

18 Colección Olga Alejos de Mirón - COAM

Mtra. Carmen María del Rosario Miralbés de Polanco

24 ASODI, Asociación de Interiorismo de Guatemala

Mónica Ajcivinac Nowell

BA en Decoración de Ambientes

26 El Centro de Thrissur, India

Arquitecta Andrea Monedero Morales

30 ¿Cuándo la arquitectura es una obra de arte?

Mtro. en Arquitectura Wolfgang Schoenbeck

32 El valor de un anuncio

Publicista Rodolfo Clautier

34 La creatividad como una forma de vida: A la

luz del enfoque sobre creatividad de Alfonzo López

Quintás

Angélica Estrada Hernández, Licenciada en Diseño

Gráfico en Comunicación y Publicidad

Magister en Docencia de Valores

Portada. Huipil bordado a mano usado por las mujeres en San Andrés Xecul, Totonicapán. C. 1970.

Contraportada. Sobre-huipil. Las mujeres que pertenecen a la cofradía se lo colocan sobre el huipil de diario cuando participan en ceremonias públicas o religiosas. Santa Lucía Utatlán, Sololá.

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REVISTA DE ARQUITECTURA Y DISEÑO, UNIVERSIDAD DEL ISTMO

EDITORIALP

or este medio rendimos tributo a la memoria de

doña Olga Alejos Matheu de Mirón, por apoyo a

la UNIS y su gran generosidad.

De ella, su hija María Marta nos cuenta que nació en

la ciudad de Guatemala en1920. Sus padres fueron

Alfonso Alejos de la Cerda y Marta Matheu Cofiño.

Varios años de su niñez los vivió entre la capital y

Retalhuleu. Se casó con el caficultor José Mirón Muñoz.

Vivió por muchos años en la Finca El Parraxé, Samayac,

Suchitepéquez. Del matrimonio nacieron cuatro hijos:

José, María Marta, Olga y Alfonso. Siempre se interesó

por ayudar a las personas que pasaron a su lado o que

buscaban su ayuda y consuelo. Empezó colaborando

con las señoras de San Vicente de Paúl.

En la finca cuidó de la salud de las personas que ahí

trabajan, acompañaba al médico que llegaba los sábados

por la tarde, dirigía la clínica el resto de la semana e

invitaba a desayunar y a almorzar a los niños que veía

desnutridos. Insistió en la vacunación, convenciendo con

mucho esfuerzo y paciencia a las mamás, haciéndoles

ver que valía la pena que a los niños les provocara

calentura por causa de la vacuna, pues así se harían

resistentes a las enfermedades.

Se esforzó porque la escuela estuviera bien atendida y

por convencer a las mamás de la necesidad que tenían

los niños de aprender a leer y escribir. Le resultaba difícil

que a las niñas las mandaran a quinto y sexto grado.

Una vez logrado, procuraba premiar tanto a mamás

como a niñas por el esfuerzo que esto les representaba.

Ya en Guatemala, organizó una convivencia en la

Escuela Zunil para que vinieran a la capital y conocieran

una oportunidad para que sus hijas pudieran seguir

estudiando, lo que tuvo buenos resultados.

Ana María de GarcíaDecana de la Facultad de Arquitectura y DiseñoUniversidad del Istmo

Se preocupó por llevar catequistas a la finca para enseñar

a los adultos y ella misma dio clases de catecismo a los

niños, logrando introducir las costumbres católicas del

matrimonio y demás sacramentos, las devociones a la

Virgen, el rezo y misa por los difuntos, etc.

Entre sus múltiples actividades sociales participó en la

fundación del Club Jardín, fue fundadora de la Escuela

Junkabal y miembro del Patronato que ayudó a buscar

los fondos necesarios para su funcionamiento durante

muchos años.

Su interés por conocer y conservar los tejidos y trajes

típicos de los diferentes pueblos de Guatemala, la

llevó a organizar desfiles y presentaciones, una de las

cuales fue muy exitosa y conocida: Estampas de mi

Tierra. Los ingresos obtenidos con estas y otras muchas

actividades, los entregaba para ayudar al sostenimiento

económico de la Escuela Junkabal.

No dejaba pasar la oportunidad de servir al prójimo. Tras

un desafortunado accidente, que la confinó a una silla

de ruedas, siguió manteniendo su vida de piedad y su

interés por aquellas obras que había ayudado a crecer.

A pesar del dolor de una múltiple fractura de fémur y

las incomodidades de no poder moverse como estaba

acostumbrada a hacerlo, nunca perdió su sonrisa, su

palabra y gestos de cariño por quienes la rodeaban y

visitaban. Asistía diariamente a la Santa Misa, hasta

que le fue imposible seguir. Le gustaba celebrar su

cumpleaños, aun cuando su salud empezaba a menguar

y sus capacidades se iban reduciendo. Recibió con

gran alegría la Unción de Enfermos de manos de su

nieto, sacramento que recibiría muchas veces, hasta

que una mañana del domingo 14 de julio de 2013,

entregó serenamente su alma al Señor.



2

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CIó

NEl diseno como proceso proyectual de innovacion

Licenciada Ana Mercedes Gallardo Ceballos

No es sorprendente que los alumnos

ingresen a la Licenciatura en Diseño Gráfico

en Comunicación y Publicidad habiéndose

interesado en el Diseño como pura forma de

expresión pero, más todavía, en la relación

estrecha entre la disciplina y la tecnología.

Después de todo, exceptuando a los centros

escolares que poseen Bachillerato en Diseño

Gráfico, la educación secundaria no cultiva

las habilidades cognitivas creativas necesarias

para entender la complejidad del diseño como

proceso proyectual de innovación.

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El diseno como proceso proyectual de innovacion

A Rubén Fontana la formación universitaria le parece

esencial para abarcar la temática y generalidades

del diseño, entendiendo que por esta disciplina se

cruzan a diario aspectos sociales, psicológicos, históricos,

conceptuales, lingüísticos, morfológicos y metodológicos,

entre muchos otros.

Para la innovación, un cambio de mentalidad se motiva

en los estudiantes: “aprender a diseñar”. Al adquirir ese

aprendizaje, la persona se da cuenta de la importancia

del diseño para la sociedad. Generar marcas, productos,

innovar procesos, trabajar con otras disciplinas para

solucionar necesidades de comunicación, etc., no se

logra sin entender la realidad de la materia. Por lo tanto,

cabe aclarar que se solicita el conocimiento de conceptos

teóricos fundamentales para aplicar en la práctica,

en la innovación y así comprobar repetidamente que

funcionan. ¿Cómo aprender a diseñar?, ¿qué conceptos

básicos enseñar y tomar en cuenta?

Algunos podrán decir que en su oficina de diseño se

aprende principalmente cuando se utiliza el sentido

común, se escucha a los asesores y, sobre todo, al

cliente. También, mediante el intercambio espontáneo

y responsable de opiniones sobre los objetivos que

se desean cumplir y las actividades que se realizan.

Alrededor de este concepto se desarrolla una manera

de encarar los trabajos que en una primera etapa son

lentos, pero en cuando surgen la claridad y los acuerdos,

se desarrollan de manera veloz y eficiente. La práctica

cotidiana, entonces, es la que permite ratificar los

conceptos, la que confirma día a día si las ideas son

válidas o no.

El diseño y la comunicación se dan en función de

la sociedad. El diseñador tiene que ser consciente

de que se diseña para los otros y no para sí mismo.

Debe aplicar la intuición, innovar y reconocer las

circunstancias culturales de la época, así como también

estar suficientemente informado acerca de la cultura

de la audiencia de ese mensaje. Entonces la limitante

de ambas disciplinas debe ser la necesidad, el lugar

de pensamiento o tropos (término retórico) donde

las personas, usualmente receptoras, coinciden. Para

que sean disciplinas satisfactorias, como ya se sabe,

cumplen un fin, funcionan y lo hacen indiscutiblemente

mediante un determinado proceso.

A través del tiempo, diversos autores han formulado

distintas explicaciones, por ejemplo Wicious Wung

conceptualiza el aprendizaje del diseño por medio de

principios y fundamentos.

Sin embargo, la disciplina del diseño se encuentra en un

proceso de formación. Está siendo inventada a través

de la exploración de los conductos, las tecnologías y los

métodos específicos que se adaptan a las circunstancias

cambiantes de la cultura contemporánea.

Las disciplinas o artes del diseño se realizan mediante

las virtudes intelectuales de los diseñadores. Richard

Buchanan en su texto Retórica, Humanismo y Diseño

destaca que los diseñadores deben de poseer ciertas

competencias: (1) curiosos e inventivos, ir más allá al

atender problemas de diseño, (2) capaces de juzgar,

autocriticarse sobre cuáles de sus invenciones son

construcciones viables y cuáles no, dependiendo de

las condiciones; (3) capaces de relacionarse y participar

con otros, incluyendo a especialistas técnicos de distintas

áreas, en los procesos de toma de decisiones por

medio de los cuales se desarrollan productos desde su

concepción hasta su producción, distribución, desecho



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y reciclaje; (4) capaces de evaluar el valor objetivo de

los productos en términos de las necesidades de los

fabricantes, los usuarios individuales y la sociedad en

general; y (5) capaces de incorporar apropiadamente

las ideas en formas expresivas a lo largo del proceso de

concepción y planeación. Es decir que, las disciplinas

del diseño están dotadas por las habilidades retóricas

de los diseñadores.

La retórica permite la posibilidad de sistematizar la

disciplina del diseño para explicar cómo los diseñadores

inventan y desarrollan los argumentos contenidos en

sus productos y cómo los diseñadores pueden presentar

sus ideas de manera persuasiva ante los clientes y otros

miembros de los equipos de desarrollo de productos.

El patrón de la retórica en el diseño del siglo XX se

cimenta sobre los conceptos que, establecidos en la

primera etapa de la formación de la teoría retórica,

se adaptaron y desarrollaron para satisfacer a las

circunstancias cambiantes. En los primeros períodos

de la cultura occidental, cuando la retórica estaba

orientada hacia las palabras y los argumentos verbales,

las divisiones tradicionales de la retórica eran la invención

(encontrar qué decir, encontrar los argumentos), el juicio,

la disposición (planeación de la secuencia del argumento),

la deliberación (elección del vehículo adecuado para

presentar los argumentos ante los distintos públicos)

y la expresión (selección de la incorporación estilística

apropiada de los argumentos).

La deliberación en el diseño admite argumentos: los

planes, las propuestas, los bosquejos, los modelos y

los prototipos que los diseñadores presentan como

la base para el entendimiento, la acción práctica o la

producción.

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En la nueva retórica del diseño y la tecnología del siglo

XX, donde siempre el esfuerzo es superar la separación

entre las palabras y las cosas, las divisiones tradicionales

de la retórica se presentan para dar coherencia a la

investigación. La investigación del diseño en los centros

donde se combina teoría y práctica giran alrededor

de cuatro temas: invención y comunicación, juicio y

construcción, toma de decisiones y planeación estratégica,

así como evaluación e integración sistemática. Estos

temas sugieren asuntos y problemas que existen detrás

del cambiante debate sobre el diseño durante los últimos

setenta años.

El diseño es el arte retórico de darle forma a los

argumentos sobre el mundo artificial o creado por el

ser humano, argumentos que pueden llevarse a las

actividades concretas de la producción, con resultados

objetivos que al final son juzgados por los individuos,

los grupos y la sociedad.

BibliografíaAristóteles: Retórica, Madrid: Gredos, 1990Buchanan Richard: “Problemas indeterminados en el Pensamiento

del Diseño”, Ediciones de Diseño, 8, No. 2 (Primavera 1992): 5-21

Fontana Rubén: El Gallo Ciego, México: Enuadre, 2004Gutierrez M. Luis Daniel: Voces del diseño desde la visión de

Aristóteles, México: Encuadre/Universidad Iberoamericana, León, 2008.

Rivera D. Luis Antonio: La Retórica en el diseño Gráfico, México: Enucuadre, 2007

Tapia, Alejandro: 2007 Retórica de la información [en línea] <http://elarboldelaretorica.blogspot.com/2007/03/retrica-de-la-informacin.html> [consulta: 5/07/13]

Tapia, Alejandro: 2007 Las cinco partes de la retórica [en línea] <http://elarboldelaretorica.blogspot.com/2007/03/las-cinco-partes-de-la-retrica.html> [consulta: 5/07/13]



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Muchas veces los comunicadores y publicistas estamos inmersos

en un “mundo paralelo”, buscando conceptos innovadores,

que nos diferencien, dentro del mar de mensajes que están allá

afuera; o en el peor de los casos, buscando ganar premios o alguna

distinción. No digo que esto esté mal, lo que propongo es que recordemos

la esencia de la comunicación, una fórmula sencilla: “Emisor - Mensaje

(códigos) - Receptor - Contexto”. Al final de todo, nuestro trabajo es comunicar

un mensaje de forma clara; y por eso me pareció oportuno compartir este

artículo, donde se exponen estos elementos básicos que harán que nuestra

comunicación sea efectiva.

¿Qué es comunicación?

La comunicación puede entenderse como un proceso de intercambio

de mensajes entre individuos e implica la transmisión y recepción de

ideas, información y sentimientos.

Es el proceso mediante el cual un determinado mensaje originado en

el punto A llega a otro punto determinado B, distante del anterior

en el espacio o en el tiempo. Implica que exista un emisor, que inicia

la comunicación, y un receptor a quien va dirigido el mensaje. Este

proceso conlleva varios elementos:

Emisor: es la persona que se encarga de transmitir el mensaje. Esta

persona elije y selecciona los signos que le convienen, es decir,

realiza un proceso de codificación; codifica el mensaje.

Receptor: es la persona a quien va dirigida la comunicación; realiza un

proceso inverso al del emisor, ya que descifra e interpreta los signos

elegidos por el emisor; es decir, descodifica el mensaje.

Mensaje: Es el producto físico real de la fuente codificadora. Es

el código o el grupo de símbolos que se usan para transferir el

significado o contenido del mensaje. Las decisiones que se

toman al seleccionar y arreglar tanto la codificación como el

contenido, afectan nuestro mensaje.

Importancia de los codigos en la comunicacionChristian Dereck Morales, Mtro. en Diseño Gráfico con especialización en Planning

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Código: Los códigos de comunicación son el conjunto de

leyes y convenciones establecidas, conocidos de forma

común por el emisor y el receptor y que conforman el

sustrato que posibilita la comunicación. Un código es

un sistema de signos y reglas para combinarlos, que

tiene significados específicos y permite transmitir el

mensaje desde la fuente o emisor hasta el punto de

destino o receptor. El código debe ser compartido por

el emisor y el receptor para que el mensaje llegue en

forma efectiva y se de la comunicación.

Canal: El canal sería el medio a través del cual se

transmite la comunicación. Al emisor le corresponde

seleccionarlo.

Contexto: Son las circunstancias que rodean un hecho

de comunicación se denominan contexto situacional

(situación), es el contexto en que se transmite el mensaje

y que contribuye a su significado.

La consideración del contexto

situacional del mensaje es

siempre necesaria para su adecuada

descodificación. Para que se lleve a

cabo una comunicación efectiva, el

emisor debe condicionar su mensaje

(contenidos, forma, etc.) en función del

receptor (cultura, ubicación, nivel

educativo, capacidades, etc.) y

viceversa. El receptor selecciona o

da respuesta al mensaje en función de las características

y contexto del emisor. El contexto también define el

canal o medio por medio del cual se hace llegar el

mensaje al receptor y el código que se utiliza para

transmitir ese mensaje.

D

Si no utilizamos el código adecuado al contexto, la

comunicación fracasará y el receptor no recibirá el

mensaje que queremos transmitir.

Para que estos códigos sean útiles, el emisor y el

receptor deben compartir sus significados. Tanto en

el caso de los códigos lingüísticos, como en el de los

no lingüísticos, el contexto cultural es clave, porque

no sólo los idiomas varían, sino que los íconos pueden

tener distintos significados. Por eso, es importantísimo

conocer el contexto donde se llevará a cabo el proceso

de la comunicación y así poder seleccionar los códigos

apropiados.

Comunicación efectiva

La comunicación se lleva a cabo con un propósito o

intención de parte de quien inicia el proceso (emisor),

quien espera tener una respuesta de parte de quien

la recibe (el receptor).

Importancia de los codigos en la comunicacion



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DISEÑO

La comunicación efectiva es el acto de darse a entender correctamente,

usando uno o varios códigos. Es la comunicación que a través de buenas

destrezas y formas de comunicación, logra el propósito de lo que se quiere

transmitir o recibir.

Una comunicación efectiva se da cuando el mensaje logra trasmitir las ideas

que intentaba comunicar el emisor y genera una respuesta positiva del

receptor, tomando las acciones y actitudes que se buscaban al iniciar

el proceso de comunicación. La idea es que el receptor del mensaje

comprenda el significado y la intención de lo que se está comunicando.

Cuando el mensaje llega al receptor, y éste interpreta el mensaje de

manera precisa, se dice que existe fidelidad. Pero en toda forma de

comunicación se pierde algo del significado al transmitir el mensaje

de un emisor a un receptor, y la comunicación efectiva busca

eliminar o minimizar esta “fuga”.

Códigos en la comunicación efectiva

Los códigos son la base para lograr la comunicación efectiva porque en

ellos se fundamenta la transmisión del mensaje. Un código es un

sistema de signos que, por convención previa, está destinado a

representar algo y a transmitir información desde la fuente

hasta el punto de destino.

Cada signo que forma parte de un código está asociado

a una convención socialmente aceptada y representa

una idea o contenido. En otras palabras, cada signo es

la unión de un significado con un significante; es decir

un símbolo puesto en relación con un objeto, acción,

sentimiento que representa.

Por lo tanto, el código es vital para que se de el proceso de comunicación

y que el emisor pueda trasmitir en forma efectiva un mensaje al receptor y

obtenga de él la respuesta esperada.

Emisor y receptor en la comunicación efectiva

Conclusiones

• Comunicar significa transmitir ideas y pensamientos con el objetivo

de ponerlos “en común” con el otro. Así pues, necesariamente, la

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comunicación exige la utilización de un código

compartido entre el emisor y el receptor.

• Un código es un sistema de signos que, por convención

previa, está destinado a representar algo y a transmitir

información desde la fuente hasta el punto de destino.

• Para que se establezca una comunicación efectiva,

el emisor y el receptor deben tener conocimiento

común del código por medio del cual se transmite

el mensaje. Por lo tanto, el buen uso de códigos es

vital para que se dé el proceso de comunicación y

que el emisor pueda trasmitir en forma efectiva un

mensaje al receptor y obtenga de él la respuesta

esperada.

• Para captar, comprender e interpretar adecuadamente

el mensaje el receptor debe decodificar el código

usado por el emisor. Esta decodificación es un proceso

complejo porque los códigos cambian constantemente,

de acuerdo a las épocas y porque dependiendo

del contexto, los signos pueden tener diferentes

significados.

BibliografíaApoyo Lingua.com [en línea]. Denotación y Connotación.

Disponible en Internet: http://www.apoyolingua.com/gramatica/denotacion_connotacion.html

CEDE, Equipo de profesores del centro documentación. Lenguaje y comunicación. Competencia lingüística y competencia comunicativa. CEDE, Colombia. Disponible en Internet:

https://www.serina.es/empresas/cede_muestra/.../TEMA%20MUESTRA.pdf

David Gómez. Módulo 6: Comunicación Visual. 2003. Disponible en Internet:

http://cv.uoc.edu/~dgomezf/revisiografics12003/moduls/M6-e1-procesos_com_vis.htm

Eco Umberto: La estructura ausente, Introducción a la Semiótica. Disponible en Internet:

http://www.upv.es/laboluz/leer/books/eco_estructura_ausente.pdfEstudios Simbiosis [en línea]. Historia de la Comunicación.

Disponible en Internet:http://www.estudiosimbiosis.com.ar/comunicacion/historia.htmlRRPPnet [en línea]. Historia de la Comunicación. Disponible

en Internet:http://www.rrppnet.com.ar/hiscomunicacion.htmSosa Sálico, Mariano: Comunicación. Propósito de la Comunicación.

2006. Disponible en Internet:http://www.gestiopolis.com/recursos/documentos/fulldocs/

rrhh1/rrhhmariano.htm Web.2 [en línea]. Comunicación. Disponible en Internet: http://

comunicacion.idoneos.com/



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profesionalismo de un Disenador de Interiores

Hoy en día, hablar de un Diseñador de

Interiores es un tema de actualidad, su

trabajo ya no significa un lujo, sino más

bien, una necesidad. ¿En qué radica su

labor profesional?

Mónica Ajcivinac NowellBA en Decoración de Ambientes

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profesionalismo de un Disenador de Interiores

El Diseño de interiores

El diseño, a nivel general, produce fuertes estímulos

visuales, por lo que tiende a manejarse una idea

errónea sobre su vinculación exclusiva a colores y formas.

Es necesario saber que el «interiorismo» es una disciplina

especializada en donde, además de tomarse en cuenta

la estética, se estudian aspectos de funcionalidad y uso

con respecto de las actividades que se desean efectuar

o ya se realizan en cada uno de los espacios donde

habitan, transitan, conviven y trabajan los seres humanos,

tales como las viviendas, oficinas, restaurantes, tiendas

de productos comerciales, sitios recreacionales (teatro,

cines, galerías de arte, museos) e incluso jardines.

Un proyecto está respaldado por una investigación sólida

y una planificación, acompañadas de entrevistas, lecturas

e indagación que buscan soluciones óptimas, prácticas

y viables para materializar las ideas y necesidades que

demandan los usuarios. El proceso también integra el

conocimiento y habilidad de un equipo multidisciplinario,

en el que cada miembro aporta lo mejor de sí.

Es un servicio orientado al cliente, en el que se sensibilizan

gustos y armonías, a través de una comunicación asertiva,

confiable y productiva.

Los rasgos culturales de cada sociedad generan tendencias

inmediatas que influyen en el desarrollo de cada espacio;

se recrean sensaciones a partir de la combinación de

materiales, texturas, iluminación, ventilación, mobiliario

y objetos ordinarios como peculiares que hagan de

cada sitio una unidad coherente y personalizada; es ahí

donde radica la necesidad de esta profesión, entender

la personalidad de cada usuario, para ofrecerle la mejor

respuesta a su demanda.

Los diseñadores de interiores, ¿necesitan

estudios universitarios?

Sí, la educación es una herramienta evolutiva, conectada

desde siempre al ser humano: aprender y enseñar es

una actividad natural, sobre todo, necesaria; ya que

impacta directamente en la cultura propia de cada país.

Una carrera educativa, ya sea técnica, científica o

intelectual, siempre apoyará el talento y habilidad de

una persona, puesto que la teoría también fortalece

la conciencia y racionalidad de los seres humanos;

permite indagar y explotar capacidades cognitivas con

el fin de encontrar respuesta a uno y varios «por qué».

En cuanto a diseño, específicamente, me gusta hacer

referencia a las sociedades primitivas alrededor del

mundo, ya que desarrollaron procesos de creación

y fabricación de forma muy empírica y en respuesta

a las necesidades diarias que surgían, tales como

comer, caminar, dormir. En un inicio fueron nómadas

y más adelante se convirtieron en sedentarios, cambio

que les obligó a construir viviendas, palacios, sitios

recreacionales y religiosos que eran complementados

con ornamentos elaborados por artesanos, escultores

y pintores, quienes empleaban materiales naturales

(rocas, tintes, tejidos y pieles de animales).

En mi opinión, todo lo anterior fue de muy buena calidad,

ya que hoy por hoy muchas de dichas construcciones



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permanecen en pie y fomentan la actividad turística

en distintos países. Sin embrgo, las sociedades siempre

cambian ya que sus integrantes, naturalmente, ansían

evolucionar y uno de los medios que han fortalecido

para el efecto, es la educación.

Algunos de los interioristas más reconocidos, por su

trabajo y desempeño profesional, son nativos de países

industrializados en donde desde inicios del siglo XX se

promovió la estandarización y organización de programas

de estudio que fortalecieran, con una formación técnica,

las capacidades artísticas de los seres humanos. En

este tiempo la palabra «diseño» cobra vida y busca

el desarrollo de metodologías proyectuales que se

enfoquen en solucionar problemas y necesidades, en

relación al uso de objetos y realización de actividades

cotidianas, apoyando también la economía regional:

• Alemania, donde se originaron las primeras Escuelas

de Diseño (Deutsche Werkbund, 1907; Bauhaus,

1919; Ulm, 1955) que promocionan a los diseñadores

como consejeros artísticos, especializados en un

trabajo manual y utilitario.

• Estados Unidos, que después de la Segunda Guerra

Mundial recibió a expertos alemanes quienes se

encargaron de inducir la corriente del “Good Design”.

• Inglaterra fomentó una aproximación científica al

diseño con la fundación del Royal College of Art

(1961) y un departamento de investigación de diseño

dentro del mismo.

• Italia impulsó escuelas de investigación en diseño,

ligadas al arte e ideas vanguardistas; los diseñadores

italianos se formaban como arquitectos y más adelante

se especializaban como artistas individuales. Son

reconocidos por su «Diseño Radical» a partir del

cual fabricaban objetos sofisticados, vanguardistas

y decorativos (muebles, lámparas, accesorios).

• España definió el diseño como un fenómeno cultural,

más que económico; en 1957 se fundó el Instituto

de Diseño de Barcelona, el cual generó el deseo

de instalar otras escuelas de la misma temática.

Actualmente, las empresas de diseño están integradas

por profesionales de distintas ramas complementarias,

por lo que ofrecen un servicio flexible y cargado de

diversidad creativa.

• Francia, apoyó actividades de creación y estética

desde finales del siglo XIX pero a los diseñadores

sólo los reconoce como «estilistas»; ha participado

en la creación de consejos internacionales de diseño

y es la nación de origen de Philippe Starck, uno de

los mejores interioristas del siglo XXI.

Latinoamérica, evidentemente, ha tenido un desarrollo

diferente; por lo que es a partir de la década de los 60,

fruto del tráfico de información e influencia de los países

mencionados anteriormente, cuando se involucra el

«diseño» en la oferta educativa de la región: Argentina

con las Universidades de La Plata Y Mendoza, el Instituto

de Diseño de Rosario (1962), las carreras de Diseño en

la Universidad de Buenos Aires/UBA (1980) y, Brasil y

México, con programas que promueven la identidad

y creación local.

Si se hizo un rápido recuento de cómo la formación

educativa en cada región ha promovido avances sociales,

Ejemplo de diseño radical italiano.

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económicos y culturales a través de los años, es para

resaltar la importancia de una identidad nacional y

cómo los ciudadanos pueden impulsarla, a través de

la observación y valoración del talento y capacidad de

cada uno de los integrantes de la sociedad.

Eso se logra aprovechando su labor profesional a favor

de una mejor calidad de vida, haciendo a un lado los

tabúes de fuertes influencias internacionales que refieren

el trabajo de un interiorista como un lujo o capricho, y

favoreciendo un diseño de calidad, accesible, eficiente,

efectivo, comprometido y sobre todo, guatemalteco.

¿Ser profesional o ser persona?

Lo planteo como una interrogante, ya que a menudo

conozco personas que practican profesiones laborales

y sólo se preocupan por destacar la tenencia de un

«título» por encima de quienes realmente son como

personas y los roles que desempeñan como hombres

o mujeres.

Si bien se habló sobre la formación educativa y su

importancia, esto no significa que lo intelectual

debe ser desligado del sentido humanístico

de la vida; por el contrario, el aprendizaje

debería ser una actividad entretenida,

asertiva e integradora, en la que también

se deben abarcar los valores de disciplina,

respeto, responsabilidad, organización y

ética, adoptándolos como un compromiso

individual y colectivo. Los padres y madres

de familia son los primeros educadores en

cada hogar y más adelante, ya vendrán otros

maestros en centros educativos primarios,

básicos y universitarios, que apoyen

esta tarea.

Desde mi perspectiva, considero

que la educación, en Guatemala,

es generalmente dictatorial, en el sentido que todos

acuden a ella por obligación o seguimiento de un patrón.

No existe una comunicación asertiva entre adultos y

niños e incluso entre adolescentes y los mismos adultos

en la que se puedan explicar las razones coherentes y

reales de por qué asistir a una institución educativa.

En lo personal, creo que sería mejor manejar un diálogo

sincero, en el que se expliquen las razones de la importancia

del estudo y de lo que implica ‘aprender’. Las personas

crecerían con otra visión, plantearían metas más firmes y

tomarían mayor responsabilidad sobre cada acción que

realicen. Los patrones de comportamiento cambiarían,

las próximas generaciones entenderían la educación

como una puerta al desarrollo como personas, que

directamente influiría en las sociedades. Los seres

humanos se tomarían el tiempo de ser autónomos y

conocerse a sí mismos, dejando a un lado la actitud

de idolatrar su talento o inteligencia, entendiendo de

dónde provienen sus capacidades y el origen de la vida.

Se puede ser profesional, pero antes, se debe ser persona.



14

Ten

den

cia

Coalicion de Tecnologia y

Licenciada Manola Floresdiseño

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Por largo tiempo los entusiastas de la tecnología,

arquitectos y diseñadores han batallado con la

paradoja de considerar la integración de los sistemas de

tecnología a su trabajo, ya que estos parecen representar

adaptaciones complejas que pueden alterar la armonía del

diseño arquitectónico de cualquier espacio. Sin embargo,

este “aparente reto” presenta oportunidades únicas que

alrededor del mundo ya están siendo aprovechadas.

Tal es el caso del primer lugar en 2012, otorgado

por la AMDI (Asociación Mexicana de Diseñadores

de Interiores) a un apartamento en México que está

completamente automatizado. Este prestigioso galardón

en años anteriores lo habían ganado proyectos como

un museo mexicano. Aunque este hogar no tiene el

tamaño de un museo, cuenta con un estilo único,

digno de una obra de arte.

De esta manera observamos que la tendencia de la

domótica y las nuevas construcciones inteligentes son

producto de adaptar la tecnología disponible al diseño.

Tal es el caso de la artesanía, que ahora es posible

moldearla a un proyecto, de manera que cualquier

arquitectura extraordinaria tenga el potencial de ser

impresionante. La automatización es una directriz que

asegura el inmueble para el futuro, porque incluye toda

la tecnología de vanguardia que le gustará y podrá

satisfacer al comprador del mañana. Honrando los

diseños arquitectónicos, busca incorporar las prioridades

en entretenimiento, comodidad y eficiencia.

La clave para que la aplicación de de la automatización

sea transcendente está en formar un equipo que esté

completamente cohesionado de principio a fin. De

esta forma trabajamos en Aktiva con los arquitectos,

ingenieros y diseñadores de los proyectos para evaluar

las necesidades de los clientes. Como expertos, sabemos

que para lograr la perfecta y sutil incorporación de

la tecnología a todo espacio no basta con colocar

“inteligentemente” unas cuantas pantallas plasmas.

Para obtener resultados fascinantes, es necesario hacer

que los sistemas logren mimetizarse con la decoración

del espacio y prácticamente queden escondidos dentro

de los techos, paredes, fachadas y mobiliario.

A través de la experiencia hemos descubierto los

beneficios que un inmueble inteligente posee que

hoy queremos compartir con usted:

BASADA EN CONTROL: la automatización le brinda

el poder de decidir y diseñar todos los elementos de

sus espacios. Desde la intensidad de la iluminación, la

música en cada ambiente, las cerraduras de medios de

ingreso, las horas a las cuales se deben abrir las cortinas;

hasta controlar la demanda de energía lumínica de

una residencia o edificio; todo esto controlado desde

la palma de la mano. A través de cualquier dispositivo

móvil un inmueble inteligente puede trabajar con solo

el toque de un botón.

DISEÑO HABITABLE: un inmueble inteligente puede

garantizarle que jamás volverá a hacer cosas como

apagar las luminarias, o asegurarse que todas las

puertas queden cerradas. Además de brindarle estas

comodidades, un inmueble inteligente crea el escenario

que sus habitantes deseen según su estado de ánimo,

de esta manera puede hacer que el inmueble esté listo

para recibir invitados o para pasar una velada íntima

con la familia o la pareja.

STATUS y +VALÍA: la habilidad de que todos los sistemas

trabajen para sus dueños, con fidelidad y de manera

eficiente, puede cambiar las percepciones que tengan

de ellos mismos. Por ejemplo, en diseño de interiores

corporativos a través de sistemas de audiovisuales

integrados se pueden realizar videoconferencias en

tiempo real y presentaciones que transmitan contenidos

multimedia desde cualquier parte del mundo, marcando

un valor diferente que eleva la imagen de los mismos.



16

Consistentemente se ha observado que la integración

de esta tendencia puede elevar el valor de un inmueble

en un 10%.

INTEGRACIONES SIMPLEMENTE SOSTENIBLES:

la automatización tiene beneficios que van más allá

de la estética y la comodidad, porque la eficiencia

energética forma parte de ella. Se ha comprobado que

el control de iluminación garantiza ahorros de hasta un

60%. a través del control de la atenuación, el uso de

cortinas motorizadas, sensores de ocupación/vacancia,

programación astronómica y respuesta a la demanda.

DISEÑO DE UNA VIDA MÁS FÁCIL: la integración

de sistemas inteligentes se encarga de atender las

necesidades más allá del entretenimiento, el sonido

y la iluminación, tal es el caso de la seguridad, ya que

permite integrar los sistemas para enviar notificaciones

combinadas entre el correo electrónico o los mensajes

de texto con el control de las cámaras que permite a los

dueños observar sus residencias desde cualquier parte

del mundo. De igual manera se puede programar la hora

de encender los sistemas de audio y entretenimiento

para que funcionen como disuasivos hacia extraños.

Las posibilidades son infinitas, entre las cuales está la

capacidad de permitir que en inmuebles donde se tienen

niños o pacientes con discapacidades sean cuidados

por sistemas de cámaras y sensores que colaboren con

garantizar el bienestar de los mismos. Ejemplo de ello

tenemos integraciones como las que realizaron los dueños

del apartamento anteriormente mencionado, quienes

con el nacimiento de su primer hijo realizaron ciertas

adaptaciones a los sistemas, para que les ayudaran con

la dura tarea. Los cambios fueron, la instalación de una

pantalla táctil de 7” con cámara y micrófono integrado

la cual, está conectada al sistema de entretenimiento

permitiéndoles chequear al bebe mientras ellos están

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17


disfrutando de algún programa de TV. Además a través

del control del sistema de audio ponen canciones de

cuna mientras él pequeño duerme en su habitación.

De esta manera, los sistemas de

tecnología se han desarrollado para

las diferentes necesidades que puede

tener un inmueble. Ciertamente en

todas las fases del diseño de un

proyecto se evalúa e imagina como

será cuando todo el bosquejo cobre

vida, que matices y colores lo llenaran

día a día, es entonces como hoy en día

encontramos que la combinación y los

detalles de esta tendencia garantizan

que el resultado puede ser impresionante

permitiéndonos abrir un nuevo horizonte

en el diseño, una nueva alternativa para innovar y

ampliar la creatividad. Este es un horizonte nuevo,

es una coalición o más bien es la formación de una

amalgama perfecta entre tecnología y diseño que

permite distinguir a un líder del resto. Permitiendo

descubrir diseños habitables, diseños revolucionarios,

esta es una nueva herramienta para aquellos amantes

de imaginar cómo se verá, cómo quedará plasmado

su diseño, en el futuro.



18

Coleccion Olga Alejos de Miron

-COAM- Mtra. Carmen María del Rosario Miralbés de Polanco

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A principios de los años 1990, la Colección Olga Alejos

de Mirón -COAM- fue donada por su dueña al

-IFES- Instituto Femenino de Estudios Superiores. Es una

colección de tejidos indígenas que, al ser inaugurada

la Universidad del Istmo, fue trasladada a la Dirección

de Diseño Industrial con especialización en Vestuario,

dirección adjunta a la Facultad de Arquitectura.

Cuando se recibió la donación de la COAM en el IFES,

se percibía como una colección valiosa que podía usarse

como objeto de estudio y manipularse sin restricciones

de conservación. Todavía se cuestionaba la urgencia

de guardar los trajes indígenas porque en Guatemala

no se reconocían como patrimonio cultural, pues

su valor histórico y etnográfico era popularmente

desconocido. No se percataron inmediatamente del

tesoro que tenían entre manos, a pesar de que,

en décadas anteriores se habían publicado varios

estudios, principalmente escritos por profesionales

extranjeros (O´Neale, Popenoe, etc.), los cuales

propiciaron un nuevo enfoque hacia la cultura

indígena guatemalteca e incentivaron el rescate

de los tejidos locales. Ahora se está reevaluando

el papel que desempeña la COAM en función

de la conservación de la cultura y de la historia

de la tradición textil guatemalteca.

La diversidad y colorido de los trajes indígenas y

las diferentes formas de tejerlos, de adornarlos

y de vestirlos fueron, probablemente, algunos

de los incentivos que motivaron a la Sra.

Alejos de Mirón a conformar su valiosa

colección de tejidos etnográficos. En los

Página opuesta, huipil de luto, usado por las mujeres de Quetzaltenango, Quetzaltenango. c.1970.

Esta página, fajas usadas por las mujeres de Totonicapán, Totonicapán. (De izq. a der.: c.1980, 1940, y 1960).



20

años 1950, cuando ella comenzó a recolectarlos, todavía

no se había popularizado la afición de coleccionarlos.

Doña Olga visitaba asiduamente las comunidades

donde adquiría los objetos y para poder relacionarlos,

entrevistaba a personas indígenas prominentes y tejedoras

de quienes obtenía información sobre el uso de las

prendas y su contexto cultural. De esta forma, adquirió

el conocimiento necesario para formar una colección

ordenada con objetivos definidos. Se preocupó por

incluir prendas que documentaran los cambios y estilos

de la indumentaria, los cuales surgieron durante las

décadas que ella coleccionó. Pero además, buscó tejidos

de épocas anteriores para documentar parte de la

historia de la tradición textil. De esta cuenta, logró

adquirir objetos especiales e interesantes que datan

de finales del siglo XIX hasta los años 1990, cuando

dejó de coleccionar. Su temporalidad se extiende más

o menos un siglo.

La colección contiene 2970 objetos registrados con

tarjetas escritas por la coleccionista, y revisadas por la

Sra. Olga Arriola de Geng. Éstas últimas incluyen algunas

fechas y notas sobre la elaboración de los tejidos, el

nombre del lugar de origen y algunas veces, notas

etnográficas que dan valor a la colección. También se

incluye un lote de objetos que carecen de sus tarjetas

respectivas, el cual fue entregado posteriormente a

la UNIS. Es por esto que se calcula que el número

de objetos ascienda a más de 3200. Incluye ítems

originarios de ciento doce comunidades diferentes,

ubicadas en dieciséis departamentos; están representados

dieciséis grupos lingüísticos, lo que incrementa su

valor intrínseco; la calidad de las piezas en general es

excelente, aunque sí existen algunas que necesitan

tratamiento de conservación curativa.

La colección documenta variedad de estilos, usados

según los cargos que ostentaban los usuarios dentro de

la jerarquía religiosa y municipal; prendas ceremoniales,

de uso diario, de luto: y otras especiales, con las que

vestían a los santos: entre otras. Por el número de trajes

completos que se pueden conformar, aparentemente, uno

de los objetivos de la coleccionista fue el de conformar

una colección de trajes completos, cualidad que le da

un valor agregado.

La cultura es dinámica y cambia constantemente, hecho

que se refleja en los trajes indígenas a través de cambios

de estilo, de tendencias en colores y materiales que se

reflejan en las prendas que, aunque conservan su forma,

muchas han perdido sus rasgos distintivos. Asimismo,

se incluyen elementos modernos que hacen del traje

una expresión cultural y social que requiere un estudio

constante.

La guerra, los acuerdos de paz y los proyectos para la

revaloración de la cultura maya, han propiciado una

visión diferente de la importancia de las colecciones

de los tejidos mayas, convirtiéndose en un medio de

resguardo del patrimonio tangible e intangible, cuyo

valor y bienestar es imperativo registrar y conservar

para generaciones futuras.

Datos históricos que dan contexto al

patrimonio maya-textil

La historia de la tradición textil guatemalteca se sustenta

en más de dos mil años de existencia y se evidencia en

los documentos antiguos donde aparecen personajes

mayas ataviados con prendas diversas y complejas. Pocas

perduraron, pero los estilos modernos de tocados, fajas,

huipiles, cortes, entre otros, son reminiscentes de épocas

anteriores. Para tejer la indumentaria de personajes

importantes, se utilizaba la fibra que se obtenía de

la planta de algodón, para el resto de la población

se usaba la que se obtenía del maguey. En moldes

y figurillas de cerámica, los artesanos prehispánicos

dejaron registro no solo de las prendas, sino también

de las técnicas utilizadas para tejer las telas con el

telar de cintura. Los motivos con que se adornaban, se

lograban con hilos suplementarios que flotaban a través

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21


Su‘t o paño de cabeza, usado por los hombres para asistir a ceremonias religiosas o públicas. Chichicastenango, Quiché. ca. 1935.



22

de la urdimbre para formar los motivos brocados, los

cuales se hacían mientras se tejían las telas, costumbre

que ha perdurado hasta ahora.

Las prendas emblemáticas del traje femenino moderno

son el huipil o blusa y el corte o falda, ambas de

origen prehispánico; mientras que del masculino solo se

conservó el maxtátl o taparrabo, cuyo uso se mantuvo

hasta principios del siglo XX.

La influencia europea se percibe en el uso de fibras de

origen animal (lana y seda); en la adaptación al uso

del telar de pie; en la forma de bordar con agujas de

metal: y en la incorporación de materiales europeos

para adornar la indumentaria, como encajes, listones,

mostacilla y lentejuelas que se aplicaban a las telas

o en las prendas para engalanarlas. Asimismo, los

hombres adoptaron prendas masculinas como sobre-

pantalones, sacos, sombreros de fieltro, capas de corte

acampanado con cuellos grandes, entre otras, mientras

que las mujeres incorporaron a su vestimenta velos,

faldas plegadas y cuellos o golas.

No es sino hasta finales del siglo XIX y principios del XX,

cuando arqueólogos y etnógrafos extranjeros llegaron a

Guatemala y pusieron en evidencia el carácter distintivo

y complejo de los trajes modernos. Algunos trajes

actuales presentan características de los que se usaban

hace más de cien años, mientras que otras se han

perdido. El traje femenino actual se distingue porque

ya no es el tejido con telar de cintura; se ha vuelto

monocromático; el huipil está

siendo sustituido por una blusa

de tela comercial elaborada

en maquilas artesanales y el

corte se hace por encargo

según el diseño y el colorido

requeridos por la compradora.

Las fajas las compran en

los mercados, muchas se

bordan con mostacilla y otras a máquina con diversidad

de diseños florales, geométricos, antropomorfos o

zoomorfos. Además se han popularizado los delantales

y los suéteres.

La moda ejerce una influencia innegable, no sólo en el

modo de vestir, sino en muchos ámbitos de la vida de

las personas. Sin embargo, se contrapone a la tradición

artesanal y a la forma distintiva de vestirse que, hasta

ahora, ha predominado en las sociedades indígenas y

que difícilmente puede relacionarse con las imposiciones

que requiere el “seguir la moda”. Este concepto carecía

de sentido en el contexto cultural local hasta hace

muy poco tiempo. Sin embargo, es innegable que las

formas del huipil y del corte se conservan y que son

prendas emblemáticas de la cultura maya que hacen

que el traje sea distinto de los del resto del mundo.

Su uso ha trascendido hasta el presente y todavía se

enmarca en las tradiciones de los grupos que conviven

en Guatemala.

Importancia y futuro de la COAM en función de

la UNIS

En el mundo moderno de la conservación del patrimonio

tangible, la tendencia se dirige al resguardo de las

colecciones como un todo, previniendo y monitoreando

los factores de deterioro (control de la humedad relativa,

de la luz, de la temperatura, de las plagas y de la

contaminación ambiental) y propiciando una manipulación

adecuada de los objetos, mientras éstos se encuentran

Cuadro No. 1. Piezas que componen la colección COAM1 alforja 1 casaca 8 gorras 57 sombreros20 blusas 1 caites 542 huipiles 6 ponchitos 30 bufandas 123 cintas 1 jubón 19 sacos 3 calzones 274 cortes 17 lienzos 145 servilletas16 calzoncillos 5 cuellos 60 manteles 75 sobre - huipiles118 camisas 14 delantales 26 mantos 9 sobre - pantalones10 camisetas 1 estameña 21 morrales 19 rodilleras1 camisola 23 faldas 472 paños o su´t 21 tapetes1 camisón 434 fajas 23 pañuelos 3 toallas7 capas 4 fustanes 131 pantalones 13 velos42 capixaij 2 gabanes 129 perrajes

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en la bodega de almacenaje o en exhibición. Estos

factores podrán ser controlados, mediante un sistema

de medidas adecuadas con las que se logra prevenir

los daños y corregirlos cuando ya se ha afectado la

integridad de las colecciones. La colección “Olga Alejos

de Mirón” es un patrimonio tangible importante que

merece resguardarse, pues incluye prendas únicas de

gran valor cultural y etnográfico.

Los objetos representados en la COAM servirán como

material de investigación y medio de aprendizaje

para contextualizar la colección y relacionarla con las

comunidades de origen y con las raíces propias de la

cultura maya. El acceso y la información hacen de las

colecciones documentos esenciales de estudio para

enriquecerlas y darles contexto cultural, histórico y

antropológico.

La falta de registro de la historia indígena hace que

cualquier colección que ayude a documentar la historia

y el desarrollo de la tradición textil, se evalúe en función

de su representatividad, calidad, diversidad de los objetos

y documentación.

Se puede concluir que la COAM es un documento

histórico integrado por objetos valiosos, que debe

organizarse, conservarse, almacenarse y documentarse

adecuadamente para poder accederla. Es un patrimonio

tangible, cuyo valor se incrementará, una vez esté

accesible para su estudio. Trasciende al plano intangible,

cuando se analice y documente la información que

los tejidos esconden.

Detalle de sobre-huipil de Santa Lucía Utatlán, Sololá, que aparece en la contraportada.



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AS

OD

IAsociacion de Interiorismo de Guatemala

“Queremos dar a conocer qué hacemos y cómo lo hacemos”,

asegura Gloria de Cervantes, presidente actual de la asociación.

ASODI se define como una institución sin fines de lucro,

que busca reunir a los mejores interioristas de Guatemala.

La idea de conformar ASODI surge con el objetivo de

forjar una alianza multidisciplinaria en el campo de diseño,

fortaleciendo y apoyando a los asociados, quienes ya son

profesionales en la rama.

Tienen como fin apoyar a estudiantes de diseño y arquitectura

a través de capacitaciones, actividades de investigación,

entrenamiento y práctica; busca funcionar como plataforma

para que los nuevos interioristas se den a conocer, promover

oportunidades de trabajo dentro y fuera del país, así como

pasantías en el extranjero.

Mónica Ajcivinac Nowell, BA en Decoración de Ambientes

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Los beneficios aplican según el tipo de afiliación, pero

ofrecen publicación de portafolios e información de

empresas en su página web, descuentos y precios

especiales para compras en tiendas afiliadas, cursos

y conferencias, acceso a empresas de reclutamiento

de personal; entre otras.

El pasado 1 y 2 de agosto, se desarrolló el Primer Congreso

de Interiorismo en Guatemala bajo la organización de

ASODI y con la temática “Tendencia e Identidad del

Interiorismo en Guatemala”; se congregaron especialistas

de Latinoamérica, España y Guatemala.

A mediano y largo plazo, buscan crear lazos asociativos

con entidades internacionales de este tipo, en países

latinoamericanos y europeos, incluso con la IFI (The

International Federation of Interior Architects/Designers)

que es la máxima representación de interioristas a

nivel mundial.

REFERENCIAS:• Entrevista con Gloria de Cervantes, presidente de ASODI.• Socios fundadores. “Cápsula Informativa ASODI”. Mayo

2013, Guatemala.

El equipo de socios fundadores está conformado por 16

miembros dentro de los cuales se eligió una junta directiva,

integrada por la Licda. Gloria de Cervantes (Detalles

Interiores) como Presidente, el Arq. Carlos Porras (Famex)

de Vicepresidente Comercial, la Arq. María Eugenia

Mayen (Atelier Taller de Espacios) de Vicepresidente

Ejecutivo y la Dra. Yvonne Deutschmann (Directora

BADA, Universidad del Istmo) como Vicepresidente

Educativo, también funciona una secretaria, una

tesorera y tres vocales; quienes en conjunto poseen

más de quince años de experiencia laboral en ámbitos

apegados al interiorismo (empresas, docencia a nivel

universitario, promoción de formación académica de

calidad y reconocimiento nacional e internacional).

ASODI ofrece tres tipos de asociación:

• Interiorista: todo profesional en el campo de diseño.

• Estudiante: carreras afines.

• Protector: empresas/personas dedicadas a la

comercialización, producción, distribución de

cualquier artículo, material, equipo, maquinaria

relacionado a proyectos de diseño y construcción.

Lección Inaugural "Identidad, Design Thinking", por la Arq. Ana María de García en el Primer Congreso de Interiorismo en Guatemala, bajo la organización de ASODI.



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El Centro de

Thrissur, IndiaArquitecta Andrea Monedero Morales

Desde hace poco tiempo vivo en el distrito de

Thrissur, una ciudad muy antigua considerada

la capital cultural de Kerala, estado al Sur de la India.

Por primera vez me encuentro en un espacio urbano

que no tiene sus orígenes en el modelo cristiano, y

siempre me preguntaba cómo se organizaba el centro

histórico de una ciudad al ser exenta de la catedral y

de su respectivo espacio abierto.

Así como muchas ciudades en la India, hace pocos años

Thrissur se encontró con el crecimiento acelerado del

paisaje urbano, fenómeno característico de las ciudades

que enfrentan la globalización de golpe. De pronto,

los vehículos y los edificios inundan la ciudad, y ésta

se adapta a ellos, y no al revés. En consecuencia, los

servicios públicos están lejos de favorecer al ciudadano

en su naturaleza primaria de peatón, transformándose

en una ciudad no inclusiva.

Las amplias y agitadas calles que lo rodean son

popularmente conocidas como el “Round”. Circundan

una colina oficialmente llamada Thekkinkadu, que

Templo de Vadakkumnathan

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alcanza un área de 65 acres (263,000 m2) y se trata

nada menos del redondel más grande del Sur de Asia.

Considerando el tamaño, su posición y la planicie de la

ciudad, este espacio se hace incluso más interesante.

En Malayalam, el nombre significa Bosque de Teca,

lo que solía ser hace muchos años. Además de ser un

área verdaderamente peculiar, en la cima y centro de

la colina se encuentra el famoso Vaddakumnathan, un

antiguo templo hindú dedicado al Dios Shiva.

Según arqueólogos, algunas de las estructuras del complejo

no tienen menos de 900 años. El Vadakkumnathan es

el templo más grande y distinguido de Kerala. Abarca

un área de tres acres, tiene tres templos principales, y de

las numerosas estructuras, destaca arquitectónicamente

el Koothambalan, (teatro) utilizado para presentaciones

de danza y discusiones religiosas. El templo es un sitio

ejemplar para apreciar la arquitectura tradicional de

Kerala. La calidad de las estructuras de madera es

inspiradora tanto en escala monumental como en detalle.

En estos últimos, 300 artesanos han trabajado en la

conservación del Templo, y cualquier trabajo creativo

es un medio a través del cual los artesanos establecen

una comunión con lo divino.

El edificio que vi el día que visité el Thekkinkadu, era

una de las cuatro entradas del templo (Padippura),

poco hubiera importado si ese día me hubiera acercado

a una de las puertas pues el ingreso al templo es

exclusivo para hindúes.

El templo debe gran parte de su fama al Thrissur

Pooram, por ser el anfitrión anual desde hace 300

años. En el siglo XVII, el famoso gobernante Saktham

Tampurán ordenó talar los arboles del bosque, y se dice

que creó el festival para alegrar a los dioses, quienes

estaban molestos por este hecho. El evento ha sido

recientemente considerado por la UNESCO para ser

patrimonio mundial, y ya es reconocido como uno de

los festivales más importantes del mundo.

El Koothambalan



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La espera del festival está en boca de todos los Malayalees

(Ciudadanos de Kerala) y le da carácter a una ciudad

que se confunde entre dos tendencias, la tradicional

y la ‘moderna’. Mi emoción era incluso mayor porque

además de asistir el festival por primera vez, podría

ingresar al famoso templo, pues la regla se omite solo

una vez al año, cuando se celebra el Pooram.

Desde tempranas horas de la mañana en el primer día

del festival, yo estaba en las calles viendo las procesiones

de elefantes que caminan hacia el Thekkinkadu, los

elefantes, representantes de los dioses, salen de sus

templos a las calles a celebrar con la gente. El concepto,

la música, las emociones y toda una energía contundente

me hizo pensar en la impresión de los turistas que

viajan desde lejos para ver las procesiones de Semana

Santa en La Antigua Guatemala.

Los elefantes vienen de todos los templos vecinos a

encontrarse en las tierras del Vaddakumnathan, y el

clímax del festival sucede cuando los dos templos más

importantes desfilan para competir uno frente al otro,

en medio de una multitud de más de 100 mil personas,

que celebran, bailan y apoyan el desfile.

Templo de Vadakkumnathan

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El festival dura 36 horas y en las mañanas el ambiente

es mucho más tranquilo. Estaba ansiosa por entrar al

templo, al fin y al cabo la reacción psicológica siempre

es alterada al encontrarse con los interiores de una

catedral. Puesto que poco conozco del hinduismo y la

palabra ‘tradicional’ en arquitectura no siempre lleva

tanto entusiasmo para mí, me sorprendió mi reacción:

sentir la necesidad de contemplar las obras, un despertar

hacia un nuevo tipo de espacio. La composición de las

icónicas figuras perfectamente geométricas superó mis

expectativas más allá de mis sensibilidades espaciales

en una manera tan sutil, que solo sugieren silencio y

un respeto único hacia los monumentos.

Si este tipo de arquitectura es una personificación

de los dioses, solo les atribuye aptitudes de nobleza.

Siendo arquitectura que tiene como objetivo conectar

al ser humano con una fuerza superior, no dudo que

no cumpla su propósito.

Sin embargo, los encuentros que suceden adentro de

una catedral son tan maravillosos como los que suceden

afuera, en la plaza, en el parque… existe una magia

acogedora de las conexiones humanas en este tipo

de espacios públicos. En el Thekkinkadu, el contraste

emocional entre la complejidad del espacio que se

desarrolla dentro y fuera de la muralla del templo se

siente en demasía.

Un espacio con tanto potencial podría ser parte integral

de su comunidad, más allá de ser el sitio donde se

desarrolla el Pooram. Para mí, la intensidad del festival

puede ser una señal de que sus habitantes están en

búsqueda de pertenecer a una memoria colectiva, de

experimentar las conexiones humanas en días ordinarios.

De esta expriencia puedo concluir que pareciera ser

que un espacio público es un sumario simbólico del

comportamiento antropológico de su comunidad.

Bibliografía:Experiencia personal de la autora durante el trabajo de investigación desarrollado para documentar el proyecto de restauración del templo.

Interior del Koothambalan



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Hoy día, la arquitectura suele catalogarse como el

“arte y técnica de proyectar y diseñar edificios

que forman el entorno del ser humano”, sin embargo

esta definición deambula sobre el cuestionamiento

de cuando la arquitectura debe considerarse obra

de arte. Para esto, debemos tomar una noción más

concisa. Boullé afirma que: hay que concebir para

obrar. La creación que constituye la arquitectura es una

producción del espíritu por medio de la cual podemos

definir el arte de producir y de llevar a la perfección

cualquier edificio [1]. Como se puede entender, la

arquitectura es más que una simple construcción a

las cuales solemos estar acostumbrados ver dentro

y fuera de la ciudad, es más un reflejo del carácter

espiritual del ser humano en el tiempo, un inconsciente

que hace trascender su significación para así poder

integrarse al contexto.

Para considerar cuando la arquitectura es obra de arte,

debemos tomar en cuenta varios factores que permitan

¿CuáNDO ES LA ARquITECTuRA UNAobra de ARTE?

Peter Zumthor, Therme Vals, Suiza (1996)

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Mtro. en Arquitectura Wolfgang Schoenbeck

entender que no toda arquitectura es una obra de

arte, principalmente en la actualidad. Así como las

demás disciplinas del arte (pintura, escultura, etc.); la

majestuosidad por la que son recordadas y consideradas

a gran cantidad de interpretaciones y críticas se debe

gracias al alto grado de trascendencia a lo largo del

tiempo. Es decir, las obras han adquirido fuerza e

importancia debido a sus cualidades no sólo técnicas

sino también espirituales, dónde estas propiedades

facilita clasificarlas dentro del arte.

¿CuáNDO ES LA ARquITECTuRA Asimismo sucede con la arquitectura, para que pueda

catalogarse como obra de arte, la arquitectura debe

trascender. ¿Pero cómo catalogarla?, una iniciativa sería

tomar su belleza; pero de esta deriva otro problema, no

todos poseen la misma apreciación y cualidad interpretativa,

por ejemplo, un crítico de historia del arte no posee la

misma opinión que un simple espectador, de

aquí nacen dos interpretaciones de belleza

que nunca llegarán a ser concordantes. Ahora

bien, trascender la mera utilidad en belleza

es el fin de la arquitectura. Es un fin ético

y también estético. La edificación que no

se plantea esta disyuntiva, queda en eso,

en mera edificación y no trasciende. Arte y

arquitectura son una misma cosa si atendemos

a su fin. [2]

Entonces, la idea de clasificar la arquitectura

como obra de arte debe abarcar los factores

de espiritualidad, trascendencia y belleza,

para así poder determinar que sí y que no de

la arquitectura es lo que debe considerarse

como obra de arte. En síntesis, el arquitecto

es la clave para que la arquitectura logre ser

una obra de arte. Actualmente contamos con

una gran variedad de arquitectura deficiente,

carente de fundamentos y cualidades estéticas,

por la cual frustra a la buena arquitectura

a ser catalogada como obra de arte. Toda

concepción de la obra debe poseer una razón; nada es

bello si algo carece de inteligencia. [3] La arquitectura

como obra de arte, es una resultante de principios e

inquietudes del artista (arquitecto) para transmitir sus

cualidades espirituales de espacialidad y materialidad.

[1] Boullé. En: Arquitectura. Ensayo sobre el arte [2] Vaca Bononato, Alejandro. En: Arte y Arquitectura. Revista

Summa+. Buenos Aires (63).[3] Boullé. Op. Cit. p. 62



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Publicista Rodolfo Clautier

¿Cuánto cuesta producir un anuncio en televisión,

en prensa, radio o web? Esta es la pregunta más

común que escuchamos en el medio para establecer

presupuestos, pero, ¿cuál es el valor del anuncio para la

sociedad? es la otra pregunta que deberíamos escuchar.

¿Cómo saber si mi anuncio genera un valor para

mi grupo objetivo? La función de la publicidad y la

comunicación es transmitir información que será de

utilidad para el grupo al que va dirigido, de una forma

persuasiva, sin llegar a ser comunicación engañosa,

desleal o discriminatoria.

Hay una forma de medir este valor sobre la base de la

ética de la comunicación. En Guatemala contamos con

los siguientes códigos éticos: Asociación Guatemalteca

de Agencias de Publicidad (UGAP), Código Mercantil que

regula actividades promocionales y ciertas categorías

como alcohol y tabaco y diferentes códigos gremiales del

marketing, promovidos por diferentes organizaciones

a nivel mundial o regional.

Pero esas reglamentaciones caen en un subjetivismo

basado en nuestros valores e interpretaciones que nos

puede llevar a perder de vista la conciencia social. Es por

eso que se propone el siguiente método para analizar

y establecer el “valor de un anuncio” para la sociedad.

Al igual que un “test” para medir efectividad, la forma

de determinar el valor de un anuncio se puede hacer

con una muestra de 5 a 10 personas, en la que se

evalúan los siguientes puntos:

1. Valor Económico/industrial= el producto o

servicio anunciado, tiene un valor económico para una

determinada industria en la sociedad. Las preguntas

que se deben realizar para evaluar son: ¿el anuncio

transmite la importancia del producto o servicio para la

sociedad?, ¿el producto o servicio tiene el respaldo de

una marca o empresa?, ¿La publicidad o la comunicación

lo trata de acuerdo a la importancia de esa industria?.

2. Valor para la sociedad= el producto o servicio

anunciando, cumple la función de resolver una necesidad

de la sociedad. Las preguntas que se deben hacer para

evaluar son: ¿la publicidad o comunicación muestra la

función del producto o servicio para la sociedad?, ¿se

demuestra un uso relevante para el grupo objetivo?,

¿el mensaje es positivo?.

3. Códigos éticos= el producto o servicio anunciando,

cumple con los códigos éticos. La persona evaluadora no

conocerá seguramente los códigos éticos de la industria,

por lo que se debe preguntar: ¿es la comunicación o

publicidad clara?, ¿no es engañosa?, ¿es una competencia

leal?

4. Campaña política constructiva o destructiva=

se aplica solo en caso de comunicación política o de

instituciones del estado. La pregunta que debe hacerse

es: ¿el mensaje positivo o critico negativo?.

5. Discriminación= el producto o servicio anunciado

es por sí mismo o en su publicidad, ofensivo para un

sector de la sociedad. La pregunta que debe hacerse

es: ¿aunque no sea ofensivo a mí, puede ofender a

algún sector de la sociedad?.

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33


Cada persona califica sobre estos criterios en un rango

de 0 a 10, siendo 0 el más bajo y 10 el más alto. Esto

promediado entre todos los participantes y los puntos

evaluados, te da un valor de 0 a 10, que ayuda a

determinar si la publicidad tienen o no valor para la

sociedad.

Para entenderlo, veamos un caso hipotético: la marca

de detergentes X, lanza un comercial donde se compara

con la marca Z, en la cuál por medio de una prueba

científica certificada, asegura que su fórmula es capaz

de hacer los blancos más blancos y los colores más

vivos que la marca Z.

Al pasar la evaluación al panel de 5 personas obtenemos

el siguiente resultado:

En este ejemplo podemos identificar dos cosas, en

este sondeo, vemos que este caso representa un valor

aceptable a la publicidad, ya que ofrece una solución,

sin embargo al analizar el cumplimiento de los códigos

éticos, vemos una división de opinión en el grupo de

personas consultadas, ya que marca una diferencia

de valoraciones, que se deben a que si es correcto o

no hacer publicidad comparativa.

Según el código ético de la UGAP, se permite la publicidad

comparativa siempre y cuando sea demostrable

científicamente, por lo que en este caso se cumple

con ese código, sin embargo lo que más interesa a la

marca es la percepción, ya que la publicidad vende

percepciones e imagen. Por lo que la marca o agencia

deberán considerar este punto que significa replantear

totalmente el concepto de la comunicación.

Esta herramienta tiene como objetivo evitar efectos no

deseados en la publicidad, al tener una descodificación

del mensaje diferente a la deseada podemos hacer un

daño a la marca y un daño a la sociedad consciente

o inconscientemente, por un falta de proyección de

la consecuencia del mensaje. Es por eso que todo

profesional con un valor de responsabilidad sabe que

lo publicado en un medio, tiene un alcance y una

influencia social, por lo que debe considerar no solo

“testear” la efectividad al grupo objetivo si no también

su valor en el entorno de su mercado.

Fuentes: Código ético de la Asociación Guatemalteca de Agencias de

Publicidad (UGAP)Material propio desarrollado para la clase de ética de la comunicación

en la Universidad del Istmo.

Valor Económico/ Industrial #1 #2 #3 #4 #5 Total

Valor para la sociedad 5 8 6 5 7 31

Códigos éticos 4 3 10 10 0 27

Discriminación 10 10 10 10 10 50

Promedio 6.3 7 8.7 8.3 5.7 7.2



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Angélica Estrada HernándezLicenciada en Diseño Gráfico en Comunicación y

Publicidad, Magister en Docencia de Valores

Muchas veces nos quejamos de nuestra vida, de

nuestra profesión, de nuestro trabajo, de nuestra

familia… de todo. Nuestra lamentación muchas veces

se enfoca en un “no soy feliz” en un “no me hayo”,

“no es lo mío”, “no me satisface”, “no cumple mis

expectativas”, “no me realiza como persona”. Y eso

nos invita o nos excusa para dejarlo a un lado, no

ponerle la atención que merece y nos sirve de motivo

para acercarnos y movernos a otro tipo de actividades

donde sí nos “realizamos como personas”.

Aunque muchos artistas, políticos y empresarios famosos

lograron su éxito luego de abandonar valientemente

una profesión e iniciar otra incluso a los 30, 40 ó 50

años, la gran mayoría de nosotros puede encontrar

su éxito en descubrir y enfrentarse valientemente, en

lo cotidiano con eso que en principio odiamos pero

que podemos aprender a amar.

Lo que sucede muchas veces es que hemos visto

nuestro trabajo, nuestra familia o nuestra profesión

A la luz del enfoque sobre creatividad de Alfonzo López quintás

LA CrEATIvIDAD COMO UNA fOrMA DE vIDA

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como un objeto, algo que hacer, usar y tener. Cuando

nos podemos encontrar en él por medio de la apertura

y la creatividad. Todo a partir del diálogo en un ámbito

que nos ayude a ser, a encontrarnos.

De la misma manera en la que el hacer un poema

transforma al escritor en un poeta… de esa forma

nosotros al trabajar con amor por lo que hacemos, nos

transforma de simples repetidores de actos y acciones

en personas realizándose en su vocación. Vocación

significa llamado… en el mundo solo Dios puede decir

Yo Soy… mientras tanto todos somos esos quienes

estamos llamados a ser.

Padres de familia, trabajadores de cualquier lugar,

estudiantes… serán en la medida en la que se encuentran

en lo que están haciendo. En la medida en la que en

lugar de sólo observar su realidad, su entorno como algo

que les pertenece, que utilizan a conveniencia y luego

desechan… lo vean como algo digno de ser respetado,

amado, encontrado. Algo digno de diálogo, de encuentro,

de vínculo. Algo capaz de hacernos personas… de

llevarnos a eso que estamos llamados a ser.

La realidad nos nutre, nos transforma, de la misma

manera en la que un avión en contacto (no sólo la

cercanía sino la creación de vínculos) con alguien le

puede transformar el piloto, nosotros y nuestra realidad

podemos llegar a las alturas, a donde estamos llamados

a estar. Podemos encontrar grandes dimensiones, lograr

alcances insospechados. No se trata de manejar una

realidad como si fuera un objeto, se trata de conocer

sus leyes, descubrir el valor que revelan y la dignidad

a la que reconocen desde ellas para encontrarse.

Puede haber alguien que sepa manejar un avión, pero

que no sea piloto, sí, alguien que a pesar de repetir ciertas

acciones no se encuentre en su profesión. Alguien que

no haya encontrado la alegría de descubrirse desde lo

que hace cotidianamente, alguien que no sabe amar

lo que hace y ve en su trabajo sólo algo que hacer

para sobrevivir.

A diferencia, alguien que ve en su entorno una fuente

de posibilidades para incorporarlo a su ámbito de vida

se transforma y deja de ser lo que era antes para

convertirse. De alguien que sabe escribir a un escritor,

de un practicante a un poeta… de un estudiante actor

a un personaje en una obra de teatro.

Una obra de arte, un acto cotidiano, pierde su opacidad

en cuanto se convierte en la respuesta de un llamado,

en una voz interior que le sugiere a la persona una

forma de estar, de ser, una posibilidad de encontrarse.

De ésta capacidad de transformación que tienen los

ámbitos, en especial el arte se desprende la importancia

del enfoque ético de la misma.

Ya que las personas no somos las mismas después de

tener contacto con ellas, existe una acción reversible,

bidireccional. Algo que nos puede acercar a la felicidad,

a la realización, a lo que estamos llamados a ser o

LA CrEATIvIDAD COMO UNA fOrMA DE vIDA



36

algo que puede alejarnos, desvirtuarnos y de alguna

manera no reducirnos pero sí reducir la manera en

la que vemos el entorno y eso en respuesta reduce

la visión que tenemos de nosotros. Se requiere de

mucho tiempo para que una persona que nace pueda

ser independiente y aún siendo mayor y pudiendo

“sobrevivir” en solitario, sólo puede desarrollarse y

ser lo que está llamada a ser cuando se encuentra

dentro de una comunidad como un ser coexistente,

con derechos y responsabilidades.

Aunque una persona se encontrara por desventura sola

en una isla… es coexistente, comparte el ser con el Ser

por excelencia y eso hace que sea imposible estar solo.

Además de esta coexistencia con el Creador, la persona

puede encontrar en la realidad que le rodea ámbitos

para tomarlos como fuentes de posibilidades, la persona

misma, ámbito por excelencia sobre los objetos es para

otros un ámbito de encuentro. Ese campo de juego

común que se denomina encuentro puede realizarlo

con otros recreando la realidad misma, dándole nuevos

significados a todo y haciendo del mundo un lugar más

interesante y vivible, haciéndolo amable.

El vínculo con otras personas y especialmente con el

Ser por excelencia, Dios, nos acerca a eso que estamos

llamados a ser y por lo tanto nos lleva a la felicidad.

Una verdadera amistad es virtuosa, le lleva a la persona

a perfeccionarse. Este encuentro y vínculo es tan

importante para la persona que de alguna forma la

transforma, le hace reconocerse como lo que es. Por

ello es tan importante no reducir las relaciones bajo

superficialidades donde podemos creer que tenemos

una amistad cuando lo que tenemos es realmente una

amalgama, una masa que apunta a la dirección del

líder o de la moda, deshumanizando, haciendo que

me olvide de mis posibilidades, de mi interior. Evitando

esa distancia tan necesaria para ser y dejar ser.

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Este encuentro implica entonces una distancia, un

reconocimiento individual, personal que deja a otros

ser tal como son… en la medida en la que esto colabora

con su desarrollo, ya que de alguna forma el amigo

está obligado a llevar al otro a rectificar en caso lo

requiera. El consejo o las palabras bien dichas de un

buen amigo son muy escuchadas, porque es un ámbito

que transforma.

La amistad, y especialmente la amistad con el Ser por

excelencia elimina radicalmente la soledad a partir de

los vínculos creados que transforman a la persona. No

la transforman en una unidad amorfa deshumana,

despersonalizada o múltiple, por el contrario reconoce

y reafirma la personalidad, la individualidad. Es por ello

que una verdadera amistad lleva al otro a encontrarse.

En una fiesta donde te encuentras con tus amistades…

te hayas, te encuentras… no como en manada, ni como

robot… te encuentras y puedes ser tú mismo y descubres

hasta una nueva forma de ser que posiblemente nunca

hubieras encontrado sin otros.



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