Arte y Apreciación Estética

ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA

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Sesión No. 6

Nombre: Clasificación de las artes plásticas. Tercera parte.

Contextualización

¿Por qué existe la necesidad del diseño gráfico digital?

¿Crees que hace 50, 30 o 10 años se tenía la misma necesidad?

Los avances científicos y tecnológicos han dado paso a un sinfín de recursos

que diariamente afectan nuestra vida, así como la de los artistas; éstos se verán

complacidos o afectados por su contexto y éste será plasmado en su arte.

Entre la historia de la humanidad y la del arte se destaca una relación de causa y

efecto. Para comprender la estética es muy útil saber el contexto histórico, social,

político, científico, etcétera.

¿Te imaginas la vida sin celulares, sin Internet, sin correo electrónico?

Puedo comprender la vida sin la tecnología moderna, aunque no me la imagino

sin televisión a color.

¿Cómo sería tu vida si en lugar de tener Internet tuvieras que ir a alguna biblioteca para hacer una investigación?

Algunas veces no te dejaban sacar los libros que necesitabas, otras los libros

estaban prestados por una semana, y muchas otras tenias tantas referencias

diferentes que terminabas cargando hacia tu casa más de 10 kilos de libros y

enciclopedias para poder hacer una tarea de clase y ni se diga de un trabajo final.

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Introducción al Tema

En los inicios del siglo XX, antes de la primera

Guerra mundial, representar la ilusión de realidad

deja de ser una preocupación de los artistas, para

eso existe la fotografía, en cambio ponen su

atención sobre asuntos internacionales y sobre

todo en las culturas primitivas como la africana y

la australiana; Freud en 1900 publica “La

interpretación de los sueños” y Einstein elabora la

teoría de la relatividad en 1905. Existen los autos

y el avión; el nuevo siglo auguraba cambios drásticos en todos los sentidos y los

artistas no esperaron tanto para dar al mundo obras como nunca se habían visto.

¿Cómo es posible si el arte empieza al menos hace 40 mil años antes de Cristo?

Simple, nunca antes se había tenido la fotografía, haciendo que los artistas se

enfocaran el color, línea, texturas, etcétera, como medio de expresión. Entienden

que pueden existir motivaciones inconscientes dentro de la lógica consciente y

que el espacio y el tiempo dependen uno del otro, redefiniendo el movimiento.

Todo esto mientras se está gestando la Primera Guerra Mundial.

Es así como comienza el primer movimiento artístico revolucionario del siglo XX:

El Fauvismo o Fovismo (1903), las “bestias salvajes del color”, donde Henri

Matisse es su principal representante, con su pasión por lo decorativo y colores

estridentes arbitrarios a la naturaleza. El Cubismo (1907) donde Picaso y Braque

organizan el espacio en una trama geométrica, negando la profundidad y

enfatizando la idea de simultaneidad dando diferentes puntos de vista en uno

sólo. El Futurismo (1909) enfocados en presentar la velocidad y simultaneidad

de la vida contemporánea.

Figura 1. Autoretrato. Gorskii.

Fotografía a color. 1915.

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Explicación Sus tendencias

Futurismo

En el pasado, Italia había sido el centro generador de movimientos artísticos,

pero desde el siglo XVIII perdió esa distinción hasta el siglo XX. El Futurismo

comienza como un manifiesto literario llamado del poeta Filippo Marinetti en

1909, en el cual afirma que “un coche de carreras con el capó adornado con

gruesos tubos semejantes a serpientes de aliento explosivo…un automóvil que

ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de

Samotracia”, mostrando la pasión por las máquinas y la velocidad de la época,

así como insistiendo en la idea de la abolición del pasado y sus prácticas. Al

movimiento literario se le unirán todas las manifestaciones artísticas, pero ahora

empezarán con un programa ideológico predispuesto que estaba dedicado a

ésta. Un año después se escribiría el “Manifiesto de los Pintores Futuristas” y en

1912 el “Manifiesto de la Escultura Futurista.”

La manera en que pintores y escultores empiezan a

abordar la tarea es usando el impresionismo y

neoimpresionismo como base, de igual manera los

fotógrafos empiezan a trabajar el “corrido fotográfico” (Fig.

2), temporizando las tomas que dejan ver el movimiento

del sujeto, lo que no concordaba con el manifiesto

futurista es que los estilos no captan la precisión a la que

se asocia a la maquina moderna. Debido a la novedosa idea representativa del

cubismo que muestra simultáneamente los diferentes puntos de vista de un

objeto, los pintores futuristas toman su vocabulario técnico, utilizándolo de

manera que los deje presentar los diferentes aspectos de un objeto, esta vez en

movimiento. Es por esto que se le considera un cubismo dinámico, donde se

representa simultáneamente algo que sólo podríamos ver de manera sucesiva

en el tiempo, el tema de los futuristas son las cosas en proceso, evocando

Figura 2. El violonchelista. Anton Bragaglia. 1913. Muestra de corrido fotográfico.

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acciones completas sobre la superficie plana del lienzo.

En la escultura mantienen las mismas características,

utilizando las líneas en espiral y diagonal para sugerir

velocidad; al inicio una forma de híbridos figurativos

que se disuelven en sus formas al representar ese

movimiento desenfrenado, pero la manera de hacerla

es la misma que en el pasado, seguía siendo una

escultura tradicional, quieta. Es un hermano de un

escultor futurista el que da el salto al movimiento, Marcel Duchamp; en 1913

presenta su obra “Rueda de Bicicleta sobre Taburete” donde literalmente toma la

horquilla delantera de una bicicleta con su llanta y la monta sobre un taburete de

restirador; puedes accionar el movimiento de la llanta con una mano, como una

maquina sencilla. Este fue el nacimiento de la escultura móvil realizada con

“objetos encontrados” (ready made). Entrando ya a un movimiento diferente que

aclama estar en contra del pasado, su arte, la sociedad burguesa y de los

mismos artistas que se creen especiales, este estilo será llamado Dadaísmo.

Expresionismo

El expresionismo no se puede estudiar como cualquier otro movimiento artístico

contemporáneo, ya que es un término genérico que define el arte que deforma la

realidad para expresar de manera más emocional y subjetiva a la naturaleza y el

ser humano.

Existen múltiples artistas expresionistas a lo largo de la historia, son imprecisos

sus límites cronológicos y geográficos y tiene diversidad estilística ya que cada

artista trabaja con independencia de los demás, pero su influencia hacia otros

crea otros estilos. Aun así, con este abanico de posibilidades, tiene

características en común: predominio de la expresión subjetiva sobre la

objetividad del impresionismo; entusiasmo por tratar las superficies de la pintura,

Figura 3. Ciclista. Natalia Goncharova.

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aplicando de manera casi violenta la pasta pictórica, muestra el hastío y

desilusión del artista; su temática se rodea de lo morboso, lo prohibido, lo

fantástico y lo desolador.

El Fauvismo es considerado el primer movimiento

artístico expresionista, pero es el movimiento moderno

alemán el que se manifiesta con las características

expresionistas. Edvard Munch (1863-1944) (Fig. 4) es el

patriarca del Expresionismo. Nació en Noruega y a los

29 años se muda a Alemania viviendo ahí hasta los 45;

su estilo de curvas sinuosas, colorido arbitrario y una

evidente sensación opresiva dejaron una enorme

influencia entre los pintores de este país.

El primer grupo expresionista auto-consciente se llama Die Brüke (El Puente,

1905), inicialmente su arte muestra influencias fauvistas (color) y del cubismo

(formas angulosas). También está el grupo alemán Der Blaue Reiter (El Jinete

Azul, 1911), quienes tuvieron mayor alcance gracias a su carácter aglutinador de

artistas y estilos. Hicieron dos aportaciones especiales al expresionismo: le dio

consistencia teórica y evolucionan la pintura de representativa hasta la

abstracción total.

Los grupos formaron el estilo que se distingue con el nombre de Expresionismo Alemán. Entre los años 1917-1945 el arte expresionista llega a su máxima

internacionalización, llegando a distintos países europeos y hasta los Estados

Unidos. El artista Jules Pascin (1885-1930) viaja a este país dando continuidad

entre el expresionismo europeo de entre guerras y el americano posterior a 1945,

al cual llamarán Expresionismo Abstracto y que entregará las obras más

vigorosas y de gran formato de los artistas que radicaban en Norteamérica.

Figura 4. El Grito. Edvard Munch. 1893.

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En el Expresionismo Abstracto aparece la

“pintura de acción” (action painting), fue

Jackson Pollock (1912-56) el que con la

intensión de romper con la idea del cuadro

de caballete, utilizando grandes lienzos

extendiéndolos en el piso se forzaba a

recorrerlos físicamente mientras chorreaba

pintura desde sus brochas, palos, cuchillos,

etcétera, a este método se le llama dripping.

No es la única manera de representación del

estilo, Franz Kline (1910-62) (Fig. 5) daba

brochazos negros sobre fondos blancos;

Wilem de Kooning (1904-97) es

representativo y gestual; y Marc Rothko

(1903-70) que buscan un espacio pictórico

propio sin signos gestuales. El

Expresionismo Abstracto aplica la pintura libremente en bastidores de gran

formato, en un esfuerzo de mostrar sentimientos y emociones en lugar de temas

naturalistas y figurativos.

Surrealismo

Otro estilo artístico que prefiere alejarse de la realidad es el Surrealismo, toma

los sueños, la fantasía y el inconsciente como inspiración para su obra.

Es en 1917 cuando se acuña el término “surrealismo” y fue en el área de la

literatura, donde Bretón en su “Manifiesto del Surrealismo” (1924) proclama el

“puro automatismo psíquico por el que se intenta expresar, ya sea verbalmente o

por escrito, la función verdadera del pensamiento”. Fue hasta 1925 que la

Figure 3. Atomicus Dalí, 1948. Fotografía de Phillipe Halsman.

Chief. Franz Kline. 1950

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pintura surrealista aparece y muestra el rechazo al control, la composición y la

lógica; con el tiempo se puede apreciar entre los artistas una dualidad de

interpretaciones de las bases surrealistas: una que tiende a la abstracción,

creando sus propios mundos figurativos; y la otra utilizando los principios

renacentistas de perspectiva y volumen, muestran escenas con inesperadas

relaciones entre sus objetos.

En el primer grupo se encuentran artistas como Joan Miró (1893-1983), la figura

máxima de los surrealistas abstractos, que en sus cuadros muestra un sentido

del humor muy personal y sugestivo de mundos mágicos e irreales por medio de

elementos figurativos personales, infantiles, emotivos, enigmáticos y casi

irreconocibles, mostrando nuevas relaciones entre objetos que sobrepasan la

apariencia, buscando una armonía secreta entre ellas.

El más importante representante del surrealismo figurativo es Salvador Dalí

(1904-89), con su técnica precisa, casi foto realista, asocia elementos en el

cuadro de maneras insólitas, y creando atmosferas delirantes y de ensueño,

generalmente cargados de simbolismo que muchas veces sólo el artista

reconoce. No se dedica nada más a la pintura, hizo esculturas y ready mades,

contribuye en fotografía, moda, cine y teatro, incluso fue el diseñador del logo de

Chupa Chups.

Figura 4. Logo de

Chupa Chups. Salvador

Dalí. 1969.

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Conclusión

En una época de pre-guerra nace el primer movimiento artístico del siglo XX, los

artistas queriéndose alejar de la competencia de la fotografía y deseosos de

mostrar su individualidad de una manera tan subjetiva y personal de mostrar el

mundo al espectador, mundos llenos de vivos colores contrastantes y cargados

de diseños decorativos; pronto cambiaría a un tono doloroso, donde la

expresiones artísticas cambian por las guerras mundiales, dando a su vez un

tono de reproche hacia la sociedad, a la política y a la misma vida.

Es en los inicios del siglo XX cuando Einstein cambia el panorama de nuestro

universo para siempre, con su teoría de la relatividad especial, reformula las

leyes del movimiento en el espacio-tiempo-planos, describiendo correctamente

el movimiento de los cuerpos a cualquier velocidad. Existen los automóviles y

no es de extrañarse que al menos un estilo artístico representara el movimiento

y la velocidad en sus obras como el Futurismo. Por ultimo tenemos a Freud que

publica en 1900 su obra más popular “La Interpretación de los Sueños”, ahí

postula un nuevo modelo del inconsciente y un método para llegar a éste usando

elementos de sus experiencias previas, así como la existencia de un

preconsciente que se encuentra entre el consciente e inconsciente; siendo los

sueños y las etapas del inconsciente los temas predilectos del surrealismo.

Como puedes apreciar, las rupturas con los principios tradicionales del arte

siempre son acompañadas de los rompimientos con las antiguas formas de vida.

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Para aprender más

• El arte por el arte. (s/f). El futurismo italiano. Consultado el 19 de febrero

de 2014:

http://brd.unid.edu.mx/el-futurismo-italiano/

• Arte Contemporáneo. (s/f). Expresionismo. Consultado el 19 de febrero de

2014:

http://brd.unid.edu.mx/expresionismo/

• El arte por el arte. (s/f). El camino de la expresión: Van Gogh y Toulousse-

Lautrec. Documento extraído de:

http://brd.unid.edu.mx/el-camino-de-la-expresion...

• Herrero, J. (s/f). La CIA y el expresionismo abstracto norteamericano.

Consultado el 19 de febrero de 2014:

http://brd.unid.edu.mx/la-cia-y-el-expresionismo...

• El arte por el arte. (s/f). Introducción al surrealismo. Consultado el 19 de

febrero de 2014:

http://brd.unid.edu.mx/introduccion-al-surrealismo/

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• El arte por el arte. (s/f). Surrealismo: una reacción a la racionalidad del

cubismo. Consultado el 19 de febrero de 2014:

http://brd.unid.edu.mx/surrealismo/

• Cazalilla, L. (s/f). Prácticas surrealistas: el origen del Cadáver Exquisito.

Consultado el 19 de febrero de 2014:

http://brd.unid.edu.mx/practicas-surrealistas/

• Conde, M. (2011). Historia del Arte Universal. Consultado el 19 de febrero

de 2014:

http://brd.unid.edu.mx/historia-del-arte-universal/

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Actividad de Aprendizaje

En esta sesión vimos de qué manera los avances en áreas que parecieran no

estar relacionados al arte lo afectan profundamente, simplemente porque los

avances son los que cambian nuestra manera de pensar y vivir.

Internet ha revolucionado nuestra manera de vivir y hacer las cosas, Apple hizo

lo mismo al presentarnos la simplificación de las formas en la tecnología, ahora

las redes sociales han tenido un impacto enorme en la sociedad influenciando

muchas áreas del diseño.

Elige dos campos del arte/diseño que tu crees han sido influenciadas por las

redes sociales y junto con el Diseño Gráfico Web, investiga y explica de qué

manera han sido influenciadas por las redes sociales, cómo se hace visible la

influencia. Tendrás que comparar como eran antes y después de las redes

sociales y dar ejemplos de los mismos.

Genera un diseño con la información para presentarla. Se creativo. Se entregará

en PDF o JPG.

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Bibliografía

Azcarate, J., Pérez, A., y Ramírez, J. (1984). Historia del Arte. España: Anaya.

Fleming, W. (1993). Arte, Música e Ideas. México: McGraw Hill.

Mittler, G. (2006). Art in Focus (5ª ed.) Estados Unidos de América: McGraw Hill.

Ramírez, J. (2009). El Objeto y el Aura, (Des)orden Visual del Arte Moderno.

Madrid, España: Ediciones Akal.

Robinson, W. (1995). Instant Art History, From Cave Art to Pop Art (1ª ed.)

Nueva York: Fawcett Columbine.

Figuras

Figura 1:

http://es.wikipedia.org/wiki/Fotografia

Figura 2:

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Bragaglia-violin.jpg

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Figura 3:

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Goncharova_cyclist.jpg

Figura 4:

http://en.wikipedia.org/wiki/File:The_Scream.jpg

Figura 5:

http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD

Figura 6:

http://en.wikipedia.org/wiki/Chupa_Chups