Autores expresionistas

IVÁN ROMERO GARCÍA 4ºF

ExpresionismoEL EXPRESIONISMO FUE UN MOVIMIENTO CULTURAL SURGIDO EN ALEMANIA A PRINCIPIOS DEL S.XX, QUE SE PLASMÓ EN UN GRAN NÚMERO DE CAMPOS: ARTES PLÁSTICAS, LITERATURA, MÚSICA, CINE, TEATRO, DANZA, FOTOGRAFÍA, ETC. SU PRIMERA MANIFESTACIÓN FUE EN EL TERRENO DE LA PINTURA, COINCIDIENDO EN EL TIEMPO CON LA APARICIÓN DEL FAUVISMO FRANCÉS, HECHO QUE CONVIRTIÓ A AMBOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS EN LOS PRIMEROS EXPONENTES DE LAS LLAMADAS “VANGUARDIAS HISTÓRICAS”. MÁS QUE UN ESTILO CON CARACTERÍSTICAS PROPIAS COMUNES FUE UN MOVIMIENTO HETEROGÉNEO, UNA ACTITUD Y UNA FORMA DE ENTENDER EL ARTE QUE AGLUTINÓ A DIVERSOS ARTISTAS DE TENDENCIAS MUY DIVERSAS Y DIFERENTE FORMACIÓN Y NIVEL INTELECTUAL. SURGIDO COMO REACCIÓN AL IMPRESIONISMO, FRENTE AL NATURALISMO Y EL CARÁCTER POSITIVISTA DE ESTE MOVIMIENTO DE FINALES DEL S.XIX LOS EXPRESIONISTAS DEFENDÍAN UN ARTE MÁS PERSONAL E INTUITIVO, DONDE PREDOMINASE LA VISIÓN INTERIOR DEL ARTISTA –LA “EXPRESIÓN”– FRENTE A LA PLASMACIÓN DE LA REALIDAD –LA “IMPRESIÓN”–.

EL EXPRESIONISMO SUELE SER ENTENDIDO COMO LA DEFORMACIÓN DE LA REALIDAD PARA EXPRESAR DE FORMA MÁS SUBJETIVA LA NATURALEZA Y EL SER HUMANO, DANDO PRIMACÍA A LA EXPRESIÓN DE LOS SENTIMIENTOS MÁS QUE A LADESCRIPCIÓN OBJETIVA DE LA REALIDAD.

Oskar Kokoschka

BiografíaPINTOR EXPRESIONISTA Y ESCRITOR AUSTRIACO. AUNQUE NACIÓ EN PÖCHLAM, SU FAMILIA SE TRASLADÓ A VIENA, DONDE TRANSCURRIERON SU INFANCIA Y SUS AÑOS DE JUVENTUD Y DE FORMACIÓN.DESPUÉS DE CURSAR ESTUDIOS EN LA ESCUELA DE ARTES APLICADAS DE VIENA, DONDE REALIZÓ SUS PRIMEROS RETRATOS AL ÓLEO, KOKOSCHKA PINTÓ UNA SERIE DE RETRATOS EXPRESIONISTAS E INICIÓ UNA INTENSA ACTIVIDAD PEDAGÓGICA. EN 1912 SU OBRA EMPEZABA YA A SER CONOCIDA FUERA DE SU PAÍS.DURANTE LA I GUERRA MUNDIAL FUE HERIDO GRAVEMENTE EN EL FRENTE DEL ESTE. CONSAGRADO LUEGO PLENAMENTE A LA PINTURA, VIAJÓ POR NUMEROSOS PAÍSES Y, TRAS CONTRAER MATRIMONIO CON OLDA PALKOVSKA (1941), ADQUIRIÓ LA NACIONALIDAD BRITÁNICA (1947), SI BIEN EN 1975 RECUPERÓ LA CIUDADANÍA AUSTRÍACA. MURIÓ EN MONTREUX, SUIZA, EL 22 DE FEBRERO DE 1980.SU OBRA SE SITÚA INICIALMENTE BAJO LA INFLUENCIA DEL JUGENDSTIL Y, DE FORMA MUY DIRECTA, DEL PINTOR Y DECORADOR AUSTRÍACO GUSTAV KLIMT. SE UNIÓ AL GRUPO DIE BRÜCKE Y PARTICIPÓ COMO ILUSTRADOR EN LA REVISTA "DER STURM". ENTRE SUS OBRAS DESTACANRETRATO DE ADOLF LOOS (1909), LA NOVIA DEL VIENTO (1914), EL TORBELLINO (1917) Y EL PODER DE LA MÚSICA (1919), ADEMÁS DE RETRATOS DE NUMEROSOS ARTISTAS, INTELECTUALES Y PERSONALIDADES DE LA ALTA SOCIEDAD. DESPUÉS DE 1945, SU PINTURA MOSTRÓ LOS HORRORES DE LA GUERRA.

La Novia Del Viento

La novia del viento (Die Windsbraut) o (La tempestad) es un cuadro de 1913-1914 sobre lienzo por Oskar Kokoschka. Está alojado en el Kunstmuseum de Basilea. Es su obra más conocida, es un cuadro alegórico que ofrece un autorretrato del artista, acostado junto a su amante Alma Mahler.

Kokoschka se reunió con Mahler, recientemente viuda de Gustav Mahler, en 1912. Un apasionado romance se produjo, con la producción de numerosos dibujos y pinturas de la artista Mahler. La pintura representa a Mahler en un sueño tranquilo junto a Kokoschka, que está despierto y se queda mirando al espacio. La ruptura de la pareja en 1914 tuvo un efecto profundo en Kokoschka, cuya pincelada expresiva creció más turbulentamente.

Cuando Kokoschka pintó el cuadro, el poeta Georg Trakl lo visitaba casi a diario y ensalzaba la pintura en su poema Die Nacht (La Noche)

Autorretrato

El huevo rojoLas concesiones que las democracias europeas estaban realizando al tercer Reich, provocaron en Kokoschka un sentimiento de amargura que le llevaría a realizar en el invierno de 1940 uno de sus cuadros más impactantes, ‘El huevo rojo’.

En la composición, podemos apreciar a las cuatro potencias europeas; la Alemania de Hitler en la zona de la izquierda, Mussolini, en la derecha, representando a Italia, debajo de la mesa, con una escarapela tricolor, se sitúa un gato que simboliza a Francia, el león coronado y con la cola en forma del símbolo de la libra es la representación de Gran Bretaña.

Los cuatro símbolos de las potencias se ubican alrededor de una mesa, dispuestos a repartirse un pollo asado, Checoslovaquia, que consigue huir, dejando en el plato un huevo rojo.

Esta es la manera de captar por parte de Kokoschka, la diferente contribución de las potencias a la ruina de Checoslovaquia, apreciándose al fondo de la composición, la capital, Praga, en llamas. La complicidad de Francia Y gran Bretaña en esta masacre se manifiesta en el libro sobre el que se apoya el León, donde podemos leer la inscripción, ‘In Pace Münich’. El estilo expresionista, queda patente a la hora de aplicar el color, a base de rápidas y empastadas pinceladas, recogiendo los sentimientos del artista.

NostalgiaEsta fue la primera pintura Kokoschka, la cual completó en Londres, después de huir de Checoslovaquia en 1938. Pintado en memoria de ello, cuenta con la famosa vista de Praga con el antiguo Puente de Carlos y la catedral al fondo. La pareja de enamorados cerca de la orilla se cree que es Kokoschka y su futura esposa Olda. En una referencia a la emigración de Kokoschka, la pareja está haciendo una seña a una barca. Una cara parecida a la de Kokoschka se muestra en el cartel a la derecha. En esta pintura el artista está expresando su dolor por la pérdida de su país de origen.

Van Gogh

BiografíaVincent van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y en su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de sus vidas testimonia la intimidad de esta relación y las pasiones y angustias humanas y creativas que atormentaron a Van Gogh en sus últimos años. Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, a los dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil, una sociedad de comerciantes de arte fundada por su tío Vincent.

En 1873 pasó a la sucursal de la galería Goupil en Londres, donde hubo de padecer el primero de sus fracasos sentimentales; en 1875 fue trasladado a la filial parisina; en 1876 se despidió y regresó a Holanda. Trabajó después como profesor, ayudante de un pastor metodista y empleado de una librería; ninguno de estos empleos le duró mucho tiempo. Por aquel entonces sentía sobre todo la necesidad espiritual de entregarse a sus semejantes; de hecho, siempre había querido ser pastor, como su padre, y tal vocación lo llevó a Ámsterdam para seguir los estudios de teología, que suspendió.

Pasó entonces a la Escuela de Evangelización Práctica de Bruselas, y en 1878 fue enviado por sus superiores a la zona minera del Borinage. Establecido en el pueblo de Pâturages, próximo a Mons, realizó una serie de dibujos de los mineros. La Escuela de Evangelización lo expulsó por su excesiva implicación: impresionado por sus infrahumanas penurias, Van Gogh llegó a dar a los mineros lo poco que tenía y a vivir más pobremente que ellos.

La noche estrellada

La noche estrellada (en neerlandés De sterrennacht) es una obra maestra del pintor postsimpresionista Vincent van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerado como el magnum opus de van Gogh, el cuadro ha sido reproducido en numerosas ocasiones, siendo una de sus obras más conocidas. Ha usado óleo humedecido y pinceles finos.

Autorretrato con la oreja vendada

Este es uno de los dos autorretratos que van Gogh realizó tras seccionarse la oreja (el otro, anteriormente en la colección Leigh B. Block en Chicago, fue comprado posteriormente por la familia Niarchos). La expresión del rostro del artista es, paradójicamente, más serena que en otros muchos autorretratos del artista. Tal vez se trata de un esfuerzo del pintor por encontrar en la pintura su salvación particular, a lo que podría contribuir la presencia de una estampa japonesa en el fondo, una pintura –la japonesa- que van Gogh admiraba por “su estilo tan sencillo como respirar”

Trigal con CuervosPosiblemente sea éste uno de los trabajos más famosos de Van Gogh, considerándose obra clave del periodo de Auvers. En primer plano contemplamos el punto de unión de los tres caminos que parten hacia diferentes direcciones; entre ellos, limitados con una línea verde que corresponde con las hierbas y la maleza, hallamos los campos de trigo en todo su esplendor, iluminados por la luz nocturna que tanto atrajo a Vincent durante toda su vida. Casi la mitad superior de la tela está ocupada por un cielo oscuro, excepto dos manchas arremolinadas que se aclaran ligeramente. Los cuervos revoletean por el trigal, obtenidos con trazos negros que acentúan su esquematismo. La factura rápida y empastada ocupa toda la superficie del lienzo, poniendo de manifiesto todo su más extremo sentimiento.

LiriosLos lirios es un cuadro al óleo sobre lienzo (71 x 93 cm) realizada en mayo de 1889 por Vincent Van Gogh. Es una de las muchas pinturas y grabados de lirios creadas a lo largo de su vida.

Los lirios fueron una de las primeras obras realizadas mientras Vincent van Gogh vivía en el asilo del Monasterio de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence, Francia, en el último año antes de su muerte en 1890.

Fue pintado antes de su primer ataque en el asilo. Falta la alta tensión que se ve en sus obras posteriores. Llamó a la pintura "el pararrayos para mi enfermedad" porque sentía que podía evitar volverse loco al seguir pintando.

Las semejanzas se presentan con los bordes bien definidos, puntos de vista inusuales, incluyendo vistas en primer plano, de cerca. El color es aplanado, no modelado de acuerdo con la caída de la luz, aplicando los consejos proporcionados por Gauguin sobre las tonalidades del color.

José Gutiérrez Solana

Biografía

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando; después alternó estancias entre Cantabria y Madrid, pero tuvo tiempo para viajar por los pueblos y hasta para ser peón de la cuadrilla del torero Bombé, aunque vivió holgadamente con el dinero de su padre. Se instala en Madrid a finales de 1917. Allí frecuenta las afueras de todo, asistiendo a bailes, merenderos y museos suburbanos del Paseo del Prado, como el (entonces) solitario y destartalado Museo Arqueológico Nacional. Se acompaña de su inseparable hermano Manuel, que es cantante.

Solana crea un propio estilo, nada académico ni inclinado a las vanguardias, por más que frecuente la intelectualidad reunida en la tertulia de Pombo, cuyo animador y amigo Ramón Gómez de la Serna le dedicó un libro entero, a lo que correspondió el pintor con su cuadro Mis amigos (1920), donde pinta tal tertulia en torno a una mesa (Museo Reina Sofía de Madrid). Ramón conoció a Solana en la exposición que este hizo en el Círculo de Bellas Artes en enero de 1907.

Gutiérrez Solana hizo una primera exposición en París (1928), que resultó un fracaso. En otra a la que acudió Alfonso XIII, sus cuadros se colgaron detrás de una puerta para que no incomodasen al monarca. Pero en 1936, cuando comienza la Guerra Civil, Solana es famoso y reconocido fuera y dentro de España. Se traslada a Valencia y luego a París, donde publica París (1938). En 1939 vuelve a Madrid, donde fallece el día de San Juan, el 24 de junio de 1945.

Los Payasos

Esta obra está exhibida en Madrid, en el Museo Centro de Arte Reina Sofía; data de 1919 y es un óleo sobre lienzo de 96,5 x 121,9 cm. Fueron varios los artistas que eligieron un payaso como elemento paródico: el héroe trágico que, con su máscara cómica, representa la lucha del arte por superar las críticas modernas.

El Osario

El fin del mundo

Una de las obras más ambiciosas del pintor por el número de figuras que en ella aparecen y por su representación de la muerte, la interpretación del concepto de pecado y su castigo. Aparecen las figuras de la Avaricia y la Lujuria, para las cuales no existe redención posible según Solana. Solana llegó a decirle a un coleccionista suyo que esta era su mejor obra.

La Visita del Obispo

‘La visita del obispo’ presenta una disposición sumamente característica en los lienzos de José Gutiérrez Solana: los protagonistas se sitúan en semicírculo en torno a la figura que constituye el eje de la escena, dejando una especie de espacio abierto vacío. Esta estructura podría recordar, a la representación medieval del Cristo en su mandorla, elemento que, al igual que el semicírculo solanesco, parece proteger a la figura central de la composición. Por otra parte, la iluminación, artificial y proveniente de un foco situado en la parte superior del lienzo, pero no visible para el espectador, contribuye a la creación de una atmósfera congelada en el tiempo, ejemplo de seculares costumbres provincianas, como las mismas sombras de los personajes, proyectadas en los amarillentos lienzos de muro.

Con esto y un bizcocho… Trabajo terminado.