Cinefagos - Número 6
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Noviembre - Diciembre 2013
Transcript of Cinefagos - Número 6
Editorial
Andrei Maldonado
118 Años del cine
Desde su primera proyección masiva
al público con L’Arrive d’un train en gare at la Ciotat en aquél café
parisino, donde los hermanos
Lumiere hicieron que los asistentes
se levantaran despavoridos de sus
asientos, el cine comprobó su impacto no solo como una expresión
que conjunta a todas las bellas artes,
sino que se constituyó como el arte
por antonomasia, la máxima
manifestación de la rúbrica artística del hombre.
Y es que en el cine existe pintura,
fotografía, danza, arquitectura, escultura, teatro, literatura, música y
diseño. En él el tiempo juega a no
existir, a descoyuntarse para crear
nuevos discursos donde se pueda ir
de adelante hacia atrás, ir y venir del pasado al futuro y al pasado para
volver al presente. En el cine se
conjunta la ficción con lo real para
que no haya nada de fantasía en las
películas, sea el género que sea. En el cine una persona es tres o cuatro
distintas, y en ellas nunca se muere
realmente.
No se puede negar la capacidad que
tiene el llamado “séptimo arte” de
generar emociones, hasta nuestros
días, similares a las que se vivieron
aquel 28 de diciembre de 1895, cuando los espectadores creían que
el tren saldría de la pantalla para
arrollarlos. Porque ¿quién no ha
saltado de susto al ver El Exorcista o
algún otro filme de horror? ¿Quién no ha llorado con dramas como La Vida
Es Bella o se ha enamorado con los
besos de Casablanca o la sonrisa de Amelie? Ejemplos los hay por
montones, pues en a lo largo de la
historia ha habido (y seguirá
habiendo) tantas películas como
hombres sobre la Tierra.
Por eso hoy dedicamos un pequeño
homenaje a la cinematografía
universal en su onomástico número 118, con las películas que son, para
cada uno de nosotros, estandartes de
nuestra vida, y que nos acompañan
no solo en una pantalla, sino en
nuestros ojos, y nuestra mente. Bienvenidos a “Las favoritas de
Cinéfagos” y, como nuestro nombre
lo sugiere, les deseo Bon appétit.
DIRECTORIO
Director GeneralAndrei Maldonado
Coordinador EditorialEric Eduarte Villa
ColaboradoresDiana ReyesArturo TerronesMario Bermúdez
Colaborador externoSac-Nicté Calderón
FotografíaDiana Reyes
DiseñoAndrei Maldonado
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Contenido
3. de la tristeza a la MELANCOLÍA 7. la importancia de ser AMELIE
9. CINEMA PARADISO: los sueños, el amor y la nostalgia
13. ¿y si... TODO EL MUNDO TIENE A ALGUIEN MENOS YO?
17. TRILOGÍA BEFORE: extraños en un tren
21. GONDRY: entre el amor, la memoria y el olvido
25. hay una orquesta en mi cabeza: FUGA
MELANCHOLIA
de la tristeza a la
Melancolíapor ANDREI MALDONADO
La única forma de irseserá cuando las estrellascolisionen...
El estado de melancolía es un
padecimiento clínico por el cual el individuo pierde toda estabilidad y
entra en una profunda abulia, en la
cual es incapaz de llevar a cabo la
más mínima acción física relacionada
a la toma de decisiones. Al final, en muchos de los casos, el individuo no
ve más salida que morir. En ese caso
podemos decir que Justine se había
ido mucho antes de que la melancolía
que venía del espacio se estrellase con la melancolía que poseía en su
interior.
Lars Von Trier (Dancer in the dark,
Manderlay, Dogville) ha creado quizá
una de las mejores películas
contemporáneas y, podemos decir,
de todos los tiempos, pues reúne
elementos del drama humano –no el drama de las desgracias y el
infortunio y la lucha de cómo
solucionarlo, sino el drama mismo de
la condición humana- con la ficción,
manteniendo ese aire de catástrofe que nos remite a sus orígenes en el
tan afamado y criticado Dogma que
iniciara al lado de otro escandinavo,
Thomas Vintenberg.
Melancholia inicia precisamente con
Justine, quien se encuentra a la mitad
de su boda con su prometido Michael,
una boda que no desea pero que se aferra a concluir por las exigencias
hechas por los miembros de su
familia, con excepción de su madre,
quien no cree en el matrimonio tras
divorciarse. En esta parte el danés se enfoca en retratar una clara crítica al
matrimonio como institución social,
reduciéndolo a un banal ritual de actos protocolarios sin importancia
que concluyen con la imposibilidad de
continuar con la boda, en donde
además refleja una clara relación
caótica con la madre y un padre al que admira, pero que está ausente la
mayor parte del tiempo.
Previo a esta primera parte del film Trier regala al espectador una
sucesión de imágenes que son una
apología a esta idea, donde se ve a
Justine –interpretada de magistral
forma por Kirsten Dunst- arrastrar tras de sí cadenas de estambre gris –
definitiva referencia a la depresión
que más adelante confesaría a su
hermana Claire-, vagando en vestido
de novia sobre un río –el desastre del matrimonio como institución fallida de
la sociedad- e imágenes de la colisión
de dos planetas.
Como es costumbre en Lars la
historia tiene otra división
aproximándose a la mitad de la
proyección. Esta parte –adentrada
más al tema del choque de los planetas, aunque sin abandonar el
discurso primigenio- es protagonizada
por Claire–encarnada por Charlotte
Gainsbourg-, la cual cumple desde
pequeña el rol de la hermana sensata, aunque esto no le exenta del
escarnio y distanciamiento de su
madre al igual que Justine por el solo
hecho de casarse. Claire continúa en
su rol tratando de sacar a su hermana de la depresión, sin embargo la
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Es esta parte digna del análisis. El
inminente arribo de Melancolía, un planeta que se ha escondido por
millones de años detrás del sol, hace
que la parte de la razón –Claire- y la
ciencia –John- vean terminadas sus
esperanzas basadas en datos y cálculos matemáticos, optando la
primera por la desesperanza y la
histeria, y el segundo por el suicidio.
En tanto que Justine –debatida entre
el seguimiento de las tradiciones relacionadas a la religión y el abrazar
un nuevo ateísmo auto asumido-
termina siendo la parte razonable que
ayuda a su sobrinoLeoa despedirse
de esta Tierra que es, según ella, “tan malvada que solo en ella puede
haber vida”.
Increíble es la forma en la que el cineasta coloca un discurso,
sumamente profundo, en donde el
único fin lógico para que todo termine
es que las estrellas colisionen. Un
mundo oculto tras el sol que danza hacia la muerte. Oculto por millones
de años, ahora terriblemente cerca de
nosotros. Parece alejarse, pero
vuelve y devasta todo a su paso.
“Primero era negra, ahora Melancolía es azul” declaraJohn a sus esposa,
en un claro discurso del color que
conlleva a la ruina (cita obligada que
nos remite a Eternal Sunshine In The Spotless Mind de Michael Gondry y
tantas otras películas que usan de
manera magistral el color azul para
definir a la melancolía).
Es el mismo John quien afirma
“Melancolía pasará justo frente a nosotros, no nos golpeará”. Sin
embargo lo hace, parece tomar
rumbo lejos de nosotros, pero vuelve,
se lleva el oxígeno, pone en
entredicho lo más sólido que llevamos dentro de nosotros y, por
último, nos consume por completo, en
una tremenda colisión.
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La importancia de ser
Por ahí dicen que el arte es un encuentro íntimo entre quien lo expresa y quien lo aprecia, pues bien, Jeunet retrata su imaginario del mundo, concretamente el de Francia desde la perspectiva de Amèlie (Audrey Tautou) que, por medio de la soledad y de su convivencia constante con esta busca en el fondo con quién compartir su felicidad, situación en la que se identifica más de uno.
Cuando se me encomendó la labor de escribir sobre la magnífica cinta de Jean-Pierre Jeunet tuve que dejar de lado una gran cantidad de artículos nacionales y extranjeros y es que, a más de una década de haberse estrenado, la premisa de aquella joven altruista con todo el mundo sin esperar nada a cambio, aquella heroína sin súper poderes, aquel personaje nostálgico que coquetea con el fracaso al intervenir en la vida aburrida de peculiares compañeros de forma ingeniosa y también emblemática para hacerlas más coloridas dentro de esta fábula moderna sigue y seguirá dando de qué hablar.
Por otro lado he de destacar tres aspectos esenciales en el filme (dejando de lado las estupendas interpretaciones); en primer lugar la narración, esa voz por momentos en Off, le da un toque magnífico y singular a la trama que no pierde sentido en ningún instante. En segundo lugar esa exaltación de colores empleada por el director del filme sin llegar al surrealismo haciendo gala del arte visual y dándole mayor identidad al cine francés; finalmente la música, compuesta en su totalidad por YannTiersen es un cómplice en verdad ejemplar, basta con recordar melodías como San Piano Piece o La Valse d’Amèlie en sus distintas versiones.
Con esta producción Jean-Pierre Jeunet abriría camino a otras cintas francesas a nivel global, como lo dijese el otrora director François Ozon “en Francia, el director tiene el corte final, no el estudio”, en este sentido el país galo muestra en cada filme cultura, educación, dedicación, sensibilidad y estética.
Ameliepor MARIO BERMÚDEZ
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Los sueños, el amor y la nostalgia
Huir para liberarse puede resultar. Todo depende a donde se desea ir. Escapar
hacia el cine no es sinónimo de distraerse un par de horas, es quizá un lugar para
renacer, para saber que todos los sueños son realizables. El paraíso no tiene que
ser un mundo divino, basta con tener unos cuantos asientos en una sala oscura y
una pantalla blanca lista para crear y descubrir en ella fantasía, universos bizarros,
quimeras y emociones nunca sentidas por el hombre. El paraíso en un cinema.
por ERIC VILLA
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El director italiano Giuseppe
Tornatore nos heredó esta c inta
entrañable, la cual toca la sensibil idad
del espectador desde lo más puro
que existe, el amor. Un drama que va
desde la nostalgia hasta la tragedia,
desde la felicidad de la infancia
pasando por las tristezas y dudas de
la juventud, llegando a las
experiencias y omnisciencias de la
adultez. Una evolución del
protagonista del film, de Salvatore,
conocido como Toto.
Una evolución que vemos en su
infanciadonde tiene su mayor ilusión,
en una cabina de cine, junto a ese
cinematógrafo ve proyectada su vida,
su libertad. Sabe que cualquier sueño
se cumple ahí. Descubre la comicidad
de la tragedia en las escenas de cine
mudo que se proyectan en el
Paradiso, también ve que las
personas se dejan de preocupar para
reír, llorar y sorprenderse por un rato
mientras las luces permanecen en
silencio. En su juventud descubre a
través de la lente de su cámara de
8mm la belleza de Helena,un
segundo amor con quien compartir
sus días.
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¡Vete! ya no quiero oírte hablar,ahora quiero oír hablar de ti...
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Pero como todatravesura tiene un
cómplice, esa complic idad la obtuvo
en Alfredo, su más fiel compañero
desde que de chico jugaba por todo
el cinema. Ese viejo no sólo fue su
amigo, de alguna manera fue su
padre. Le enseñaba y regalaba cada
uno de los caprichos que Toto le
pedía; como a maniobrar y echar
andar la máquina del Paradiso, y
esos fotogramasdel celuloide que
para el mismo Salvatoreno sólo era
un juguete sino que representabanel
tesoro donde toda la v ida y su mundo
se guardaban ahí. Alfredo sin duda
marcó el film de Tornatore más allá
de su protagonista. Es el v iejo Alfredo
quien fue el maestro que le mostróla
sabiduría de lograr las metas y los
sueños, como lo han hecho otros
buenos viejos dentro del cine, como
el señor Miyagi en The Karate Kid,
Yoda en Star Wars, o hasta el mismo
Dumbledore con Harry
Potter.Salvatore ya en su edad adulta
se da cuenta que tener fama, dinero y
mujeres no recompensa el cariño del
pasado, de ese pasado que vivió y
creció junto a Alfredo.
Cabe resaltar que al mismo tiempo y
paralelo a la historia de los
personajes, vemos la época en que el
cine sufría de censura, ante
desnudos, visibilidad de algunas
partes del cuerpo femenino que hoy
no representa algún problema
exhibirlos, pero que en aquellos años
fue distinto. Pero lo más que se
prohibíamostrar en pantalla eran los
besos de las parejas. Al final de la
película vemos esa magia del amor,
esa magia del cine que es capaz de
romper esquemas y transgredir para
convertir las cosas prohibidas en un
arte, combinándose en la escena final
con un elemento que le dio la cereza
al pastel de la película y es la
intervención de la música,con “El
tema de amor”,compuesto por Ennio
Morricone.
Una cintaque nos habla de luchar por
los sueños, por el amor, una cinta
inspiradora, nostálgica, llena de esa
pasión por la cual esta película existe.
Pero que no sólo habla del cariño por
el carrete cinematográfico. Es
también la búsqueda de la compañía
que nos hace sentir bien, a quien
compartir nuestros anhelos. Regresar
a ese lugar donde nos ilusionamos de
pequeños, encontrarse si es posible
con un trozo para ver lo mucho que
hemos crecido, para ver como las
cosas ahí han ido mejorando. Pero al
volver a ese pasado nos encontramos
con el trozo hecho una ruina
tendiendo a desaparecer o ya
desaparecido por “el desarrollo o
industria” para establecer a una
sociedad en un “mejor mundo”. Lo
único que queda son las memorias
que vivirán para siempre en esas tiras
de cuadros mágicos. Solo queda ver
cómo quedan guardadas las cosas en
el corazón y quizá sea suficiente para
seguir soñando, ilusionándose, y
enamorándose. Esa es la esencia de
Cinema Paradiso.
“Hagas lo que hagas ámalo, como amabas la cabina del Paradiso”
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¿Y SI...
TODO EL MUNDO TIENE A ALGUIEN MENOS YO ?
por ANDREI MALDONADO
La pregunta primigenia, la que asalta a la media noche a los solitarios antes de
irse a dormir, la misma que nos cuestiona si en verdad somos una media naranja que necesita de otra media naranja para estar completa o somos en esencia seres
enteros que solo buscamos una adición, es la que queda en el espectador:“¿Y si
todo el mundo tiene alguien menos yo?”.
La obra de Raúl Fuentes, que maravillosamente logra transmitir no solo una
historia de amor sino una apología acerca de que amar es eso que se siente
cuando frente a ti sólo hay una inmensa noche, elimina todo rastro de
encasillamiento del cliché romántico en una pareja del mismo sexo, pues no existe
una persecución del destino a causa de la relación entre María y Alejandra, más bien ellas mismas trazan su destino a causa de las decisiones que toman a lo
largo de la historia.
Todo el mundo tiene a alguien menos yo no solo nos traza una narrativa visual
inigualable, jugando con la espacio-temporalidad de los hechos, además consiente
al espectador con escenarios que pueden ser de cualquiera de nuestras ciudades,
en un sutil blanco y negro que resalta la estética de ambas mujeres hacia un
caótico fin, un decálogo de cómo mandar toda una historia al carajo, una suerte de
tragedia griega donde, a pesar de conocer el cruel destino, todos esperamos que algo bueno suceda.
El amor no sabe de edades, ni de sexo...
Una gran virtud de esta película está en hacer que el espectador olvide de que en
pantalla se encuentra una pareja lésbica, porque al final de cuentas esto no tiene mayor relevancia, y termine por identificarse con una u otra mujer, reconociendo
sucesos propios en los narrados. Alejandra lleva consigo el peso de muchos
fracasos y se presiona con respecto a María, mucho más joven que ella y que con
el tiempo termina por hartarse de los constantes fallos de su pareja.
Sin duda alguna hablamos de elementos comunes en cualquier pareja,
heterosexual o no. Lo terriblemente bello no son –aunque de hecho también lo
son- los momentos de clímax de la cinta, como la magistral escena donde ambas
bailan o el reclamo de una a la otra a media calle, lo realmente bello es poder tomar elementos infinitamente usados – ¿y qué elementos no han sido usados
ya?- despojarlos de sus significaciones, reconvertirlos y redefinirlos para regalarle
a cientos de personas frases, momentos y canciones que no son más que una
forma de verse en un espejo, o más bien, en una pantalla.
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Decía Rainer María Rilke que la belleza es el comienzo de lo terrible, y Todo el
mundo tiene a alguien menos yo no es bella por ser terrible, sino es terrible por ser tan bella. Un discurso moderno sobre la soledad auto inducida, la fatalidad de los
amores que no han de consumarse y la lucha contra los tabúes de un cine
mexicano que en ocasiones se resiste a abrir los ojos a otras propuestas, pero
como en esta ocasión –y afortunadamente-, termina cediendo.
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trilogia before
Extraños en un tren
por ARTURO TERRONES
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Hace 19 años, nos encontramos por primera vez con Jesse y Celine mientras ambos viajaban en tren. Él (interpretado por EthanHawke) es un norteamericano que tras vagar por Europa está a punto de regresar a su país, ella (JulieDelpy), es una estudiante de la Sorbona que regresa de Budapest después de visitar a su abuela. En Antes del amanecer (1994) ambos son veinteañeros, ingenuos e idealistas. De alguna manera, él la convence de bajarse en Viena y acompañarlo hasta la mañana siguiente, cuando habrá de abordar el vuelo que lo llevará de regreso a Estados Unidos. Y es así que el director Richard Linklater filmó la historia de amor de la Generación X: Dos extraños vagando en un bello lugar, descubriendo su compatibil idad a través de una conversación sin fin donde ambos plasmarán sus visiones sobre el amor, la música, la vida y la muerte. No hay tramas escondidas, es simplemente capturar un momento mágico, como esa escena con Comehere de fondo, en la que Linklater se las arregla para retratar un juego de miradas que se buscan y se esconden. Estos dos extraños aprovecharán las pocas horas que tienen para construir la tarde-noche de su vida antes de despedirse con la promesa reencontrarse 6 meses después en la misma estación de tren. Al final los veremos alejarse y mientras que aquellos lugares que compartieron siguen igual de bellos pero un poco vacíos.
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“somos el resultado de la suma
de momentos de nuestra vida”
“La idea de que sólo haya
una persona que nos
complemente es diabólica”
Nueve años después el director habría de despejarnos la duda en Antes del Atardecer(2003), cuando reencontremos a Jesse y a Celine en París. La receta es la misma, un avión que tomar (esta vez antes de que el sol se ponga), una bella ciudad de fondo, pláticas interminables y una conexión de esas que pocas veces se encuentra en la vida, solo que esta vez hay una diferencia, los extraños en el tren ya no son aquellos jóvenes inexpertos, Jesse trae consigo el confl icto de la paternidad en un matrimonio infeliz mientras que Celine carga con un romanticismo tóxico que explotará en una memorable escena en el asiento trasero de un auto. Al final, Linklater decidió regalarnos una cinta de reencuentros, de segundas oportunidades en las que a ritmo de Nina Simone uno podía creer que la vida se re imaginada y en una jugada genial, la cierra al igual que la primera vez, en una nota ambivalente, los románticos creeremos que esta vez Jesse perderá el avión, ¿los cínicos? Solamente ellos sabrán.
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Y es así que tras otros nueve años, estamos de nuevo frente a esos extraños en Antes de la Medianoche (2013), los mismos veinteañeros que ya no son, pero a los que aún podemos reconocer en sus gestos, sus miradas y sobre todos en sus pláticas. El escenario es Grecia, pero esta vez no importa. Pudiera ser cualquier parte, si en Viena la tumba de una niña conducía a la reflexión, en el Peloponeso, un santuario de miles de años solo sirve para hacer bromas sexuales. Ha llegado el momento de dinamitar las fantasías románticas que aquellas primeras cintas ayudaron a construir, aquellos muchachos en el tren, que se inventaron la noche de su vida, hoy están frente a la realidad, frente a un amor que parece apagarse como el sol al ocultarse detrás de una is la. Dicen que es una película valiente y s in duda lo es, dicen que es más sabia y tal vez sea cierto, uno debe de ser más sabio a los 40, pero eso no significa que eso nos guste más que aquella ingenuidad de los 20. El final de nuevo será ambivalente, pero quizá nosotros (junto con la pareja) nos hayamos mudado al cinismo.
Al final estamos frente a veinte años, tres películas y una gran historia. Una que nos l leva por la experiencia del amor a través del tiempo. Quizá a los veintes valorábamos aquellos instantes mágicos, sin intentar atraparlos en un para siempre. Tal vez a los 30, con ganas de re inventarnos nos daba por soñar en reencontrar a aquella que parecía la indicada en una tarde en París y no dejarla ir. Pero el último capítulo de esta historia es ese momento en el que aquella bomba de tiempo disfrazada de ilusiones y fantasías finalmente estalla y nos grita que el amor y la vida en pareja es así, una cuestión más de trabajo duro que de magia. Aunque tu historia sea tan linda como la de aquellos extraños que se bajaron de un tren en Viena eso de “Felices para siempre” no es algo más que una bella mentira.
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GONDRYEntre la memoria, el amor y el olvido
por ANDREI MALDONADO
Cualquiera puede enamorarse de
Francia, así como cualquiera puede enamorarse del cine, todavía más del
cine francés. Sin embargo no
cualquiera puede enamorarse del
cine de Gondry, porque éste no está
hecho para cualquiera.
De oficio dentista, Michel ha podido
dar un nuevo esquema a la
cinematografía de la primera década del nuevo milenio, dotando de un
surrealismo muy real a sus filmes,
donde destaca un elaborado trabajo
de arte, una fotografía llena de color e
historias que mezclan elementos de comedia, romance y cierto
dramatismo con la vena científica que
corre por todo su ser.
GONDRY
Del olvido al “yo te c onozco de
otra vida”
Sin duda alguna Eterno resplan dor de
una m ente sin recuerdosm arca un
antes y un después de cóm o hacer cine, y significaademás una de las
m ejores c intas jam ás logradas en la
historia. Joel Barish (Jim Carre y) se
som ete a un inusua l proceso por el
cua l, con ayu da de la em presa Lacuna Inc., busca borrar de su
m ente a Clementine Kruczynski (Kate
Winslet), la cual hizo lo m ismo con él
prev iam ente. Pero es en este punto
de la historia cuando M ichel Gondry nos m uestra que los mom entos
vividos co n las personas qu e
am amos son m ás que e stímu los
cogn oscitivos del cerebro hum ano, y
obedecen m ás al des tino, no un des tino enviado p or una entidad
divina, s ino un destino construido po r
las decisiones y asum ido por un
corazón que decide no b orrar el
recuerdo.
El tiempo suele ser aliado para que, tras mucho análisis por parte de las
audiencias, su obra se consagre como magna dentro de su disciplina. En eso Gondry ya lleva ventaja.
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¿Te casarías conmigo cuando
tengas 70?
Si de cintas abrumadoramente bellas
hablamos un lugar muy importante en
la historia de la filmografía universal es el que debe ocupar La ciencia del
sueño, no solo desde el punto
técnico, donde destaca la mezcla de
elementos animados y un arte
sumamente elaborado, ni del actoral con el magnífico trabajo de Gael
García Bernal y Charlotte
Gainsbourg, sino desde el
argumentativo, en donde el director
lleva aún más allá el tema de los recuerdos y el amor que en Eterno
resplandor. Stephane (Bernal) insiste
en tener una conexión extrasensorial
con su vecina Stephanie
(Gainsbourg), lo que no significa otra cosa que tanto él como ella están
hechos el uno para el otro. Al final, la
teoría de la desastrología nos dejará
delante de un mundo ideal que solo
habita los sueños.
Toda película se puede filmar
Si buscáramos dentro de los 118 años de historia del celuloide una película que
homenajeé al séptimo arte desde sí mismo se nos vendrían a la mente títulos
como Cinema Paradiso o El artista. Sin embargo Be Kind Rewind, conocida en
Latinoamérica como Originalmente Pirata, brinda su propio tributo a la esencia del cine y, como pocos, nos recuerda que heredar al mundo una obra de arte está a
un “rec” de distancia. Jerry, interpretado genialmente por Jack Black, y Mike,
encarnado por Mos Def, “reversionarán” filmes clásicos como King Kong o Los
Cazafantasmas, creando sus propios discursos, independientes incluso a los de
los filmes originales.
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HAY UNA ORQUESTA EN MI CABEZA
Cuando la música es la razón de vivir... y de morir
por ANDREI MALDONADO
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La palabra fu ga toma tantas
ace pciones cuando é sta , a fin de cue ntas, re sulta en sí un es cape.
Fuga (2006) se nos presenta com o
una delic ia visu al y narrat iva,
prov ocadora en todos los sentidos.
Dirigida por Pab lo Larraín (No, P ost M órtem ), és ta co producc ió n c hileno -
argentina es un disc urso ac erca de la
fragilidad del ser a nte el braz o
invenc ib le del de stino.
De principio la form a d is curs iv a e n
que Lar raín des cribe visu alm ente la
historia de E lis eo Montalbán
(B enjamín V icuña) y Ricardo Co ppa (G as tón Pauls ) pe rmite hac er una
urdim bre fí lmica deliciosa, en la c ual
el es pectador pas a entre las vidas de
am bos m úsico s, de la biografía del
atorme ntado M ontalbán al trabajo doc umental y obs esivo del otro,
perm itiendo ir te jiendo biografías y
llenando los huec os de la mem oria.
Es te aspec to, la m emoria, traza un
eje imprescindible en la cinta, pues
m uestra con qué facilidad la soc iedad
puede m andar al olvido a aquellos
héroe s que tanto a labó; asim is mo, nos m uestra com o un acto
insignif ic ante para algunos puede s er
trasc endental para otros , a l grado de
ser im borrable de s us recuerdo s.
O tro as pecto fundam ental del
largom etraje e s la cuest ión de la
locura y su cues tionable def inic ión
segú n la sociedad ac tual. Eliseo, pers eguido por presenc iar la m uerte
de su herm ana s iendo todavía un
niño, term in a recluido po r s us padres
en un m anicom io , un lugar en d onde
incluso la hom osex ualidad es un crim en, crim en por el c ual C laudio
(A lfredo C astro) paga, e inic ia una
fu ga c on la fuga de E lis eo.
Pe ro s in duda alguna la colum na
vertebral del discurso de la pelíc ula
radica en lo referente al des tino,
cóm o s e es presa de él y cóm o u na
m elod ía, la Rapsodia Ma cabra , conlleva a s u intérprete y aquien está
cerca de e lla a la muer te. Sin du da
alguna estamos frente a una p iez a
m agis tral, no solo de la f ilmografía
chilena, sino latinoam ericana, e incluso de la cinem atografía mund ial,
y en L arraín tenem os a un genio que
sabe trazar his tor ias alucinantes,
conjuntándolas con actuaciones
m agis trales de grandes del histrionism o iberoam erican o.
26
La butaca del cácaro
Alimentándonos del séptimo arte
Alimentándonos del séptimo arte Año I No 5Revista Mensual
28 de diciembre,aniversario delcine
Hablemos y embriaguémonos de cine.
Un ciclo cinematográfico distinto cada mesTodos los Miércoles 19:30 hrs Entrada LibreCafé DaVinci: Constitución frente a Plaza de Armas
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