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Cineforum Antares / Septiembre-Octubre 2007

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Danzad, danzad... Iniciamos un nuevo curso cinematográfico (el 4º ya) lleno de buenas intenciones, de proyectos, de nuevas ideas y sobre todo de imágenes. El Cineforum Antares comienza a consolidarse y este año, 07_08 vamos a intentar que este proyecto sea un realidad. Más de 140 proyecciones nos avalan, aparte de una entusiasta acogida tanto de público como de crítica. La danza es la estrella de estos primeros meses. Actores como Gene Kelly, Cyd Charisse, Leslie Caron, Fred Astaire, entre otros, vienen a inundar nuestras retinas de bellos y elegantes giros y movimientos. El musical uno de los grandes géneros por excelencia del 7º Arte estará presente con algunos de sus lucidos y brillantes bailarines y coreografías. Junto a los clásicos, la presencia innovadora de Pina Bausch y una exposición que recoge algunos de los momentos más importantes de la danza contemporánea. Jean Vigo, uno de los grandes creadores del cine, llega con toda su carga de apasionamiento y romanticismo. Tendremos ocasión de contemplar la obra completa de uno de los genios del cine galo. Danzad, danzad ...

Manuel Gómez Cineforum Antares

Sevilla, septiembre de 2007


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Proyecciones Jean Vigo, la pasión de vivir (JV)

Invitación a la danza (I) (I.D.) Septiembre Miércoles 26 de septiembre, 19.30_ (J.V.)/ V.O.S.E. A propósito de Niza (A propos de Nice),

de Jean Vigo con acompañamiento de: Arsenio Martins Ensemble. Cero en conducta (Zero de conduite), de Jean Vigo.

Octubre Martes 2 de octubre, 19.30_ (J.V.) / V.O.S.E. Taris o la natación (Taris, roi de l'eau),

de Jean Vigo. V.O.S.E L'Atalante, de Jean Vigo.

Martes 9 de octubre, 19.30_ (I.D.) / V.D. Las Zapatillas Rojas (The Red Shoes),

de M. Powell, E. Pressburger. V.E. Martes 16 de octubre, 19.30_ (I.D.) / V.D. La calle 42 (42nd Street), de Lloyd Bacon Martes 23 de octubre, 19.30_ (I.D.) / V.D. Un americano en París (An American in

Paris), de V. Minnelli Martes 30 de octubre, 19.30_ (I.D.) / V.D. En alas de la danza (Swing time), de

George Stevens. Entrada libre hasta completar el aforo. V.O.S.E.: Versión Original con subtítulos en español V.D.: Versión doblada V.E.: Versión en español


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Jean Vigo, la pasión de vivir “Tuve la dicha de descubrir las películas de Jean Vigo en una sola sesión, un sábado por la tarde de 1946, gracias al Cine Club de La chambre noire, dirigido por André Bazin. Al entrar en la sala no conocía ni el nombre de Jean Vigo, pero enseguida fui presa de una rendida admiración por una obra cuya totalidad no llega a los doscientos minutos de proyección”

J.L.Godard


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Jean Vigo nació en París el 24 de abril de 1905 y murió también en París el 5 de octubre de 1934. Hijo de un periodista y militante anarquista catalán -Miguel Almereyda; en realidad Eugène-Bonaventure de Vigo- muerto ahorcado en una prisión francesa en 1917. En su infancia y adolescencia estuvo en un internado de Milla y quizás por las malas condiciones de vida que tuvo allí, contrajo tuberculosis en su juventud, por lo que se instaló en Niza. En esta ciudad fue ayudante en un estudio fotográfico y posteriormente parte muy activa del cineclub de Niza, lo que le procuró contacto con experimentadores cinematográficos de todo el mundo. En 1929 Jean Vigo invitó a Boris Kaufman (hermano de Dziga Vertov) para trabajar con él y realizaron la obra: Sobre Niza (À Propos de Nice -1930-). Puede definirse como una visión sobre una sociedad superficial en proceso de putrefacción. En esta corto mudo, y por regla general, cuando trabajaban juntos, Kaufman filmaba y Vigo dirigía. Con frecuencia Vigo llevaba a Kaufman a pasear en silla de ruedas con una cámara entre las piernas y tapada por una manta (la silla de ruedas pasaba desapercibida en una ciudad como Niza). Así eran capaces de filmar a las personas sin que se diesen cuenta, que era lo que ambos buscaban porque eran partidarios de la teoría kino-pravda (cine-verdad). Luego realizó el documental sobre el campeón de natación Taris. Zero de condutei es su primer largo y relata el conflicto entre estudiantes y profesores en un internado. Este film fue censurado por considerarlo sedicioso. El último film que hizo fue la historia de amor L’Àtalante. Al poco de realizarla murió con 29 años. A pesar de su escasa filmografía Jean Vigo es considerado uno de los mejores cineastas franceses.


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A propósito de Niza À propos de Nice. Francia, 1930. 25'. Director: Jean Vigo. Guión: Jean Vigo. Fotografía: Boris Kaufman Documental experimental con inequívoca carga social que, en clave satírica, describe Niza durante las fiestas del Carnaval À propos de Nice es sólo un modesto borrador para un cine de este tipo. En este film, por mediación de una ciudad cuyas manifestaciones son significativas, se asiste al proceso de unas ciertas gentes. En efecto, apenas indicados la atmósfera de Niza y el espíritu de la vida que allí se lleva -¡y en otras partes también, por desgracia!-, el film tiende a la generalización de groseras diversiones situadas bajo el signo de lo grotesco, de la carne y de la muerte, y que son los últimos estertores de una sociedad abandonada a sí misma hasta darles náuseas y hacerlos cómplices de una solución revolucionaria. À Propos de Nice, el punto de vista documental de Jean Vigo sobre una ciudad donde el juego, el ocio y el carnaval contrastan intencionalmente con los desposeídos: la "Promenade des Anglais" opuesta a los lugares pobres de la ciudad. Todo se encamina a la idea de la muerte, o si se prefiere a la muerte de los ociosos y de una clase social: una suerte de danza en medio del carnaval de Niza, con ridículas esculturas funerarias, un humor negro sarcástico gobernando esta lírica, violenta y subversiva polémica social llena de metáforas (los pies encerados, una mujer de pronto desnuda en un sillón), que ocasionaron su violenta prohibición en la época. Utilizó en ocasiones la cámara oculta para conseguir interesantes tomas de los habitantes de la ciudad. El filme À propos de Nice considerado precursor de los documentales sociales, es una crítica a la burguesía de los años ´30.


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Cero en conducta Zéro de conduite. Francia, 1933. 41'. Director: Jean Vigo. Guión: Jean Vigo. Fotografía: Boris Kaufman. Música: Maurice Jaubert. Producción: Gaumont. Intérpretes: Louis Lefèvre, Gilbert Pluchon, Gérard de Bédarieux, Constantin Goldstein- Kehler. “La guerra está declarada, ¡abajo los maestros!¡abajo los castigos!¡Viva la revolución!” Un grupo de chicos vuelve a un internado francés tras las vacaciones. Ahí deben seguir ciertas normas de comportamiento si no quieren recibir un “cero en conducta”, la nota que les ponen por mal comportamiento. La dirección del colegio trata, sin éxito, de disciplinar a los alumnos. Tres de ellos planean una revolución contra las autoridades escolares durante la fiesta de graduación. Cuando se inicia el acto, los chicos suben al tejado de la escuela y lanzan latas y demás desechos sobre los participantes en el mismo. Poema sobre la adolescencia a partir del retrato autobiográfico de Jean Vigo en torno a sus años escolares en un internado. En sus escasos 44 minutos Cero en conducta es un compendio de recursos que subvierten el orden perceptivo. Desde la famosa secuencia de la guerra de almohadas -en la que el uso de la cámara lenta, la iluminación expresiva y la música en reversa contribuyen a la construcción de una atmósfera onírica- hasta el uso de dibujos animados y gags tomados del recién desaparecido cine mudo, el filme sorprende por la frescura con que estos recursos son manejados por Vigo, quien los hace parecer como si fuese la primera vez que se utilizan en la pantalla. Truffaut se inspiró en más de una escena de Cero en conducta para realizar Los cuatrocientos golpes (1959) su propia versión de una niñez infeliz a la francesa. Con este filme, Truffaut logró renovar las anquilosadas estructuras del cine francés de su tiempo y rendir un merecido homenaje al anárquico espíritu de Jean Vigo.


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Taris o la natación Taris, roi de l'eau, Francia, 1931. 10'. Director: Jean Vigo. Guión, montaje, productor: Jean Vigo. Fotografía: Boris Kaufman. Intérpretes: Jean Taris Documental acerca del campeón de natación, Jean Taris. Jean Vigo recoge en este documental de apenas diez minutos una clase de natación con el gran campeón francés del momento, Jean Taris. El autor de Cero en conducta ofrece imágenes preciosistas, que son como un homenaje al cuerpo humano. El cortometraje es absolutamente didáctico, de modo que explica diversos aspectos técnicos de la natación y sus modalidades: el crawl, la espalda, la braza, la respiración, el movimiento de brazos y piernas, etc. Como ocurre a menudo en Vigo, las imágenes están enriquecidas por un montaje vertiginoso, con celeraciones y decelaraciones, y con imágenes primorosas de primerísimos primeros planos. La fotografía de Kaufman es más que sobresaliente, sobre todo en las espectaculares y asombrosas escenas debajo del agua, una verdadera audacia para la época.


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L'Atalante Francia, 1934. 86' Director: Jean Vigo. Guión: Jean Guinée, adaptación y diálogo por: Jean Vigo y Albert Riéra. Fotografía: Boris Kaufman, Louis Berger, Jean-Paul Alphen. Música: Maurice Jaubert. Montaje: Louis Chavance. Producción: Jacques Louis-Nounez. Intérpretes: Michael Simon, Dita Parbo, Jean Dasté, Gilles Margaritis, Louis Lefebvre. L’Atalante es el nombre de la barcaza fluvial habitada por un joven patrón (Jean), recién casado con una campesina, y el pintoresco marinero Jules. Nombre de la mitológica diosa, mujer especialista en correr para huir de los hombres, el título de "L'Atalante" (1934) significa uno de los filmes clásicos del cine francés y, para François Truffaut, uno de sus diez preferidos. Su azarosa historia ha conocido múltiples avatares, empezando por la muerte de su director, Jean Vigo, nada más terminado el rodaje, las alteraciones efectuadas por los productores en el montaje original y las sucesivas restauraciones de la película, siendo la última la efectuada en 1990 y que en palabras de la historiadora Elie Faurie, dejó al descubierto "un filme violento, atormentado, enfebrecido, rebosante de ideas y de fantasía, de un romanticismo exacerbado, casi demoníaco; pero, ante todo, humano". Jean Vigo quiso atrapar en su película la vida humana, los detalles cotidianos, la camaradería, el pintoresquismo del "quartier", costumbrismo que contempló desde una óptica que señala al cineasta singular e inimitable, una mirada llena de aliento poético, de fisicidad y sensualidad, de apuntes surrealistas con el influjo del primer Buñuel y de los vanguardistas. Como dijo Truffaut, "filmando prosa, logra sin esfuerzo poesía". Pocos como él supieron combinar, en un conseguido equilibrio, los contenidos realistas con el esteticismo artístico, haciendo que las imágenes de su cine se movieran "en ese punto del espíritu donde lo real y lo imaginario dejar de ser percibidos contradictoriamente".


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Invitación a la danza La danza siempre ha tenido un papel importante dentro de la historia del Séptimo Arte. Su buenos o malos momentos han ido siempre muy relacionados con un género como el musical. Los años 40 y 50 fueron la época dorada de los musicales. Los musicales de la edad dorada de Hollywood no se limitan a mostrarnos la canción o el baile sino que son, de hecho, baile canción y espectáculo.


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Las Zapatillas Rojas The Red Shoes. Reino Unido, 1948.133’ Director: Michael Powell & Emeric Pressburger. Productores: George R. Busby, M. Powell y E. Pressburger. Guión: M. Powell, E. Pressburger, Keith Winter y Marius Goring. Música: Brian Easdale, Kenny Baker. Fotografía: Jack Cardiff. Montaje: Reginald Mills. Intérpretes: Anton Walbrook (Boris Lermontov), Marius Goring (Julian Craster), Moire Shearer (Victoria Page), Robert Helpmann Una joven bailarina se debate entre dos hombres, posesivo compositor el uno, autoritario empresario el otro. Las zapatillas rojas rompió con estos esquemas básicos del musical hollywoodiense, aunque no pueda considerarse propiamente como una obra de este género, dado que ni cumple con el esquema básico alternativo entre narración y números de baile, ni éstos están integrados en la historia vivida por los personajes, sino que forman parte de su trabajo como bailarines de una compañía de danza. De todos modos, el magnífico número central de la representación de Las zapatillas rojas, así como la inclusión de otros fragmentos de ballet justifica esta comparación. Para empezar, la historia del filme posee un final trágico, lo que para esos años era, como se ha dicho, bastante trasgresor. Michael Powell fue un director perfeccionista y entusiasta con el tratamiento visual de sus filmes. Nunca negó la influencia que el cine mudo imprimió en sus películas, una influencia que es también patente en Las zapatillas rojas y en el espectacular número central de la representación de la obra de danza. Powell entendía el cine como la expresión del artista a través las posibilidades que el encuadre y el montaje le ofrecían. El aspecto visual de sus obras es mucho más importante que el resto de elementos que integran el lenguaje, los cuales, como la música o los diálogos, sirven para enfatizar o realzar la belleza y el cuidado formal de sus imágenes.


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La calle 42 42nd Street. USA, 1933. 89’ Director: Lloyd Bacon Guión: Rian James & James Seymour. Música: Harry Warren Fotografía: Sol Polito. Intérpretes: Dick Powell, Ruby Keeler, Warner Baxter, Ginger Rogers, George Brent, Guy Kibbee, Ned Sparks, Una Merkel, Bebe Daniels, Edward J. Nugent, Allen Jenkins. Narra la historia de un prestigioso director de musicales de Broadway, Julian Marsh (Warner Baxters), que acepta el encargo de montar un nuevo espectáculo, "Pretty Lady", con premuras de tiempo. Warner Baxter hace las veces del famoso director de escena Julian Marsh, que a pesar de su deficiente salud está decidido a montar una última producción espectacular, "Pretty Lady". Entre los demás personajes están la "bonita señorita" Dorothy Brock (Bebe Daniels); el protector de Dorothy (Guy Kibbee), que financia el espectáculo; su amada Pat (George Brent); el primer actor Billy Lawlor (Dick Powell); y la soñadora chica del coro Peggy Sawyer (Ruby Keeler). Uno de los momentos más graciosos de la película sucede cuando Dorothy se tuerce un tobillo la noche antes del estreno y Julian Marsh se ve forzado a sustituirla por Peggy. Excesivamente sentimental pero deliciosa, con graciosísimos actores secundarios como Ginger Rogers, Una Merkel y George E. Stone, Risas y lágrimas es quizás el más famoso de los musicales que Busby Berkeley hizo para la Warners a principios de los 30. Esta cinta se basa en una novela de Bradford Ropes (que era excesivamente atrevida para el gusto de los censores de la época y está salpicada de piezas musicales tan espectaculares como "Shuffle Off to Buffalo", "Young and Healthy" y por supuesto la canción que le da el título. Casi cincuenta años después de su estreno, fue reestrenada con éxito en Broadway con Tammy Grimes y Jerry Orbach.


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Un americano en París An American in Paris. USA, 1951. 115’ Director: Vincente Minnelli Guión: Alan Jay Lerner. Productor: Arthur Freed. Música: George Gershwin. Fotografía: Alfred Gilks. Intérpretes: Gene Kelly, Leslie Caron, Oscar Levant, George Guetary, Nina Foch, Ernie Flat. Un pintor norteamericano en el París de la postguerra, se enamora de una bella francesa, pero renuncia a ella por la promoción que pueda hacerle una prestigiosa crítica de arte. Vincente Minnelli se plantea la película como la culminación de sus experiencias musicales durante los años 40, pero prosigue con su perfeccionada técnica para rodar los números musicales. Convencido de que diferentes planos, rodados con varias cámaras desde distintos ángulos, rompen la fluidez de los movimientos de los bailarines en el montaje, se limita a rodar complejos planos generales, donde se ve a los bailarines desde los pies hasta la cabeza, siguiéndoles con una cámara que se ajusta a sus evoluciones. Llega a haber hasta veinte posiciones diferentes de cámara dentro de un mismo plano, pero sus movimientos quedan tapados al ajustarse al de los bailarines. Gracias a la colaboración del decorador Preston Ames y a examinar miles de fotografías, crean un París lo más auténtico posible. Es el primer musical del decorador, pero durante la postguerra ha vivido cinco años en París. Resuelven el problema de la transición del caótico baile de disfraces de "Quat'z'arts" al estilizado ballet final imaginado por Jerry Mulligan haciendo que los trajes de las máscaras sean en blanco y negro, diseñados por Walter Plunkett, y los del ballet final tengan un fuerte colorido, creados por Irene Sharaff. La gran influencia de Gene Kelly en el resultado final se nota especialmente en tres números. Tanto en "By Strauss", extraído de la revista "The Show Ir On", donde baila con una viejecita (Mary Young), que es una bailarina madura maquillada de vieja, como en "I Got Rhythm", que convierte en una clase de inglés a unos niños parisinos. Y también en "Tra-la-la", que parece directamente extraído de una de las películas que codirige con Stanley Donen.


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En alas de la danza Swing Time. USA, 1936. 105’ Director: George Stevens Guión: Allan Scott & Howard Lindsay. Música: Jerome Kern. Fotografía: David Abel. Intérpretes: Fred Astaire, Ginger Rogers, Betty Furness, Victor Moore, Helen Broderick, Eric Blore, Georges Metaxa. Fred Astaire interpreta el papel de un bailarín buscavidas que decide casarse con la hija de un rico hombre de negocios. Pero el padre de la novia le pone como condición ganar una gran cantidad de dinero para convencerle de que su hija no cae en las garras de un caradura. El problema es que, como era de suponer, nuestro protagonista se enamora perdidamente de su “presa”. Decir Fred es decir Ginger, y decir Ginger es decir Fred. La sintonía de ambos en la pista de baile, enmarcada en un art decó en blanco y negro, y fusionada con las melodías de Gershwin o Berlin, alcanzó las más altas cotas de belleza y plasticidad. Hasta el punto de que los años los han acabado convirtiendo en una de las imágenes más emblemáticas de la iconografía popular. Con Fred Astaire y Ginger Rogers el musical se convirtió en uno de los géneros más amados por el público, a la par que procuraba algunas escenas destinadas a insertarse en eso que se llama antología del cine.


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