EPA

1

CONTEXTO DEL IMPRESIONISMO

Es el primer movimiento del arte occidental que por primera vez de una forma clara deja de servir a tareas que están fuera de la esencia artística; la finalidad de una obra impresionista es ser, ante todo, obra de arte; por ello no cabe en ella la literatura, la narración, la crítica social o política. El Impresionismo se explica teniendo en cuenta una serie de razones sociológicas: a. La extracción social del artista. Los impresionistas pertenecen a todo tipo de clases sociales, acomodadas o no. b. El entorno del artista. Entre 1860 y 1870 cambia totalmente la vida francesa con la hegemonía del mundo urbano. El Impresionismo introduce la ciudad en la obra de arte. Este movimiento nace en París. Se capta lo efímero, lo versátil, lo cambiante, el movimiento vertiginoso propio de las grandes urbes. c. El movimiento responde también a una crisis social dada por la Comuna y a una crisis política provocada por la guerra franco-prusiana (1870-71). Los ideales (revolucionarios y nacionalistas) han caído en picado. Se pasa del Realismo a un arte más subjetivo:

1. El artista quiere pintar la realidad tal cual es y no como se la representa en los cuadros “clásicos”; se comienza a abandonar la perspectiva, y la concepción renacentista del mundo como una suma de objetos individuales. 2. Los objetos aparecen unidos por el color: cada objeto tiene su color pero también participa del color del objeto que está a su lado; se rompe con la pintura tradicional que defiende que cada objeto posee un color definido. Los objetos parecen dependientes unos de otros según su situación. 3. Ahora se tiende a una pintura de no delimitación de los objetos; será una pintura de toques, de manchas: se convierte en el resultado final lo que antes era un paso intermedio en la ejecución de la obra (para un artista anterior un cuadro impresionista estaría a medio hacer). 4. Aparentemente, no se compone, se acota. Utilizan el recurso de la fotografía (que nace ahora e influye): abarcan en su obra lo que abarca la mirada; desaparecen, pues, las grandes vistas imposibles de recoger por el ojo humano (cuyo ángulo de visión se corresponde aproximadamente a un objetivo de 50mm). Del mismo modo que en la fotografía, en la pintura impresionista existen planos generales, primeros planos y primerísimos planos (close-up); se cortan las figuras, aparecen zonas descentradas y efectos de desenfoque, etc. Esto especialmente en Degas, muy interesado por la nueva técnica fotográfica. 5. La acotación no sólo es espacial, sino también temporal: es lo que se puede abarcar de un breve vistazo. Esta acotación temporal permite al pintor realizar series del mismo objeto en distintas fases del día y con distintos climas (son célebres las de Monet). 6. El Impresionismo inicia el camino hacia el arte bidimensional de los primeros años del XX La utilización de colores puros La ausencia de modelado La inexistencia de puntos de fuga (de perspectiva) claros La composición en primeros planos, llevan a una bidimensionalidad muy acusada. 7. El Impresionismo acaba con la pintura tradicional como fiel reflejo de la Naturaleza. Abre la vía hacia la pintura contemporánea; detrás del Impresionismo viene la: -Enfatización del color de los posimpresionistas (Gauguin, Van Gogh) y los fauvistas. -Enfatización de la forma (Cézanne) y Estructuralismo, Futurismo... El Impresionismo basó buena parte de sus logros en lo que habían realizado grandes maestros del pasado que liberaron su pincel y realizaron obras con partes a base de manchas de color: Ticiano, Velázquez, Frans Hals, Rembrandt, Goya. Denominados despectivamente como "impresionistas" tras su primera exposición en 1874, esta corriente supondría el comienzo de una nueva era en la historia de la pintura y una nueva visión de la pintura que se vería continuada y renovada durante el último cuarto del siglo XIX y primer cuarto del siglo

EPA

2

XX por los denominados "ismos": postimpresionismo, fauvismo,expresionismo, futurismo, surrealismo y cubismo. Claude Monet (1840-1926)

Es el padre del Impresionismo. El Impresionismo nace cuando un artista impone la idea de que en la Naturaleza no hay tan sólo sólidos, sino también ondas lumínicas que tienden a fundir los objetos. Monet busca siempre pintar al aire libre, investigando la atmósfera, las vibraciones del color, lo cambiante de los objetos y los paisajes según la hora del día, la estación del año, el clima... EL PODER DISOLVENTE DE LA LUZ. Aprende a pintar a orillas del Sena. El reflejo de las formas, su movilidad, su vibración en el medio acuático son fascinantes para él. Obra: Impresión, sol naciente Autor: Monet Estilo: Pintura impresionista Cronología: s. XIX

Pintado en 1872 en el puerto de Le Havre, dio nombre al movimiento. La técnica impresionista aparece ya completamente desarrollada. Fue un cuadro muy criticado por su efecto abocetado, provisional. Armand Silvestre, amigo del pintor, lo defendía diciendo: “Sólo persigue captar un

efecto de impresión, la búsqueda de la expresión se la deja a los apasionados de la línea”. Es una pintura de plein air, como todo el Impresionismo, cuya principal preocupación es la luz y sus efectos (lo pintó desde la ventana del Hotel de l’Amirauté).

Busca plasmar el momento más fugaz del día, cuando el sol emerge de la bruma. Brillos, reflejos, fenómenos atmosféricos... son los objetos de atención de Monet que los plasma con una pincelada ligera y suelta, una

factura abocetada que deja al ojo del espectador la tarea de completar el cuadro en su retina. Monet busca que el espectador haga trabajar al ojo; los colores se funden en la retina, la encargada de reconstruir la realidad a partir de esos datos a primera vista borrosos. el autor nos muestra tres botes de remos que navegan por el puerto de la Havre, mientras al fondo, entre la niebla matinal y la humareda de las chimeneas de las fábricas, sale el sol. Con una pincelada suelta y vigorosa, el pintor prescinde del dibujo centrándose en los efectos que la luz del amanecer ejerce sobre los objetos. Los botes y las personas que navegan en ellos quedan reducidos a simples manchas y la técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre y el deseo de captar no la representación real del amanecer en el puerto, sino la impresión causada por el amanecer y los efectos que la luz matinal provocan en el agua y el horizonte donde el humo expulsado por las chimeneas, símbolos de la era industrial, se mezclan con la neblina matinal. Manet junto a otros pintores como Renoir, Degas o Pisarro revolucionaron la pintura alejándose del dibujo y la función de representar la realidad que tradicionalmente durante siglos se le había atribuido a la pintura.

EPA

3

Obra: La catedral de Rouen Autor: Monet Estilo: Pintura impresionista Cronología: s. XIX

Realizada a lo largo de 1892 y 1894, pertenece a una de sus muchas series en las que investiga lo cambiante de la Naturaleza. Realizó treinta versiones diferentes, siendo la serie más larga de cuantas hizo. Provocó una admiración inmediata entre la crítica de su tiempo, y fue alabada por muchos maestros posteriores, desde Wassily Kandinsky hasta Roy Lichtenstein. Incapaz -por supuesto- de representar en un lienzo completo cada fugaz instante, Monet trabajaba en ocasiones simultáneamente con varios lienzos, volcándose en uno en concreto cada vez que las condiciones de luz y ambiente se parecían a la del cuadro en cuestión. Imaginemos por un instante la situación: Claude Monet, instalado frente a la ventana de un segundo piso frente a la Catedral , trabajando frenéticamente con decenas de lienzos, a merced de que una nube pasajera, un fugaz rayo de sol, una niebla matinal le obligara a buscar -si es que existía- el cuadro en el que pudiera centrarse. Por supuesto, tal tarea debía resultar desesperante, y el propio pintor está a punto de abandonar su empresa. Pero no

era Monet una persona que se rindiera fácilmente: " Más que nunca aborrezco las cosas que salen bien al

primer intento", había escrito mientras trabajaba en la serie de los almiares. Monet llega incluso a concluir varios de los lienzos en su taller, fiándose de su portentosa memoria visual. Pero dos años después, la misión estaba cumplida, y Monet poseía ya tres decenas de capturas pictóricas de la Catedral. Así, y por primera vez en la historia de la pintura, se había logrado representar la cuarta dimensión, el tiempo, un logro reivindicado -sin embargo- por numerosas vanguardias varias décadas posteriores al maestro francés. Édouard Manet (1832-83)

Es prácticamente un autodidacta: en el Louvre conoce a los grandes maestros. Entre los artistas que más le emocionan, están tres españoles: Velázquez, Murillo y Goya Obra: El almuerzo campestre Autor: Manet Estilo: Pintura impresionista Cronología: s. XIX Pintado en 1863, el punto de partida es tremendamente clásico: el Concierto campestre de Ticiano pero reinterpreta la pintura veneciana del s. XVI.

Simplifica el modelado y buscaba la utilización de colores puros (verdes sin mezclas); se va perdiendo el efecto de lejanía, de fondo. El cuadro escandalizó por la aparición de mujeres desnudas y por ser un manifiesto de “el Arte por el Arte”: no debe servir a ningún interés ni

cantar a los poderosos; simplemente debe justificarse a sí mismo por su belleza. La idea del cuadro se le ocurrió durante una excursión a Argenteuil, a orillas del Sena. No es una pintura realista en el sentido social o político del término, sino que es una afirmación a favor de la libertad individual

EPA

4

del artista. El escándalo que causaba una mujer desnuda desayunando despreocupadamente con dos hombres completamente vestidos, lo que ofendía a la moralidad de la época, se acentuaba por el hecho de que las figuras eran reconocibles. El cuadro representa un almuerzo en un bosque, cerca de Argenteuil, donde discurre el Sena. La mujer desnuda, la modelo de Manet, Victorine Meurent, cuyo cuerpo está crudamente iluminado, mira directamente al espectador. Está sentada sobre una tela azul, probablemente una parte de las ropas que se ha quitado. Los dos hombres son el hermano de Manet, Gustave y su futuro cuñado, el escultor holandés Ferdinand Leenhoff. Están vestidos como dandis. Los hombres parecen estar ocupados conversando, ignorando a la mujer. En frente de ellos, se muestran las ropas de la mujer, una cesta de frutas, y un pan redondo, como en un bodegón. En el fondo, una mujer ligeramente vestida vadea una corriente. Demasiado grande en comparación con las figuras del primer plano, ella parece flotar. Más que impresionista, esta pintura debe ser llamada preimpresionista, puesto que todavía no tiene el carácter de boceto que tendrán las obras más tardías del propio autor.