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Revista RecreArte 12 > 3 - Creatividad SOCIO EXPRESIVA en las Artes

David de Prado Díez 2010

García Calero P. (2010. Los procesos musicales, una vertiene poliédrica) En Torre, S., Pujol, M.A., Rajadell, N., Borja, M. (Coords) Innovación y Creatividad (CD-ROM). Barcelona: Giad.

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LOS PROCESOS MUSICALES, UNA VERTIENE POLIÉDRICA Dra Pilar García Calero

CSM “Manuel Castillo” de Sevilla

LA TRANSDISCIPLINARIEDAD MUSICAL:

La música es, desde épocas ancestrales, una de las más sublimes formas de aproximación a los misterios de la naturaleza y del ser mismo; verdadera ciencia que nos permite acceso al conocimiento de lo que es y existe. Es a la vez arte y ciencia, artesanía y forma de conocimiento (físico, metafísico, matemático, filosófico). A través de ella se indagaron la armonía y las proporciones de las esferas celestes, la naturaleza del número y de sus propiedades, o de sus incorporaciones geométricas. Esta duplicidad de la música, a la vez civilizadora de un fondo ancestral, telúrico e irracional, capaz de suscitar una revelación hacia las alturas matemáticas y astronómicas a las que la promovió la tradición pitagórica y platónica, y con ella también la ciencia medieval, forma parte de su naturaleza y esencia. En el mundo occidental, la música se humaniza, recorriendo todos los afectos, las emociones y las pasiones1.

Además, el SXX y SXXI2 incluye el análisis científico, creativo y artístico de la Sinestesia, basada en postulados procedentes de diversos países y culturas, de tal modo, que estas diversas realidades sensoriales se interaccionan y generan una estética constructivista multidisciplinar plena en color, movimiento, armonía y creatividad, que en muchos casos permite el acceso al Ecoarte y la Ecoformación.

Hoy en día, en algunos ámbitos, es difícil considerar la interpretación y la creación musicales dentro de los valores científicos innovadores, sin embargo, a pesar de la tradición, debemos realizar planteamientos en ese sentido, apoyados por postulados de personas investigadoras que han sabido valorar y abrir este camino. La experimentación y la teorización deben configurar investigaciones convincentes, como de hecho algunos han demostrado. En este trabajo se trazan tres vertientes: la re-interpretación tradicional, el empleo de lo visual en la creación, la ecoformación musical.

Descriptores: Música, Sinestesia, Procesos, conciencia interdisciplinar.

1 Trias, E. 2007. El canto de las sirenas. Barcelona: Galaxia Gutenberg.

2 Presentaciones del III Congreso Internacional de Sinestesia, Ciencia y Arte. Granada 2009.


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1-DE LA TRADICIÓN A LA INNOVACIÓN:

Nos encontramos en una encrucijada en la que la tradición musical ha agotado sus recursos interpretativos y creadores, pero queda aún por descubrir y desarrollar la vertiente investigadora de ambos aspectos, que partiendo de la experimentación multidisciplinar, llega a plantear caminos divergentes en un mundo artístico que a veces se entrecruza y en otros momentos diverge, como; pero siempre prevalece la incesante búsqueda de nuevos canales de comunicación con el mundo, respetando lo positivo aportado por la tradición y aprovechando lo que ofrecen los nuevos tiempos en una conciencia intercultural y transdisciplinar, hoy por hoy, globalizada.

1.1- La interpretación y sus cánones en el Romanticismo.

Por tanto, lo primero que planteamos es la interpretación repensada, cuya teoría basada en la literatura Romántica nos hace sumergirnos en el maravilloso mundo de los artistas de la época, en la que el verdadero significado del Romanticismo, supuso una época con nuevos cánones filosóficos y socioculturales que rompieron con el anterior concepto de Estética bajo los auspicios de la revolución francesa. “Quien dice Romanticismo dice arte moderno, espiritualidad, intimidad, color, aspiración a lo infinito, expresados con la totalidad de los medios propios de las artes” (Ch. Bodelaire, 1846). Se trata de una época en que los artistas rompen reglas y desarrollan su creatividad sin límites, fuera de los cánones del Clasicismo, enriqueciendo el arte con un nuevo color, una nueva filosofía y una nueva estructura.

Uno de los grandes debates de la época fue el de lo sublime y lo bello, que como expresa Ciseri (2003), lo sublime se atribuía a la naturaleza inconmensurable, temible y poderosa el poder de suscitar dicha sensación a través de la magestuosidad de sus sensaciones; por el contrario, lo bello se basaba en la proporción y la armonía. Así, el concepto de lo sublime entró a formar parte de la mentalidad y las pasiones románticas junto a las relaciones entre el alma y la naturaleza, la pintura y las experiencias exteriores, con el concepto de que el alma podía ser susceptible de sensaciones sublimes. Y una de las características del Romanticismo Alemán fue precisamente la búsqueda de sus raíces espirituales.

Einstein (2004) caracteriza el Romanticismo por la antítesis entre subjetividad y objetividad del lenguaje musical, el contraste entre la claridad y una cualidad profunda y mística, entre la música absoluta y la programática. Sin embargo, estos contrastes están relacionados mediante el sonido puro, búsqueda


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incesante del músico romántico, que por otro lado, contemplaron la música como la matriz de la que nacían todas las artes y a las que todas retornaban de nuevo en interrelación.

No es fácil descifrar el discurso musical de J. Brahms dentro de este contexto; nacido el 7 de mayo de 1833 (cuyas cifras suman 9-iniciación) en Hamburgo, al abrigo del ambiente musical de la época de coros, orquestas y bandas. Poggi y Vallora (1999) atribuyen esta composición a los años 1857-1866, terminada en Baden- Baden, al igual que otros tratadistas.

El Requiem de Brahms tiene la peculiaridad de basarse en la tradición luterana, en lugar de la católica, de ahí el nombre de Requiem Alemán. En su esencia, supone una búsqueda de la dimensión espiritual del protestantismo alemán. Según estos autores, la elección lingüística del lenguaje vulgar acentúa el carácter de religiosidad laica. Supone un peculiar coloquio con la muerte, cuyo vértice supremo es el éxtasis en el silencio, asegurando que, un círculo natural comprende la vida y la muerte, el dolor y la resignación, el inicio y el fin, con el elemento consuelo como la esencia del todo. Según Einstein, el esquema de esta obra se encontraba en el libro de proyectos de R. Schumann, pero, en todo caso, surge de su relación de Brahms con Bach y Haendel, ya que una de las características de este autor era la búsqueda de las raíces en el pasado.

1.2-El piano visual contemporáneo.

El trabajo del Piano Contemporáneo es tan controvertido como variado. Por esa razón, se hace necesaria la revisión de sus planteamientos y su posterior aplicación, tanto en la interpretación como en su enseñanza. Así, nos encontramos que es una consecuencia más de las múltiples estéticas que rigen en el SXX y SXXI. Como dicen hoy día los filósofos y pedagogos, estamos ante un interesante panorama de pensamientos equidistantes, que se aprecia en todos los ámbitos, y el de la música, como es lógico, no iba a estar al margen.

Desde los primeros albores del SXX, nos encontramos con varias corrientes estéticas, derivadas del SXIX, algunas consecuencia directa, y otras en oposición que busca nuevos caminos creadores e interpretativos; por eso, son varios los investigadores que las clasifican, sin embargo, en este trabajo se va a sintetizar la influencia de las corrientes de música visual y su repertorio para piano, dentro del contexto multidisciplinar. Como sabemos, lo más característico del SXX han sido sus antagonismos, pero curiosamente esas diferencias convergen en la necesidad de trabajar la música dentro del contexto holístico de la multidisciplina, llegando a potenciarse una realidad de


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múltiples vertientes que convergen en el conjunto de interacción de Artes- Ciencias- Matemáticas, es decir, una realidad creadora poliédrica.

Por tanto, para comprender el fenómeno de la música contemporánea, se han de comprender los elementos del lenguaje musical. Cuando la tonalidad está agotada, en 1894, Debussy escribe “Prélude a l’aprés-midi d’un faune”, que marca un antes y un después debido a su novedoso lenguaje, ya que se libera de los códigos de la tonalidad y experimenta con timbres, ritmos, intensidades y juegos armónicos. Consigue una tonalidad flotante que absorbe elementos de la modalidad y la politonalidad. En la misma línea, en 1913 escribe “Estudios para piano”. Trías3 ve en su obra una frase musical que, convalida en su belleza y verdad la naturaleza misma, un principio generador que se expande en forma de foliación ornamental a través del tejido de figuras huidizas y evanescentes.

Schönberg elimina las pautas del sistema tonal: “Piezas para piano op. 11”, lo que produce como reacción una vuelta a la tonalidad clásica de otros, en los años 60. La eliminación de las pautas tonales produce un cambio en el desarrollo de las obras, que tendrá que generar estructuras internas diferentes.

A partir de aquí, muchas corrientes se suceden; la politonalidad , la polirrítmia, la Modalidad (interculturalidad), Jazz, Dodecafonismo, Serialismo, Microtonalidad, Armonía de color, Expectralismo, Futurismo, Música concreta, Matemática, NNTT, Midi, Electroacústica…; pero todas convergen en la normalización de ciertos sistemas científicos de interacción de ciencias, artes y culturas.

1.3-Los espacios arquitectónicos y la ecomúsica.

En la sociedad actual, los espacios están adquiriendo un carácter diferente, rompiendo su estabilidad en favor de un dinamismo precursor de una nueva armonía, que vibra con la celebración del mismo, que resalta su existencia permitiendo elaborar una nueva mirada que le configuran como un ente vivo. Por eso, algunos estudiosos del tema coinciden en pensar que es importante ver la capacidad de la Arquitectura para producir sonidos, ya que se configura como un espacio sonoro con repercusión acústica de una evidente función social.

3 Trias, E. 2007. El canto de las sirenas. Barcelona: Galaxia Gutenberg.


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En 1953, Le Corbusier4 recibe en Londres la Real Medalla de oro para la Arquitectura, y en ese momento expresó su respeto por los monumentos históricos, pero como revolucionario no se detiene en la Historia y abre nuevos caminos a la modernidad. Su definición de la armonía es producto de la sincronización entre el eje del hombre y el del Universo, lo cual explica las causas por las que se experimenta satisfacción en presencia de ciertos objetos. El arquitecto, por el ordenamiento de las formas, obtiene ese orden espiritual, por las formas afecta nuestros sentidos provocando emociones plásticas, por las relaciones que crea despierta en nosotros profundas resonancias, nos da la medida de un orden que se siente acorde con el del mundo.

Rasmussen5, en su afán por explicar la percepción arquitectónica, añade otros componentes arquitectónicos relacionados con la música que nos interesan, convencido de que el mejor texto para comprender la arquitectura es la propia arquitectura: el ritmo, la textura, la luz natural, el color, el sonido.

Paiva de Oliveira6, uno de los pioneros en el tema, mantiene que es importante tratar el espacio sonoro/acústico de la arquitectura con el objetivo de explorar su expresión sonora en el ámbito del confort, salud y, más detalladamente en el ámbito del deleite, del complacer estético que el ambiente sonoro a la arquitectura pueda presentar. Otra importante aportación sobre el tema es la de Cristina Palmese7, que analiza las posibilidades del espacio sonoro arquitectónico: “En un análisis moderno del paisaje urbano es importante cruzar los principios arquitectónicos y los datos físicos de los ambientes con las percepciones y vivencias cotidianas de los sujetos. Partiendo de un recorrido histórico por algunos arquitectos y arquitecturas emblemáticas, planteando la necesidad de nuevas herramientas en el pensar y en el hacer arquitectura”. Analizando la ciudad histórica, concluye en la complejidad de la ciudad contemporánea y sus espacios; por eso ve necesario definir la sensación del lugar, creando hotos físicos o simbólicos, volúmenes, ritmos, lineas visuales y puntos de fuga, caminos potenciales, relaciones de vecindad y de alejamiento.

4 Cobusier Le. 1964. Hacia una Arquitectura. Barcelona: Poseidón

5 Rasmussen, SE. 2000. La experiencia de la arquitectura. Madrid: Mairena celeste.

6 Paiva de Oliveira, PM. (1994). Arquitectura como efectora del espacio sonoro. Base Metodológica de Diseño con la Acústica Positiva1. FAU-UnB. En: http://www.unb.br/fau/lacam/Arquitectura%20como%20Efectora%20del%20Espacio%20Sonoro.pdf

7 Palmese, C. 2009. El diseño sonoro del espacio construído. Entre la intuición y el método. En

ttp://cvc.cervantes.es/artes/p_sonoros/palmese/palmese_01.htm

http://www.unb.br/fau/lacam/Arquitectura%20como%20Efectora%20del%20Espacio%20Sonoro.pdf


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Por tanto, después de conocer los diversos caminos del Arte Contemporáneo, procedemos al análisis de la inducción a ellos y su estructura interior.

2-LA NUEVA ESPIRAL DE CREACIÓN MUSICAL. NUEVOS RETOS:

Partiendo de esta premisa de investigación-acción-interpretación-creación, nos trasladamos al contexto específico y subjetivo de cada artista dentro cada temática expuesta, con el fin de desvelar el trabajo realizado y sus consecuencias. Así, esta metodología general parte del análisis del contexto en el que se pretende crear, genera una idea que transforma en imagen mental desarrollada (red metafórica), el propio desarrollo de esta idea y su transferencia al desarrollo artístico nos induce a la inserción en el contexto, y el resultado de ello, a la autoevaluación como generadora de cambio que nos llevará a otro proceso similar en espiral. Como se puede apreciar, esta espiral de la creación es infinita y se transmite de unas personas a otras, puesto que tanto puede generarla el docente como el discente.

3-DESARROLLO

INTERPRET./ CREACIÓN

4-INSERCIÓN

6-NUEVO CONTEXTO

7-IDEA IMAGEN

METÁFORA

10-AUTOEVALUACIÓN

1-ANÁLISIS

CONTEXTO

2-IDEA

IMAGEN-

M

5-AUTOEVALUACIÓN

REVISIÓN

8-DESARROLLO INTERP.

9-INSERCIÓN CONTEXTO


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2.1-Repensando la interpretación. Descifrando el Círculo del Requiem Alemán de Brahms. La obra se divide en 7 episodios, que giran en torno a la cuarta parte, como pieza central; y dispuestas en equidistante correspondencia: 3ª-5ª, 2ª-6ª, 1ª-7ª. Estructura general:

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La 1ª parte, diálogo entre la muerte y el dolor, bastante lento, comienza con octavas en la mano izquierda en registro grave, que representan el mazazo de la muerte, cuyas tonalidades fundamentales son faM, rem, rebM, con algunas otras modulaciones. La síncopa en faM aparece iluminando el camino…El dodecaedro que se encuentra entre las tonalidades de faM y rem, expresa el círculo existente entre el dolor y la muerte. La parte 2ª, nos habla de la muerte, resaltando lo efímero y lo eterno; comienza como una marcha fúnebre y solemne llena de color orquestal. Lento exágono (solbm) y triángulo (sib, 3/4);


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Sostenuto, heptágono y cuadrado 3/4, y pentágono y triángulo, todo en sibM; Allegro hexágono y cuadrado en faM y 4/4, según los diseños rítmicos. El diseño de corcheas y puntillo nos va marcando la realidad de la muerte, lo efímero los registros agudos simultáneos con tempo más movido…La parte 3ª, sabiduría y esperanza, lo material y lo espiritual.

Poggi y Vallora lo valoran como la petición ansiosa y oscura de los primeros compases, la primera parte, con octógono, exágono y cuadrado en sobM, reM y faM supone una búsqueda del consuelo, y un interrogante del porqué de la muerte y su dolor; haya respuesta en el consuelo de la amplia fuga. La parte 4ª que sublima la muerte hacia la paz eterna, es la parte central de la obra, la dicha en la morada del alma. El tempo Moderato ya denota tranquilidad, que unido a la geometría de hexágonos y triángulos, nos deja ver la perfección en la creación en la la muerte sublime, bajo una armonía celestial, que asciende a la paz eterna. La parte 5ª, consuelo de la madre al hijo, reforzado por el coro, aparece en 4/4. La parte 6ª que expresa la inquietud del ánimo humano que aspira a la paz celeste, turbada por angustias y dudas, nos lleva al juicio universal, apareciendo la revelación. El Andante, formado por una figura de 16 en 4/4 y faM . El Vivace, con octógono, hexaedro y triángulo, en 3/4, que culmina en la Fuga. La parte 7ª expresa la paz apocalíptica, humilde, dócil, serena. El círculo lo engloba todo, dentro, un dodecaedro, un octógono y un cuadrado en 4/4, con tonalidades faM, sol#m, sim, faM .

2.2-Las tecnologías visuales como procesos transformadores de la interpretación pianística. “Perseverante vida”

Este video, basado en un poema de Eusebio García González, llamado “Perseverante vida”, con música e interpretación mías, es una muestra de interacción entre la poesía-la imagen y el sonido, tres fuentes de inspiración que confluyen en una creación de resultado imprevisible, en un principio. El poema expresa un camino vital amargo en su origen, pero con apertura espiritual positiva en su final, pasando por los diversos avatares de la vida expresados en

cada una de sus estrofas. La música es atonal, y está estructurada siguiendo la sistematización de los versos según el tema del que van hablando.


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La interacción es la siguiente:

La estructura musical es: A (3 veces)- B (2 veces)- A (una vez)- C (tres veces)- A-CODA

En este caso, la unidad de la obra se define en la confluencia de poesía- música- video, en un trabajo sinestésico complejo y muy expresivo.

2.3-La ecoformación por un entorno humanista y diverso.

En el proceso creador, casi todos establecen uno propio más o menos corto: todos manejan elementos diversos y sinestésicos, sin embargo, unos con más originalidad que otros. Así, la gran originalidad se centra en el trabajo de Anabel Villegas por su lógica, su creatividad, su capacidad innovadora en el tratamiento de las imágenes y de la adaptación de los

elementos sonoros, y la novedosa visión que ofrece del espacio Museo. En la selección de material todos coinciden en trabajar el espacio tal como es realmente y transformado, con elementos sonoros casi siempre electroacústicos, aunque algunos de ellos lo alternan con la instrumentación tradicional. La selección de los elementos visuales también es importante a la hora de realizar el trabajo sinestésico, ya que definen la profundidad del trabajo mental del alumno. Todos recogen grandes elementos del espacio seleccionado y los transforman visualmente, pero son Anabel y Zaer lo que desmenuzan más los elementos. En cuanto a la interacción visual-sonora-científica, nos encontramos con diversidad de recursos. Todos realizan la interacción rítmica y de búsqueda de la armonía apropiada al ambiente del espacio, pero son Juan, Javier y Anabel los que además interaccionan con los temas musicales, sonidos superpuestos, elementos que ejercitan la percepción sensorial. En cuanto a la capacidad innovadora, se aprecia que algunos son sólo creativos como es el caso de Juan, Alberto; otros además son innovadores como Zafer, Javier y Anabel, pero los primeros plantean ideas originales. La aportación socio-cultural es importante en todos los casos; primero por desarrollar una nueva visión de las exposiciones de pintura y de los espacios arquitectónicos, propiciando una ciudad más creativa.

3-DESAFÍOS DIVERSOS TIEMPOS COMPLEJOS:

Podemos concluir que la diversidad es el elemento fundamental de la creación artística desde finales del S XIX. Esta visión del Arte ha enriquecido


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notablemente sus posibilidades y elementos, incluyendo en su espacio otras disciplinas complementarias que han contribuido a la formación de este pensamiento y Estética holísticos, permitiendo una expresión más plena.

En cuanto al Requiem, las afinidades y analogías equidistantes dentro del círculo de espiritualidad laica que plantea Brahms en esta obra, merece una especial atención. Dividida en 7 números, de significación mística, acaba con el nº 7, que simboliza los ciclos, 7 días del ciclo lunar, y la vuelta a la unidad. pero en otro plano de existencia (cierra el círculo natural de la vida y la muerte)... ; y el 5, es el microcosmos que rompe la rutina y el método, quintaesencia que contiene los otros cuatro elementos, revelado en la dualidad sacrificio-gozo como eje del mundo interior.

La incorporación del elemento visual a la Interpretación Pianistica genera nuevos parámetros: El Neo concepto, piano visual constructivista, cuya interpretación procesual la genera el propio intérprete de un modo singular, con validación multidisciplinar. El creador holístico supone que el intérprete ya no se ciñe a la Música como único referente, sino que amplía el pensamiento musical apoyándose en otras disciplinas que analógicamente distribuye y aplica. La percepción sensorial y estética conduce a los llamados pensamientos equidistantes, basados en la analogía, pero cuyos caminos se desarrollan paralelamente partiendo de un mismo vértice, al que vuelven a concurrir. La interacción entre el espacio-tiempo ya es casi una constante en la elaboración del Arte, reflejando esa realidad poliédrica procedente de una mente multidimensional, en la que la casualidad se transforma en causalidad. De todo este entramado, desde el germen generador de la obra hasta llegar a la obra completa, es necesaria la elaboración de un significado semántico que genera nuevos lenguajes.

En cuanto a la Ecoformación, partiendo de la premisa de que lo que ocurre en el exterior es producto del estado interior del hombre, podemos apreciar que en todos los individuos participantes está despierto el sentido de la percepción y un gran deseo de cambio desde la reflexión, pero ese deseo se genera como producto de una motivación intrínseca que se ha propiciado exteriormente. Por tanto el proceso garantiza la creación de espacios originales y creativos para deleite de las personas que los utilizan, para el movimiento y para la reflexión, para generar cultura sobre la vida real y cotidiana. Dado que este caso demuestra que alumnos de diversas nacionalidades y razas, han sido capaces de crear juntos para mejorar la ciudad en la que habitan en su periodo de estudios, el Arte puede vencer las diferencias, mejorar la convivencia, plantear retos comunes y diversos, producir un ambiente apropiado para la paz y la tolerancia social.

Partiendo de todo lo anterior podemos concluir que la interdisciplinariedad aporta a la música una nueva dimensión, demostrando que la utilización de las NNTT también es diversa y cambiante, no debiendo someterse a un único


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cauce ni criterio, sino a la diversidad cultural en la que estamos inmersos, a la diversidad del talento y sus capacidades, a la habilidad del intérprete o creador para generar nueva vías y nuevos conceptos. Abrir nuevos caminos a la creación y la investigación artística interdisciplinar ha de ser un continuo reto para la Innovación y desarrollo cultural y económico. Transformar y transformarse para construir debe de ser el desafío de toda persona con capacidad para mover el mundo, para asumir los cambios y sumergirse en ellos, para disfrutar de lo que nos aporta el transcurrir del tiempo.

Cierra los ojos y dejate llevar por las imágenes que surgen de la experimentación artística; crea y vuelve a mirarte, verás como ya no eres el mismo. Insertate en el mundo y vuelve a crear; transmite lo que haces y deja que otros te lleven. Así la espiral es infinita.

BIBLIOGRAFÍA

Brahms, J. 1868. Requiem Alemán. Leipzig: Breitkopf&Hartel.

Ciseri, LL. 2003. El Romanticismo. 1789-1869: el nacimiento de una nueva sensibilidad. Toledo: Electa.

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Einsteis, A. 2004. La música en la época romántica. Madrid: Alianza

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http://www.art-website.com/modules/art/exhibition.php?id=52

http://www.galeriaclaustro.com/home_claustro_1.html

http://mjdecor.homestead.com/

http://www.iart.es/

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