ENRIQUE CAREAGA: LA ABSTRACCION Y GEOMETRIA

Ensayo final para la clase Arte y cultura contemporánea. Tecnológico de Monterrey, Sergio Zuniga. 2012

---------------------- “Como ciencia y la filosofía, el arte tiene sus

orígenes en la religión. Más exactamente, en el sentimiento religioso nacido de la angustia del hombre ante el misterio de mundo y las cosas; de la necesidad de comprender, de explicar lo inexplicable, de captar lo inaprehensible. Desde los tiempos más remotos este sentimiento es el que impulsa al hombre a clasificar las cosas, a buscarles (a darles si fuere preciso) una razón de ser, un sentido, una necesidad; a encontrar en todo y por todas partes la armonía y el equilibrio que intuye por ser, el mismo, armonía y equilibrio. El arte es la expresión del sentimiento de absoluto que el hombre lleva en sí, y que busca en

los datos del mundo sensible, más allá de esos datos mismos”

Jean Mitry,1984 ------------------------------------------------------------------------------------------------------

1. Introducción-------------------------

Esta es una investigación donde el objetivo es analizar de

manera formal una obra de arte de Enrique Careaga, un artista plástico paraguayo. Se tomara en cuenta la obra Le Cercle a 376O

No.2 (1974), que forma parte de la colección FEMSA. El análisis se realizara mediante un método de análisis de tres pasos que consiste en adscribir significados, un análisis de la obra formal, y conclusiones

En el arte, Pudovkin menciona que en todo arte debe haber

en primer lugar un material, y luego un método de elaboración del mismo, o sea, un método propio de aquel arte en cuestión (Aristarco,1968). Por lo tanto, el análisis formal de una obra de arte debe de constituirse en partes estructuradas, las preocupaciones estéticas son de gran importancia para la comprensión analítica de la obra.

La contemplación de una obra de arte, adquiere otro

significado cuando se obtiene información del autor, tal y como se puede entender mejor una pintura cuando se da una breve explicación. A través de este trabajo se pretende demostrar la importancia y el valor de hacer un análisis formal de obra en comparación a un simple análisis interpretativo.

Los elementos formales de la composición artística, quienes

dan estructura y forma a la obra, mantiene un valor mental y psicológico que cabe estudiar, dado que crean un impacto en el espectador.

“Todo arte auténtico es revelación” dijo Edith Stein. La obra de arte es la expresión del artista, y aún más, es la expresión de todo ser humano. El arte siempre interpela a quien lo contempla, y por lo mismo, siempre hay una reacción inicial de parte del espectador.

De esta reacción inicial, si se quiere profundizar en la apreciación de la obra, se tiene que volver objeto de estudio.

Existen muchos modelos para el análisis, sin embargo, basado en lo expuesto ya, el modelo que mejor demuestra el objetivo de investigación es un modelo propio, el análisis contextual de una obra de arte.

Este modelo se enfoca en conocer la historia de vida del autor, para contextualizar a la obra, adentrarse en la mente del autor, sus preocupaciones estéticas, para lograr adscribir significados, después valorar el análisis de los elementos formales de composición enfocado a la forma y el contenido de la obra.

Refiriéndose a forma como los aspectos formales de la obra, los elementos externos y visibles; al contenido como el fondo, mensaje, idea o tema de la obra. Por ultimo se generan conclusiones.

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2. ADSCRIBIR SIGNIFICA-DOS

2.1 BIOGRAFIA:

ENRIQUE

CAREAGA

Enrique Careaga nace en la

ciudad de Asunción, Paraguay, el 30 de agosto de 1944.

Estudio en la Escuela de Bellas Artes Lucinda Moscarda, en Asunción de 1959 a 1963, y la carrera de Arquitectura en la Universidad Nacional de Asunción. De 1966 a 1978 Fija su residencia en Paris, Francia, y se integra al taller de Víctor Vasarely. Fue fundador del Museo de Arte Moderno de Asunción en 1965, representante de los artista en el consejo administrativo de la

Fundación del mismo museo, de 1984 a 1990, y miembro del Instituto Cultural Paraguayo Coreano, en Asunción, entre 1993 y 1994. Sus obras figuran en numerosos e importantes colecciones privadas nacionales e internacionales. En sus pinturas desarrollo un estilo geométrico, con fuerte ascendencia del constructivismo y el Op Art, siendo este estilo mas evidente después de su residencia en Paris y bajo la influencia de Vasarely y del Groupe Recherche d’Art Visuel.

2.3 LOS ELEMENTOS FORMALES Línea.

La línea es un elemento de composición con grandes posibilidades descriptivas y expresivas. Por medio de líneas nos expresamos a través del lenguaje escrito y los manuscritos revelan, más allá del tema, el estado de ánimo, la época histórica, las ideas, del autor. De forma similar, en el arte las líneas delimitan la imagen, la enfatizan, la describen, y pueden ser esquemáticas, expresivas, frías, cálidas, gruesas , delgadas, variables, monótonas, etc.

Forma. Por formas entendemos figuras que ocupan un espacio en la

obra. Pueden ser formas bidimensionales o tridimensionales según se trate de un dibujo o de una escultura u objeto real. La forma puede ser también biomorfica u orgánica, cuando se refieren a seres vivos, como personas, animales, plantas, rocas, montañas….. o forma geométrica, generadas por la naturaleza o el hombre. Estas formas pueden estar detalladas con realismo, o bien ser sólo siluetas, o formas expresivas que no obedecen tanto a una realidad percibida, sino más bien a un estado de ánimo, y por lo tanto pueden presentarse como exageradas o deformes, etc.

Tono. Tono o valor tonal es un elemento compositivo que no se refiere al color

sino a la claridad u obscuridad en la obra. Los colores tienen un rango tonal, por ejemplo, el amarillo es naturalmente un tono claro, y el azul marino es oscuro, pero el valor tonal de una obra es el conjunto de tonos claros u obscuros que la componen, su combinación, el grado de contraste entre claros y obscuros, etc. Si trasladamos la obra a blanco y negro, con toda la gama de grises intermedios que ésta contenga, estamos analizando su valor tonal independientemente de sus colores.

Color.

Los colores que forman parte de la obra son elementos de composición que ayudan a describir o a expresar tanto la forma como el contenido. Los colores tienen su croma o color propio, con múltiples variantes dentro del mismo croma o color (ejemplo: Varios tipos de color rojo, rojo vino, rojo tomate,), rango tonal, intensidad, opacidad o transparencia, pureza o mezcla con otros colores, temperatura (frío o cálido) etc. La obra puede ser monocromática, y presentar variedad tonal en un solo croma o color.

Existen varias teorías del color, que han sido elaboradas por artistas y por científicos. Entre los artistas que han escrito acerca del color están Wasily Kandinsky y Josep Albers.

Textura. La Textura en las artes plásticas tiene referencia directa al tacto, y puede ser textura real o simulada. Textura real es la consistencia del medio o material de la obra, y puede ser áspera, lisa, opaca, brillante, tosca, fina. ( Por ejemplo, si la obra es una pintura al óleo hecha por un artista del impresionismo, notaremos la pincelada y el impasto, grosor o abultamiento del óleo en ciertas áreas. Esta es una textura real, palpable.) La textura simulada es aquella representación de texturas por medio de la ilusión en la pintura, como la ilusión de un velo transparente, o de la suavidad de la piel, lo sedoso del cabello, el brillo del cristal, seda, brocado, las venas de la madera, la paja, etc.

Formato. Se refiere al tamaño y forma total de la obra. Si la obra es pequeña o grande en términos generales con relación a una persona, y si es de formato rectangular, cuadrado, oval, horizontal o vertical. Formatos modulares, múltiples, etc.

Magnitud. Tamaño o medidas de la obra. Las medidas en centímetros o metros. Magnitud se refiere también a variaciones con referencia a la escala del ser humano.

Materiales o medios.

Si es una pintura al óleo, acuarela, o acrílico, o lleva diferentes medios (cuando hay mezcla de medios le llaman técnicas mixtas, aunque en realidad, las técnicas son los procedimientos, los modos de producir). Si es una escultura en madera, piedra, bronce. O una instalación de diversos materiales. En el arte digital y tecnológico, como las instalaciones interactivas, los materiales o medios son las herramientas con las que se produce la obra.

Lugar Donde se encuentra la obra. El efecto del lugar sobre la obra y viceversa.

Iluminación.

El efecto de la luz sobre la obra o sobre ciertas áreas. Se han hecho muchos estudios sobre los efectos y propiedades de la luz y ésta se considera en sí un elemento compositivo fundamental en el arte. Algunos artistas que han trabajado en proyectos en que la luz es un elemento compositivo fundamental son James Turrell y Dan Flavin, así como El artista mexicano – canadiense Rafael Lozano –Hemmer.

Fondo o Contenido de la obra El fondo o contenido de una obra es el tema o idea principal que esta expresa. El tema, idea o sentimiento que define a la obra, es el contenido de esta. Sabemos que es artificial el querer dividir el fondo de la forma, y estudiar por separado los elementos formales y su contenido. Pero aunque la obra nos interpela e impacta siempre como una unidad, al dividirla en partes podemos estudiarla y analizarla en forma más clara. ( Viene a la mente el paradójico experimento con la rana, a la que hay que matar para hacer la disección)

FEMSA: ABSTRACCION Y GEOMETRIA - - - - - - - - - - - - - - - - - - - Hay varias teorías acerca de la abstracción y sin embargo, la que implica simplificar, depurar y expresar la esencia es la que interesa, porque corresponde claramente al intento de los artistas latinoamericanos de la muestra Abstracción y geometría de FEMSA tal es el caso de Enrique Careaga; El interpreta por medio de la pintura, la grafica , conceptos y elementos de la realidad que se transforman en composiciones cuyas formas, colores, tonalidades y texturas son sumamente originales. La utilización de la geometría y las matemáticas en los procesos creativos e la humanidad ha estado siempre presente a lo largo de la historia. Lo que pudiera parecer un simple conqueteo entre ambos mundos, el de las matemáticas y el del arte, conlleva una intencionalidad directa y franca por aprovechar, en ambos sentidos, su capacidad comunicativa. Las obras en esta muestra, donde se encuentra la obra de Enrique Careaga, fueron creadas a partir de la década de los setentas en que la Abstracción geométrica, incluidos el Arte Concreto, el Op Art y el Arte Cinético, adquirieron gran importancia en Latinoamérica. La vitalidad de las obras contrasta con la elegancia.

3. ANALISIS FORMAL

ANALISIS FORMAL DE LE CERCLE A 376 O NO.2

Autor: Enrique Careaga

Título de la obra: LE CERCLE A 376 O NO.2

Fecha en que se realizó: 1974

Lugar donde se ubica: Colección FEMSA, Tecnológico de Monterrey, campus Monterrey.

Medio: Acrílico sobre tela.

Formato : formato cuadrado, pintura sobre arco negro.

Magnitud: 100.5 x 100.5 cm

A primera impresión de la obra trae a

la mente de forma automática las figuras de la geometría básica, la forma del circulo, las secciones cortadas simulando triángulos, y el cuadrado envolviendo un todo. Mas allá de la perfección geométrica, la obra hace una alusión directa a las proporciones, la división de el circulo en cuatro secciones se reacciona directamente con las fracciones y con las imágenes en nuestro imaginario de una grafica de pastel, comúnmente usada en una de las ramas de las matemáticas, la estadística.

La pintura muestra líneas paralelas entrecruzando todo el circulo, estas que también forman parte de la geometría, denotan equilibrio y continuidad. Las mismas líneas en conjunto con el juego de luces y sombras, generan en el espectador una sensación de volumen, simulando pues, en momentos el estar observando secciones de una esfera. Estos elementos reunidos traen a la memoria del espectador sentimiento de estabilidad y continuidad, que se coartan de forma agresiva en las disecciones de la figura principal.

La pintura puede clasificarse fácilmente en el movimiento del Op Art, el cual tuvo su auge durante los años setenta.. Uno de sus primeros exponentes Víctor Vasarely, quien fue mentor de autor de la obra durante la estadía de este en Paris, las repercusiones de esta etapa se pueden ver reflejadas en la obra del autor después de estos años. La obra denota movimiento y genera una sensación de que las secciones están a punto de caer del marco, el efecto óptico genera una sensación e tridimensionalidad.

A pesar de que la obra cuenta con trazos sencillos, encuadra perfectamente en las características del movimiento. El titulo es en si un homenaje a la ciencia matemática, aunque causa confusión al otorgar una medida fuera del estándar de un circulo, pareciera darle fuerza a la versión del circulo cortado el cual explota al no poder contener mas de los 360º que su circunferencia le permite. Las áreas solas en el centro simulan una estrella o una rosa náutica que pareciera contener un cuadrado en el centro.

4. Conclusiones

Concluyendo, Ticio Escobar un afamado critico de arte, hace la siguiente reflexión sobre Enrique Careaga:

“Enrique Careaga ha trabajado obsesivamente la

forma y ha inscrito este trabajo en el curso de una exploración rigurosa acerca de su proceso. Por una parte, el artista ha pulido, ajustado, organizado y compuesto sus figuras construyendo para ellas un calculado diagrama geométrico y levantando espacios levísimos, compactos, virtuales, imposibles: pura nada espacial o éter vaporoso, vacío compacto; negruras de absoluto o parajes infinitos que sostienen (por un instante, para siempre) la forma y la encuadran; la discuten a veces. Por otra parte, ha estudiado siempre la trayectoria y el destino de estas geometrías palpitantes o heladas: cuyo impulso ha requerido reajustes e innovaciones constantes

La figura del círculo le ha servido como esquema ideal, mítico, del principio pleno y el proceso cabal: el arquetipo de la imagen cumplida y cerrada, consumada en la pureza del trazo y la verdad de su extensión exacta o su volumen rotundo y matemático. Centrado, incrustado o sumergido en un fondo nocturno o suspendido sobre el abismo, el círculo oscila, sin moverse, entre la ingravidez, que la hace flotar sobre el vacío, y el peso de su masa de luces y energías, que sugiere profundidades y volúmenes. Un disco, o una masa esférica e intensa, que tiende a expandir su propia figura y a soltar sus fuerzas en una implosión callada.

La figura del círculo se ha descentrado: ha extraviado su núcleo exacto o lo ha visto convertido en foco de rayos que encandilan, que impiden mirar la matriz de la imagen, el punto del equilibrio y la radiación: el centro. Entonces, los dos protagonistas de esta historia -el círculo que estabiliza el campo de la representación y el movimiento que lo impulsa hacia un derrotero prefijado- han perdido la garantía de un eje unificador, una presencia plena, un rumbo seguro. Ahora el juego depende de azares e imprevisiones, de los antojos de fuerzas desconocidas, de la contingencia de un tiempo arbitrario. La figura ya no tiene la certidumbre circular de los ciclos cumplidos y los esquemas cerrados. Pero ha obtenido el vigor que confiere el descampado. Y puede aspirar a abrirse, por un instante, a otras luces, otras verdades que centellean afuera. A crecer con el contorno fugaz de su propia sombra” (Escobar, 1982).      Bibliografía    

• MITRY, Jean. Estética y psicología del cine Dos volúmenes, México, Siglo XXI, 1989.

o ARISTARCO, Guido, Historia de las teorías cinematográficas, Barcelona, Lumen, 1968.

• Escobar, Ticio. Una Interpretación De Las Artes Visuales En El Paraguay. Asunción, Paraguay: Centro Cultural Paraguayo Americano, 1982

Agradecimientos: Lic. Margarita Fernández