FICHAS DIDÁCTICAS PARA LA EXPOSICIÓN: “Visiones de la ...

FICHAS DIDÁCTICAS PARA LA EXPOSICIÓN:“Visiones de la Tierra: el mundo planeado” Colección Luis Paulo Montenegro

UNA EXPERIENCIA EN ARTE ACCESIBLE PARA LA SALA DE ARTE FUNDACIÓN BANCO SANTANDER

pedagogías invisiblesarte+educación

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1. INTRODUCCIÓN

Por sexto año consecutivo, Pedagogías Invisibles ha desarrollado el proyecto Arte Accesible de la A a la Z, en las exposiciones temporales que organiza Fundación Banco Santander, en su sala de arte situada en Ciudad Fi-nanciera Santander de Boadilla del Monte (Madrid), enfocado específicamente a grupos de diversidad funcional cognitiva (discapacidad intelectual y del desarrollo) y sus apoyos/educadores en Centros Ocupacionales o Colegios de Educación Especial.

El trabajo de Pedagogías Invisibles se basa en entender el Arte como una herramienta de aprendizaje y un facilitador de posibilidades educativas. Desde ese planteamiento, en el 2016, decidimos, por primera vez, realizar fichas didácticas que pudieran no sólo mostrar nuestro trabajo en torno al Arte y al Museo, sino, principalmente, ofrecer un material a todos los docentes y educadores que deseen explorar nuevas herramientas de aprendizaje, ya sean del contexto de la discapacidad (o fuera de él), de la enseñanza formal, informal o no formal.

Durante este año, 2018, hemos vuelto a centrar nuestro objetivo en el trabajo con adultos procedentes de centros ocupacionales, esta vez, y condicionados por el propio contenido de la exposición, poniendo más énfasis en el desarrollo de una mayor autonomía, no sólo en cuanto habilidades personales y sociales, sino en cuanto al desarrollo de pensamiento en forma de construir opinión. Una tarea arriesgada pero en la que, como iremos viendo a lo largo de la propuesta de trabajo, encontraremos un espacio para cada uno.

En cuanto al objetivo de estas fichas sigue siendo el de proporcionar un acercamiento al arte contemporá-neo y a una metodología basada en las artes y, por tanto, en la libertad de acción como estrategia que permita el desarrollo de la creatividad y posibilite aprendizajes transversales.

Insistimos en que el hecho de plantearlo desde un proyecto de Accesibilidad cognitiva, no reduce su utilidad al contexto discapacidad, más bien abre un espacio a todos los educadores, en la medida que nuestro planteamien-to tiene que ver con partir de la dificultad para ir adaptando y acompañando a cada uno en su viaje por el aprendiza-je. Muchos de aquellos que no conocen el ámbito de la discapacidad, se sorprenderán de lo mucho que estos talleres pueden aportar en cualquier contexto educativo.

Estas fichas no pretenden reproducir la experiencia en la sala de Arte, ya que entendemos que cada espacio supone una experiencia, sino más bien proporcionar una propuesta que permita, a aquellos que los deseen, obser-var las diferentes formas de acercarse al arte contemporáneo y a los aprendizajes que este puede traer en función de los diferentes enfoques que seamos capaces de darle. Del mismo modo, el haberlo planteado desde un proyecto de Accesibilidad, no lo reduce solo al contexto de diversidad funcional cognitiva, sino que permite poder desarrollarlo en cualquier contexto de aprendizaje.

Por último, pero no menos importante, nuestro trabajo quiere contribuir a la formación de los educadores en la medida que nuestra metodología en torno al arte y la forma de abordarlo en un museo, lo que nosotras llama-mos mediación cultural, puede abrirles posibilidades pedagógicas en el aula y ayudarles a entender el museo como un lugar de aprendizaje y, por tanto, como un recurso público más a su disposición.


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¿Qué es la mediación cultural?

En términos muy sencillos mediar es acercar, resolver posibilidades de entendimiento entre dos o más par-tes. De lo que se trata es de facilitar a un público no experto el acercamiento al trabajo artístico y provocar situaciones que produzcan intercambio de conocimiento y multiplicidad de interpretaciones. En este sentido es muy importante considerar lo siguiente:

“El principio de la cultura es que no hay límites en el acceso a la cultura. Cualquier ser humano tiene capacidad de re-lacionarse con el conocimiento, las sensaciones, las ideas y las propuestas que han generado los demás seres humanos. Si son difíciles, despertarán y afinarán en nosotros nuevas posibilidades y formas de inteligencia” Garcés, M (2012). (*)

Enfoque y metodología general.

1. Todo es posible. Dejar a un lado los prejuicios.Todos tenemos capacidad para relacionarnos con el conocimiento, la cuestión es desde dónde lo podemos hacer o cuáles son las capacidades que nos permiten acercarnos a este. Para reconocer esos diferentes modos de relacio-narse es necesario no presuponer aquello que puede o no hacer o entender el otro de una acción desconocida para todos. 2. El extrañamiento y la sorpresa. Emociones.Tanto el Arte Contemporáneo como las acciones que se van planteando a lo largo de los talleres, son procesos de extrañamiento y sorpresa que ponen a todos en una situación de indagación y curiosidad.3. Lo conceptual y lo abstracto como posibilidades.Partir de conceptos que puedan resultar abstractos es parte de la metodología. Nos permite exponer al grupo y a los educadores a un reto que aporta aprendizajes diferentes para cada uno de ellos. Si bien partimos de la dificultad de plantear conceptos sin restricciones, también desarrollamos diferentes acciones que puedan expresar ese mismo concepto. Esas acciones, al partir de estrategias artísticas, son nuevas para todos. En este punto el grupo llega a conceptos e ideas no habituales y por tanto nuevas y enriquecedoras y el educador recibe nuevas formas de afrontar estrategias para la compresión y se enfrenta a sus propios “prejuicios” en cuanto a lo que es posible. 4. Ni trabajos manuales, ni acciones reproductivas.Creatividad, improvisación y valoración del proceso. Nuestro trabajo se centra en rescatar a lo largo del proceso todo aquello que es una posibilidad para poder tomar conciencia de ello y reconocerlo.

5. Horizontalidad y empoderamiento.Trabajar desde el Arte Contemporáneo supone situar a todos los participantes (el grupo y los educadores) en un mis-mo punto de partida, o quizá situar al grupo por encima del educador. Pensemos que, en términos generales, existe un gran desconocimiento del Arte y una serie de creencias sobre este muy alejadas de concederle alguna oportuni-dad. Son los educadores los que se preguntan ¿pero esto es arte? mientras que el grupo se enfrenta generalmente a la propuesta desde la falta de prejuicios.

(*) Garcés, Marina. Un mundo común. Ed. balleterra. 2012.


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2. METODOLOGÍA

Nuestra metodología se desarrolla a lo largo de cuatro sesiones: una en el propio centro (en la que se preten-de conocer al grupo y su entorno, a la vez que se realiza una introducción de nuestra dinámica de trabajo), y tres en la propia sala (una por semana). Cada una de estas sesiones responde a un bloque temático y de conocimiento posible dentro de la propuesta expositiva, por lo que el trabajo completo que aquí se presenta se compone de cuatro fichas, una por cada sesión.

Los conceptos clave sobre los que gira nuestro trabajo este año han sido:

SUBJETIVIDAD- YO

PERCEPCIÓN- YO Y EL OTRO

INTERACCIÓN - YO CON EL OTRO

Estos conceptos responden, por una parte, a lo que supone un proceso creativo basado en la observación de lo cotidiano y, por otra, son términos utilizados en el contexto de la mediación cultural. Todos ellos han estado presentes en todas las sesiones, pero en cada una de ellas se han realizado acciones que ponían más énfasis en con-creto en uno. A partir de ahí, se han trabajado los diferentes temas que presentaba la exposición.

En relación al grupo, los talleres se desarrollan alternado la interacción con el grupo completo y dividiendo a éste en pequeños grupos compuestos por 5 o 6 personas. Cada uno de estos grupos estuvo acompañado por una educadora de Pedagogías Invisibles y el trabajo se centraba en acciones concretas que requerían mayor atención para su desarrollo. Al mismo tiempo permitía la posibilidad de intercambiar experiencias con el gran grupo y de este modo observar aproximaciones y propuestas diferentes a una misma acción.

LAS FICHASDescripción General

Cada ficha está dividida en las siguientes partes:- Introducción al tema.- Materiales- Objetivos- Contenidos- Acciones, que a su vez están divididas en: El detonante, que actúa como “gancho” de la actividad. Desarrollo, o el proceso creativo de trabajo. Reflexión, o análisis crítico de lo sucedido. Tareas conectivas, que enlazan los contenidos de uno y otro día.

La duración que se establece en las fichas para cada actividad responde a las circunstancias concretas en las que se ha desarrollado nuestra experiencia, lo que no quiere decir que sea el tiempo más adecuado para todos. Es solo un dato orientativo. Las maneras de combinar el trabajo pueden ser variadas y siempre en función de los intereses y el tiempo. Lo que sí es importante, desde el punto de vista del aprendizaje significativo, es mantener la acción simbólica, su preparación y su proceso, y los elementos que lo caracterizan.


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3. MATERIALES

Para trabajar con las diferentes imágenes propuestas es suficiente imprimirlas. Si contamos con un proyec-tor, podemos proyectarlas en el espacio que nos encontremos y contemplarlas en grupo. La página web de Funda-ción Banco Santander nos proporciona una información detallada sobre los artistas y las obras que componen la exposición y nos ofrece la oportunidad de realizar una visita virtual.

Web de la exposición:https://www.fundacionbancosantander.com/visita_virtual/visiones_de_la_tierra/es/

Artistas:https://www.fundacionbancosantander.com/visita_virtual/visiones_de_la_tierra/es/artistas/Visita virtual: https://www.fundacionbancosantander.com/visita_virtual/visiones_de_la_tierra/es/virtual/montene-gro_01.html


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4. COMENTARIOS

Una vez concluidas todas las sesiones y pasados unos días para que la experiencia se asiente, todos los años realizamos un cuestionario con el fin de obtener información directa sobre el trabajo realizado y dar la pala-bra a los participantes. Para poder acceder a este cuestionario, enviamos un link a través del correo electrónico a los educadores de los Centros Ocupacionales que han participado. En esta ocasión fueron: Fundación Gil Gayarre, Fundación Betesda, Fundación Ademo y Fundación AMI3 Tres Cantos.

Todas las preguntas que componen esta herramienta son de carácter abierto, de manera que sus respuestas nos ayudan a comprobar si nuestros objetivos se han cumplido, la efectividad y el proceso de comprensión de nues-tra metodología o si debemos modificar algo para mejorar nuestro trabajo. A continuación mostramos las preguntas que les formulamos:

Como profesional que trabajas en el ámbito de la diversidad funcional, ¿qué opinas sobre este tipo de visitas?¿Qué destacarías de la visita que realizamos el primer día en el centro?¿Qué destacarías de la experiencia en la Sala de Arte durante las tres sesiones y por qué?¿Qué cambiarías o mejorarías de las dinámicas realizadas?De todo lo experimentado, ¿qué prácticas, estrategias o ideas podríais aplicar en vuestro trabajo con el grupo?¿Qué actividades han sido las más adecuadas para vuestro grupo y por qué?¿Qué conceptos/conocimientos te llevas de la visita? ¿Son diferentes los que os lleváis vosotras (como educadoras) de los que se llevan ellos? ¿Hay algo especialmente que te haya sorprendido de la reacción del grupo?¿Si traías alguna expectativa con respecto a esta actividad, de qué manera se han visto cumplidas?Por último, si deseas comentarnos algo más que consideres importante señalar, a continuación puedes hacerlo

Un año más, sus palabras nos transmiten que las expectativas que traen se ven cumplidas. Visitas motivan-tes, participación, diferentes formas de expresarse con el arte… son elementos con los que se juega en cada una de las sesiones y así se percibe.

“Esperaba una experiencia motivante, dinámica, que les enriqueciese y despertase su interés por otras formas de arte, y así ha sido”.

Las reacciones observadas en los participantes son positivas tanto por nuestra parte como por la de las educadoras del Centro Ocupacional. La satisfacción, el interés, la participación, los cuidados y la colaboración son visibles.

“Conociéndolos de hace tiempo la mayoría de las reacciones no me han sorprendido, aunque sí el interés que ha despertado en muchos de ellos que no están acostumbrados a realizar y tener contacto con el arte o la creación de elementos artísticos mediante la composición formas y colores”.

Con respecto a los aprendizajes adquiridos, destacan que no son muy diferentes los que se llevan educado-ras al resto de participantes. Nombran conceptos relacionados con el mundo del arte y sobre lo que quisimos hacer hincapié por su relación con la muestra, lo que nos demuestra que estos fueron visibles y se recuerdan.


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“Arte constructivista. Me parece interesante trabajar con ellos en este sentido ya que les llama la atención. Percepción desde distintas formas, colores y materiales. Subjetividad, el tú con el otro e impacto”.

Las actividades que se destacan como las más adecuadas para el grupo, giran en torno a “la composición de formas y colores y la fusión con las obras mediante el camuflaje”. Este tipo de actividades les resultan motivantes al ser participativas. Destacan de igual manera las que “implican juegos manipulativos” o los términos “improvisación y creatividad”.

Conforme a lo realizado este año, opinan que lo más aplicable al trabajo que se desarrolla en los Centros Ocupaciones es la composición de elementos mediante formas y colores (basadas en la obra de Josef Alberts, que veremos más adelante), al poderse realizar con una gran diversidad de usuarios; así como el aprendizaje de concep-tos como: “percepción, camuflaje e interacción”.

“... la creación de elementos artísticos mediante composiciones de formas y colores, como la fusión mediante el camuflaje con las obras expuestas. Estas experiencias son las que los usuarios han destacado como más positivas y que más les han gustado”.

Por último, pensamos que aunque es cierto que en nuestras dinámicas utilizamos términos no comunes para este tipo de colectivo, nos resulta muy gratificante introducirlos y trabajarlos a lo largo de las sesiones como un reto en muchas ocasiones cumplido: ampliar los aprendizajes más allá de lo que pensamos que ellos pueden entender o sentirse cómodos.

Terminamos este apartado con un comentario reiterativo que siempre nos motiva a seguir con este maravi-lloso trabajo:

“Esperamos seguir participando en vuestras actividades ya que resultan una forma de conectar y disfrutar con el arte de manera dinámica, motivante y educativa”.


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FICHA 1 OpiniónOPINIÓN-IMPACTO

INTRODUCCIÓNComo podemos leer en la parte presentaciones de la web destinada a mostrar la información sobre la exposición “Visiones de la tierra / El mundo planeado”, esta exposición se compone de 217 obras de 106 artistas. El tejido expositivo se encuentra dividido en diez secciones: «Moder-nismos», «Indigenismos», «Otros constructivistas», «Paulistas y cariocas», «Precedentes y para-lelismos», «Informalismos», «Contra-soportes», «Experimental», «Contemporáneo» y «Opinión». A pesar de esta división, pensamos que esta última, “la opinión” era un tema transversal recu-rrente a lo largo de toda la exposición, por lo que decidimos darle un mayor peso. Desde ese concepto trabajamos tres ideas en torno a los cuales giran las sesiones: ”el yo / subjetividad”, “ yo y el otro” y “ yo con el otro / impacto”. Como bien dice el comisario de la exposición, Rodrigo Moura: “una colección permite que sus relatos puedan ser siempre repensados y que no sean considerados como verdades absolutas sino como herramientas provisionales que contribu-yan a la creación de un sentido crítico con el que asociar las diferentes obras, destino final y verdadero de cualquier colección de arte”.

DURACIÓN: 1h 30 minMATERIALES: pegatinas para escribir sus nombres, rotuladores, cinta de pintor.

OBJETIVOS:- Introducir los conceptos clave de las sesiones posteriores: “el yo / subjetividad”, “ yo y el otro” y “ yo con el otro / impacto”.- Reflexionar sobre el acto de opinar.- Usar el cuerpo para asimilar estos conceptos que en muchas ocasiones resultan complejos.

CONTENIDOS: opinión, subjetividad, impacto, huella, rastro, movimiento.


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Acción 1¿Opinamos?Duración aproximada: 30 minObjetivo: espacio polivalente donde poder sentarse en círculo y re-flexionar, al mismo tiempo que nos permita movernos con libertad. Pegatinas identificativas (en el caso de que el grupo de trabajo sea desconocido) y rotuladores. Cuaderno o pizarra donde poder escri-bir una serie de cuestiones en tamaño grande.

Obra:Sara RamoTrama para palco [Trama para escenario] (2007)4 fotografías

DetonanteDuración aprox: 20 minutosInteracción: plenaria

El grupo se coloca en un círculo para favorecer el acto de la comu-nicación. Una de las educadoras plantea la primera pregunta: ¿Tie-nes opinión? Cada uno va tomando la palabra contestando con un gesto o ejemplo. En el caso de afrontar las acciones con un grupo al que no se conoce, esto nos servirá además para realizar una pri-mera toma de contacto, conocer sus nombres y escribirlos en las pegatinas identificativas. Una vez terminada la ronda, la siguiente pregunta es: entonces, ¿qué es la opinión? De nuevo se intentará utilizar ejemplos, gestos, metáforas… para aclarar de qué estamos hablando.

El acto de opinar va más allá de la verdad del conocimiento. La opi-nión admite la posibilidad de errar. Es una idea o juicio subjetivo que una persona tiene o se forma acerca de algo o alguien. Emitir juicios contrarios a los que tiene mi interlocutor puede enriquecer-nos, pero también puede producir enfrentamientos, a los que le da-remos el nombre de “impacto”. Es cierto que podemos opinar sobre miles de cosas, pero previamente necesitamos una base de conocimiento o una experiencia directa.


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DesarrolloDuración aprox: 35 minutosInteracción: en grupos

Antes de pasar al desarrollo de la acción en sí misma, hace falta ha-cer una preparación previa que consiste en dividir el espacio en dos o tres partes (depende del número de participantes en el taller. Loideal es hacer grupos compuestos por 4 o 5 personas). Estas partes será identificadas fácilmente por estar acotadas con cinta de pintor pegada en el suelo a modo de marco.

Una vez creados los grupos, cada uno se dirige a una de las partes con una educadora. Esta le proporciona un rollo de cinta de pintor a cada uno de ellos. La dinámica consiste en caminar libremente por el espacio asignado llevando con nosotros la cinta de pintor como objeto que nos ayuda a marcar nuestra huella. ¿Cómo me muevo yo en el espacio? ¿qué rastro / huella puedo dejar con mi movimien-to?... Se hace una pequeña demostración a modo de ejemplo. No existen normas establecidas, la improvisación es nuestra aliada.

ReflexiónDuración aprox: 35 minutosInteracción: interacción: plenaria

Una vez termina la acción, nos disponemos a observar el producto final que ha surgido en las dos o tres partes establecidas por el uso de la cinta de pintor pegada en el suelo, muebles, paredes… Estas obras colectivas, nos ayudarán a responder a las siguientes pregun-tas: ¿Cuánto de mí hay en esta obra?, ¿puedo identificar mi huella, mi rastro, mis pasos?, ¿cuánto hay del otro?, ¿cuánto del yo con el otro?, ¿se ha producido en algún momento un impacto, un cruce de caminos? Los participantes reconocen sus cintas y reflexionan sobre qué es lo que ha pasado en el desarrollo de la acción, cómo hay mo-mentos del yo; de impacto (momentos donde se cruzan los caminos)... De nuevo se retoma el tema de la opinión, opinamos juntos sobre lo ocurrido, sobre lo vivido, sobre lo producido…

Tarea conectiva:Empezar a explorar el catálogo de la exposición. Ejercitar el acto de opinar, qué pienso sobre las obras. Alguna de ellas produce un impacto en mí. Al mismo tiempo les invitamos a buscar una obra que tenga cierta similitud con la que nosotros hemos producido en grupos. Para ello es aconsejable sacar fotos del producto final de nuestra acción que sirvan de referencia a la búsqueda.


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FICHA 2 YoPERCEPCIÓN/SUBJETIVIDAD/RELATO

INTRODUCCIÓNSe trata del primer día que los grupos visitan la Sala y tienen un contacto más directo con las obras. Habitualmente, diseñamos para este primer día una actividad que consiste en una ex-ploración de la exposición en forma de deriva grupal (a veces en pequeños grupos, otras con el grupo completo, depende de sus características), en la que vamos realizando pequeñas accio-nes a partir de materiales sugerentes que nos permitan tomar contacto con las obras y enten-der las características generales de la muestra.

En esta sesión introductoria trabajamos sobre la idea del Yo y la subjetividad, cómo nuestros puntos de vista y maneras de percibir nos sirven para generar una opinión y una manera de relacionarnos con el mundo, con lo que vemos, con el arte. A partir de la utilización de espejos exploramos distintas posibilidades.

DURACIÓN: 1h 30 minMATERIALES: cartulinas reflectantes redondeadas (40X40cm), plateadas y doradas, cartulinas reflectantes cuadradas (15x15 cm) plateadas, espejos de mano, catálogo (o visita virtual online o proyección de las obras), pos-it, pegatinas, rotuladores.

*En esta acción será necesario adaptar los materiales, así como las acciones desarrolladas en sala alcontexto específico donde vayan a tener lugar. Podemos trabajar con las obras de los artistas destacados e iniciar una deriva por nuestro centro, barrio o entorno más cercano. Sugerimos explorar con distintos materiales con superficies reflectante que ofrezcan alterar nuestra percepción y brindarnos distintas ma-neras de ver, objetos de distintos tipos de papeles o metales.

OBJETIVOS:- Imaginar distintas posibilidades de acercarse a las obras: puntos de vista, posiciones, movi-mientos, objetos e imaginarios desde los que observarlas.- Reflexionar sobre la subjetividad en nuestra manera de mirar y dar sentido.- Trabajar incluyendo el propio cuerpo, su movimiento y posición como sujeto perceptivo en el museo.- Aprender a describir lo que percibimos y favorecer la comprensión sobre la propia producción.

CONTENIDOS: percepción, subjetividad, punto de vista, movimiento, posición.


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Acción 1: DerivaYo percibo, Tú percibes, Él percibe...

Duración aprox: 1h 30 minutosNecesidades: Nuestras diversas maneras de percibir; espejos y su-perficies reflectantes, un catálogo de la exposición o visita virtual on-line u obras de los artistas destacados; un entorno para re-descubrir: sala de arte, aula, centro, barrio (*)…

(*) En esta sesión será necesario adaptar las acciones desarrolladas en sala al contexto específico donde vayan a tener lugar, podemos trabajar con las obras de los artistas destacados e iniciar una deriva por nuestro centro, ba-rrio o entorno más cercano trabajando los mismos conceptos relativos a la exploración de la percepción. Los participantes debían localizar en las derivas la obra de Sara Ramo, con la que se trabajó en la visita al centro.

Obras: Al tratarse de una sesión introductoria trabajamos con toda la colec-ción, son los participantes los que deciden en sus derivas con qué obras se va a trabajar de manera más intensa. Algunas de las obras más visitadas fueron:

Usted es la composiciónSerie: Homenaje al espectador, 1975.Espejos parabólicos y acrílico tratado.Ubi Bava

Arquitectura Fantástica Nº1Serie: Bichos, 1963.Aluminio articulado.Lygia Clark

Sín TítuloDécada de 1960.Acrílico, bombilla e hilo.Gyula Kosice

Galactic Stratus, 2015.Aluminio, paneles de espejo, hilo de metal, hilo de nylon y cola.Tomás Saraceno


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Sin TítuloSerie: Escultura para todos los materiales no transparentes, 1985.2 piezas de obsidiana pulida.Waltercio Caldas

Inserciones en circuitos ideológicos.Proyecto: Coca-Cola, 1970.Serigrafía sobre botellas de vidrio.Oscura Luz, 1982.Paneles de madera industrial y bombilla.Cildo Meirelles

Sin título, 1993.Cabellos e hilos de seda.Fernanda Gomes

Balancoires, 2010.Cristal, impresión, cadenas.Sofá cama, 2008.Acero.Mona Hatoum

Sin título. PL.2950.0/00, 1987.Acrílico, lápiz de color, recortes e hilo sobre lona.Leonilson

Samurai Tree, 2007.Acrílico sobre lienzo.Gabriel Orozco

Una vela para la Tierra, 2015.Algodón tejido a ganchillo, cerámica, clavo, tierra, vidrio y madera.Ernesto Neto

Separación, 2017.Tejido.Nelson Leirner

Trama para palco, 2007.4 fotografías.Sara Ramo

DetonanteDuración aprox: 10 minutosInteracción: plenaria

Subjetividad.Conectamos con la sesión anterior. El catálogo.

El tema que hemos elegido para este acercamiento es LA PERCEPCIÓN, ini-ciando un recorrido que nos llevará por los territorios a partir de los cuales se genera OPINIÓN-IMPACTO. En esta sesión nos centramos en la subjetivi-dad del YO. Partimos de la percepción como ese primer acercamiento a la realidad que nos permite reflexionar sobre cómo asimilamos la información y si todos lo hacemos de la misma forma o desde el mismo punto de vista.

Para la construcción de esta actividad nos hemos basado en las obras de Ubi Bava y Saraceno, ambos artistas reflexionan sobre la percepción a tra-vés del uso de espejos y materiales transparentes, translúcidos o reflectan-tes. Ubi Bava reflexiona sobre el lugar del espectador en el museo gene-


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rando espacios con sentido de infinitud donde se multiplican las simetrías, capturando la imagen del espacio expositivo dentro de la propia obra. Sa-raceno genera una multiplicidad de realidades superpuestas expandiendo las interpretaciones relacionadas con el espacio, el tiempo y la gravedad. Sus obras son dispositivos donde se cuestionan certezas perceptivas para explorar nuevas formas de interactuar y experimentar la verdad. Partiendo de este marco, nos enfrentamos a la exposición armados con una variedad de espejos que nos facilitarán conocer la exposición desde la complejidad que permite el encuentro de los diferentes puntos de vista.

Iniciamos camino dejándonos guiar por la intuición. ¿Hacia dónde nos ape-tece ir? ¿Dónde estarán las obras que hemos seleccionado en el catálogo? ¿Encontraremos la obra de Sara Ramo? Para llevar a cabo esta acción en nuestro propio contexto podemos tratar de buscar paralelismos entre la realidad que percibimos en nuestro entorno más cercano y las obras que hayamos descubierto previamente en la visita virtual. Si optamos por repli-car la sala de arte en nuestro espacio a través de imágenes impresas de las algunas obras del catálogo, podemos salir a caminar con los espejos y jugar con ellas.

DesarrolloDuración aprox: 1 horaInteracción: plenaria

Los espejos, cómo opera la percepción.

Iniciamos la deriva por la exposición a la búsqueda de las obras del catálo-go que más nos han impactado, deteniéndonos frente a las piezas que cap-tan nuestra atención. Provistos de nuestros espejos (de distintos tamaños y grados de refracción), investigamos sobre la percepción.

Nos situamos frente a las piezas. Escogemos nuestro punto de vista, cam-biamos la posición, nos movemos a la derecha e izquierda de las obras, colocamos el espejo bajo ellas o juntamos varios espejos para ampliar el ángulo de visión. Comentamos lo que descubrimos desde los distintos pun-tos de vista, y al unir percepciones ampliamos posibilidades de exploración. ¿Es lo mismo ver la obra desde arriba que desde abajo que desde un lateral? ¿Podemos rodear la obra con varios espejos? ¿Cómo funcionan los distintos espejos al combinarse? ¿La imagen que nos devuelven todas estas alter-nativas es la misma? ¿Todas estas visiones nos sugieren un mismo relato o cambian el significado de las piezas?

Conversamos mientras caminamos y exploramos. Este mismo ejercicio po-demos realizarlo en nuestro centro y sus alrededores, observando deteni-damente los objetos y espacios cotidianos que habitualmente nos pasan desapercibidos. Podemos hacerlo en pequeños grupos que más adelante pueden intercambiar experiencias con el gran grupo, o ir todos juntos y su-mar puntos de vista.

ReflexiónDuración aprox: 20 minutos Interacción: plenaria

¿Qué imagen te llevas? El relato de lo percibido.

Se trata de una sesión intensa, cuando percibimos desde la toma de con-ciencia de lo que se ve, acumulamos un montón de imágenes y normalmen-te nuestro cerebro termina por saturarse. Para darle descanso, prestamos atención a nuestra memoria, nos sentamos, nos relajamos, y nos centramos


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en lo que hemos sentido en las derivas. ¿Qué imágenes permanecen? ¿Qué hemos percibido con más fuerza y nos podemos olvidar? Registramos sobre cuartillas de espejo en formato cuadrado los conceptos que asociamos a las imágenes que nos han generado mayor impacto. El color amarillo, una botella de coca-cola, el recuerdo de la nieve, el grupo, percibir, la idea de otra obra que me encantaría ver contigo...

Tarea conectiva: Vamos a repasar los términos y conceptos abordados durante la sesión a lo largo de la semana, realizaremos fotografías con nuestra cámara o móvil a espacios u objetos cercanos desde un punto de vista inusual que enriquezca nuestra percepción. Las proyectamos o las imprimimos y las mostramos a los compañeros. ¿Somos capaces de reconocer los objetos o espacios que aparecen en ellas?


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FICHA 3 Yo y el otroINTERACCIÓN/COLOR

INTRODUCCIÓNEl artista Josef Alberts hizo un estudio sobre la interacción del color en el que deja

patente como una misma forma es percibida en su tamaño, en función del color que la rodea. ¿Cómo soy de alta cuando estoy a tu lado? Dependerá de lo alto o bajo que sea la persona que está junto a mí. Igualmente, un mismo color es percibido de manera diferente en función del color que tiene al lado o que le rodea. Esto significa que la realidad que vemos, no responde a una realidad objetiva, sino al engaño del ojo. Si trasladamos este hecho estético a la idea de cómo formo mi opinión sobre el otro, estaremos creando una metáfora que nos permita entender la subjetividad, no sólo como lo que yo opino, sino que lo que yo opino está condicionado.

DURACIÓN: 1h 30 minMATERIALES: cartulinas de diferentes colores y tamaños, incluso algunas con colores brillantes para alternar percepciones entre el brillo y el mate. Papeles de diferentes colores y tamaños, pliegos de celofán transparente de colores. Tijeras y reglas, para poder realizar plantillas de diferentes formas.

OBJETIVOS:- Entrenar la percepción del color y la forma. - Entender el concepto de percepción/subjetividad por medio de la comparación. Ej. Un color ro- jo nos resultará más claro o más oscuro en función del color que tenga al lado.- Proporcionar una experiencia manipulativa, experimental y creativa.- Acercar a los participantes al concepto de experiencia estética como aquello que produce emo-ción, subjetividad, opinión. - Entender el arte como una práctica experimental y cercana.

CONTENIDOS: color, forma, percepción, subjetividad, experiencia estética.


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Acción 1: Dar sentido Duración aproximada: 1 hora 30 minutos.Necesidades especí icas:Cartulinas lisas de colores, brillantes y mate. Tijeras para cortar diferentes formas y tamaños. Cámara fotográfica. Ordenador, proyector.Obras: Josef AlbertsTerrestre I (estudio para Homenaje al cuadrado), 1961. Óleo so-bre tablex. Respetado (estudio para Homenaje al cuadrado), 1964. Óleo sobre tablex.

DetonanteDuración aprox: 20 minutos Interacción: plenaria

Jugar con los cuerpos, ponernos uno al lado del otro, que sea con-siderablemente más bajo o más alto, más grueso o más delgado. Observar como vemos a los compañeros cuando realizan la acción. Hacer hincapié en la relatividad de la altura, la delgadez, etc.

Frente a las imágenes de Josef Albers (1 y 2), responder a las pregun-tas ¿Qué cuadrado es más grande? ¿Qué cuadrado es más oscuro? Volver a los cuerpos, a observar el color de nuestra ropa en relación a la ropa del otro.

DesarrolloDuración aprox: 50 minutos Interacción: plenaria

Con toda la variedad de papeles, colores y formas, de lo que se trata es de ir haciendo composiciones sencillas y trabajar sobre cómo las percibimos, es importante ir fijando cuestiones de cómo una misma forma parece más grande o más pequeña, cómo un color resalta más o menos, de cuándo una misma forma de un mismo color a veces parece que está hacia al fondo, o que está en la superficie en función del color de la superficie sobre la que sitúe, etc.


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Este ejercicio se puede desarrollar tanto tiempo como los partici-pantes estén disfrutando del mismo y descubriendo nuevas expe-riencias en la interacción.


Volver a las acciones del cuerpo y a los términos clave, yo y el otro/interacción, percepción/ subjetividad.

En este momento es interesante trabajar la idea de la experiencia estética, las emociones antes los colores y las diferentes sensacio-nes y ponerla también en relación con la opinión y el gusto.

Tarea conectiva: Para afianzar más la idea de percepción en rela-ción al otro y lo que nos rodea podemos fotografíar partes de nues-tro cuerpo, manos, rostros, brazos, sobre cartulinas de diferentes colores y después comprobar como el color de nuestra propia piel cambia en función del fondo que utilizamos. Una vez que observemos esto, podemos buscar lugares (paredes sillas, mesas, puertas, etc) e ir comprobando sobre cuál de esas superficies, que tiene color, pasa más desapercibido el tono de nuestra piel. Así vamos preparando el camino para la siguiente acción: el camuflaje.

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FICHA 4 Yo con el otroCAMUFLAJE-MÍMESIS

INTRODUCCIÓNSe trata de la última sesión en sala, por este motivo, además de trabajar con una acción

concreta que cierre el ciclo temático con el que venimos trabajando, desarrollaremos un mapa visual que nos sirva para resumir la experiencia y recuperar las reflexiones que han producido un mayor impacto. Este material sustituye a la tarea conectiva y se les facilita a los grupos para que puedan seguir profundizando en los contenidos de la exposición con mayor detenimiento en sus centros.

En esta sesión vamos a trabajar sobre la intervención en el propio entorno, modificando el es-pacio de la sala de arte (o aquel donde decidamos trabajar) con nuestra presencia física mime-tizada con el propio espacio. De esta forma, al camuflarnos, transformamos la realidad al incidir sobre ella, convirtiéndonos en objetos-sujetos artísticos.

DURACIÓN: 1h 30 min

MATERIALES: telas de diversos colores, lisas y con estampados, blancas y negras. Una tela blanca de gran tamaño para el desarrollo del mapa conceptual. Rotuladores.

OBJETIVOS:- Imaginar maneras de fusionarnos con las obras de arte o convertirnos en ellas a través de la postura y el color.- Reflexionar sobre el impacto visual-conceptual de las intervenciones en el espacio.- Trabajar sobre la idea de camuflaje y la interdepencia entre sujetos y objetos de manera co-lectiva.- Aprender a generar relatos sobre lo que hacemos y favorecer la comprensión sobre nuestra propia producción

CONTENIDOS: camuflaje, transformación, interdependencia, sujetos, objetos, espacio.


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Acción 1: ¿Esconderse o camuflarse?

Duración: 1 horaNecesidades: telas de diversos colores, lisas y con estampados, blancas y negras. Un espacio donde poder moverse con comodidad y extender las telas, sobre el que intervenir (interior o exterior). Una cámara de fotos o móvil con la que registrar las apropiaciones so-bre el espacio y, preferiblemente, un dispositivo para visualizarlas después.

Obras: Capa morada, 2003.7 fotografías.Cinthia Marcelle

El salvaje de la fiesta, 1985.Óleo sobre lienzo.Jorge Guinle

Sin título, 1976.Serie: Dibujo/Objetos.Papel.Anna Maria Maiolino

Concetto Spaziale. Atesse/Tagli,rosso, 1960.Pigmento al agua sobre lienzo.Lucio Fontana

Paquete beige, 1975.Óleo sobre lienzo.Claudio Bravo

Sin título, 1975.Madera lavada del manglar.Frans Krajcberg

El virtuosoSerie: Saunas y baños, 2006.


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Óleo sobre lienzo.Adriana Varejao

Sin título, 1953.Esmalte sintético sobre DM.Geraldo de Barros

45 rayitas, 1952.Óleo sobre lienzo.Lothar Charoux

DetonanteDuración aprox: 10 minutos Interacción: plenaria

Camuflaje¿Dónde está la artista?Vamos a incidir en la oportunidad que nos ofrecen los artistas de transformar nuestro mundo cotidiano, los espacios que habita-mos. En YO CON EL OTRO, ya no solo interactuamos, sino que nos sumamos, nos convertimos en uno con los compañeros, las obras, la sala o el espacio de trabajo.

Tomamos como referencia la obra de la artista Cinthia Marcelle. En su obra Capa Morada parte de acciones que la mayor parte de las veces son invisibles a primera vista. Ocupa lugares de la ciu-dad donde mezclarse con el ambiente, usando materiales como tejidos y ropas de los mismos colores de los fondos a los que su cuerpo se superpone. Mientras se camufla, su presencia se diluye en el espacio y la multitud, dando lugar a personajes, “cosas”, que conectan sujeto y mundo, individuo y colectividad, a partir de las interferencias que crea.

Apropiandonos de esta idea de interferencia y camuflaje, repli-camos las acciones de la artista en la sala de arte, o en cualquier otro entorno que seleccionemos para trabajar. Es importante que sea un espacio amplio que nos ofrezca oportunidades para la in-teracción con otros, como puede ser el centro, el barrio, un centro comercial, el metro, el parque… Para camuflarnos, será necesario acercarnos a la obra de la artista antes. ¿Qué materiales y estra-tegias utiliza? ¿Podemos ver su rostro? ¿Qué uso hace del color? ¿Cómo coloca su cuerpo?

DesarrolloDuración aprox: 20 minutos Interacción: plenaria

Estrategias de camuflaje.Ante todo es importante que distingamos entre escondernos y ca-muflarnos. Cuando nos escondemos, tratamos por todos los me-dios de no ser vistos, mientras que al camuflarnos nuestro objeti-vo principal no es tanto el pasar inadvertidos como el fusionarnos con algo de lo que queremos formar parte, mimetizandonos con


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el espacio. Como los camaleones, trataremos de transformarnos en aquello que queremos imitar.

Para comenzar, extendemos, de manera casi ritualizada, una por una las telas sobre el suelo, observamos sus colores y texturas, sus estampados, su tamaño y forma, al fin y al cabo las utilizaremos du-rante el ejercicio como una segunda piel. Suele suceder que cada uno de los participantes se identifica con una o varias telas, aquí opera en parte el deseo y la atracción hacia los materiales, y el interés por relacionar las telas con algunas de las obras, objetos o espacios con los que vamos a trabajar.

Seleccionamos las obras u entornos, nos envolvemos en las telas cubriendo nuestra piel, nuestro pelo, nuestro rostro. A veces, de manera intencionada, decidimos que las manos o la cara sobresalgan y nos delaten. Jugamos, probamos, adaptamos el cuerpo a la forma, lo flexionamos, probamos con posturas imposibles, nos asociamos con otros, nos encaramamos a algún objeto en la calle, nos pegamos a la pared o nos tiramos al suelo, todo por el camuflaje. Atentamente, algunos de nosotros están prestos a registrar todo lo que ocurre, tanto el proceso y las pruebas (con el color, con las posturas...) como el resultado final de nuestra acción y el impacto que causa en quienes son ajenos a ella. Todo esto será importante para iniciar una conversación en la que profundizar más adelante.


Ser obra artística.Podemos proyectar el resultado de las acciones en un aula y debatir o reflexionar en el espacio donde ha estado sucediendo todo, quizápodemos entrevistar a quiénes nos han observado actuar, o incluso registrar en vídeo desde la lejanía lo que sucede cuando otros des-cubren a los camuflados para comentarlo después. Lo importante en este caso, es que más allá de lo lúdico, reflexionemos sobre los afectos, qué nos sucede, sucede a los otros o al espacio, cuando nos modificamos mutuamente generando algo nuevo, en este caso una obra artística. ¿Cambia nuestra manera de percibir el espacio o de percibirnos a nosotros mismos? ¿Qué cosas suceden que noestaban sucediendo antes? ¿Surgen otras formas de relacionarnos?


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Acción 2: Relatoría gráfica/El mundo planeado

Duración aproximada: 30 minutosNecesidades: superficie plana donde poder dibujar, tela blanca de gran tamaño. Rotuladores caligráficos de distintos colores y groso-res. Punta redonda, punta cuadrada, punta fina...

Obras:

Superficie blanca, 1995.Acrílico, clavos y lienzo.Enrico Castellani

Detonante/DesarrolloDuración aprox: 10 minutos Interacción: plenaria

Enfrentar la tela en blanco.Con una tela de gran tamaño (o en su defecto un papel continuo blanco; aunque la vistosidad del material y el vínculo con el ejercicio anterior es importante), tan grande como para que el grupo pueda rodearla; vamos a generar una memoria colectiva de los impactos derivados de la experiencia. Es importante que entendamos que la creación de este mapa visual tiene también una intencionalidad estética, podemos combinar dibujos, palabras, citas, flechas, for-mas, subrayados, recuadros, emociones, recuerdos… Para que su registro sea más rico, podemos hacerlo de manera pausada mien-tras conversamos rememorando lo ocurrido, con varios rotuladores que nos permitan hacer mayor o menor énfasis dependiendo de sus grosor o expresarnos con distintos colores y trazos.


¿Qué te llevas?Cuando hemos terminado nuestro mapa, podemos colgar la tela en la pared, modificarla, re-pensarla y preguntarnos qué queremos llevarnos de todo lo vivido y quizá aprovechar en futuros ejercicios. ¿cuáles son los aprendizajes individuales y colectivos?


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ANEXOS

ARTISTAS y OBRAS en las que se profundiza en las acciones de las diferentes sesiones.Para más información, consultar la web:https://www.fundacionbancosantander.com/visita_virtual/visiones_de_la_tierra/es/artistas/

Sesión uno

Sara RamoNacida en 1975 en Madrid (España), vive en Sao Paulo (Brasil).Trama para palco [Trama para escenario] (2007)4 fotografías

Sara Ramo es hija de padre español y madre brasileña, y pasó su infancia y adolescencia entre los dos países. Se graduó en pintura por la Escola de Belas Artes de la Universidad Federal de Minas Gerais (UFMG) en 2002, donde fue alumna del artista Gastao Frota y de los críticos Maria Angélica Melendi y Stéphane Huchet.

Trama para palco [Trama para escenario] (2007) fue realizada en el escenario de la Sala de Baile del antiguo Casi-no de Pampulha. En esta obra la artista revela su interés por la teatralidad de los objetos, creando una especie de coreografía para las líneas dibujadas con celo en el suelo del escenario, que evolucionan desde marcas escénicas a una geometría caótica. Además de la instalación y la fotografía, su obra incluye una vasta producción de vídeos en los que aparece la propia artista. Ramo ha pasado los últimos diez años entre España y Brasil, y desde 2015 reside en Sao Paulo. Es en esta ciudad donde ha tenido lugar su exposición más reciente, Para Marcela e as outras [Para Marcela y las otras], un proyecto de intervención creado específicamente para la capilla de Morumbi. (Adaptación del texto de Rodrigo Moura).


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Sesión dos

Ubi BavaNacido en 1915 en Santos (Brasil), murió en 1988 en Río de Janeiro (Brasil)Voce é a composicao [Usted es la composición] (1975)Espejos parabólicos y acrílico tratado.

Ubi Bava se trasladó de joven a Río de Janeiro, donde se formó en arquitectura en 1939, y al año siguiente en pin-tura, por la Escola Nacional de Belas Artes, donde fue alumno de Lucílio de Albuquerque y Henrique Cavalleiro. En las décadas de 1940 y 1950 desarrolló en sus pinturas una abstracción geométrica que lo situó en diálogo con el arte cinético y el op art, como Sin título, de 1953. Siguió la senda de las leyes de la geometría por medio del uso de líneas, colores puros y espacios con sentido de infinitud. Su investigación se abrió al uso de materiales industrializados como espejos, casquetes de aluminio y tubos de plástico, organizados bajo una lógica constructiva en busca de es-tructuras, equilibrio y formas simétricas. La obra Voce é a composicao [Usted es la composición] (1975), forma parte de la serie Homenagem ao espectador [Homenaje al espectador] y consiste en una caja de acrílico con pequeños círculos en los que se insertan espejos parabólicos de colores que capturan, multiplican, reducen y amplían, dentro de la propia obra, la imagen del espectador y del espacio expositivo. (Adaptación del texto de Marisa Mello).

Tomás SaracenoNacido en 1973 en San Miguel de Tucumán (Argentina), vive en Fráncfort (Alemania).Galactic Stratus [Estratos galácticos] (2015).Aluminio, paneles de espejo, hilo de metal, hilo de nylon y cola.

Arquitecto de formación, graduado y posgraduado en Buenos Aires. En 2009 Tomás Saraceno participó en el Pro-grama Internacional de Estudios Espaciales de la NASA, en el Ames Research Center.Su obra se puede considerar como una investigación en progreso, enriquecida por los ámbitos del arte, la arquitectura, las ciencias naturales, la astrofísica y la ingeniería. El resultado se puede observar en instalaciones interactivas, proyectos comunitarios y es-culturas móviles. Muchos de sus proyectos los crea especialmente pensando en el lugar donde van a ser expuestos. Realizó la escultura Galactic Stratus [Estratos galácticos] (2015) en el marco del proyecto Cloud Cities / Airport Cities [Ciudades nube / Ciudades aeropuerto]. El objetivo de esta investigación, que el artista lleva a cabo desde 2008, consiste en desarrollar una ciudad modular en las nubes, atendiendo a prácticas constructivas y de convivencia sos-tenibles y emancipadoras. (Adaptación del texto de Marisa Mello).


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Sesion tres

Josef AlbersNacido en 1888 en Bottrop (Alemania), murió en 1976 en New Haven (Connecticut, Estados Uni-dos). Terrestrial I (Study for Homage to the Square). Terrestre I (estudio para Homenaje al cuadrado), 1961. Óleo sobre tablex. Respected (Study for Homage to the Square). Respetado (estudio para Homenaje al cuadrado), 1964. Óleo sobre tablex.

Josef Albers se formó como profesor de educación artística en la Konigliche Akademie der bildenden Kunste de Berlín en 1915. Al comienzo de su carrera, realizó diseños figurativos y expresionistas para vidrio y grabado. Tras su primer viaje a Latinoamérica, comenzó a pintar sus primeros cuadros abstractos. Inspirándose en motivos decorati-vos mexicanos, en 1936 emprendió una investigación sobre la relación entre el color y la estructura que materializó en pinturas, grabados, collages y dibujos. Albers inició su serie Variant [Variante] en 1947. Por primera vez alternó diferentes esquemas de color dentro de una estructura geométrica similar. En 1950 asumió el puesto de profesor en la Universidad de Yale. Ese mismo año creó su primer Homage to the Square [Homenaje al cuadrado], una serie de pinturas en la que Albers partía de una estructura formal fija sobre la que superponía diferentes composiciones de color. Inscribía cuadrados asimétricos —de mayor a menor— de diversos colores, cada uno de los cuales variaba de significado según la posición que ocupaba en la estructura. El artista desarrolló esta forma durante veinticinco años en lienzos, grabados y litografías sobre el mismo modelo. (Adaptación del texto de Tiago Mesquita).

Sesión cuatro

Cinthia MarcelleNacida en 1974 en Belo Horizonte (Brasil), vive en Sao Paulo (Brasil).Capa morada (2003)7 fotografías

Cinthia Marcelle se formó en dibujo por la Escola de Belas Artes de la Universidad Federal de Minas Gerais. A co-mienzos del nuevo milenio, participó en exposiciones colectivas como la del programa Rumos Itaú Cultural (2002), y en la primera edición de la beca Pampulha (2003–2004), un programa de estímulo a artistas en el inicio de sus carre-ras organizado por el Museu de Arte da Pampulha. El trabajo de la artista transita por diversos soportes tales como fotografía, escultura, vídeo, instalación y performance, partiendo de acciones que a menudo son invisibles a primera


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vista. Con la experimentación visual unida al rigor conceptual escenifica usos improbables de materiales, artefactos y procesos de la vida cotidiana. En 2003 fue seleccionada para el programa de residencias Very Real Time, en Ciudad del Cabo, en virtud del cual desarrolló la serie fotográfica Capa morada en colaboración con el artista Jean Meeran, trabajo que expuso en la 9ª Bienal de Lyon (2007). En este conjunto de imágenes la artista seleccionó lugares de la ciudad donde se podía mezclar con el ambiente, usando materiales como tejidos y ropas de los mismos colores de los fondos a los que se superpone, hasta que su presencia se diluye en el espacio.A medida que el trabajo avanzaba, esos materiales daban lugar a cosas y personas, generaban imágenes en las que el cuerpo de la artista se convertía en la ciudad, se fundía con el espacio y con la multitud. La creación de un nuevo soporte para la obra de arte y las relaciones entre figura y fondo alcanzan interacciones complejas que tienen su límite en el cuerpo de la artista. Lo que a Marcelle le interesa en concreto es la constatación de la conectividad entre sujeto y mundo, individuo y co-lectividad, que aborda a partir de la creación de interferencias entre los sujetos y las cosas. (Adaptación del texto de Marisa Mello).


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FICHAS DIDÁCTICAS PARA LA EXPOSICIÓN: “Visiones de la ...

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