FLORENCIA - Junio 2013 - Viaje y apuntes
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FLORENCIA LUCA Y PISA VIAJE AMIGOS Y UNED
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Florenica, Lucca y Pisa. Viaje de amigos y estudiosos de la Historia del Arte a una ciudad de gran contenido y enorme encanto historico artístico, explicado por María Teresa García, profesora de la UNED
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO I
FLORENCIA LUCA Y PISA
VIAJE AMIGOS Y UNED
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO II
Índice
INTRODUCCIÓN ........................................................................................... 1
FLORENCIA ................................................................................................... 9
EL RENACIMIENTO .................................................................................... 11
EL CENTRO HISTO RICO DE FLORENCIA................................................ 12
LA SIGNORÍA DE FLORENCIA ................................................................... 13
EL PERSEO DE BENVENUTO CELLINI ..................................................... 14
PERSEO Y MEDUSA ................................................................................... 15
EL RAPTO DE POLIXENA, HIJA DE PRÍAMO, REY DE TROYA ............... 16
MENELAO SOSTIENE EL CUERPO DE PATROCLO ................................ 17
EL RAPTO DE LAS SABINAS, SIGLO XVI .................................................. 18
HÉRCULES LUCHANDO CON EL CENTAURO NESO .............................. 19
HÉRCULES Y CACO, EL LADRÓN DE TRES CABEZAS,
DE BANDINELLI, SIGLO XVI ....................................................................... 20
JUDIT Y HOLOFERNES DE DONATELLO (LA LIBERTAD) ....................... 22
IGLESIA DEL CARMINE, CAPILLA BRANCACCI ....................................... 23
EL TRIBUTO ................................................................................................ 24
IGLESIA DEL SANTO ESPÍRITU, BRUNELLESCHI ................................... 26
PALACIO PITTI ............................................................................................ 27
JARDINES DE BOBOLI ............................................................................... 28
PUENTE VECCHIO O VIEJO, SIGLO XIV ................................................... 29
GALERÍA DE LOS UFFIZI, VASARI, SIGLO XVI. ........................................ 29
CATEDRAL (DUOMO) DE SANTA MARÍA DEL FIORE .............................. 32
-MUSEO DE LA OPERA DEL DUOMO
EL SACRIFICIO DE ISAAC DE DONATELLO ............................................. 38
ISMAEL E ISAAC ......................................................................................... 38
CANTORIA DE DONATELLO, MÁRMOL, 1433-1439 ................................. 39
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO III
CANTORIA DE LUCA DELLA ROBBIA, MÁRMOL, (1431-1438) ................ 40
SACRIFICIO DE ISAAC (SACRIFICIO DE IFIGENIA) ................................. 41
LA PIEDAD DE FLORENCIA. MIGUEL ÁNGEL (1547-1555) ...................... 41
EL CAMPANILE DE GIOTTO ....................................................................... 44
EL BAPTISTERIO DE FLORENCIA, SIGLOS XI Y XII ................................ 45
SANTA MARÍA NOVELLA............................................................................ 49
MASACCIO (1401-1428) .............................................................................. 51
LA TRINIDAD DE SANTA MARÍA NOVELLA DE MASACCIO .................... 51
DOMENICO GHIRLANDAIO ........................................................................ 53
LA BASÍLICA DE SAN LORENZO, BRUNELLESCHI .................................. 54
CAPILLA DE LOS PRÍNCIPES EN LA CAPILLA DE LOS MÉDICIS ........... 54
LAS CAPILLAS MEDICEAS, SACRISTÍA NUEVA DE SAN LORENZO ...... 55
-MUSEO DE LA ACADEMIA
EL DAVID, 1501-1504, (5 metros) ................................................................ 57
LOS ESCLAVOS DEL MUSEO DE LA ACADEMIA (1520-1530) ................ 60
PALACIO STROZZI, BENEDETTO DA MAIANO ......................................... 61
PALACIO MEDICI-RICCARDI, MICHELOZZO ............................................ 62
IGLESIA DE LA ANNUNZIATA, BRUNELLESCHI ....................................... 63
HOSPITAL DE LOS INOCENTES, BRUNELLESCHI .................................. 63
CENÁCULO DE OGNISSANTI, DOMENICO GHIRLANDAIO, 1480 ........... 65
IGLESIA DE SANTA CROCE ....................................................................... 66
TUMBA DE MIGUEL ÁNGEL, SANTA CROCE ........................................... 67
LA CAPILLA PAZZI, BRUNELLESCHI. ....................................................... 69
-PALACIO DEL BARGELLO, MUSEO NACIONAL
DAVID DE DONATELLO .............................................................................. 71
SAN JORGE DE DONATELLO. (PERSEO Y ANDRÓMEDA) ..................... 74
ATIS DE DONATELLO ................................................................................. 75
EL BACO DE MIGUEL ÁNGEL (1496-1497). MUSEO DEL BARGELLO ... 76
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO IV
HÉRCULES Y ANTEO DE ANTONIO POLLAIOLO ..................................... 78
-PALAZZO VECCHIO EN LA PIAZZA DE LA SIGNORIA
PATIO .......................................................................................................... 80
SALÓN DE LOS 500 .................................................................................... 81
LA VICTORIA DE MIGUEL ÁNGEL ............................................................. 82
VASARI ........................................................................................................ 83
SAN MINIATO AL MONTE ........................................................................... 84
-LUCA
LUCCA, CIUDAD DE LA TOSCANA, ......................................................... 86
LAS CUATRO MURALLAS DE LUCCA ....................................................... 92
SUS 100 TORRES ....................................................................................... 93
-PISA
PISA, LA IMPRESIONANTE EXPLANADA VERDE .................................... 94
EL CAMPANARIO ........................................................................................ 95
EL BAPTISTERIO DE PISA ......................................................................... 96
LA CATEDRAL ........................................................................................... 100
DESPEDIDA Y BIBLIOGRAFÍA ................................................................. 104
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 1
Florencia, Luca y Pisa. Viaje UNED. 12 al 16 de Junio de 2013
INTRODUCCIÓN
El 12 de junio de 2013 nos dimos cita a las 8 de la mañana en el
aeropuerto de Barajas para realizar nuestro deseado viaje a Florencia.
Todo estaba perfectamente organizado. A las 12h llegaríamos a esa
hermosa ciudad y, tras degustar un suculento risotto y hacer un pequeño
descanso, iniciaríamos nuestra visita a Florencia. Pero una huelga de
controladores franceses trastocó todos los planes, ya que no pudimos
despegar hasta las dos de la tarde y tuvimos que conformarnos con un
pequeño y caro refrigerio en el avión, ya que ni siquiera había
bocadillos, pese a estar 6 horas esperando, no lo habían previsto.
A las 17.30 salimos del Hotel NH Firenze y nos dirigimos a Santa María
Novella para disfrutar de la hermosa fachada diseñada por Alberti,
donde nos hicimos la primera foto de grupo.
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A continuación fuimos al
Duomo de Florencia.
Al llegar allí sentí la
misma emoción que la
primera vez que vi esa
espectacular plaza hace
muchos años. Si al
viajero del siglo XXI le
sorprende y sobrecoge,
imaginé-monos lo que
debía suponer para las
personas que vivieron en
el Quattrocento. El Duomo y la cúpula eran el símbolo del poder de la
Signoría de Florencia.
Vimos el exterior del Baptisterio y la copia de las Puertas del Paraíso de
Lorenzo Ghiberti. Rodeamos la catedral para ver las distintas
perspectivas del exterior y poder contemplar la cúpula en su plenitud.
Seguidamente
disfrutamos de la
visión del
Campanile.
Finalmente, nos
dirigimos a la
Plaza de la
Signoría para
analizar, una por
una, todas sus
esculturas. A la
caída de la tarde,
tras la jornada
cultural y en
nuestro tiempo
libre, localizamos un bonito sitio para cenar y ultimar los detalles de la
jornada siguiente. Tras una deliciosa cena, volvimos al hotel paseando
junto al río Arno.
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El jueves, día 13, cruzamos el Arno para dirigirnos a su otra orilla,
donde se encuentra la Iglesia del Carmine. Allí validamos por primera
vez la tarjeta Firenzecard, que permite el acceso al transporte público y
a la mayoría de los museos de Florencia.
Esta iglesia debe su fama a la Capilla Brancacci, en la que se
encuentran los frescos de Masaccio: “Adán y Eva desterrados del
Paraíso” y el famosísimo “Tributo de la moneda”.
Seguidamente fuimos a la Iglesia del Espíritu Santo de Brunelleschi y
a los Jardines de Bóboli para contemplar una bella vista del Duomo.
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Después de una agradable comida pasamos toda la tarde visitando la
Galería de los Uffizi. Tras esta intensa jornada dispusimos de tiempo
libre para pasear y cenar.
El viernes, día 14, visitamos el interior de la Catedral de Santa María
del Fiore y del Baptisterio. El Museo de la Ópera del Duomo, donde
contemplamos las Puertas del Paraíso originales y finalmente
disfrutamos de los frescos de Santa María Novella.
Ese día dos
compañeros del grupo
celebraban su
cumpleaños y nuestra
querida guía
acompañante Naty,
que está siempre en
todos los detalles,
habló con el
restaurante para que
al final de tan
deliciosa comida
tuviera un pequeño
detalle con un pastel
que permitiera poder
cantarles el
cumpleaños feliz.
Tras la comida fuimos
a ver las tumbas de
Juliano y Lorenzo de
Médicis de Miguel
Ángel. Al salir de la
sacristía nueva de
San Lorenzo nos dirigimos a la Academia, donde nos quedamos
cautivados por la belleza equilibrada y serena de David.
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El sábado, día 15, fuimos a la Plaza de Santa Croce y nos quedamos sor-prendidos porque en ella se habían instalado la arena y las gradas para celebrar el famoso juego de pelota florentino, ante la estatua del pen-sativo Dante. En el interior de la
iglesia vimos la
tumba de Miguel
Ángel y en su
claustro se encuen-
tra la famosísima
Capilla Pazzi de
Brunelleschi.
Después visitamos
la Casa-Museo de
Miguel Ángel y el
Museo del
Bargello. En él se halla el Baco de Miguel Ángel, el David de
Donatello, etc. Personalmente creo que sería aconsejable que
trasladasen “El Perseo” de Benvenuto Cellini aquí, poniendo una copia
en la Señoría.
Dispusimos de esta tarde libre que aproveché para visitar el Palazzo Vecchio y la iglesia románica-florentina de San Miniato.
El domingo, día 16, abandonamos con nostalgia la belleza de Florencia para dirigirnos a LUCCA, una ciudad que ha transformado sus antiguas murallas en un parque para pasear y contemplar la ciudad desde ellas. El final del viaje fue PISA. La llegada a la plaza de los Milagros es espectacular. El Duomo de Florencia impresiona por su monumental enclave urbano y la Plaza de los Milagros de Pisa por esa maravillosa explanada verde que nos la ofrece.
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Disfrutamos del interior y el exterior de la Catedral y el Baptisterio. Y nos hicimos fotos curiosas en torno a su afamado Campanile.
Finalmente, nos trasladamos al aeropuerto con destino a Madrid, tras concluir un inolvidable viaje.
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FLORENCIA
Los orígenes de Florencia se remontan al pueblo etrusco de Etruria
(actual Toscana). Su máximo esplendor se desarrolló entre los siglos
VIII a.C. y V a.C.
Los romanos fundaron aquí una colonia con el nombre de augural de
Florentia, es decir, la destinada a florecer, que se consolidó en el siglo I
a.C.
Entre finales del siglo XIII y principios del XIV, Florencia se convierte en
uno de los centros más grandes e importantes de Italia. Es la época de
Dante y de Giotto, de las grandes compañías de banqueros y
mercaderes y de la gran industria de la lana.
En 1348 se propaga la terrible peste descrita por Boccaccio.
A finales del siglo XIV el poder en Florencia recaía en manos de la rama
principal de la Familia Médicis.
Los Médicis eran una rica familia de comerciantes y banqueros de
Florencia que llegaron a gobernar la Toscana. En poco tiempo se
constituyó la Señoría, que todavía conservó las apariencias
republicanas, y su fundador fue Cosme, el Viejo (1389-1464). A éste le
sucedió el gran político y mecenas Lorenzo, el Magnífico (1449-1492).
El siglo que culmina con Lorenzo el Magnífico es el más importante de la
historia florentina. Es la edad del Humanismo, que tiene su cuna en
Florencia, y del gran arte del Renacimiento, es decir, el Quattrocento.
Pedro de Médicis, sucesor de Lorenzo, fue desterrado de la ciudad.
Esta etapa está dominada por la figura de Jerónimo Savonarola.
Jerónimo Savonarola o Jerónimo de Ferrara (1452-1498) en un
principio no se dedicó a la predicación sino a la enseñanza y así empezó
la explicación del libro del Apocalipsis, desarrollando el tema de la
Reforma de la Iglesia, iniciándose un nuevo período de su vida y de la
historia de Florencia.
En la Cuaresma de 1493, Savonarola comenzó a desarrollar sus
doctrinas religioso-políticas en una serie de sermones, en los que
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además atacó a los malos Prelados, a los abusos introducidos en la
Iglesia y a los príncipes tiranos.
Pronunció un sermón fustigando los vicios (avaricia, usura, juego, etc.)
de la ciudad, manifestándose abiertamente hostil al gobierno de los
Médicis, que después fueron desterrados de Florencia.
En 1497 predicó abiertamente contra los grandes escándalos de la
sociedad romana y del Papa, quien el 12 de mayo le excomulgó por
herejía y por desobediencia.
En marzo de 1498, la nueva Signoría logró que no se le concediese
permiso para predicar y por tanto debió abandonar el púlpito.
El 23 de mayo de 1498 tres dominicos, entre ellos Savonarola, fueron
condenados a muerte por herejía. Sus cuerpos, estrangulados y
quemados en la plaza de la Señoría, hicieron pensar a muchos
florentinos que la cuestión savonaroliana había quedado definitivamente
zanjada.
Pero aquel 23 de mayo la influencia de Savonarola no quedó
definitivamente concluida. Su preocupación por recuperar la simplicidad
cristiana de la Iglesia primitiva se refugió en conventos y creyentes no
sólo de Italia sino de toda Europa.
Los Médicis fueron tomando y perdiendo el poder de Florencia hasta
que en 1569 Cosme de Médicis, Señor de la ciudad, recibió el título de
Gran Duque que pasó a sus descendientes hasta el final de la dinastía
a mediados del siglo XVIII.
Sus sucesores fueron los Lorenas, que rigieron el Gran Ducado,
exceptuando el período de dominación napoleónica (1799-1814), hasta
la unión de Florencia y de la Toscana a Italia en 1859. Florencia fue
capital de Italia desde 1865 hasta 1871.
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EL RENACIMIENTO
El Renacimiento nace entorno al año 1400 y se desarrolla durante los
siglos XV y XVI.
El término Renacimiento se matiza en el siglo XIX. Ellos en su época
empleaban vuelta a la antigüedad.
En este momento hay un cambio social importante. En el Gótico un
conjunto de artesanos edificaba catedrales dependiendo del clero. Pero
en el Renacimiento el arquitecto será el único responsable que
proyecte y termine la obra.
En la Señoría de Florencia del siglo XV la cultura y el arte serán el
centro de la ciudad.
En el Quattrocento no se pierde a Dios, se recupera al hombre. Por
este motivo volvemos a tener conexión entre el artista y su obra, como
en la antigua Grecia, frente al anonimato medieval regido por el
Teocentrismo. Hablar de Quattrocento es hablar de Florencia, de los
Médicis y del Humanismo.
El Banco de los Medici fue uno de los más prósperos de Europa. Con
esta base, adquirieron poder político en Florencia y después en
toda Italia.
QUATTROCENTO - FLORENCIA - HUMANISMO
CINQUECENTO - ROMA - CLASICISMO
MANIERISMO - VARIAS CIUDADES
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EL CENTRO HISTO RICO DE FLORENCIA
El centro histórico surgió alrededor de la Plaza de la Signoría, de
incomparable belleza y solemnidad, especialmente con la iluminación
nocturna.
Todo el conjunto de la plaza trasmite la impresión de grandeza, fuerza y
poder que tuvo la Signoría de Florencia.
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LA SIGNORÍA DE FLORENCIA
Aquí se desarrollaron durante siglos los grandes acontecimientos
históricos y políticos de la vida florentina.
Este fue el motivo por el cual elegí la tarde de nuestra llegada a
Florencia para analizar una por una todas las esculturas de la plaza.
La plaza está dominada por el majestuoso y bello Palacio Viejo o
Palazzo Vecchio de la Signoría.
Este palacio representa el principal monumento arquitectónico de
Florencia y uno de los más significativos palacios públicos medievales
de Italia.
El Palacio Viejo se realizó con una estructura de almenado y con su
característica torre, que Arnolfo di Cambio construyó entre 1298 1314,
inspirándose en el castillo de los Condes Guidi de Poppi, aunque esta
atribución no tiene respaldo documental.
Su construcción originaria forma un gran paralelepípedo con
almohadillado rústico y hermosas bíforas góticas en los dos pisos,
coronadas por un gran balcón almenado.
Las bíforas son ventanas formadas por dos vanos geminados y
coronadas por un arco de medio punto.
La torre se eleva directamente desde la fachada y le otorga un carácter
elegante al edificio.
En la base de la torre se ve el primer reloj público que fue pensado
para la calle, que después tomó el nombre de vía del reloj.
En la Plaza de la Signoría está ubicada la Fuente de Neptuno,
realizada en mármol durante el siglo XVI por Bartolomeo Ammannati. La
base de la fuente está decorada con Náyades.
Las Náyades son las ninfas de agua dulce: fuentes, pozos,
manantiales y arroyos. Son muy longevas, pero mortales.
Las Ninfas son deidades femeninas de la naturaleza. Suelen ser
representadas en las obras de arte como hermosas doncellas, desnudas
o semidesnudas, que cantan y bailan. Se caracterizan por ser mortales.
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También está ubicado El monumento ecuestre del Gran Duque
Cosme I de Medici, obra de Giambologna, ejecutada a finales del siglo
XVI. En el pedestal hay tres bajorrelieves con episodios significativos del
Gran Duque Cosme I de Médicis.
La Logia de la Signoría es un ejemplo de goticismo tardío con
anticipaciones renacentistas. En ella las esculturas forman un
maravilloso museo al aire libre.
Las esculturas de la Plaza de la Signoría muestran el valor de su
heroína Judith y de sus héroes: Hércules, Perseo y David por liberar al
ser humano del mal y conseguir un mundo más justo y libre.
EL PERSEO DE BENVENUTO CELLINI
La escultura más destacada es “El Perseo”, obra maestra en bronce de
Benvenuto Cellini, ejecutada en torno a 1550 para ser colocada aquí.
La historia de Perseo está vinculada a la de su madre Dánae. El
oráculo le respondió a Acrisio que su hija Dánae tendría un hijo que
sería el causante de su muerte. Éste, asustado, recluyó a su hija en una
cámara de bronce. Pero Zeus, transformado en lluvia de oro, fecundó a
la joven.
Este mito simboliza la omnipotencia del oro y del dinero, que logra
abrir las puertas más férreamente cerradas.
Acrisio hizo arrojar al mar a su hija y a su nieto encerrados en un cofre
de madera, pero consiguieron llegar a la isla de Sérifos, donde fueron
recogidos y cuidados por Dictis, el pescador.
Perseo creció con fuerza y valor, velando por su madre, Dánae.
El rey de la isla, Polidectes, se enamoró de Dánae y durante un
banquete preguntó que regalo le iban a ofrecer.
Todos convinieron que el mejor presente era un caballo, pero el joven
Perseo le ofreció la cabeza de Medusa y el rey le ordenó que fuese en
su busca.
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Hermes y Atenea acudieron en ayuda de Perseo y le proporcionaron
los medios para cumplir tan imprudente promesa.
PERSEO Y MEDUSA
De las tres Gorgonas sólo Medusa era
mortal, por lo que Perseo podía esperar
apoderarse de su cabeza.
Las Gorgonas tenían colmillos de jabalí,
manos de bronce y alas de oro, con las
que podían volar. Además su mirada
era tan poderosa que convertía en
piedra a quien las mirase.
Perseo se elevó en el aire con las
sandalias aladas de Hermes que le
permitían volar y con el escudo pulido
como un espejo se protegió de la
mirada. En otras versiones es la diosa
Atenea la que sujeta el escudo.
Finalmente, le cortó la cabeza a Medusa
mientras dormía, surgiendo de su cuello
cercenado Pegaso, el caballo alado.
Perseo guardó la cabeza de Medusa
en un zurrón y emprendió el regreso.
Las otras dos Gorgonas le persiguieron,
pero el yelmo de Hades le hizo invisible.
En el Renacimiento, Benvenuto Cellini
asimila la figura de Cosme de Médicis
a un Perseo salvador que exhibe triunfante su trofeo sobre un pedestal.
Al cortarla, la cabeza de Medusa se convirtió a la vez en un tema
iconográfico, resaltando su función aterradora, mitigada con el tiempo
hasta convertirse en un mero elemento decorativo en los mosaicos
romanos.
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El siglo XIX vio en la belleza atormentada de Medusa una imagen del
alma de los artistas.
PERSEO Y ANDRÓMEDA, HÉROE NOBLE Y LIBERTADOR.
En su camino de regreso, Perseo pasó por Etiopía, donde consiguió
liberar a la bella Andrómeda que estaba encadenada a una roca.
Andrómeda era hija de Cefeo, rey de Etiopía, y de Casiopea. Su madre
pretendía ser más bella que las Nereidas. Por lo que éstas habían
pedido a Posidón que vengase su amor propio y el dios envió un
monstruo marino que asolaba las tierras de Cefeo.
Casiopea, al vanagloriarse de poseer una belleza superior a las
Nereidas, cometió pecado de exceso y fue convertida en constelación.
El ser humano debe ser moderado.
El oráculo predijo que Etiopía se vería libre si la hija de Casiopea era
expuesta como víctima. La doncella fue atada a la roca para ser ofrecida
en sacrificio.
Perseo se enamoró de Andrómeda, mató al monstruo, liberó a la
joven y se casaron. Se marcharon de Etiopía y tuvieron varios hijos.
Perseo devolvió las armas mágicas a sus dioses protectores y después
entregó a Atenea la cabeza de Medusa para que la colocase en su
escudo. Con este hecho el héroe siempre estaría protegido por los
dioses.
Perseo es el prototipo del héroe de buenos sentimientos. Es el héroe
noble y libertador de los oprimidos.
EL RAPTO DE POLIXENA, HIJA DE PRÍAMO, REY DE TROYA
“El Rapto de Polixena” es una escultura del siglo XIX ejecutada por
Pío Fedi.
Polixena no aparece en La Ilíada. Empieza a aparecer en epopeyas
posteriores relacionadas con la leyenda de Aquiles. Era una bella
princesa, la hija menor de Príamo y Hécuba, reyes de Troya.
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Polixena se presentó ante
Aquiles, con Príamo y la viuda
Andrómaca, para reclamar el
cadáver de Héctor.
La leyenda habla de la traición
de Aquiles quien, para obtener
la mano de Polixena, había
ofrecido a Príamo abandonar a
los griegos y regresar a su
patria. Otra leyenda dice que
incluso Aquiles se ofreció a
combatir en las filas troyanas.
El asunto debía solventarse en
el Templo de Apolo. Pero
París, oculto detrás de la
estatua del dios, mató a Aquiles
de un flechazo.
En cuanto a la muerte de Polixena la leyenda más popular dice que fue
sacrificada sobre el sepulcro de Aquiles para conseguir un feliz viaje de
regreso a las naves.
Es un tema análogo al sacrificio de Ifigenia, destinado a volver los
vientos favorables para el ejército de Agamenón.
MENELAO SOSTIENE EL CUERPO DE PATROCLO
Esta escultura está inspirada en un original griego y fue colocada en la
plaza en 1579.
Menelao, rey de Esparta y esposo de Helena, fue advertido por Iris del
rapto de su esposa. Este hecho desencadenó la Guerra de Troya.
l participó con 60 naves en la expedición a Troya, pero su carácter
tímido y blando, ya que finalmente perdonó a Helena, hizo que el jefe
supremo de la expedición griega fuese Agamenón.
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Menelao y Ulises entraron
como embajadores en Troya
y reclamaron a Helena de
forma pacífica, pero Paris no
lo aceptó y se desencadenó
la guerra.
En la contienda murió
Patroclo, y Menelao fue el
primero en acudir a luchar por
la posesión de su cadáver.
Envío a Antíloco a comunicar
a Aquiles la muerte de su
amigo y arrastró el cuerpo
de Patroclo lejos del campo
de batalla.
Patroclo fue educado con
Aquiles y mantuvo con él una
amistad proverbial. Sus
hazañas ante Troya son numerosas y Aquiles le autorizó a ponerse su
propia divina armadura para la guerra. En el combate Héctor mata a
Patroclo.
Aquiles a partir de este momento sólo piensa en vengar a su gran
amigo Patroclo. Vuelve a la lucha y mata a Héctor. Los funerales de
Héctor y Patroclo constituyen la parte final de La Ilíada.
EL RAPTO DE LAS SABINAS, SIGLO XVI
“El Rapto de las Sabinas”, escultura del flamenco Giambologna, Juan
de Bolonia, siglo XVI.
El rapto de las Sabinas se remonta a los orígenes de Roma. Para
poblar la ciudad recién creada, Rómulo aceptó a prófugos, refugiados y
desarraigados de las zonas vecinas. Esta colonia estaba formada sólo
por varones, pero se necesitaban mujeres.
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Los latinos decidieron organizar una gran fiesta y en su banquete los
sabinos, que habitaban la vecina colina del Quirinal, bebieron en
exceso. Este momento fue aprovechado por los latinos para raptar a
sus mujeres.
Al regresar a sus casas y descubrir el engaño, los sabinos declararon
de inmediato la guerra a los latinos.
HÉRCULES LUCHANDO CON EL CENTAURO NESO
“Hércules luchando con el centauro Neso”, siglo XVI, de
Giambologna.
Hércules se casó con Deyanira, cumpliendo la promesa que le hizo a
su hermano Meleagro en los Infiernos, y vivió con ella en Calidón.
Hércules cometió un homicidio involuntario y decidió exiliarse con su
mujer y su hijo Hilo.
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Al cruzar el Eveno, el centauro
Neso intentó violar a su mujer y
Heracles le hirió con una flecha
envenenada. Éste, a punto de
morir, aconseja a Deyanira que
recoja su sangre para elaborar
un filtro que le devuelva el amor
de su marido si fuese necesario.
Ella le creyó y obedeció en
secreto.
Cuando Deyanira se enteró que
Heracles se había enamorado
de la reina Ónfale, utilizó la
sangre del centauro para
recuperar su amor, impregnando
con ella un manto de Heracles,
pero en realidad la sangre le
envenenó en medio de espantosos y terribles dolores.
Su imagen será confrontada con personajes bíblicos como Adán y
Sansón, que sucumben a las artimañas femeninas.
Deyanira, aterrada, se suicidó. Heracles preparó una gran pira
funeraria. Mientras el fuego ardía el héroe desapareció.
En su Apoteosis, estando entre los dioses se reconcilió con Hera y
se casó con Hebe, diosa de la belleza juvenil, llegando a ser uno de los
inmortales.
HÉRCULES Y CACO, EL LADRÓN DE TRES CABEZAS, DE
BANDINELLI, SIGLO XVI
Este conjunto escultórico en mármol narra la leyenda de Caco y
Hércules y está vinculada a los bueyes del gigante Gerión.
Heracles tuvo que atravesar el Océano para llegar a los rebaños de
Gerión, gigante de tres cuerpos y tres cabezas.
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Tras luchar con Gerión, logró
hacerse con los bueyes y los
embarcó.
Caco era tenido por hijo de
Vulcano y vivía en una gruta.
Cuando Hércules regresó de su
expedición conduciendo los
bueyes, Caco le robó 4 vacas y 4
bueyes.
Caco tenía 3 cabezas y despedía
fuego por sus 3 bocas, pero
Hércules le venció con su maza.
Tras múltiples infortunios, el
ganado que quedaba fue
sacrificado a Hera por Euristeo.
Hércules y Caco de Miguel Ángel
(1525-1528), modelo de arcilla de 42 cm de atura que se conserva en la
Casa Buonarroti de Florencia.
Aunque de vez en cuando Miguel Ángel recurría al dibujo, normalmente
utilizaba como bocetos pequeños modelos tridimensionales de cera y
arcilla.
En la Casa Buonarroti se conserva un modelo de arcilla de Hércules y
Caco, que fue un encargo que recibió el artista durante la última
República. Este conjunto de mármol debía ser pareja de su David en la
Piazza della Signoría.
Esta compleja composición de dos figuras luchando, retorcidas y
entrelazadas, fue una de las grandes decepciones de Miguel Ángel
cuando le retiraron el encargo para dárselo a su rival Baccio Bandinelli.
Bandinelli esculpió un pomposo conjunto de Hércules y Caco que sigue
en la Piazza della Signoría, justo en el lado opuesto de la copia del
David de Miguel Ángel.
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En la zona de la escalinata del Palacio Vecchio, estaba la escultura de
Judit y Holofernes, un bronce de Donatello de mediados del siglo XV,
considerado el símbolo de la libertad, que actualmente se encuentra en
el Palazzo Vecchio. También está la copia del David de Miguel Ángel,
cuyo original estuvo aquí desde 1503 hasta 1873 y luego colocado en la
Galería de la Academia.
JUDIT Y HOLOFERNES DE DONATELLO (LA LIBERTAD),
actualmente en el Palazzo Vecchio.
Es una escultura en bronce de Donatello, realizada en torno a 1460, que
simboliza el valor y el sacrificio por conseguir la libertad.
En el Antiguo Testamento se narra el episodio de Judit que salvó a su
ciudad, Betulia, del asedio de Holofernes.
Holofernes era un general del rey
asirio Nabucodonosor. Durante
un banquete le embriagó y acto
seguido le decapitó. Entregó la
cabeza a una sierva que la cubrió
con un paño y más tarde llevó la
cabeza del general enemigo a sus
conciudadanos.
“Quedaron en la tienda sólo Judit y
Holofernes, desplomado sobre su
lecho y rezumando vino (Judit
13,2)… Avanzó, después, hasta la
columna del lecho que estaba
junto a la cabeza de Holofernes,
tomó de allí su cimitarra, y
acercándose al lecho, agarró la
cabeza de Holofernes por los cabellos y dijo: “¡Dame fortaleza, Dios de
Israel, en este momento!”. Y, con todas sus fuerzas, le descargó dos
golpes sobre el cuello y le cortó la cabeza (Judit 13,6-8) y saliendo
entregó la cabeza de Holofernes a su sierva (Judit 13, 9)”
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 23
IGLESIA DEL CARMINE, CAPILLA BRANCACCI.
El 13 de junio, tras el desayuno en el hotel, cruzamos el río Arno para
visitar la Iglesia del Carmine, la Iglesia del Espíritu Santo y los Jardines
de Bóboli.
Masaccio y Masolino comenzaron la decoración de la Capilla Brancacci,
en el transepto de la iglesia de Santa María del Carmine, por orden de
Felice Brancacci, próspero mercader en sedas.
Esta iglesia debe su fama a la Capilla
Brancacci, en la que se encuentran
los frescos de de Masaccio: “Adán y
Eva desterrados del Paraíso” y el
famosísimo “Tributo de la moneda”.
Masaccio fue el iniciador de la nueva
pintura del Renacimiento y su
participación en la decoración de la
capilla Brancacci es su obra cumbre.
Los frescos de la Capilla Brancacci
fueron realizados por Masaccio en
1428, el mismo año de su muerte, y
fueron contemplados y estudiados por
Leonardo, Miguel Ángel, etc.
El tema central de la capilla Brancacci es la salvación de la humanidad,
llevada a cabo por Cristo a través de la figura de San Pedro.
Salvo el Pecado original y la Expulsión del Paraíso, el resto de los temas
que decoran la capilla están dedicados a la vida de San Pedro.
San Pedro es el patrón de los marineros y de los comerciantes del mar,
y Brancacci fue comerciante y cónsul del mar de la ciudad de Florencia.
Del conjunto de escenas que componen la decoración pictórica de la
Capilla Brancacci, Masaccio se encargó de realizar cuatro en el muro
izquierdo y dos en el derecho.
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 24
Las del muro izquierdo son la Expulsión del Paraíso, El tributo de la
moneda, Resurrección de Teófilo, San Pedro en la cátedra y San Pedro
sanando con su sombra.
En el muro derecho el Bautismo de los neófitos y la Distribución de la
limosna.
La capilla Brancacci se decora en los laterales y en el frente con
escenas de la vida de San Pedro y en ella encontramos tres
características:
1. Monumentalidad de las figuras.
2. Modelos escultóricos.
3. Sistema de representación.
La monumentalidad no es una creación suya, ya que Giotto ya concebía
las figuras con volumen y peso como él.
Al no disponer de modelos pictóricos de la antigüedad clásica, se va a
fijar en los modelos escultóricos.
Aporta una organización racional de la pintura.
EL TRIBUTO
La representación es del evangelio de San Mateo. En ella hay tres
momentos, con lo que el factor tiempo queda inmerso en la obra,
aunque el tema principal queda descentrado. 2/1/3.
El eje de la composición es Cristo y en torno a él hay un espacio real
marcado por un círculo. Además el juego de luces y sombras modela las
figuras creando una sensación de volumen y marcando la profundidad y
la perspectiva en un espacio real.
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 25
Esta pintura narra el episodio evangélico en el que Cristo, dice que "hay
que dar al César lo que es del César y a Dios lo que es de Dios", y por
ello manda a Pedro que cumpla con esta obligación. Primero recogiendo
el óbolo (moneda de plata en la antigüedad) que hay que pagar de la
boca de un pez (de ahí el milagro) y después pagándole al recaudador.
La escena por tanto tiene tres momentos diferenciados y los tres se
representan en el fresco:
a) En primer término, el momento en que el recaudador pide el impuesto
y Cristo manda a Pedro a cumplir con esta obligación.
b) El segundo, a la izquierda, cuando Pedro recoge el óbolo del pez
muerto, hecho que en sí constituye el milagro de este episodio
evangélico.
c) El tercero, a la derecha, cuando Pedro paga al recaudador.
No se trata de exaltar el milagro en sí, como hubiera sido normal en el
arte medieval, sino de destacar una postura ética, en este caso la de
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 26
Cristo, que manda pagar el impuesto y cumplir así con las obligaciones
cívicas de una manera ejemplarizante.
Es una pintura humana y no divina. Lo prueba la importancia dada al
gesto ético de Cristo y no al milagro en sí, representado de forma
circunstancial. Y lo prueba también la variedad de actitudes y gestos de
los apóstoles, más humanos ante los hechos morales y menos
idealizados ante el milagro divino.
Hay una figura de espaldas en primer plano que crea tensión. El resto
de las figuras tienen un gran realismo y rasgos de individualización
frente a la idealización gótica.
Utiliza tonos cálidos en primer plano y fríos al fondo que crean
sensación de profundidad.
Finalmente, se da una interpretación sociológica a esta obra porque
Brancacci se enriqueció a través del mar.
IGLESIA DEL SANTO ESPÍRITU, BRUNELLESCHI
Lo que caracteriza la Iglesia de
Santo Espíritu, considerada la
última obra maestra de
Brunelleschi, es la sencillez y
elegancia de su fachada.
El interior es una cruz latina con
tres elegantes naves divididas
por columnas de piedra con
arcos ojivales. En el perímetro
del edificio están las capillas
laterales con nichos.
Hay obras magníficas, entre las
que destaca el “Retablo Neri” de
Filippo Lippi, con la “Virgen con
el Niño entre Santos”. Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 27
En una capilla lateral de la iglesia se encuentra el “Crucifijo de madera”,
que Miguel Ángel realizó como agradecimiento por la hospitalidad con la
que el Prior le acogió, cuando tenía 17 años.
En aquella época estudiaba anatomía en los cadáveres del hospital de
los monjes y aprendió todo lo que después le hizo insuperable a la hora
de trabajar, con gran detalle, el cuerpo humano.
PALACIO PITTI
Es el palacio más
monumental de Florencia.
Su construcción, sobre
diseño de Brunelleschi, es
originaria de la mitad del
siglo XV y fue ordenada por
Luca Pitti, acaudalado
mercader enfrentado a la
familia Médicis.
Luca Pitti quería un palacio
que superase a todos los
otros en grandiosidad, con las ventanas más majestuosas, etc.
Brunelleschi diseñó la parte central, siguiendo el espíritu renacentista de
equilibrio y mesura, con formas simples pero grandiosas. Tiene tres
plantas y un potente almohadillado.
Cuando los Pitti se declararon en quiebra, el palacio fue adquirido por
Leonor de Toledo, consorte de Cosme I de Médici, quien encargó a
Bartolomeo Ammannati acabar las obras respetando el trazado de
Brunelleschi. En los siglos XVII y XVIII la fachada fue ampliada hasta
conseguir el aspecto actual.
Este palacio fue residencia de los Médicis y de los Lorena y alojó a los
Reyes de la Casa de Saboya en el periodo en que Florencia fue capital
de Italia (1865-1871)
En la Galería Pitti podemos contemplar: “La Virgen con el Niño” de
Filippo Lippi, “La Virgen con el Niño” de Murillo, “El cardenal Bentivoglio”
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 28
de Van Dyck, varios retratos de Rafael, “El retrato de Felipe IV” de
Velázquez, “La Virgen de la silla” de Rafael, “El retrato de Felipe II” de
Tiziano, etc.
JARDINES DE BOBOLI
Los Jardines de Bóboli no fueron famosos hasta que se convirtieron en
propiedad de la familia Médicis. Le encargaron a Tribolo que los
diseñara y el artista creó una obra maestra de la arquitectura del paisaje
del siglo XVI.
Los jardines forman parte del palacio Pitti y fueron enriquecidos con una
Gran Gruta, invención de Buontalenti y con esculturas y fuentes.
Los arquitectos Giulio y Alfonso Parigi, padre e hijo, realizaron el
anfiteatro de piedra, un lugar único para los espectáculos teatrales, el
callejón del ciprés, conocido
como el Viottolone y la plaza
y la piscina de Isolotto.
Las últimas adiciones son el
Césped de las columnas y el
limonero, a finales del siglo
XVIII, iniciativa de la familia
Lorena.
Pietro Leopoldo decidió abrir
el jardín al público en 1776.
El diseño de los jardines de
Bóboli fue utilizado como base para todos los jardines reales de Europa.
Desde estos Jardines hay una bella panorámica del Duomo.
Ewardo
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 29
PUENTE VECCHIO O VIEJO, SIGLO XIV
Se llama así porque es el puente más antiguo de Florencia. En el
972 fue construido en madera, pero una crecida del río le destruyó en
1333. Fue posteriormente reconstruido en piedra en 1345, quien le dio la
característica actual con las tiendas laterales.
En origen las tiendas estaban ocupadas por verduras y carnes, cuyos
despojos se arrojaban al río, dando lugar a malos olores y a una
inadecuada condición
sanitaria y estética para la
ciudad.
En el Renacimiento estas
tiendas se asignaron a
joyeros y plateros, tradición
que perdura hasta hoy.
Este puente sobre el Arno
comunica la Galería de los
Uffizi con el Palacio Pitti.
GALERÍA DE LOS UFFIZI, VASARI, SIGLO XVI.
La construcción
del imponente
edificio, en el que
está alojada la
Galería de los
Uffizi, fue encar-
gada a Vasari por
el Gran Duque
Cosme I de
Médicis para reunir
allí las oficinas del
gobierno.
Ewardo
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 30
Comenzado en 1560, se le puede considerar la más bella obra
arquitectónica de Vasari, acabada en 1580 por Alfonso Parigi y Bernardo
Buontalenti.
En esta pinacoteca, entre otras obras, podemos
contemplar: “La Anunciación” de Simone
Martini, “La Virgen en el trono” de Giotto, “La
Virgen con el Niño” de Masaccio, “El retrato de
Federico de Montefeltro” de Piero della
Francesca, “La batalla de San Romano” de
Paolo Uccello, “La Virgen con el Niño” de
Filippo Lippi, “El Nacimiento de Venus”, “Atenea
y el centauro” y “La Primavera” de Sandro
Botticelli, “El Bautismo de Jesús” de Andrea del
Verrocchio”, La Anunciación” de Leonardo da
Vinci, “La Venus de Urbino” de Tiziano, “El
Tondo Doni” de Miguel Ángel, “La Virgen del
cuello largo” de Parmigianino, “La Virgen del
jilguero” de Rafael, “El Baco” de Caravaggio, “El
sacrificio de Isaac” de Caravaggio, etc. Ewardo
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 31
EL DUOMO DE FLORENCIA
El viernes, 14 de junio, por la mañana disfrutamos del Duomo de
Florencia y de Santa María Novella. Tras un suculento almuerzo
visitamos las Tumbas Mediceas y la Academia.
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 32
CATEDRAL (DUOMO) DE SANTA MARÍA DEL FIORE
El 25 de marzo de 1436, el papa Eugenio IV consagró la cúpula de la
catedral de Florencia. Santa María del Fiore había sido concebida para
ser la iglesia más grandiosa y bella de la Toscana.
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 33
El campanile, separado de la catedral, es una arquitectura del siglo XIV,
realizada por Giotto.
Santa María del Fiore está levantada sobre la antigua catedral de Santa
Reparata.
En 1296 Arnolfo di Cambio comenzó el grandioso edificio de la
catedral de Florencia
Durante el Trecento, Giotto, Andrea Pisano y Francesco Talenti hicieron
que la planta de la catedral fuera el orgullo de la ciudad.
En 1418, después de levantado el tambor, que dejaba un espacio de 41
metros de diámetro, los cónsules del gremio de tejedores de lana, a
cuyo cargo iban los gastos, decidieron convocar un concurso para
adjudicar la dirección de las obras.
Ghiberti y Brunelleschi rivalizaron de nuevo, 16 años después de su
enfrentamiento por las puertas de bronce del Baptisterio.
En 1367 se planteó como cubrir el grandioso octógono de la cabecera.
En 1418, después de levantado el tambor, que dejaba un vano de 41
metros, los cónsules del gremio de tejedores de lana, a cuyo cargo iban
los gastos, convocaron un concurso público.
Brunelleschi es el puente entre el Gótico y el Renacimiento, porque es
arquitecto y artesano. Tiene una formación gótica (artesana), frente a
Alberti que es un gran teórico, por lo tanto dirige la obra como arquitecto,
pero también está a pie de obra como artesano.
En 1425 Filippo Brunelleschi era considerado como “inventore e
gobernatore” de las obras.
La construcción sin cimbras, exigida por la grandiosidad de la cúpula,
significaba inventar el sistema por el cual se cerrara a medida que
ascendía.
8 espigones o castillos de ladrillos en las aristas del octógono y otros
dos en cada paño formaban el armazón que se iba tramando
horizontalmente según ganaba en altura.
El armazón así construido no se macizó, sino que se cubrió con un
doble casco. Uno interior esférico y otro exterior de perfil ojival.
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 34
El resultado es una cúpula liviana de dos cuerpos, coronada por una
linterna o cupulín, que permite iluminar el interior, sin dejar un óculo
como en el Panteón romano.
Brunelleschi realizó esta inmensa cúpula que pasó a dominar el paisaje
urbano de Florencia y con su sombra cubrió toda la ciudad.
1-VIII: Los ocho lados de la cúpula. Algunos de los lados se han suprimido para montar la
estructura interior. 9, 10.—Láminas interior y exterior. 11.—Nervios de esquina. 12, 13.—
Nervios intermedios. 14, 16.—Anillos en piedra al nivel de arranques; 17, 18.—De nivel
intermedio; 19, 20.—A la altura de coronación. 21.—Atado de madera. 22.— Elementos en
forma de «bóveda de cañón». 23. —Anillo de clave. 24.— Caballete.
—Estructura de la cúpula de la Catedral de Florencia dibujado por Rich.
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 35
La cúpula, semiesférica interior
y apuntada al exterior se hace
por la sucesión de anillos
concéntricos.
Brunelleschi, trabaja sobre pie
forzado, es decir, sobre una
arquitectura gótica sin concluir.
Emplea mármoles de colores,
típicos del románico florentino y
ladrillo. La obra es una
expresión individual, pero
representa el gusto de la
época.
Los nervios blancos de la
cúpula nos llevan al punto de
fuga en el centro del cupulín y
además contrastan con el ladrillo rojo, creando la policromía.
La cúpula identifica el poder de la Señoría de Florencia en el siglo XV,
convirtiéndose en el eje de la ciudad. “Tal y como quiso su autor
cubre con su sombra toda Florencia”.
Esta obra, marcadamente vertical, le ocupó la mayor parte de su vida y
es el símbolo indiscutible de Florencia y del Renacimiento.
La cúpula mide 91 metros sin linterna y 114 con ella y 41 metros de
diámetro sobre el tambor.
El interior de la catedral es un magnífico ejemplo de arquitectura gótico-
florentina, amplia y sobria de decoración, siguiendo el carácter de los
florentinos que quería un templo grandioso, pero austero donde el
pueblo pudiese acudir en gran número.
El 25 de marzo de 1436 el papa Eugenio IV consagró la cúpula de la
catedral de Florencia, que fue concebida para ser la iglesia más
hermosa de la Toscana y una de las más imponentes del mundo.
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 36
El interior de la cúpula fue pintado por Giorgio Vasari y Federico
Zuccari con un fresco enorme que representa el Juicio Universal.
La fachada se construyó en el último tercio del siglo XIX, inspirándose
en el estilo gótico-florentino.
Del siglo XIX son también las esculturas de las hornacinas. Sobre el
gablete central y bajo el gran rosetón aparece la Virgen con el Niño, en
medio de los doce apóstoles, seis a cada lado.
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 37
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 38
MUSEO DE LA OPERA DEL DUOMO
EL SACRIFICIO DE ISAAC DE DONATELLO
Abraham era descendiente de Noé y fue el organizador del pueblo
hebreo. Es venerado por judíos, cristianos y musulmanes.
Desde el arte paleocristiano se le representa como un anciano de
largos cabellos blancos.
Dios se apareció a Abraham y le dijo que se dirigiera a la tierra que le
mostraría, donde le haría padre de un gran pueblo.
Abraham se puso en camino con su esposa Sara, su sobrino Lot, sus
sirvientes y ganados, y llegó a la tierra de Canaán (Palestina).
ISMAEL E ISAAC
El Señor había prometido a Abraham multiplicar su descendencia como
las estrellas del cielo, pero éste seguía sin tener hijos, por lo que, de
acuerdo con Sara, tomó por mujer a su esclava egipcia, Agar. Agar le
dio un hijo, Ismael.
Años más tarde Dios le anunció a Abraham por medio de 3 ángeles que
Sara, a pesar de su avanzada edad, sería madre de Isaac, de cuya
descendencia nacería el Mesías.
El anuncio de los 3 ángeles, denominado la hospitalidad de Abraham ha
sido muy representado en el Arte y se considera una prefiguración de la
Anunciación a María.
La pintura barroca subrayó la hospitalidad de Abraham, que recibe a
los emisarios divinos, lava sus pies y les invita a suculentos manjares.
Este episodio se puede relacionar con la hospitalidad de Melquisedec y
con la Última Cena.
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CANTORIA DE DONATELLO, MÁRMOL, 1433-1439 En ella Donatello resume su experiencia romana y su visión del clasicismo. La cantoría de Donatello, realizada al mismo tiempo que la de Luca della Robbia, manifiesta una expresión de sentimientos. Una desbordante alegría y desenfreno convierte el cortejo, en una danza dionisiaca de putti.
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CANTORIA DE LUCA DELLA ROBBIA, MÁRMOL, (1431-1438)
La cantoría de Luca della Robbia es la versión apolínea de la de
Donatello.
La bacanal expresiva y dionisiaca de los putti de Donatello, se ha
convertido en una serena armonía que emana de los cuerpos y los
rostros de los ángeles, que cantan alabanzas al Señor, siguiendo el
salmo Laudate Dominum.
Della Robbia distribuye los grupos en paneles, que evocan las metopas
dóricas griegas y se alejan del friso continuo de los putti de Donatello.
Los castos cantores y músicos están inmersos en su labor laudatoria.
Este espíritu solemne, que se impone a la expresión, se adivina también
en la puerta de la Sacristía Nueva de la Catedral de Florencia, realizada
por Della Robbia en colaboración con Michelozzo.
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SACRIFICIO DE ISAAC (SACRIFICIO DE IFIGENIA)
Yahvé quiso probar a Abraham y le dijo que le ofreciera a su hijo Isaac
en sacrificio en la montaña.
Isaac viendo que llevaban un cuchillo, fuego y leña, preguntó dónde
estaba la víctima para el holocausto.
Abraham hizo un altar, puso leña encima, y sobre ella colocó a Isaac
atado. Pero cuando levantó el cuchillo para matarle, un ángel le
detuvo pues su obediencia había sido probada. Dios bendijo a Abraham
y a su descendencia
Abraham vio un carnero enredado en un zarzal y se le ofreció en
sacrificio a Yahvé en lugar de su hijo. (Puerta del cordero de León)
El sacrificio de Isaac tiene un antecedente en la mitología en el Sacrificio
de Ifigenia.
La sumisión de Isaac, cuando es conducido a su sacrificio, es una
prefiguración de Cristo cuando hará el camino del calvario para morir en
la cruz.
El sacrificio de Isaac pintado por Caravaggio presenta al joven gritando
y revelándose, por lo tanto cuestiona la aceptación del destino de
Isaac. (Galería Uffizi)
LA PIEDAD DE FLORENCIA. MIGUEL ÁNGEL (1547-1555)
La Piedad de Florencia de Miguel Ángel (1547-1555), mármol de 2,34
metros de altura.
El conjunto escultórico representa el cuerpo de Cristo sostenido
por Nicodemo, abrazado por la Virgen María a la derecha y a la
izquierda del grupo aparece María Magdalena.
Miguel Ángel esculpió la Piedad de Florencia para que fuera su propio
monumento funerario.
Vasari dice que el artista irritado se enzarzó a martillazos con ella.
Otras hipótesis apuntan a que esculpir el propio monumento fúnebre es
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 42
enfrentarse de modo ineludible a nuestra mortalidad y ese es el motivo
por el que el artista estropeó y abandonó una obra de importancia tan
personal.
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 43
Esta escultura es la más ambiciosa y complicada de todas sus obras y
puede que en ello radique su insatisfacción personal.
Suponía un reto técnico de gran magnitud porque, a partir de un único
bloque de mármol, el artista creó un grupo de cuatro figuras.
Miguel Ángel tendía a cambiar de idea mientras esculpía, por lo tanto
utilizaba bloques de mármol grandes para disponer de material
suficiente para cambiar la forma y disposición de las figuras mientras
tallaba.
En cambio en la Piedad de Florencia la Virgen es demasiado pequeña
en comparación con Jesús y la figura de pie de Nicodemo.
El evangelio de San Juan nos dice que había entre los fariseos un
hombre llamado Nicodemo, judío influyente, que una noche fue a
visitar a Jesús y le dijo: “Rabí, sabemos que has venido de parte de Dios
como Maestro, pues nadie hace los prodigios que tú haces si Dios no
está con él".
Actualmente se cree que la figura encapuchada es un autorretrato de
Miguel Ángel en su vejez, probablemente en el papel de Nicodemo.
Las facciones sin pulir del rostro pueden sugerir el velo de la noche bajo
el que Nicodemo ocultaba su fe.
Muchos estudiosos apuntan a que no hay bastante piedra para acabar la
cara de María sin poner en peligro la de su hijo muerto, del mismo modo
que es difícil tallar la mano de la Virgen que sostiene a Cristo sin
desfigurar el torso ya acabado y pulido en el que se apoya.
Pero el principal problema técnico era esculpir la pierna izquierda de
Jesús, bien por haberse roto el mármol o por haber sido extraído
voluntariamente. Lo más impactante es que la mayoría de los visitantes
no se percatan de que a Cristo le falta una pierna. Este hecho iba en
contra de la idea de Miguel Ángel de que la auténtica escultura se crea a
partir de un solo bloque.
Posiblemente los impedimentos técnicos, unidos a los personales por su
avanzada edad, recordemos que Miguel Ángel nace el 6 de marzo de
1475, y tenía entre 75 y 80 años cuando realizó esta obra, motivaron el
resultado final de esta escultura.
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 44
Miguel Ángel empleó el non finito con fines expresivos.
En el año 1722 la escultura fue transferida a Santa María del Fiore y
finalmente desde 1960 se expone en el museo de la catedral.
EL CAMPANILE DE GIOTTO
En 1334, por encargo
de la Señoría, Giotto
presentó el diseño y en
julio de ese mismo año
se pusieron las bases
de esta colosal obra,
que no tiene
comparación en su
género, por su belleza
y elegancia.
El campanile fue
continuado por Andrea
Pisano y por
Francesco Talenti.
Ambos siguieron
escrupulosamente los
diseños de Giotto, a
excepción de la aguja
terminal que no fue
jamás construida. El
campanario tiene 82
metros y con la aguja
hubiese alcanzado 30 metros más.
Desde la terraza, que se alcanza tras subir 414 escalones, se goza de
una bellísima panorámica de la cúpula y de la ciudad.
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 45
EL BAPTISTERIO DE FLORENCIA, SIGLOS XI Y XII
Es uno de los monumentos más antiguos de Florencia y que Dante
Alighieri recuerda llamándolo “IL mío bel San Giovanni”, en el que él
mismo fue bautizado.
Hubo una primera construcción del siglo V y la actual data de los siglos
XI y XII, sobre los restos anteriores. Es un ejemplo de arquitectura
románica-toscana.
Tiene planta octogonal y mármoles polícromos. Fue consagrado a San
Juan Bautista y fue catedral de Florencia hasta 1128. Las tres puertas
de acceso están dispuestas según los puntos cardinales.
Lo más destacado del Baptisterio son “Las Puertas del Paraíso” de
Lorenzo Ghiberti, realizadas en 27 años de trabajo, desde 1425
hasta1452. En sus diez paneles se representan escenas del Antiguo y
del Nuevo Testamento.
Ewardo
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Estas puertas tienen un grado de perfección tal que Miguel Ángel
exclamó ante ellas que por su belleza debían ser las Puertas del
Paraíso.
Inicialmente iban a ser colocadas en el lado sur pero, debido a su
belleza, merecieron el honor de desplazar a las de Andrea Pisano para
ubicarse frente a la portada de Santa María del Fiore.
En sus 10 paneles se representan los siguientes temas:
1. La Creación de Adán y Eva. El pecado
original y el destierro del Paraíso terrenal.
2. Caín y Abel. El primer trabajo humano:
Abel, el buen pastor y Caín labrador. El
primer asesinato: la muerte de Abel. El
primer ejemplo de Justicia: la maldición de
Caín.
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3. Noé. Su familia deja el arca pasado el
Diluvio. Noé da gracias a Dios que envía el
arcoíris como señal alianza y de paz. La
embriaguez de Noé.
4. Abraham. Los ángeles se aparecen a
Abraham. El sacrificio de Isaac.
5. Jacob y Esaú. Esaú vende su
primogenitura por un plato de lentejas. Jacob
se pone la piel de cabrito e Isaac le bendice
en lugar de bendecir a Esaú. Tras el engaño,
Jacob se marcha de la casa de su padre.
6. José. José es vendido a los
mercaderes. Adivina el sueño del faraón y
le hacen ministro. José mete la copa de
oro en el saco de Benjamín. José perdona
a sus hermanos y se encuentra con su
padre.
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7. Moisés. Dios da a Moisés las tablas
de la Ley en el Monte Sinaí. Josué a
mitad del monte está esperando.
8. Josué. Josué con el pueblo elegido
pasa el Jordán. El sonido de las
trompetas hace caer las murallas de
Jericó.
9. Saúl y David. Saúl lucha contra los
filisteos. David derrota a Goliat y le corta
la cabeza. David va al encuentro del
pueblo con la cabeza de Goliat.
10. Salomón. El rey Salomón recibe con
solemnidad en el Templo a la Reina de
Saba.
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Finalmente, el propio Lorenzo Ghiberti nos deja su autorretrato en las
Puertas, junto al de su hijo Vittorio, su colaborador, como símbolo
plenamente renacentista.
Las puertas originales de Lorenzo Ghiberti se conservan actualmente
en el Museo de la Opera del Duomo, encontrándose en el Baptisterio
una copia de las mismas.
SANTA MARI A NOVELLA, ALBERTI
La plaza de Santa María Novella se compone de una elipse delimitada
por un jardín, donde se desarrollaban las carreras de “Cocchi”, carros
de inspiración romana, en la época del Gran Ducado de Florencia.
Los dos obeliscos de los extremos eran las metas y fueron mandados
colocar aquí por el Gran Duque Cosme I.
En la iglesia gótica-toscana de Santa María Novella, Alberti, como en
otras ocasiones hizo Brunelleschi, parece retomar el románico toscano
de San Miniato, como expresión de clasicismo y del carácter bicromático
del conjunto.
La iglesia de Santa María Novella, Santa María la Nueva, pertenece a
la orden de los Dominicos. Ellos se dedicaron a la educación de la
juventud y con ellos se formaron Cimabue y Dante Alighieri.
Ewardo
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 50
Fue comenzada en 1279 por dos monjes de la orden y acabada en sus
estructuras generales en 1348 por un tercer monje, Talenti.
Alberti crea un nuevo tipo de fachada renacentista, basada en la
geometría y en la modulación del cuadrado, que perdurará hasta el
Barroco.
Parte de este pie forzado gótico y crea un conjunto proporcionado y
armónico a través del módulo, es decir, una medida que multiplicada o
dividida por un cierto número le llevase a crear un conjunto bello y
armónico.
Esta base modular concibe el Universo en una armonía estable. Esta
idea parte de Platón, la continuó Pitágoras y la heredó el Renacimiento.
La fachada está dividida en dos cuerpos. Un cuerpo inferior con
columnas y arcos ciegos de medio punto y un cuerpo superior en el que
crea una estructura de volutas que se va a convertir en un elemento
distintivo de la arquitectura de Alberti. Finalmente, hay un remate clásico
en frontón triangular.
La fachada de Santa María Novella y el Palacio Ruccellai son las obras
maestras de Alberti.
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MASACCIO (1401-1428)
Masaccio realizó el fresco de la Trinidad en uno de los muros laterales
de la iglesia florentina de Santa María Novella. En este mural se hace
uso por primera vez de la teoría de la perspectiva.
La pintura representa el dogma de la Trinidad, en el marco de una
capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos.
LA TRINIDAD DE SANTA MARI A NOVELLA DE MASACCIO
En esta pintura al fresco hay que distinguir una composición en el plano
y otra en profundidad.
En el plano hay una parte baja ocupada por un sarcófago y una parte
alta en la que se aprecia una distribución geométrica, que con dos
grandes diagonales crea un triángulo de gran base. En la unión de las
dos diagonales se halla la cabeza de Cristo.
En la composición en profundidad impera la geometría. En un primer
plano aparecen los donantes, en un plano medio la Virgen y San Juan
y en el plano superior Cristo.
Por primera vez, los donantes son figuras que tienen el mismo canon
de importancia que las figuras religiosas.
Tras la imagen de Cristo aparece la figura de Dios padre y entre ambos
la paloma del Espíritu Santo, por lo tanto, la Trinidad.
En esta obra de Masaccio hay realismo: los cuerpos tienen un volumen
amplio, pesan y las figuras presentan un canon real.
Por último, hallamos una arquitectura con bóveda de casetones que es
un espacio real y nos conduce al fondo de la composición. Representa
la arquitectura del momento y evoca los arcos de triunfo romanos, ya
que Cristo triunfó con su resurrección sobre la muerte.
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Desde el punto de vista cromático, emplea dos tonos: rosáceo y
blanco, con la misma idea de bicromía que utilizaba Brunelleschi en
sus contrastes del blanco con la piedra serena gris.
Ewardo
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DOMENICO GHIRLANDAIO
Domenico Ghirlandaio realizó los frescos del ábside para Santa María
Novella, entre 1486-90, con el tema de la Virgen María. Uno de los más
destacados es el Nacimiento de la Virgen.
El nacimiento de María se establece en torno al año 15 a.C. en
Jerusalén o Belén. La tradición de que María nació en Jerusalén es la
más probable.
En 1799, el Sínodo de Salzburgo señala cuatro fiestas en honor de la
Madre de Dios: la Purificación, el 2 de febrero; la Anunciación, el 25 de
marzo; la Asunción, el 15 de agosto y la Natividad, el 8 de septiembre.
Ghirlandaio sitúa el acontecimiento del nacimiento de María, narrado en
los evangelios apócrifos, en una suntuosa habitación de un palacio
florentino, en medio de un ambiente femenino.
Santa Ana, recostada en el lecho, observa a las tres mujeres que
preparan el baño de su hija, en presencia de un cortejo de damas.
Ewardo
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El dato que nos permite reconocer el tema mariano es el Abrazo en la
Puerta Dorada, ubicado en la zona superior de la escalera. A partir
de la Contrarreforma hay una mayor austeridad en la representación del
tema.
LA BASI LICA DE SAN LORENZO, BRUNELLESCHI
La basílica de San Lorenzo fue consagrada por San Ambrosio en el
año 393 y es el templo más antiguo de Florencia.
El edificio actual data de 1423 y fue construido por Brunelleschi. El
arquitecto diseñó un nuevo tipo de templo en estilo clásico, inundado de
luz blanca, regular y simétrica.
Es una iglesia basilical con tres naves que se comunican creando un
espacio diáfano y cubierta plana con casetones, como en la antigua
Roma.
La fachada de San Lorenzo fue diseñada por Miguel Ángel, pero nunca
se llegó a construir, aunque se conserva una maqueta en la casa de
Buonarroti.
A la izquierda de la iglesia está la Biblioteca Laurenciana, diseñada
por Miguel Ángel por orden de los Médicis, que deseaban un lugar
emblemático para guardar sus tesoros bibliográficos.
La iglesia está flanqueada por la Sacristía Vieja de Brunelleschi y por la
Sacristía Nueva de Miguel Ángel, que alberga las tumbas de los
Médicis.
CAPILLA DE LOS PRI NCIPES EN LA CAPILLA DE LOS ME DICIS
El acceso a las tumbas Mediceas se hace atravesando la Capilla de los
Príncipes.
Este hermoso mausoleo se comenzó en 1604 por designio de Giovanni
de Medici, que quiso convertir este lugar en el sepulcro de la familia
Médicis, como símbolo de su riqueza y poder.
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Las paredes están recubiertas de mármoles y bronces. Hay seis
sarcófagos en pórfido pertenecientes a los grandes duques mediceos,
desde Cosme I a Cosme III. Las esculturas de las hornacinas en bronce
son del siglo XVIII.
LAS CAPILLAS MEDICEAS, SACRISTI A NUEVA DE SAN LORENZO (1520-1534)
Miguel Ángel invirtió 14 años en las tumbas Mediceas. Los
sepulcros de Lorenzo, Duque de Urbino, y Juliano, Duque de Nemours,
sobrinos ambos de Lorenzo el Magnífico, aparecen como retablos
gemelos a ambos lados de la capilla.
Tanto en su parte arquitectónica como escultórica, Miguel Ángel dio al
conjunto una disposición grandiosa y solemne.
Su carácter humanista consiguió crear tal unidad que la arquitectura y
la escultura se funden y complementan mutuamente.
Tumba de Juliano. Mármol. Juliano: altura 1,73 metros. El Día: 2,05
metros y la Noche: 1,95 metros.
Tumba de Lorenzo. Mármol. Lorenzo: altura 1,78 metros. La Aurora:
2,03 metros y el Crepúsculo: 1,95 metros.
El pensativo Lorenzo simboliza la contemplación y el dinámico Juliano
la acción. Juliano, en palabras del propio Miguel Ángel, tenía un perfil
divino.
Los dos duques están sentados en hornacinas poco profundas, sobre
los sarcófagos que contienen sus restos. Miguel Ángel les ha dado más
fama muertos, de la que pudieron alcanzar en vida.
Julián, el alegre, lleva armadura, falda corta con flecos y botas de piel a
media pantorrilla. Con rizos cortos y un largo cuello, mira a la Virgen.
Miguel Ángel diseñó esta armadura de fantasía, pegada a la piel, que
revela y cubre a la vez el torso, que fue muy imitada en las pinturas y
esculturas manieristas.
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Lorenzo, el pensativo, se nos presenta majestuoso en su calma
reflexiva. Tiene ligeramente cruzados los tobillos y el brazo derecho en
una torsión forzada, que es un recurso manierista muy adecuado para el
lenguaje expresivo de las manos. Su codo izquierdo descansa en una
caja de caudales decorada con el rostro de un animal, mientras apoya
su mano izquierda en la barbilla.
Sus grandiosas anatomías recuerdan, especialmente en la postura de
las piernas de Juliano, al Moisés de Roma.
Sobre los frontones partidos, deslizándose por las cubiertas curvas de
los sarcófagos, aparecen cuatro figuras desnudas alegóricas: El Día, La
Noche, El Crepúsculo y La Aurora, en una profunda reflexión sobre el
tiempo.
El musculoso cuerpo de la Noche se contorsiona, pero mantiene un aire
de serenidad absoluta que la sumirá en un profundo sueño. La rodean
símbolos que sugieren oscuridad, sueño y muerte: una diadema lunar,
un gran ramo de amapolas, un búho y una máscara dentro de otra,
órbitas dentro de órbitas vacías, todo ello dotado de una extraña
sensación de vida.
El Día es la más musculosa de las cuatro figuras de los sarcófagos y la
de contorsiones más inverosímiles. Evoca la salida del sol, al asomarse
por detrás del hombro. Su cabeza inacabada sugiere la ambigüedad del
tiempo.
El Crepúsculo también tiene un rostro inacabado (non finito), en
contraste con su cuerpo pulido, aunque sus manos y sus pies están
menos pulidos.
La Aurora tiene una banda inexplicable bajo su pecho, como las que
atan sin aprisionar a los esclavos del Louvre, pero presenta una
anatomía tersa y muy pulida, aunque pulir era una labor agotadora.
Miguel Ángel convirtió estas cuatro “esculturas menores” en obras
maestras. Son lo esencial de la capilla Médicis y muestran la genialidad
del artista.
El inacabado de los rostros masculinos crea una atmósfera de
misterio, que se pone en contacto con el tema representado de la
muerte.
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La capilla nos impulsa a una profunda reflexión sobre lo transitorio de la
vida y la fama terrenal.
La Virgen con el Niño (1524-1534), mármol, 2,27 metros de altura.
Miguel Ángel dejó inacabado este grupo de la Virgen con el Niño en su
estudio de Florencia, cuando se marchó a Roma en 1534.
La Virgen está sentada con la pierna izquierda sobre la derecha, sobre
la que se sienta un Niño grande y musculoso que, con una torsión
inquieta da la espalda al espectador, buscando la dulzura y tranquilidad
que le proporciona su madre.
El hombro izquierdo de María se adelanta para proteger a su hijo,
mientras su brazo derecho se apoya en la parte posterior del asiento,
como para hacer de contrapeso al Niño.
María posee una belleza clásica pero distante, mira al vacío como si
presagiara el terrible destino de su hijo. Su sentimiento se acentúa por
la trama de marcas de cincel de su cara sin pulir.
Miguel Ángel estudia una parte de esta composición en un dibujo
grande de la Casa Buonarroti.
Los dos caballeros miran a la Madonna. Bajo ella, en un sarcófago
desornamentado, reposan los restos de Lorenzo El Magnífico y los de su
hermano Juliano. Ambos están protegidos por la Virgen y por San
Cosme y San Damián, patronos de los Médicis.
MUSEO DE LA ACADEMIA, EL DAVID, 1501-1504, (5 metros)
La luminosa “Tribuna” fue construida por el arquitecto Emilio De Fabris
para alojar la escultura del “David”. Esta estatua estuvo situada delante
del Palacio Viejo hasta 1873, cuando fue trasladada a la Academia por
motivos de conservación.
El colosal David es una obra de juventud del artista. Le realizó entre
1501 y 1504, cuando tenía 26 años. Con él Miguel Ángel llegó a la cima
del Clasicismo.
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Según Vasari, la Señoría de Florencia encargó en 1460 a Agostino da
Duccio una escultura de más de 4 metros, destinada a uno de los
contrafuertes de la antigua fachada de Santa María del Fiore. Pero este
artista no fue capaz de tallar la inmensa mole de mármol.
En cambio Miguel Ángel concluyó el David en 3 años y su belleza causó
tanta admiración que, en lugar de colocarse en el Duomo, se ubicó en la
Plaza de la Signoría.
La imponente escultura del David representa el símbolo de la belleza y
la libertad, de la juventud y la fuerza. En definitiva, plasma el sentir del
Renacimiento.
Buonarroti en el David plasma un magistral estudio del desnudo
masculino, evocando el mundo clásico, aunque con unas dimensiones
colosales.
El David de Miguel Ángel es la obra que mejor plasma el renacer a la
Antigüedad clásica que simboliza el Renacimiento.
Después de realizar el Baco y la Piedad de Roma, con el David Miguel
Ángel adquirió fama perdurable como escultor en mármol y este éxito
tuvo como consecuencia que nunca se quedó sin trabajo.
David está de pie, todo su peso se apoya en la pierna derecha, que
sostiene el tronco. La pierna izquierda está adelantada y flexionada y el
pie izquierdo sugiere un leve movimiento.
El cabello rebelde, el ceño fruncido y los ojos hundidos de mirada
penetrante proporcionan gran intensidad al rostro.
La cabeza es desproporcionadamente grande, como efecto expresivo
y para compensar la disminución natural al observar esta colosal
estatua desde abajo.
David es una escultura en reposo, la honda descasa sobre el hombro y
plasma el equilibrio, la serenidad, la armonía y la belleza de la
Antigüedad clásica.
El brazo izquierdo de David está levantado y su mano sujeta una punta
de la correa de la honda.
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Ewardo
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La mano derecha es desproporcionadamente grande y sujeta la
piedra que le va a disparar a Goliat.
Esta escultura, al igual que el Baco del Bargello, nos invita a rodearla.
La visión frontal es bellísima, pero la vista posterior y las laterales son
impresionantes.
La única forma de ver la correa de la honda, de percibir la sensación de
movimiento inmanente, y de darnos cuenta de que el enfrentamiento con
Goliat tardará en suceder es verla por detrás.
Miguel Ángel esculpió a David como un gigante, algo no muy lógico
tratándose de un joven demasiado pequeño. También puede sorprender
su desnudez integral, que evoca el mundo clásico.
David es un ejemplo de fuerza y valor, un héroe que se convertirá en
rey, con quien los florentinos se identificaban íntimamente.
El David de Miguel Ángel se convirtió en el orgullo de Florencia y se le
otorgó un lugar de honor en la plaza de la Signoría. Se convirtió
en el símbolo de la fuerza y el poder de Florencia.
En la actualidad podemos observar unos sensores instalados en la
escultura que vigilan las fisuras detectadas en tobillos y torso y que ya
fueron notificadas a mediados del siglo XIX. El estudio publicado en el
Journal Cultural Heritage ha sido realizado conjuntamente por la
Universidad de Florencia y el Consejo Nacional Investigador.
LOS ESCLAVOS DEL MUSEO DE LA ACADEMIA (1520-1530)
Entre 1520 y 1530 Miguel Ángel esculpió en mármol los 4 esclavos que
actualmente se encuentran en la Academia de Florencia:
1 - Esclavo joven de 2,60 metros de altura.
2 - Esclavo con cabeza de bloque de 2,80 metros de altura.
3 - Esclavo con barba de 2,65 metros de altura.
4 - Esclavo que se despierta de 2,75 metros de altura.
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Los Esclavos formaban parte del sepulcro de Julio II junto al Moisés.
Dos de estos Prisioneros o Esclavos están en el Museo del Louvre (el
Moribundo y el Rebelde) y los cuatro inacabados se encuentran en el
Museo de la Academia florentina.
Miguel Ángel había aprendido de los problemas técnicos anteriores.
Para realizar estas esculturas encargó bloques de mármol más gruesos
de lo que necesitaba, se aseguraba así que no le faltase piedra en
caso de encontrar un defecto en el mármol.
Del bloque de mármol vemos surgir las figuras inacabadas, que
intentan liberarse de la materia bruta, mientras que Miguel Ángel se
enfrenta al tormento y el éxtasis de insuflar vida a las formas.
Estas cuatro esculturas, apenas esbozadas, tienen la intención
simbólica de plasmar las ataduras de la vida, de las que intentamos
librarnos. Es el alma ansiando despojarse de su prisión terrenal.
En el Esclavo con cabeza de bloque dejó intacto un gran trozo de
mármol que se proyecta por detrás de la figura.
En el esclavo que se despierta la pierna derecha se cruza por debajo
de la izquierda, pero la cabeza y la parte superior del tronco están muy
inclinadas hacia atrás, generando un desequilibrio considerable.
Las dos figuras más acabadas, El Esclavo joven y el Esclavo con
barba, están emparentadas con las figuras de la capilla Médicis.
Miguel Ángel trabajaba a la vez en tres proyectos: la fachada de San
Lorenzo, la tumba de Julio II y la capilla Médicis.
PALACIO STROZZI, BENEDETTO DA MAIANO
Fue mandado construir por el banquero Felipe Strozzi al arquitecto
Benedetto da Maiano, siendo su objetivo realizar un palacio que fuera la
envidia de los nobles florentinos.
El Palazzo Strozzi es uno de los símbolos de la arquitectura
renacentista. Su construcción fue promovida por Filippo Strozzi, llamado
el Viejo, miembro de una de las más ricas e influyentes familias
florentinas que cometieron el error de enfrentarse a los Médicis.
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Giuliano Sangallo fue el responsable de hacer el modelo en madera
para este palacio, pero su arquitecto fue Benedetto da Maiano, Simone
del Pollaiolo, continuará los trabajos, responsabilizándose de la gran
cornisa que remata el bloque cuadrangular que forma el edificio.
Este Palazzo sigue el modelo del palacio Médici de Michelozzo,
apareciendo como una pequeña fortaleza en el centro de la ciudad.
Sobre una base rectangular se levantan los dos pisos y otro sobre tierra,
configurando tres pisos almohadillados.
La fachada presenta las características identificativas de la arquitectura
del Quattrocento: simetría y líneas rectas. El gran portal que sirve de
acceso está constituido por un arco de medio punto, encuadrado con
ventanas cuadradas.
En los pisos superiores las ventanas son geminadas incluyéndose en un
arco de medio punto. La imponente cornisa que corona el conjunto
presenta una espléndida decoración de gruesas ménsulas.
El predominio de las horizontales, la gran cornisa y el almohadillado de
los tres pisos, con el juego de luces y sombras que produce, lo
convierten en buen ejemplo de palacio florentino.
En el interior, el espacio se distribuye alrededor de un patio, espacio
porticado en sus cuatro lados. El palacio en la actualidad alberga varias
instituciones culturales y exposiciones temporales.
PALACIO MEDICI-RICCARDI, MICHELOZZO
Este magnífico edificio del Renacimiento fue encargado por Cosme El
Viejo al arquitecto Michelozzo Michelozzi (1444-60), discípulo de
Brunelleschi, quien realizó aquí su obra maestra de arquitectura. Fue la
morada de Lorenzo el Magnífico.
En la capilla del Palacio Medici-Riccardi, Benozzo Gozzoli pintó el
Cortejo de los Reyes Magos. Pero el autor da un interesantísimo giro
temático. Con la excusa de representar una escena religiosa, plasma un
completísimo retrato de la vida social florentina.
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Son perfectamente
reconocibles, además de
destacados miembros de
las cortes eclesiásticas
católica y bizantina, los
retratos de distintos
notables de la sociedad
del momento: miembros
de familias nobles como
los Medici o los Sforza.
Destaca el retrato de
Lorenzo el Magnífico y el
del propio pintor Benozzo Gozzoli, quien se autorretrata en un discreto
segundo plano, plasmando su inequívoca firma sobre el bonete rojo que
cubre su cabeza.
IGLESIA DE LA ANNUNZIATA, BRUNELLESCHI
Fue una de las primeras obras del
Renacimiento debidas al genio de
Felipe Brunelleschi, que inició los
trabajos en 1421.
En el centro de la Plaza está la
estatua ecuestre del Gran Duque
Ferdinando I, obra de Giambologna.
HOSPITAL DE LOS INOCENTES, BRUNELLESCHI
Brunelleschi tiene muy presente el sentido urbanístico, ya que se ve
condicionado por la plaza rectangular.
En la fachada predomina la horizontalidad, frente al sentido vertical y de
elevación de Santa María del Fiore.
Ewardo
Ewardo
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La fachada es
un gran rectán-
gulo dividido en
dos pisos. El
piso superior
posee vanos
rematados en
frontón trian-
gular y la parte inferior es una logia (Galería cubierta, abierta por uno o
más lados) formada por columnas y arcos de medio punto, que
recuerdan al Románico Toscano de San Miniato tan familiar para
Brunelleschi.
La composición de la fachada tiene un eje simétrico basada en el
módulo, es decir una medida que se toma como base, y luego se repite.
De capitel a capitel y desde éstos al interior se obtiene un cubo. Cada
parte de la obra tiene una
relación proporcional con el
todo. La belleza es la
proporción entre las partes
y el todo.
Esta logia es una fabulosa
sucesión de cubos
espaciales que a lo largo
del eje óptico logran la
pirámide visual que define
la teoría renacentista de la
perspectiva.
Brunelleschi utiliza un
enfoscado claro que
contrasta con la piedra
serena de color gris, típica
de Florencia.
El enfoscado es la capa de
mortero con que se reviste
un muro.
Ewardo
Ewardo
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El mortero es una masa
constituida por arena,
conglomerante y agua que
puede contener además algún
aditivo.
Desde el punto de vista
decorativo destacan los 10
medallones de cerámica que
representan a los niños inocentes, niños fajados del hospicio, obra de
Luca della Robbia.
El sábado, 15 de junio, visitamos Santa Croce y el Palacio del Bargello
por la mañana. Dispusimos de la tarde libre y nosotros visitamos el
Palazzo Vecchio y San Miniato.
CENA CULO DE OGNISSANTI, DOMENICO GHIRLANDAIO, 1480
El gran refectorio de Ognissanti se encuentra entre el primer y el
segundo claustro del antiguo convento de los Humillados.
El fresco central, que recubre totalmente la pared, fue realizado por
Domenico Ghirlandaio. En la pintura está representada la Última Cena,
momento en el que Jesús anuncia a los apóstoles que alguien le
traicionará.
Ghirlandaio tienen referencias simbólicas al drama de la Pasión y de la
Redención de Jesucristo: el vuelo de las perdices y desde la paloma al
pavo Real.
La última cena, el Cenáculo, de Leonardo da Vinci fue ejecutada entre
1495 y 1497 y se encuentra en la pared sobre la que se pintó
originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María
delle Grazie en Milán.
Ewardo
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IGLESIA DE SANTA CROCE
Es la plaza más emblemática de la ciudad, ya que en ella se han
producido hechos de gran trascendencia. En ella los predicadores
religiosos impartían sus sermones. Se hicieron los torneos caballerescos
del Quattrocento, entre ellos el de mayor fama fue el que ganó Juliano
de Médicis.
Ewardo
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En el Cinquecento se participaba en el juego de pelota. En la
actualidad se sigue levantando en la plaza de Santa Croce un campo de
arena rodeado de gradas para jugar a la pelota a mediados del mes de
junio.
En nuestro viaje pudimos contemplar el desfile de los equipos, vestidos
al estilo renacentista, con vivos colores, abanderados y bandas de
música con tambores, recorriendo la ciudad y pasando por la Plaza de
Señoría para llegar a Santa Croce.
La Iglesia de Santa Croce (Santa Cruz) de Florencia es una de las
iglesias franciscanas más importantes de Italia.
Es una obra maestra de la arquitectura gótica florentina, atribuida a
Arnolfo di Cambio, el arquitecto del Palacio de la Signoría y de la
catedral.
El campanario y la fachada de mármol actual son del siglo XIX, pero
en ellos se ha retomado el estilo gótico-toscano.
El interior está dividido en tres naves y presenta la cubierta de madera
con vigas a la vista, que es característica de las iglesias franciscanas.
Las paredes estaban cubiertas por frescos de Giotto y sus discípulos,
pero en el Renacimiento se perdieron y en ella se predicaban los
principios de la orden: humildad, pobreza y castidad, frente a las
costumbres del momento.
Muchos personajes importantes de la vida florentina tuvieron aquí su
eterno reposo, entre ellos Miguel Ángel Buonarroti.
TUMBA DE MIGUEL A NGEL, SANTA CROCE
Miguel Ángel (Caprese, en la República de Florencia, 6 de
marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564),
Murió el año 1564 en Roma, a la edad de ochenta y ocho años, y a
punto de cumplir 89, acompañado por su secretario Daniele da
Volterra y por su fiel amigo Tommaso Cavalieri.
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Había dejado escrito que deseaba ser enterrado en Florencia. Hizo
testamento en presencia de su médico Federico Donati, «dejando su
alma en manos de Dios, su cuerpo a la tierra y sus bienes a los
familiares más próximos».
Su sobrino Leonardo fue el encargado de cumplir con esta última
voluntad del gran artista, y el 10 de marzo de 1564 recibió sepultura
en la iglesia de la Santa Croce.
El monumento funerario fue diseñado por Giorgio Vasari con estatuas
que representan la Pintura, la Escultura y la Arquitectura.
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Vasari describió un funeral solemne por Miguel Ángel, donde
participaron, además de él mismo, Benvenuto Cellini, Bartolomeo
Ammannati y Bronzino.
LA CAPILLA PAZZI, BRUNELLESCHI.
La Capilla de la familia Pazzi es de pequeño tamaño y se accede a ella
desde el claustro de la iglesia de Santa Croce.
Fue encargada por Andrea de Pazzi, miembro de una de las más
ilustres familias florentinas a Brunelleschi, quien tuvo que adaptarse a un
pequeño espacio.
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Tiene planta centralizada cubierta con una cúpula y un pórtico hexástilo
exterior, que recuerda a los arcos de triunfo romanos, plasmando una
de las soluciones más clásicas del arquitecto.
En el interior utiliza piastras con la típica piedra serena gris florentina
que contrastan con el enfoscado claro, creando una bonita bicromía.
La logia o pórtico presenta dos elementos rectos laterales cubiertos con
bóveda de cañón de casetones y un gran arco central con cúpula, con
motivos clásicos de veneras en las pechinas.
El sistema de módulos y la proporción entre las partes y el todo se
aprecia en esta pequeña capilla en la que culmina la arquitectura de
Brunelleschi.
Los tondos de cerámica blanca sobre fondo azul son de Luca della
Robbia.
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PALACIO DEL BARGELLO, MUSEO NACIONAL
El Palacio del Bargello fue el Palacio de Justicia y en él estaban
hubicadas las cárceles de la ciudad. En su sede actualmente se aloja el
Museo Nacional.
En los dos pisos superiores podemos ver las esculturas:
1- El David de Donatello.
2- San Jorge de Donatello.
3- David de Verrocchio.
4- San Juanito de Donatello.
5- El Baco de Miguel Ángel.
6- Atis de Donatello.
7- Hércules y Anteo de Antonio Pollaiolo.
DAVID DE DONATELLO, BRONCE DE 1440
Está considerada la primera escultura desnuda fundida en bronce desde
la Antigüedad clásica.
David no se vanagloria de su heroicidad, aunque tiene a sus pies la
cabeza de Goliat, realmente es una exaltación de la belleza ambigua
del adolescente.
El suave modelado de las formas y la serenidad del joven son ajenos al
arte de Donatello, dominado por la fuerza interior de sus personajes.
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SAN JORGE DE DONATELLO. (PERSEO Y ANDRÓMEDA)
La leyenda del dragón convirtió a San Jorge en un caballero vencedor
de la tiranía. La ciudad libia de Silca estaba dominada por un terrible
dragón que se ocultaba en un gran lago o una gran cueva. Había que
alimentar al monstruo con animales, pero llegó un momento que no
hubo más alimento para el dragón que los propios habitantes de Silca,
quienes debían sortearse el sacrificio.
Un día la mala suerte recayó en la hija del rey. La princesa fue
entregada a su cruel destino y se disponía a cumplir su terrible deber,
cuando apareció San Jorge. Es una historia análoga a la de Perseo y
Andrómeda.
La princesa le contó la terrorífica historia y el santo caballero se enfrentó
al dragón al que doblegó y entrego prisionero y moribundo a la princesa
para que lo condujera a la ciudad. Cuando todos los habitantes de Silca
se convirtieron al cristianismo, San Jorge mató al dragón.
Este episodio del dragón llega a Occidente desde Siria en el siglo XI por
medio de los cruzados. Simbólicamente el dragón enlaza con la idea del
mal. En el texto de la Leyenda Dorada alude a la peste y a las
frecuentes y mortíferas plagas medievales.
La idea de enemigo primordial y de la lucha heroica y libertadora es
por extensión la representación del enemigo de Cristo y su pueblo.
Enlaza por tanto con la lucha de la reconquista en España.
San Jorge fue sometido a terribles martirios por defender su fe y,
finalmente, fue decapitado.
El San Jorge de Donatello expresa las virtudes del caballero cristiano.
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ATIS DE DONATELLO
Cibeles es la gran diosa Frigia, Madre de
todos los Dioses. Su poder se
extiende por toda la Naturaleza, que
personifica su potencia vegetativa.
La importancia de Cibeles se debe al culto
orgiástico que se desarrolló a su alrededor
y que sobrevivió en el Imperio romano.
A Cibeles se la representa con la cabeza
coronada de torres, acompañada de leones
o sobre un carro tirado por leones.
Los griegos la consideraban una
encarnación de Rea, esposa de Crono y
madre de Zeus y de sus hermanos del
Olimpo.
Atis aparece en unas leyendas como un dios frigio amante de Cibeles,
pero con más frecuencia aparece como su compañero.
Ovidio nos cuenta la leyenda de que en los bosques de Frigia vivía
Atis, un joven tan hermoso, que había merecido el amor casto de
Cibeles.
Cibeles decidió vincularle a ella para siempre y hacerle el guardián de su
templo, aunque puso la condición que se mantuviese virgen.
Atis fue incapaz de resistirse a la pasión y Cibeles enojada le volvió loco.
Atis en una crisis violenta se castró y Cibeles después de la mutilación
le volvió a aceptar a su servicio.
Se le representaba en el carro de Cibeles, recorriendo con ella las
montañas de Frigia.
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EL BACO DE MIGUEL ÁNGEL (1496-1497). MUSEO DEL
BARGELLO
Miguel Ángel realizó el Baco entre 1496 y 1497. Es una escultura de
mármol de 203 cm, que se encuentra en el Museo del Bargello,
Florencia.
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Con esta obra, a sus 22 años, Miguel Ángel obtuvo el máximo
reconocimiento como escultor y creó múltiples puntos de vista.
Miguel Ángel estudió la Antigüedad y encontró inspiración en ella. Su
Baco podría ser perfectamente una escultura helenística, a la altura de
una de las obras más famosas de la Antigüedad, el Apolo Belvedere.
Apolo Belvedere es una famosa estatua de mármol sobre el dios
griego Apolo, que se conserva en los Museos Vaticanos. Está
considerada una copia romana de un original griego que se perdió.
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Redescubierta en el Renacimiento, fue expuesta en el Cortile del
Belvedere del Vaticano a partir de 1511 y de ahí recibió su nombre.
Durante mucho tiempo fue considerada la representación ideal de la
perfección física masculina y una de las más importantes esculturas
de la Antigüedad clásica.
Fue copiada varias veces, reproducida en grabados de larga
circulación, y asumió el papel de uno de los principales símbolos de la
civilización occidental.
Baco, el dios del vino en Roma, nos ofrece una copa de ese licor en un
formato de cerámica clásica. Su cuerpo es delicado y flexible.
Miguel Ángel esculpió una base rocosa que imprime gran naturalidad al
suelo. Baco se representó coronado por vides y tras él hay un pequeño
sátiro sonriente degustando un racimo de uvas.
Los sátiros suelen representarse con torso de hombre y los miembros
inferiores de macho cabrío, una larga cola semejante a la de los caballos
y un miembro viril perpetuamente erecto. Con el tiempo los miembros
inferiores también se convierten en humanos y sólo queda la cola como
testimonio de su forma, que también se pierde con el tiempo.
La iconografía más usual de Baco le representa en un carro tirado por
panteras y con adornos de hiedra. Suele ir acompañado de sátiros,
silenos y ménades. El atributo de Dioniso, el Baco romano, es el tirso,
bastón de vides enrolladas y rematado con una piña.
El Baco de Miguel Ángel es el paradigma del hedonismo clásico. El
hedonismo es la doctrina filosófica que busca el placer y la supresión del
dolor como objetivo de la vida.
En el Baco Miguel Ángel utilizó a fondo el trépano, técnica que permite
crear efectos de volumen y claroscuro.
HÉRCULES Y ANTEO DE ANTONIO POLLAIOLO, 1470.
Las manzanas de oro fueron el bonito regalo de bodas de Gea, diosa
de la Tierra, a Hera, la diosa hermana y esposa de Zeus. Estas
manzanas de oro son los frutos de la inmortalidad.
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 79
Hera las mandó plantar en su jardín, cercano al monte Atlas, sistema
montañoso que recorre el noroeste de África. Estaban custodiadas por
un dragón y tres ninfas del atardecer, las Hespérides, Ninfas del
Ocaso.
Conseguir las inmortales manzanas de oro del Jardín de las Hespérides
fue el último de los doce trabajos de Hércules.
Primero tuvo que averiguar el camino para llegar hasta ellas, que sólo
Nereo, el viejo dios del mar, conocía y, obligado, se lo reveló: Egipto,
Libia y Norte de África.
En Libia se tuvo que enfrentar a Anteo, el gigante hijo de Poseidón y
Gea que desafiaba a todos los viajeros a vida o muerte y siempre
vencía al estar en contacto con la Tierra, su madre, que mantenía y
recargaba sus fuerzas. Heracles le derrotó al levantarle del suelo,
perdiendo el contacto con la Tierra y asfixiarle con su brazo.
En el Cáucaso, liberó al titán Prometeo que, encadenado a una roca,
sufría la tortura de que durante el día un águila le devorara el hígado,
regenerándose por la noche por su condición de inmortal.
Heracles mató con una flecha al águila y, en agradecimiento, Prometeo
le brindó su ayuda y le reveló que las manzanas tenían que ser cogidas
por Atlante, el gigante que sostenía el cielo sobre sus hombros.
Heracles sostuvo el cielo mientras Atlante cogía las manzanas, pero
Atlante también quiso entregarlas. Heracles le indicó que necesitaba
ponerse algo sobre los hombros y le pidió que volviera a sostener el
mundo. Cuando Heracles se vio libre huyó con las manzanas.
Las Hespérides, desesperadas por haberse dejado arrebatar las
manzanas, se transformaron en árboles: un olmo, un sauce y un
álamo. El dragón pasó a ser una constelación celeste.
Euristeo le devolvió las manzanas a Heracles y el héroe se las ofreció a
Hera, quien las restituyó al jardín de donde procedían y prefiguran así
la apoteosis del héroe.
Heracles personificó la astucia, la fuerza y la competición.
MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 80
Las virtudes de Heracles permiten imponer el orden sobre el caos y
este simbolismo explica la gran frecuencia con la que se representan
sus Doce Trabajos en la Antigüedad.
PALAZZO VECCHIO EN LA PIAZZA DE LA SIGNORIA
PATIO
Es el edificio civil más importante de Florencia. Su construcción,
diseñada por Arnolfo di Cambio, empezó en 1299.
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El patio del Palazzo Vecchio es obra de
Michelozzo a mediados del siglo XV. La decoración
actual fue realizada para la boda de Francisco de
Medici con Juana de Austria.
En el siglo XVI, Jorge Vasari pintó los frescos del
patio con la temática de las principales ciudades
austriacas, como homenaje a Juana de Austria.
Para la fuente central Verrocchio esculpió un
putti con un pez, actualmente sustituido por una
copia, conservándose el original en el interior.
SALÓN DE LOS 500
Estaba destinado a las reuniones del Consejo Mayor, constituido sobre
el modelo veneciano.
La escultura de la Victoria de Miguel Ángel junto al resto de esculturas
con los trabajos de Hércules bordean los laterales del salón.
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 82
El techo está adornado con 39 paneles con los triunfos de Cosme de
Médicis y vistas de Florencia.
LA VICTORIA DE MIGUEL ÁNGEL.
En el lateral derecho del salón
está la escultura de La
Victoria de Miguel Ángel,
realizada entre 1525-1530 en
mármol, con una altura de
2,63 cm.
La escultura plasma a un
joven de gran tamaño, pero
con una cabeza muy
pequeña, que somete bajo
su rodilla izquierda a un
hombre mayor en una torsión
inverosímil.
Como en las esculturas de las
Tumbas Mediceas o en las
pinturas de los gnudi de la
bóveda de la Sixtina, el
escultor nos incita a aceptar
como reales estas posturas,
que son realmente
imposibles para el cuerpo
humano.
El vencedor mira por encima del hombro con elegancia, creando
múltiples puntos de vista como el Baco o el David e invitándonos a
rodear en varias ocasiones la escultura.
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VASARI
Entre 1555 y 1572 el Salón de los Quinientos fue decorado con frescos
por Vasari conmemorando los triunfos de Cosme I de Médicis.
Representan episodios de batallas: la conquista de Siena, la toma de
Pisa, etc.
En la planta superior tenemos las pinturas mitológicas de Giorgio Vasari:
El fresco de “Crono castrando a su padre Urano”, “Perseo liberando
a Andrómeda”, etc.
Vasari fue pintor, arquitecto e historiador. Conocido especialmente por
su obra sobre la vida de los más importantes artistas del renacimiento
italiano.
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SAN MINIATO AL MONTE
Sobre la colina del monte alle Croci surge San Miniato, precedida de un
amplio mirador desde el que se aprecia una magnífica vista panorámica
de Florencia, Piazzale Michelangelo.
En, Piazzale Michelangelo, hay una réplica del David de Miguel Ángel y
de las esculturas del Día, la Noche, el Crepúsculo y la Aurora de las
Tumbas Mediceas.
San Miniato al Monte es una iglesia románica-florentina típica, por su
revestimiento con mármoles blancos y verdes, que ha sido tomada como
ejemplo en todo el arte florentino.
El exterior está precedido de una larga escalinata, desde la que se
divisa la puesta de sol más hermosa de Florencia.
El cuerpo inferior presenta cinco arcos de medio punto y el cuerpo
superior ofrece una zona central con pilastras, rematada en un frontón
triangular.
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El interior presenta tres naves,
separadas por columnas y arcos
de medio punto. El tema del
mosaico del ábside es el
Pantocrátor rodeado del
tetramorfo.
En el altar se conservan los
huesos de San Miniato. San
Miniato fue el primer mártir de la
ciudad. Probablemente era un
mercader griego, o un príncipe
armenio en peregrinación a
Roma.
Se cuenta que, llegado a
Florencia en torno al año 250,
comenzó una vida de ermitaño, y
que fue decapitado durante la persecución anticristiana. Dice la leyenda
que, poco después de su ejecución, se marchó llevando en la mano su
cabeza cortada y volvió a su cueva de ermitaño, en el lugar donde
actualmente se erige la basílica.
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LUCCA, CIUDAD DE LA TOSCANA, EN LA QUE SE PASEA POR SU MURALLA
El domingo, día 16, era nuestro último día en la Toscana, así que a las
8.30 salimos hacia la bonita ciudad de Lucca.
Lucca es un oasis verde, cargado de historia, y situado en el centro de
la Toscana.
Su ubicación es excepcional, ya que se encuentra a pocos minutos del
mar y muy próxima a Pisa y Florencia.
Lucca, ciudad-estado
durante más de 600 años,
arropada por sus
murallas, puede ser
atravesada en 10 minutos
a pie, pero debe visitarse
con calma porque los
diferentes periodos han
dado origen a un
armonioso tejido
constructivo muy bien
conservado.
El corazón de la ciudad
está formado por plazas e
iglesias que nos ofrecen
maravillosos monumentos.
El Palazzo Ducale en la
Piazza Napoleone. La
Piazza del Giglio con el
neoclásico teatro del Giglio, es testigo de la gran tradición musical de
Puccini.
La catedral románica de San Martino, ornamentada con pequeñas
columnas multiformes, conserva en su fachada los símbolos de los 12
meses del año y de los 12 signos del zodiaco.
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En su interior se
encuentra la Última
Cena de Jacopo
Tintoretto, el
sarcófago de Ilaria
del Carretto de
Jacopo della
Quercia y la
Madonna in Trono
de Ghirlandaio.
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En el centro de la nave izquierda,
está la capilla del Volto Santo
con el crucifijo de madera que
según la leyenda fue esculpido
por Nicodemo.
Nicodemo era del partido de los
fariseos, por tanto representaba
a la Ley. Era un hombre principal
que ostentaba algún tipo de
autoridad, probablemente
miembro del Sanhedrín y se nos
dice que era “Maestro en Israel”.
Nicodemo vino a Jesús de
noche y mantuvo un profundo e
intenso diálogo con él. Algunos
han dicho que la noche puede
representar la costumbre judía de estudiar la Torá a esa hora. Para otros
la noche puede representar el miedo a los judíos. De José de Arimatea
se nos dice que era discípulo de Jesús a escondidas.
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El Sanhedrín es una asamblea religiosa-legal de 71 sabios que fue el
más alto tribunal judicial judío en Israel. Esta gran corte solía reunirse en
una de las cámaras del Templo en Jerusalén.
Unos cuantos metros más allá está la Iglesia de San Miguel in Foro,
ubicada en la Plaza de San Miguel. Posee una espléndida fachada
románica de mármol blanco, rematada en su parte superior por una
escultura del arcángel San Miguel.
La Vía Fillungo es la calle comercial por excelencia y la zona más
elegante de la ciudad. Esta vía conduce a la hermosa plaza de San
Frediano, donde se halla la basílica dedicada al santo longobardo que
fue obispo de Lucca.
La basílica de San Frediano posee una fachada de mármol blanco,
dominada por un gran mosaico bizantino del siglo XIII, que
representa la ascensión de Cristo.
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 90
En la otra parte de la plaza, oculta tras una cortina de edificios, se
encuentra una auténtica maravilla, Piazza Anfiteatro, escenario de
numerosos anuncios y spots publicitarios de conocidas marcas
internacionales.
Piazza Anfiteatro surge sobre el original anfiteatro de época romana. Su
estructura elíptica es todavía perfectamente visible, aunque ha sufrido,
en el transcurso de los siglos una profunda transformación comercial y
artesanal.
En la Vía di Poggio se encuentra el museo de la casa natal de
Giacomo Puccini, en el que se conservan testimonios de la vida y obra
del gran músico y compositor, nacido en Lucca en 1858.
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Finalmente, el tercer domingo de cada mes Lucca ofrece el Mercado
de las Antigüedades, uno de los más importantes de la Toscana, que
se extiende por toda la ciudad y con el que tuvimos la fortuna de
coincidir en sus calles.
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LAS CUATRO MURALLAS DE LUCCA
Las monumentales murallas de Lucca son el verdadero símbolo de la
ciudad. La rodean completamente y le confieren su particular aspecto.
Las murallas son el testimonio histórico de Lucca, capital de un pequeño
estado amenazado por fuerzas externas.
Las primeras murallas de Lucca fueron romanas, después se levantaron
las medievales y las del siglo XV, siendo las actuales murallas, erigidas
entre los siglos XVI y XVII, el cuarto y colosal cinturón de la ciudad.
El anillo de la muralla tiene unos 4200 metros y disponía de 126
cañones que defendían su perímetro. Posee 10 baluartes que se
pueden visitar.
Un baluarte es una pequeña fortificación construida en la parte alta de
un muro o esquina de un castillo o fortaleza para defender una entrada,
montar guardia, disparar armas, etc.
Posee tres puertas monumentales, ornamentadas con nichos y
esculturas. Porta San Pietro en el sur (s. XVI), Porta Santa María en el
norte (s. XVI) y Porta San Donato en el oeste (s. XVII).
A principios del siglo XIX, ya perdida toda connotación militar, la parte
superior de la muralla fue transformada, por iniciativa de María Luisa de
Borbón, en un paseo público, enriquecido con cientos de árboles.
La muralla en la actualidad es un amplio parque, que invita a pasear
disfrutando de unas impresionantes y excepcionales vistas de Lucca.
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SUS 100 TORRES
A principios del siglo XVI, Lucca se enorgullecía de más de 100 torres
que proliferaban en su interior y que en la distancia le conferían aspecto
de bosque.
Con el tiempo han sobrevivido pocas y actualmente se pueden visitar
sólo dos, las más notables.
1 - Torre Guinigi La primera que se restauró y se abrió al público en la década de los
ochenta fue Torre Guinigi, que coronada por encinas en la cima se ha
convertido en otro de los símbolos de la ciudad.
Está construida en ladrillos rojos y, mediante 230 escalones, podemos
ascender a sus 41 metros de altura para disfrutar de una bella
panorámica de la ciudad.
2 - Torre delle Ore (Torre de las Horas) La segunda es la Torre delle Ore (Torre de las Horas), que alberga un
gran reloj solar cerca de la cumbre. Fue restaurada y abierta al público
en 1999.
De este monumento tenemos noticias en 1390, cuando el Consejo
General de Lucca decidió dotarla de un reloj sin esfera que marcaba
sólo los 24 tañidos de una campana.
Un siglo después las autoridades de la ciudad adquirieron la torre que se
convirtió en Torre Municipal, con una esfera que hacía visibles las
horas.
Con el paso de los siglos se instalaron nuevos mecanismos, hasta llegar
a la última y actual versión del siglo XVIII, con los doce números
romanos.
La Torre y el reloj son uno de los principales atractivos de la ciudad y
convierten a este reloj del siglo XVIII en uno de los más interesantes
de Europa.
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PISA, LA IMPRESIONANTE EXPLANADA VERDE
A las 13:30, tras pasar toda la mañana en Lucca, nos dirigimos a Pisa.
Queríamos aprovechar al máximo el tiempo. Así que en el trayecto,
entre el parking del bus y la plaza de los Milagros, nos comimos unos
bocadillos.
La llegada a la plaza de los Milagros es espectacular. El Duomo de
Florencia impresiona por su monumental enclave urbano y la Plaza de
los Milagros de Pisa por esa maravillosa explanada verde que nos la
ofrece.
Pisa está ubicada en un recodo del río Arno y dista 10 kilómetros del
mar. En el siglo XI su flota era poderosa y junto con los genoveses
expulsaron de Cerdeña a los árabes.
El siglo XII fue el más brillante de esta república marinera. Con el
apoyo a la primera cruzada y la guerra contra los sarracenos en las
Baleares, obtuvo de Barbarroja el feudo de Cerdeña y la posesión de la
costa del Tirreno, de Portovenere a Civitavecchia.
Portovenere se encuentra dónde comienza el Golfo de Génova. Desde
1997 Portovenere está incluido en el Patrimonio de la Humanidad de la
Unesco.
Civitavecchia es una ciudad y municipio italiano ubicado en la provincia
de Roma, en la región del Lacio. Es un puerto del mar Tirreno que
queda a 80 kilómetros al noroeste de Roma. El puerto fue construido por
el emperador Trajano a comienzos del siglo II.
La prosperidad del siglo XII la llevó a su gran esplendor artístico. Se
construyeron la catedral, el baptisterio y la torre.
En el siglo XIV empezó la decadencia de Pisa, aunque resurge la
Universidad y se construye la iglesia de Santa María de la Espina, en el
paseo que bordea el Arno.
En 1406 Pisa cayó definitivamente bajo el dominio florentino. El puerto
se llenó de arena y la zona se empantanó, mientras que la población se
redujo a 8000 habitantes.
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Durante el Gran Ducado de los Médicis se potenció la Universidad y se
creó el primer Jardín Botánico de Europa.
Cosme I fundó la Orden de los Caballeros de San Esteban, que devolvió
a la ciudad su prestigio marinero, haciéndole asumir el aspecto que la
sigue caracterizando en la actualidad.
La Plaza de la Catedral, llamada Campo dei Miracoli, reúne en una
gran explanada cubierta de hierba los ejemplos más importantes del arte
Románico pisano.
El Campanario, denominado Torre Inclinada (Torre
Pendente) es una de las torres más famosas del mundo.
Se empezó a construir en 1173, pero se tuvieron que interrumpir las
obras porque la torre cedió, provocando la famosa inclinación. Las
obras se reanudaron en 1275 y terminaron en el siglo XIV.
La visita está permitida a grupos de 40 personas y dura unos 30
minutos.
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El Baptisterio es un edificio románico de planta circular, en
cuyo interior hay un bellísimo púlpito de Nicola Pisano, siglo XIII.
En este Púlpito de mármol de Carrara, Nicola Pisano añade la
realización de relieves plenamente clásicos, en los que la estética del
arte supera a la mera finalidad docente.
Su estructura es hexagonal y se sitúa junto a la pila bautismal que es
anterior y de forma octogonal y se armoniza con el conjunto de
construcción circular (símbolo de eternidad y de Dios).
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 97
El púlpito se apoya sobre una
gran columna en cuya base
esculpe figuras grotescas y
animales que simbolizan al
paganismo derrotado por el
Cristianismo, ésta columna
está rodeada por otras seis
columnas exteriores.
El conjunto es aún muy gótico
con arcos trilobulados, aunque
ya va introduciendo gran
cantidad de elementos
clásicos como las figuras.
Los relieves se organizan de
forma armoniosa, separán-
dolos con columnas clásicas.
Los paneles muestran una
narración consecutiva de escenas evangélicas: La Anunciación, la
Natividad, el Anuncio a los pastores, la Adoración de los Magos, la
Presentación en el Templo, La Crucifixión y el Juicio Final.
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 98
La Anunciación, el nacimiento de Jesús y la adoración de los pastores
quedan unificados en un solo panel, lo que será común en él y en su hijo
a partir de ahora.
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La imagen de la Virgen recuerda una matrona romana y es
plenamente clásica, ya sea por su peinado como en el tratamiento de los
ropajes y el rostro.
En la Adoración de los Magos hace un estudio de las tres edades del
hombre.
La Presentación en el Templo es una de los paneles que más se
inspiran en los relieves del sarcófago Phaedra encontrado en el
Camposanto de Pisa y que tanto impresionó a padre e hijo.
La Fidelidad se trata de una figura alegórica que porta un perro,
símbolo de fidelidad.
La Fortaleza es quizás una de las figuras que mejor muestran la
evolución hacia el Clasicismo de Nicola Pisano. Se trata de una de las
virtudes que emanan de la obra de Platón sobre la República, pero esta
vez no utiliza la figura femenina como era tradicional, sino la de un
hombre que porta los atributos de la fuerza.
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 100
Se considera a esta figura una obra maestra que inspirará a los
escultores del Renacimiento Italiano. Parece que Pisano se inspiró en
uno de los Sarcófagos que hay en el Museo de las Termas.
La Catedral se empezó a construir en 1064 y se terminó en el
siglo XII. Posee en su interior una de las obras maestras del arte gótico
italiano, el Púlpito de mármol de Giovanni Pisano.
Giovanni Pisano, hijo de Nicola Pisano (1250-1314), comienza
trabajando con su padre pero poco a poco va consiguiendo
independencia y llegará a considerarse uno de los padres de la
escultura renacentista.
El Púlpito de la Catedral de Pisa (Mármol, 1302-1311) fue instalado en
el coro derecho pero en 1595 sufrió un incendio y se reconstruyó en
1926, aunque algunas de las representaciones no pudieron ser
recuperadas de los museos extranjeros en los que se encuentran.
Es de forma octogonal, siguiendo el modelo del púlpito que hizo su
padre en el Baptisterio de Pisa, pero con más relieves, como los paneles
que incluyó en la parte alta de la escalera.
En conjunto recoge 9 paneles decorados con relieves históricos. Todo
ello da una sensación circular al conjunto, más que octogonal.
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MARÍA TERESA GARCÍA PARDO 101
En la Natividad la novedad que introducen los Pisano es la de tratar de
dar una ambientación realista a los relieves. La escena muestra varios
episodios, ya que junto con
la Natividad aparece el
anuncio a los pastores,
dato que aprovecha el autor
para dar ambientación
paisajística y hacer un
detallado estudio de los
animales (ovejas y perros).
Al mismo tiempo se reflejan
dos escenas diferentes en el
Portal: María observa a su
Hijo en el pesebre en la
parte superior, mientras que
en la inferior aparecen las
comadronas lavando al Niño
recién nacido.
En la Crucifixión Giovanni
representa de forma
completa la escena,
poniendo las tres cruces y mostrando el conjunto a la manera en la que
los pintores de la época lo realizaban.
Gran cantidad de figuras rodean al Crucificado, que marca el centro de
la representación y en la parte superior el fondo se llena de ángeles,
algunos portan el Cáliz y el Pan, símbolos de la Eucaristía. Las figuras a
los pies de la cruz se retuercen, subrayando el dramatismo del
momento.
El Juicio Final muestra a los condenados. Hay superposición de
cuerpos desnudos en alto-medio y bajorrelieve.
La Fortaleza y la Prudencia, en la zona inferior del Púlpito, son las
figuras más interesantes del conjunto. La Prudencia se inspira en una
Venus clásica, una de las representaciones de Giovanni que se
cataloga de obra maestra del Arte Italiano.
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Hércules es otra de las figuras de la base del Púlpito, siendo claro
antecedente de la escultura renacentista. Ya vemos a un escultor que ha
creado su propia manera, muy diferente a la de su padre.
El Camposanto, situado a continuación, se empezó en 1277. Se trata
de un edificio de planta rectangular con arcos ciegos y un bellísimo
pórtico. A partir del siglo XV se colocaron en él monumentos fúnebres,
entre los que hay que destacar una colección de sarcófagos romanos.
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DESPEDIDA
A las 17.30 tomamos el bus para dirigirnos al aeropuerto de Pisa,
aunque antes de llegar a la ciudad nos despedimos de nuestra querida
Alicia, que sigue las clases desde Gran Bretaña.
En Pisa tomamos un vuelo hasta Barcelona y desde Barcelona otro
hasta Madrid, donde llegamos sobre las 12 de la noche.
Habíamos pasado 5 días inolvidables en Florencia y la Toscana. Todos
estábamos agotados, pero muy contentos de haber disfrutado de tanta
belleza artística y humana, porque el grupo, al igual que el del año
pasado en Roma, fue estupendo.
El interés y el cariño que demuestran son impresionantes y siempre
tendré un recuerdo muy especial de ellos conmigo.
Finalmente, quiero agradecer a Eduardo su apoyo incondicional y a
Naty, nuestra querida agente de viajes, su gran profesionalidad y su
calidad humana, ya que sabe convertir un viaje en una experiencia
única.
BIBLIOGRAFÍA
“Miguel Ángel. Obra completa”. Editorial Electa. 2010
Florencia. Bonechi Editore.
Internet
Historia Universal del Arte de Planeta.
Apuntes de mi Licenciatura en Historia del Arte por la Universidad
Complutense.
Fotografías, Eduardo.
Todas las fotos han sido tomadas en el transcurso de este viaje.
http://maitearte.wordpress.com
