Grecia

HISTORIA DEL ARTEGrecia

GRECIA

INTRODUCCIÓN

EL MEDIO GEOGRÁFICOEl arte griego se desarrolla en un ámbito geográfico muy

determinado que ha sido interpretado por algunos historiadores como la base para explicar muchas de sus características. Grecia no ha existido como tal hasta la época contemporánea; históricamente los griegos han vivido en dos continentes (Europa y Asia) y las islas que se encuentran entre ambos. El mar ha sido el medio común de comunicación entre ellos y esta vocación marinera, en algunos casos impuesta, les permitió la colonización de todo el Mediterráneo. La dispersión cultural que podía haber caracterizado a los pueblos y a las diferentes polis quedó un tanto atenuada por los vínculos establecidos por una cultura y una religión compartidas por bastantes de ellos.

EVOLUCIÓN HISTÓRICALa diversidad griega viene determinada por la propia evolución

histórica. En origen, hay dos zonas perfectamente delimitadas, la de las islas (cultura cicládica), especialmente Creta, que posee una notable complejidad cultural, basada en pujantes monarquías, desde época neolítica, y la del continente, que sólo reacciona gracias a las invasiones de dos pueblos de habla griega, los aqueos hacia el 1600 y los dorios en el 1150, que obligan a los primeros a emigrar a las costas asiáticas y que contribuyen a la decadencia de la cultura cretense. Los dorios, que traían como forma política sistemas aristocráticos con poco operativas monarquías, inauguran una "edad media" cultural, una época de oscuridad de la que sólo comienza a salirse en el siglo VII con el desarrollo de las polis que comienzan a romper con las viejas formas económicas basadas en la agricultura y, sobre todo, la ganadería. Las polis son el lugar ideal para artesanos y comerciantes que se enriquecen rápidamente y exigen un puesto en los gobiernos urbanos para lo que tendrán que apoyarse en legisladores y tiranos que en algunas ciudades-estados sirven como paso previo a la democracia. Una democracia que parece afianzarse con la victoria sobre los persas en las Guerras Médicas en las que Atenas tuvo mucho que ver. Esparta, de estirpe doria y régimen aristocrático fue un foco continuo de amparo de los cabecillas oligárquicos y aristocráticos dispuestos a acabar con las democracias. El enfrentamiento inevitable entre ambas formas políticas (Guerra del Peloponeso) terminó por arruinar a todas las polis que terminaron cayendo bajo en yugo de los macedonios en el siglo IV. Con Alejandro Magno, de efímero pero fructífero reinado, se inicia la gran expansión de la cultura griega por Asia y el norte de África.

IDEALES ESTÉTICOSUna vida política ajetreada que no impidió a los griegos

desarrollar un arte pleno e iniciar una serie de reflexiones sobre la belleza aunque no estuviesen orientadas hacia el mundo de la plástica (texto 1).

Tres son las fuentes de la belleza para los griegos: el placer sexual, representado por la mujer según Hesiodo, la naturaleza, tal como

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aparece en Homero, y la racionalidad suprema, cuyo mejor ejemplo lo tenemos en Pitágoras y su pasión por el número (matemáticas).

Estas teorías fueron desarrolladas por los sofistas que incidían en aspectos puramente formales a los que se opusieron, por diversas razones, Sócrates, para quien la estética es algo irremediablemente unido a la ética, y Platón quien desarrolló las teorías del mundo ideal, del que lo real es sólo un reflejo, que tanta trascendencia iban a tener en épocas posteriores; en el terreno plástico Platón era un conservador que anteponía el hieratismo egipcio a la plástica coetánea (s. V a.C.).

Epicúreos y estoicos se limitan a constatar las enormes variaciones que presenta el arte en época helenística.

ANTECEDENTES: CRETA Y MICENAS

CRETAEl arte cretense, también llamado minoico en honor del

mítico rey Minos, se desarrolla en su fase más característica entre el 2000 y el 1150 a.C. al amparo de una importante actividad comercial que les lleva a dominar las rutas marítimas (talasocracia).

Los restos arquitectónicos que conservamos, excavados fundamentalmente por Evans, presentan ciudades sin amurallar, con plantas complejas (lo que -unido a la dependencia económica del continente con respecto a la isla- originó el mito del laberinto) organizadas en torno a patios. Usaban como sistema constructivo el arquitrabe con pilares cuadrados y columnas troncocónicas invertidas, habitualmente sin basa y con un capitel formado por una gruesa moldura con un simple ábaco encima. Generalmente sus frisos aparecen decorados a base de medallones y recuadros. Los mejores ejemplos de estos palacios-ciudades son Cnossos, Faistos, Mallia y Hagia-Triada.

Su escultura presenta imágenes muy estilizadas en actitudes atléticas y sacerdotisas, o diosas, que llevan serpientes en las manos que las vinculan con ritos de fertilidad. En ocasiones emplean materiales nobles (oro, marfil), son características las denominadas Acróbata de Cnosos y Sacerdotisa con serpientes.

Las principales habitaciones de los palacios aparecen decoradas con bandas de color y con figuras animales y humanas; es muy común encontrar en estas representaciones unas formas muy sueltas y gráciles que denotan manos expertas en su realización. Prefieren los colores vivos, destacan, entre muchas otras, el Príncipe con corona de plumas, la Parisiense, el Sarcófago de Hagia Triada y diversos estucos con animales y peces.

Interesantísima es su cerámica en la que destacan dos estilos: uno decorado con motivos geométricos, fitomorfos y de formas marinas (cerámica de Kamarés) y otra con representaciones animalísticas, fitomórficas y pulpos (estilo de los nuevos palacios); en ambos casos su calidad y finura son notorias. Cultivaron otras artes aplicadas con éxito.

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MICENASLos micénicos desarrollaron en el continente una cultura menos

refinada, basada en la ganadería y con continuos enfrentamientos con sus vecinos, lo que determina que sus ciudades (Micenas, Tirinto, Orcomenes, Troya) ocupen lugares elevados y aparezcan fuertemente amuralladas con aparejos ciclópeos; son interesantes algunas tipologías arquitectónicas como el megaron, antecedente del templo griego (con sala, antecámara y pórtico) y las tumbas de corredor y falsa cúpula como las denominadas Tesoro de Atreo y Tumba de Agamenón.

Su arte se completa con un tipo de escultura monumental muy tosca (Puerta de los leones en Micenas) lejanamente relacionable con la egipcia y con una notable actividad orfebrística (Tesoro de Atreo).

EL ARTE GRIEGO

CARACTERÍSTICASLas diferentes influencias que sufre el arte griego (la doria y su

geometrismo, la creto-micénica y su dinamismo y la orientalizante asiria y egipcia) van a determinar unas manifestaciones plásticas presididas en su época clásica por el ideal de Solón "nada en demasía".

A pocos periodos artísticos como al griego se le puede aplicar el concepto de evolución biológica. Los periodos geométrico y orientalizante serían los balbuceos, la época arcaica la pubertad, la época clásica (con sus dos fases de madurez y crisis) la plenitud vital para terminar en el barroquismo y supuesta decrepitud del helenismo.

Veremos cómo las cosas no son tan sencillas y aun cuando podamos rastrear una evolución en las formas griegas, en cada estilo aparecen reflejadas, de forma indeleble, los ideales políticos y culturales de las diferentes épocas a las que el arte presta una envoltura atractiva.

Será característico de los griegos la fijación de unas normas de lenguaje que denominamos "canon", termino que lleva implícita más la idea de proporción que la que actualmente le conferimos de modelo.

En arquitectura el canon se manifiesta a través de los tres órdenes: el dórico (que representa la virilidad), el jónico (la feminidad) y el corintio (la feminidad juvenil), aunque este último será una variante más decorativa del segundo. Los órdenes no aparecieron como algo inmutable; se fueron perfeccionando desde la época arcaica a la clásica. También se manifiesta esta tendencia normativa en la tipología de los edificios, especialmente en los templos y en los teatros e incluso en el urbanismo cuando aparezca el plano hipodámico.

Menos fácil fue la aceptación de un modelo de belleza en la escultura aunque fuera precisamente en esta manifestación en la que apareció la denominación de canon. Las ideas de Policleto no son las mismas que las de Lisipo; ambos traducen diferentes concepciones de la belleza en dos épocas distintas. Algo semejante ocurre con la pintura.

Una característica común al arte griego es la de practicar un cierto realismo mediatizado por la aspiración al idealismo más absoluto, a la perfección total. La escultura de la época clásica nos ilustra bastante bien al respecto: los artistas tratan de reflejar a los dioses y a los hombres como debieran ser, no como son. Sin embargo, muchas de las noticias

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que tenemos al respecto están corrompidas por la intervención de poetas y literatos y por los diversos intereses de críticos e historiadores posteriores.

En la época clásica el arte griego coloca al hombre como medida de todas las cosas y en torno a él, a sus proporciones y a sus necesidades, hace girar las manifestaciones artísticas aunque la tentación de colosalismo y el lujo orientales son muy fuertes y reaparecerán en época helenística.

Antes de su desaparición como arte propio mezclado con lo oriental o lo egipcio y formando cuerpo casi indisoluble con el romano (fenómeno de gran trascendencia pues gracias a las innumerables copias de las épocas clásica y helenística podemos seguir la evolución del arte griego), la plástica griega nos proporcionará una idílica visión, aunque llena de coherencia y plenitud, de un determinado tipo de sociedad y del hombre que la engendró, que no en vano ha sido considerada digna de tenerse como modelo en etapas posteriores de la historia occidental.

EL ARTE GRIEGO: ETAPAS

EDAD OSCURA (1300-800 a.C.)A duras penas sobrevivieron las técnicas del bronce y la cerámica

(aunque de las más de setenta formas cerámicas de la época heládica quedaron reducidas a diez) con algunos ejemplos notables por su tamaño y perfección técnica.

PERIODO GEOMÉTRICO (800-725 a.C.)Este periodo se caracteriza por la presencia de un tipo de

cerámica en la que aparecen abundantes meandros, zigs-zags y triángulos; la figura humana, muy estilizada, se encuentra aprisionada entre estos elementos. Los ejemplos más característicos son los llamados Vasos del Dipylon (cementerio de Atenas).

Se conservan, también, restos de pequeñas figuras en bronce decoradas siguiendo los esquemas hallados en la cerámica y de una arquitectura muy semejante a la de los micénicos; los megaron, que son el antecedente formal de los templos clásicos, se construían de tierra y madera sobre un basamento de piedra.

PERIODO ORIENTALIZANTE (725-600 a.C.)Los contactos comerciales con las costas de Asia Menor

determinaron la presencia de influjos orientales dentro del arte griego continental, en el que Corinto constituye el centro más significativo hasta que en los últimos años de la época empiece a ser sustituido por Atenas.

Lo más característico de este época son las cerámicas con temas exóticos y tendencias miniaturistas; son muy comunes las decoraciones a base de frisos de animales.

La escultura no son más que figurillas de terracotta o bronce semejantes a las de época anterior aunque con los motivos exóticos de la época (grifos, por ejemplo); hacia el 650 a.C. aparece la escultura monumental en piedra que presenta algunas influencias egipcias.

Con respecto a la arquitectura tenemos restos que nos indican

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que el orden dórico comienza a formarse en estos momentos en la zona de Etolia mientras que el jónico lo hace en el Egeo oriental. También hay algunos restos de escultura aplicada a la decoración de los edificios.

EL ARTE GRIEGO PLENAMENTE FORMADO

Se distinguen tres momentos históricos perfectamente diferenciados:

PERIODO ARCAICO (600-480 a.C.)Desde el punto de vista social se asiste a la consolidación de la

"polis" en la que los gobiernos aristocráticos comienzan a ser desplazados por los tiranos y los legisladores que respondían mejor a las necesidades de los grupos de comerciantes y artesanos que usan abundantemente de la moneda de oro como elemento de intercambio. Los centros más progresistas en lo económico y cultural fueron las ciudades jonias.

PERIODO CLÁSICO (480-323 a.C.)Entre ambas fechas se desarrolla en toda su plenitud el arte

griego que influirá de forma decisiva en momentos posteriores de nuestra cultura; no es un fenómeno único puesto que se ve acompañado del teatro, la filosofía y de muchas otras actividades artísticas. Es una época salpicada muy a menudo de enfrentamientos brutales en la que una ciudad, Atenas, impulsada por su forma política -la democracia- se convirtió en punto de referencia para toda una serie de polis que desarrollaron un notable concepto de autoestima gracias a la victoria sobre los persas (Guerras Médicas). Este primitivo impulso vitalista se transformará luego en una cierta melancolía cuando los continuos enfrentamientos civiles entre los griegos (Guerras del Peloponeso) sienten las bases del expansionismo macedónico.Existe un periodo El estilo severo (480-450 a.C.) en el que el arte griego abandona los últimos residuos del arcaísmo y se adentra en un naturalismo idealizado; se la denomina, también, fase de transición y época clásico-arcaica. En ella aparecen algunos de los valores propios del periodo clásico como la dignificación de la figura humana y el puesto central de ésta dentro de todo el universo.

Durante la época denominada de Madurez de la polis (450-400 a.C.), Atenas supo capitalizar la victoria sobre los persas y convertirse en el centro de la vida cultural y artística de Grecia. La democracia se impuso después de la expulsión de los tiranos y el Ática, apoyándose en sus propios medios, en el dinero de la Liga de Delos y en la personalidad de algunos de sus dirigentes (Pericles) inició una política de obras públicas y embellecimiento que proporcionó notable prestigio a la capital. La tremenda lucha contra Esparta, y el posterior triunfo de ésta, determinó su decadencia.

La Crisis de la polis (400-323 a.C.) es un periodo caracterizado por la inestabilidad; la destrucción de Atenas y Esparta como potencias de primer orden y el ascenso a esa categoría de una ciudad como Tebas, impiden que el arte presente el aire sereno y reposado de la etapa

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anterior; únicamente queda la huída hacia el patetismo, la nostalgia, la melancolía, sin olvidar las reflexiones teóricas y esteticistas como viene siendo habitual cuando hay poca creatividad. El breve reinado de Alejandro no palió, sino todo lo contrario, esta tendencia.

PERIODO HELENÍSTICO (323 a.C. - ?)La expedición de Alejandro a Oriente puso en contacto el arte

griego con un mundo más rico y de mayores posibilidades lo que determinó que se desplazasen a aquella zona los centros comerciales, culturales y artísticos que serán, a partir de aquel momento, Antioquia, Alejandría, Pérgamo, entre otros. Fue una época compleja en la que dominó el eclecticismo y en la que aparecen los conceptos de copia de la antigüedad, coleccionismo, museos, etc...

El helenismo ha sido valorado de forma muy desigual en los diversos periodos históricos anteriores a nuestra época, llegando a ser despreciado, en algunas ocasiones, por su carácter anticlásico mientras que era alabado en otras por su variedad y tendencia al realismo porque lo que resulta evidente es la ausencia de características comunes a todo el periodo, algo evidente si pensamos en la época tan dilatada que cubre y las múltiples influencias que recibe; no posee, además, una fecha de final concreto pues mientras que para unos historiadores este periodo concluye con la conquista romana de la zona, para otros es imposible diferenciar algunas de las manifestaciones helenísticas de las realizadas en época romana.

EL ARTE GRIEGO: PRINCIPALES MANIFESTACIONES

LA ARQUITECTURA

Durante el periodo arcaico, los templos comenzaron a construirse en piedra, aunque en su conformación definitiva conservasen recuerdos de las antiguas estructuras lígneas. Los órdenes (texto 2) aparecen achaparrados, sólidos, no alcanzando ni las proporciones ni la armonía que poseerán en la época clásica, aunque como en ésta también se pintaban de colores vivos; aunque también se dieron otras formas de templos (en especial los circulares o tholos) lo común es que se siga para su estructura las pautas marcadas por el megaron prehelénico. La principales manifestaciones del orden dórico fueron los templos de la Acrópolis ateniense destruidos por los persas, los de la Magna Grecia (Paestum y Selinunte) y el de Hera, en Olimpia. Las manifestaciones jónicas que alcanzaron más renombre fueron: el Artemision, de Éfeso, el Heraion, de Samos, y el Tesoro de los Sifnios en el santuario de Delfos dedicado a Apolo.

El momento de transición, desde el punto de vista de la arquitectura, entre el arcaismo y el clasicismo lo representa el templo de Afaia en Egina; los más característico de este momento son las obras en la Acrópolis ateniense, lugar sagrado asolado por los persas y reconstruido a instancias de Pericles (texto 3).

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El Parthenón (447-437) fue proyectado por Ictinos y Calicrates y levantado con mármol del Pentélico; la perfección de sus medidas y las diferentes correcciones ópticas que introdujeron los arquitectos impiden hacerse una idea adecuada de su tamaño de no estar en sus inmediaciones. Es una idea errónea pensar en la falta de libertad de los arquitectos griegos; en este caso, por ejemplo, se trabaja con ocho columnas en la fachada (octástilo) lo que no es muy habitual, al mismo tiempo que se introducen algunos elementos jónicos (friso interior corrido) en un edificio que sigue, por lo general, el orden dórico. Desde la antigüedad fue tenido por una obra maestra de la arquitectura y como tal ha servido como modelo e ideal a la sociedad de occidente.

Los Propileos (437-432) eran la entrada al recinto amurallado, al que proporcionaban un aspecto monumental, sirviendo más tarde de pinacoteca; los diseñó Mnesicles y estaban compuestos de dos pórticos, dórico el exterior y jónico el interior, con dos alas a los lados que no llegaron a realizarse.

El templo de Atenea Niké fue proyectado por Calicatres pero no sería levantado sino años después en una época en la que la mesura que representa era un mero recuerdo; es una obra maestra del orden jónico aunque en absoluto se somete a la tipología que se da como canónica para los templos clásicos.

Los mismo ocurre con el Erecteion (420-407), levantado por Filocles, que debe su peculiar estructura a la obligatoriedad de respetar el lugar en el que se había producido un antiguo milagro; es en este edificio en el que se situaron las famosas Cariátides.

En la parte baja de la ciudad, en el ágora, se construyó el Teseion con una estructura similar a la del Parthenón.

Como parece lógico, durante el periodo denominado de crisis de la polis no encontramos grandes construcciones en el continente; las islas jonias llevaron la iniciativa. Sólo se salvaron los grandes santuarios (Delfos, Olimpia, Epidauro) y no por su carácter innovador; más interesantes resultaron los nuevos modelos como el Mausoleo de Halicarnaso (texto 4) o la Linterna de Lisícrates.

El periodo helenístico supone una recuperación de la dinámica constructiva. Asistiremos a una decadencia del orden dórico, más sobrio, y un aumento del jónico y, especialmente, del corintio, variedad más ornamental de éste (texto 5). Se desarrolla un urbanismo más racional que el de época clásica (que era más mediterráneo y vitalista) inspirado en la reforma que Hippodamos de Mileto realiza para su ciudad en la que se usa el plano ortogonal; en cualquier caso, resultan muy significativos los conjuntos urbanísticos de Antioquía, Alejandría, Pérgamo y Prienne. Conservamos de esta época restos civiles que hasta el momento no se habían construído en materiales nobles y ahora sí; destacan a este respecto los Bouleterion de Mileto y de Prienne, el Faro de Alejandría, o la Torre de los vientos, en Atenas, son de este periodo algunas de las denominadas siete maravillas de la antigüedad, como el Faro de Alejandría o el Coloso de Rodas, también se conservan restos de las stoas, lugares para el comercio y las relaciones sociales que serán los antecedentes directos de los foros romanos, los teatros con sus gradas

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dispuestas siguiendo la inclinación de las colinas, con una orquesta circular en la que baila y canta el coro, un proscenio en el que declaman los actores y una escena fija.

Los edificios religiosos pueden aumentar desmesuradamente en tamaño como en el templo de Zeus en Atenas, de más de cien metros de longitud, lo que puede parecer un contrasentido en una época de progresiva irreligiosidad.

LA ESCULTURA

En el periodo arcaico, la escultura comienza a desarrollarse en el sentido que la conocemos en la actualidad; la monumental se vincula a los templos (metopas, frisos, frontones), la exenta parece que surge de las figuras en madera (xoanon) que tenían un carácter mágico-religioso y que, en muchas ocasiones, se atribuían a Dédalo (texto 6). Aparecen los modelos masculinos, kourós -plural kuroi- (atleta desnudo -lo que había sido muy raro en Oriente y que no aparecerá en los modelos femeninos hasta bien entrado el siglo IV-, de pie, con la pierna izquierda adelantada a semejanza de las figuras egipcias) y femeninos, koré -plural korai- (joven vestida con la túnica jónica -chitón- bajo el manto -himation- una y otro con abundantes pliegues), ambos poseen ojos almendrados y una sonrisa (eginética) muy forzada, en muchos casos se han encontrado en ellas restos de policromía; al parecer poseen un carácter conmemorativo y oferente. Los centros de producción fundamentales se encontraban en Creta, Jonia (Hera de Samos) y Atenas. En algunos casos, los modelos masculinos portan algún objeto o animal como ocurre con el Moscóforo. Predominan en todos ellos un carácter excesivamente simplista en el análisis de la anatomía, un gran hieratismo y una notable simetría.

Los mejores ejemplos de transición entre el arcaísmo y el clasicismo momento los tenemos en la escultura: Trono Ludovisi, grupo de Los tiranicidas, el Auriga de Delfos, el Zeus del cabo Artemision, los Guerreros de Riace y, especialmente, las figuras del Frontón del templo de Zeus en Olimpia. En todas ellas es evidente el interés por la figura humana y un notable del dominio de la técnica de la fundición, pues la mayoría de las esculturas exentan eran de bronce..

A la hora de analizar las obras escultóricas maestras del periodo de madurez de la polis, nos encontramos con una enorme dificultad y es la casi total ausencia de originales por lo que debemos recurrir a las copias romanas y a las descripciones. Fueron tres los escultores que alcanzaron la mayor consideración en la época por su habilidad, dado que para el griego del momento era impensable considerar a las artes mecánicas como dignas de tal nombre.

Mirón pasa por haber sabido captar con habilidad el movimiento, lo que no nos parece muy claro contemplando las copias romanas de su Discóbolo pero que se ajusta bastante a la idea transmitida por los antiguos en la reconstrucción que se ha hecho de su célebre grupo Athenea y Marsyas interesante tanto por las actitudes de ambos personajes como por la incipiente captación psicológica en los gestos de

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la diosa y el sátiro.Con Fidias -al que se atribuye, también, la organización de las

labores decorativas de la Acrópolis- la escultura alcanza el difícil equilibrio entre la idea y la realización, entre forma y concepción, lo que implicaba un sereno distanciamiento de la realidad que era matizado por el ideal (texto 7). Al parecer trabajó en los frontones del Parthenón (en uno se representaba el nacimiento de Atenea y en el otro la lucha de Atenea y Poseidón por el patronazgo sobre el Atica), en las metopas y en el friso, donde destacan los relieves que representan las Panateneas (aunque existen interpretaciones modernas que los vinculan con un antiguo sacrificio de unas doncellas); los restos, principalmente en el Museo Británico, son muy desiguales y obligan a aceptar un trabajo de taller, no obstante hay relieves espectaculares que debían rebosar vida cuando luciesen a plena luz con sus aditamentos metálicos y sus vivos colores. Su fama era tal que se le encargaron costosísimas esculturas realizadas en materiales preciosos como el oro y el marfil (crisoelefantinas) sobre un alma de madera; de este tipo eran el Zeus de Olimpia y la Atenea Parthenos, ambas monumentales, de tamaño semejante a la propia nave central del templo y eso que el Zeus era una obra sedente; el manejo de los cuantiosos fondos que eso exigía le proporcionó no pocos quebraderos de cabeza.

El tercero de los grandes escultores del momento fue Policleto (textos 8 y 9), que intentó fijar las proporciones ideales del cuerpo humano a través de una obra teórica y práctica, el canon, que se plasma de forma espléndida en el Doríforo y el Diadoumeno; realizó, además, la Amazona herida y el Efebo de Florencia. Un análisis adecuado de sus obras, en el que hay que incluir los factores correctores derivados de su carácter de copias, nos llevará a plantearnos la inconsistencia de los ideales de belleza como algo inmutable.

Durante la denominada crisis de la polis, la escultura buscó la plasmación de los estados emocionales acercándose a una realidad dramática que el artista desea que el espectador comparta (patetismo) o huyendo hacia el esteticismo a la búsqueda de un mundo no más pleno -como en el caso de Policleto- sino menos problemático. Tres fueron, también, los más interesantes escultores del periodo.

Skopas de Pharos dió un sentido melancólico y trágico a sus figuras; buenos ejemplos de ellos podrían ser las esculturas para el templo de Apolo en Tegea, o la parte del Mausoleo de Halicarnaso en la que plasma la Lucha entre los griegos y las amazonas. Se le atribuyen algunas figuras exentas como la Bacante o la cabeza de Meleagro que ofrece todas las características de su estilo (ojos profundos, arco superciliar abultado y rictus en la boca).

Praxiteles siempre ha sido considerado como el escultor de la gracia juvenil, del ideal displicente y juguetón conseguido a través de la sonrisa y de la incurvación de la cadera (curva praxitélica) así ocurre en su Hermes con Dionisos niño, en el Apolo sauróctono e incluso en la Afrodita de Cnido que se considera perteneciente, o cercana, a su escuela.

Lisipo continuó las investigaciones de Policleto respecto a la belleza ideal; proporcionó a su canon unas proporciones más esbeltas y

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un dinamismo mucho mayor, al mismo tiempo que avanzó en el análisis de aspectos plásticos puramente escultóricos como la relación lleno-vacío. Se consideran obras suyas el Apoxiomenos y el Ares Ludovisi, atribuyéndosele el Hércules Farnesio. Fue el escultor favorito de Alejandro.

A diversos ciclos y autores pertenecen otras obras maestras del momento como pueden ser el Apolo del Belvedere, la Amazona herida y la Victoria de Samotracia.

Durante el helenismo es posible seguir algo mejor la evolución de la escultura que la de la arquitectura. En una primera fase (323-250 a.C.) se mantuvieron los ideales plásticos fijados por Lisipo cuya obra, llena de variedad, era susceptible de diversas interpretaciones.

El periodo helenístico medio (250-150 a.C.) estuvo dominado por la escuela de Pérgamo pues es en ella en la que se producen las innovaciones más interesantes y de mayor trascendencia plástica, en especial un aumento de la valoración del "pathos", siguiendo los modelos usados por Skopas, que abrirá el camino del denominado barroco helenístico; es ahora cuando comienzan a tener éxito las representaciones de los momentos extremos de la vida como la niñez en el Espinario o la vejez en la Vieja ebria, o la desnudez femenina que ahora es ejemplo, también, de sensualidad, o la violencia con la que pueden manifestarse los atletas. En Pérgamo se construyen el monumento de Atalo I en el que conmemora su victoria sobre los gálatas de entre cuyas esculturas destaca el Gálata moribundo aunque la obra maestra de la escuela es el Altar de Zeus, en Pérgamo, reconstruido en el Museo de Berlín.

La producción escultórica de la escuela de Alejandría es interesante, destacan la Alegoría del Nilo o los diferentes retratos de la dinastía ptolemaica, aunque los modelos egipcios influyeron bastante en las formas de vida, la cultura y la plástica griega de la zona.

En la escuela de Rodas se desarrolló una intensa e interesantísima actividad escultórica que a mediados del siglo II a.C. había producido alguno de los ejemplos más significativos del helenismo y continuará haciéndolo con obras como el Laooconte (de Agesandro, Polidoro y Atenodoro); viculable a esta escuela se puede citar el Toro Farnesio (de Apolonio y Táurico de Tralles) que conservamos en copia romana excesivamente restaurada.

A finales del siglo I a.C. los talleres parecen más preocupados por producir copias y falsificaciones del arte del periodo clásico que en buscar nuevas posibilidades plásticas.

OTRAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS

La cerámica más característica del periodo arcaico es la de las figuras negras que surge en Corinto pero que se desarrollará en Atenas. Existen dos tendencias: la miniaturista (Vaso François) que presenta figuras humanas distribuidas en bandas y un segundo tipo en el que las

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figuras se extiende por toda la superficie con mayor libertad; en los últimos momentos del periodo aparece la cerámica de figuras rojas. La cerámica es importante porque no se han conservado otros restos de pintura posibilitando, por tanto, que nos hagamos una pálida idea de lo que pudieron ser las manifestaciones en las que los griegos consideraban que habían alcanzado sus mayores cotas de creatividad plástica, además de ser un excelente instrumento para conocer la vida cotidiana de la época.

El más notable pintor del periodo de transición entre el arcaísmo y el clasicismo fue Polignoto de Tassos del que sólo tenemos referencias puesto que nada nos ha quedado de su obra; la cerámica ya no podía seguir los progresos pictóricos y se encuentra en una fase de indecisión técnica; gracias a la pintura etrusca podemos hacernos idea de cómo pudo ser la pintura griega del momento

Durante el periodo clásico, fueron muy celebradas las pugnas (texto 10) entre los pintores Zeuxis y Parrasio sobre su supuesta habilidad en la representación que nos harían sonreír hoy si tomamos como ejemplo la cerámica de figuras rojas, que es un trasunto de aquellas, en las que era escasísima, además, la variedad de colorido; sin embargo, podemos reconstruir, gracias a ella, los intentos de los artistas por dominar el movimiento y el espacio.

Progresivamente se observa una profundización en el realismo; según los textos, Apeles (texto 11), el pintor de Alejandro (que le llegó a ceder alguna de sus amantes), realizó un caballo ante el que relinchaban sus congéneres. La progresiva complejidad de las composiciones puede verse claramente en el mosaico con la Batalla de Issos.

La cerámica había perdido posibilidades frente a la pintura y busca sus propios medios expresivos usando la mancha y la línea sugerente y dinámica (vasos blancos). Los pocos restos que poseemos y la importancia que el helenismo tiene para la pintura romana determina que se estudie en ese capítulo.

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TEXTOS

Texto 1...Las formas más elevadas de lo bello son el orden, la simetría,

lo definido, y es ahí, sobre todo, donde aparecen las ciencias matemáticas. Y puesto que estas formas -el orden y lo definido- son causas manifiestas de una multitud de efectos, es evidente que las matemáticas debemos considerarse como causa, desde un cierto punto de vista,... de (...) lo bello.ARISTÓTELES.- Metafísica

Texto 2A Minerva, a Marte y a Hércules se les harán templos dóricos;

porque a estos dioses, en razón de su fortaleza, les corresponden edificios sin la delicadeza de los otros órdenes.VITRUBIO.- Diez libros de arquitectura

Texto 3Los monumentos se elevaban con una grandeza que imponía,

con una belleza y una gracia inimitables. Los artistas se esforzaban en el reto de destacar por la perfección técnica del trabajo, pero lo más admirable fue la rapidez de la ejecución. Todas estas obras, de las que cada una parecía necesitar de sucesivas generaciones para ser terminada, se encontraron totalmente acabadas durante el periodo de apogeo de una única carrera política. (...) La admiración por los monumentos de Pericles crece, puesto que fueron hechos en poco tiempo y destinados a una larga duración. Cada uno de ellos, apenas terminado, era tan bonito que ya tenía el carácter de lo antiguo y tan perfecto que ha conservado hasta nuestra época el frescor de una obra reciente; de tal manera brilla siempre en ellos una especie de flor de juventud que ha preservado su aspecto del paso del tiempo. Parece como si estas obras tuviesen un soplo siempre vivo y un alma inaccesible a la vejez (...) Fidias fue quien hizo la estatua de oro de la diosa, como lo prueba la inscripción de su nombre en la estela. Lo supervisaba casi todo y, como ya he dicho, mandaba por encima de todos los artistas, a causa de la amistad que le profesaba Pericles.PLUTARCO.- Vidas paralelas

Texto 4Scopas tuvo por contemporáneos y rivales a Bryaxis, y Timotheo

y Leochares, de los cuales es necesario hablar a un mismo tiempo, ya que trabajaron conjuntamente en el Mausoleo; se llama así la tumba erigida por Artemisa a su marido Mausolo, pequeño rey de Caria, muerto el año segundo de la centésimo sexta Olimpiada. Gracias sobre todo a estos artistas dicha obra se encuentra entre las siete maravillas. El lado del mediodía y el del norte tienen sesenta y tres pies; los frentes son menos extensos. La totalidad del perímetro tiene cuatrocientos once pies; la altura es de veinticinco codos. Aparece rodeado de treinta y seis columnas. se le llamó Pteron; la parte de delante fue hecha por Scopas, la del norte por Bryaxis, la del mediodía por Timotheo y la del poniente por Leochares. Antes de su conclusión, la reina murió, pero los artistas no

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abandonaron la obra antes de haberla terminado, pensando que se trataba de un monumento para su gloria y la del arte. (...) Encima del Pteron hay una pirámide tan alta como el edificio inferior. Formada por veinticuatro gradas de tamaño decreciente, termina en una plataforma donde hay una cuadriga de mármol, hecha por Pytheos. Esta adición dio a la obra una altura de ciento cuarenta pies.PLINIO EL VIEJO.- Historia Natural.

Texto 5Una doncella de Corintio, apenas núbil, enfermó y murió; su

nodriza fue a poner sobre su tumba, en un canastillo, algunos de los objetos que a la muchacha más habían agradado en vida, y para que pudiesen conservarse a la intemperie más tiempo sin estropearse, tapó la cesta con un ladrillo. Por casualidad vino a quedar el canastillo sobre la raíz de una planta de acanto. Oprimida luego por el peso del canastillo, esta raíz de acanto que estaba en medio comenzó en primavera a echar tallos y hojas, que fueron creciendo a los lados de la cesta, y tropezando con los cantos del ladrillo, por efecto de la presión, tuvieron que doblarse, produciendo los contornos de las volutas.

El escultor Calímaco... la reprodujo en las columnas que hizo después para los de Corinto...VITRUBIO.- Los diez libros de arquitectura

Texto 6Dicen que Dédalo construyó unas esculturas que caminaban por

sí mismas. Me parece inadmisible que una estatua camine por sí misma. Ved aquí la verdad: los escultores e imagineros de la época ejecutaban los pies y las manos de manera simétrica y unidos al cuerpo. Sin embargo Dédalo fue el primero que realizó una estatua con un pie en actitud de avanzar. Por esto la gente solía decir: "Dédalo no sólo ha conseguido que la estatua se aguante de pie, sino también que camine".PALÉFATO.- Historias increíbles

Texto 7En todos los lugares a los que ha llegado la fama del Júpiter

Olímpico, Fidias, sin ninguna duda, es considerado como artista muy ilustre (...) Citaremos sólo pequeñas particularidades que demuestran lo ingenioso que era. Para esto no aludiremos a la belleza de su Júpiter Olímpico ni a la grandeza de su Minerva de Atenas, que tiene 26 codos y es de marfil y de oro; pero en la cara convexa del escudo de la diosa cinceló el combate de las Amazonas; en la parte cóncava de este mismo escudo, la batalla de los dioses y los gigantes; y en la suela de sus zapatos, la de los lapitas y los centauros: ¡hasta tal punto su arte se podía localizar en los espacios más pequeños! Denominó nacimiento de Pandora a lo que cinceló en el pedestal (...) Sean dichas de paso estas cosas de un artista que jamás será lo suficientemente alabado; que sean dichas también para demostrar que aquella grandeza de genio estuvo también en las cosas pequeñas.PLINIO EL VIEJO.- Historia Natural

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Texto 8La belleza reside, no en la proporción de los elementos

constituyentes, sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro dedo, y entre todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el antebrazo y entre el antebrazo y el brazo, en realidad entre todas las partes entre sí, como está escrito en el Canon de Policleto. Para enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Policleto apoyó su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con los principios de su tratado y llamó a la estatua, como al tratado, Canon.GALENO.- De temperamentis

Texto 8Policleto de Sición, discípulo de Agélades, hizo el Diadúmeno,

figura de un hombre joven, lleno de suavidad (...) y el Doríforo, figura de niño, llena de vigor y denominada canon por los artistas que estudian sus formas como una especie de ley (...) Sin embargo, Varrón dice que estas figuras son cuadradas y casi todas ellas hechas con el mismo patrón.PLINIO EL VIEJO.- Historia Natural

Texto 10Las puertas del arte habían sido abiertas por Apolodoro; Zeuxis

de Heraclea las flanqueó el cuarto año de la 95 olimpiada y el pincel, pues del pincel hablamos aún, llegó en sus manos a la gloria más alta (...) Más tarde determinó regalar sus obras porque decía que ningún precio era suficiente para pagarlas (...) También hizo un atleta, del que quedó tan contento que escribió en su base este verso que llegó a ser célebre: "con más facilidad llegaré a ser aborrecido que criticado" (...) Tuvo por contemporáneos a Timantes, Andrócide, Eupomo y Parrasio. Se dice que este último presentó combate a Zeuxis. Éste presentó unos racimos pintados con tal realismo que los pájaros vinieron a picotearlos; el otro trajo un cortinaje, representado de manera tan natural que Zeuxis, fiándose en el resultado de los pájaros, pidió que se corriera el cortinaje para poder ver el cuadro. Entonces, dándose cuenta de su ilusión, reconoció con modesta sinceridad que había sido vencido, puesto que él había engañado a unos pájaros, pero Parrasio había engañado a un artista, precisamente a Zeuxis.PLINIO EL VIEJO.- Historia Natural

Texto 11Apeles tenía una costumbre que nunca olvidaba: por más

ocupado que estuviera, no dejaba pasar ningún día sin ejercitar su arte con algún trazo; este hábito dio lugar a un proverbio. Cuando había terminado un cuadro lo colocaba sobre unas tablas, a la vista de los que pasaban, escondiéndose detrás; escuchaba las críticas que de él se hacían, considerando el juicio del público más exacto que el suyo.PLINIO EL VIEJO.- Historia Natural

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BIBLIOGRAFÍA:

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