Historia del teatro IIEscuela de Iniciación Artística no. 1Navarro Delgado Christopher

El teatroen la era BurguesaDe la Ilustración al Romanticismo

I

a) El teatro como institución moralDiderot y Voltaire

Denis Diderot1713 – 1784 Fue una figura decisiva de la Ilustración como escritor, filósofo y enciclopedista francés. Reconocido por su empuje intelectual y su erudición, por su espíritu crítico así como su excepcional genio, marcó hitos en la historia de cada uno de los campos en los que participó: sentó las bases del drama burgués en teatro, revolucionó la novela conJacques le fataliste o La religiosa y el diálogo con La paradoja del comediante, y, por otra parte, creó la crítica a través de sus salones.

En conjunto con Jean-Baptiste le Rond d’Alembert alentó, supervisó la redacción, editó y compiló una de las obras culturales más importantes de la centuria: L'Encyclopédie, obra magna compuesta por 72 000 artículos, de los cuales unos 6000 fueron aportados por el propio Diderot.

Nadie había reflexionado antes sobre el hecho siempre misterioso de que una persona represente a otra persona mediante la imitación y la asunción de actitudes, palabras, gestos, incluso carácter y aspecto físico, que no es otra que la tarea que desde sus comienzos ha realizado el actor.

En su libro, “La paradoja del comediante, escrito en forma de diálogo, trata de deshacer equívocos y supuestos de uso corriente en su época acerca de la interpretación de los actores. Contra lo que por lo común se podía pensar, el actor debe emocionar al público, no emocionarse él, para lo cual debe tener capacidad de discernimiento, quedar libre de su propia sensibilidad y desarrollar mediante técnicas especiales su capacidad de imitación y de reflexión.

El actor debe recurrir a su imaginación y a su memoria, y que todos los elementos han de ser procesados y ordenados racionalmente. Imaginación y memoria son las dos facultades con las que debe contar necesariamente el actor; la representación mental de una circunstancia pasada, el recuerdo, es la forma más elemental de la imaginación.

Sobre este material, el actor no debe sentir, sino representar los signos externos del sentimiento; gestos, palabras, voz, ritmo, todo forma parte de la imitación que se forma a partir de la memoria. El actor no puede padecer dolor, ni melancolía, no puede estar alterado, sino utilizando lo trabajado en los ensayos como una técnica, de lo cual se libera después de su representación.

La paradoja del comediante consiste precisamente en esto: el actor suscita emociones o sentimientos sin sentirlos él mismo, sino que deben ser los espectadores los que reciban la emoción. El actor concibe su personaje como una ficción, una ilusión, un recuerdo que no le condiciona afectivamente, en tanto que los espectadores identifican al actor con el personaje.

El mejor actor es el que es capaz de olvidarse por completo de sí mismo para aplicar solamente una técnica mimética.

Voltaire (François Marie Arouet)(1694-1778) Escritor, historiador, filósofo y abogado francés que figura como uno de los principales representante de la Ilustración francesa, difusor de ideas liberales, llevó una vida agitada como intelectual perseguido. Enemigo de los Jesuitas, de la superstición y de la hipocresía religiosa. Consiguió introducirse en la alta nobleza como literato de la corte y tuvo algunos problemas con la justicia. Varios de sus escritos, especialmente un libelo en el que acusaba al regente Felipe II, duque de Orleans, de atroces crímenes, precipitaron su ingreso en la prisión de la Bastilla, donde permaneció once meses, tiempo en el que comenzaría su tragedia Edipo, basada en la obra del griego Sófocles, además de comenzar un poema épico sobre Enrique IV de Francia.

Como creador, el más prolífico de su siglo, Voltaire dejó su huella impresa en el pensamiento europeo. Cuando aun la filosofía alemana no había ofrecido los aportes de Kant y de Hegel, ni habían surgido las luminarias del "Sturm und Drang", con la figura olímpica de Goethe, Voltaire pudo impactar la cultura del mundo con su varia y multifacética personalidad volcada en obras de inmediata acogida.

Si bien logró asimilar durante su temprana estada en Inglaterra, las ideas de sus coetáneos ingleses Hume y Locke, los filósofos adelantados del racionalismo y la tolerancia, ninguno de ellos irradió las expresiones de su inteligencia iluminista, con tanta intensidad como Voltaire.

El género predilecto y constante de Voltaire fue, con toda evidencia, el teatro. Su carrera literaria empezó con una tragedia: Edipo y terminó con otra, Irene, estrenada en sus últimos días. Pero ni la una ni la otra -ni tampoco sus comedias- son consideradas representativas de su actividad como dramaturgo.

Produjo -aparte de sus comedias- 27 tragedias, estrenadas con diferentes niveles de éxito popular. Entre ellas quedan señaladas como las más estimables: Zaire (nombre de la esclava cristiana prisionera del Sultán) y Alcira (otro tema cristiano y esta vez americano, en la que se asume la defensa de la libertad), Mérope (acción ambientada en Grecia), Mahoma (alegato contra el fanatismo musulmán) y Tancredo (en escenario itálico). Con ellas Voltaire alcanzó el reconocimiento de su calidad comparable a la de Corneille y Racine y en ciertos aspectos, a la de Shakespeare.

El teatro de Voltaire ofrece la particularidad de que como el genial inglés, incorpora múltiples escenarios no nacionales. Así como Shakespeare ubicó su escena en ambientes italianos y Corneille incorporó el tema español en El Cid, y Racine desarrolló sus temas en el mundo bíblico y greco-romano, Voltaire es más amplio en sus textos dramáticos Grecia, Roma, Palestina, Turquía, la China y desde luego, América, y precisamente una en tierra peruana (Alcira). Al mundo antiguo se sumaba en su obra el mundo nuevo. En este último se ambientaron además sus novelas, El Huron o el Ingenuo (en Canadá) y Cándido (en Paraguay y el Perú de El Dorado).

b) Los grandes edificios teatrales de EuropaDurante la Ilustración se configuró científicamente la arquitectura teatral en base a las imprescindibles necesidades ópticas y acústicas para ver y oír lo mejor posible las representaciones. El edificio operístico, con unas especiales exigencias de mejorar su sonoridad en todo lo posible que eran semejantes a las de los mismos instrumentos musicales, compitió con el literario durante esta centuria y la mayoría de los corrales fueron desapareciendo o transformándose según penetraban en España las influencias arquitectónicas italianas y francesas. Ello sucedió así tras de un interesante período de debates, acaecido en Italia y Francia, sobre la mejor curva del auditorio que tuvo lugar inmediatamente después de acaecer el famoso incendio del Teatro de la Ópera de París y la necesidad de construir otro en su lugar. El debate, que generó la publicación de numerosas fuentes literarias sobre la arquitectura teatral, propiciaría el inicio del historicismo arquitectónico, la revisión de los diferentes modelos de teatros llegados de la Historia y, con él, el comienzo del eclecticismo arquitectónico.

c) La comedia burguesaEn Francia Marivaux y beaumarchais y en Italia Gozzi y Goldoni

Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux1688-1763 Novelista y dramaturgo francés olvidado por la crítica de su época, fue a partir del siglo XX cuando el teatro de Marivaux cobró mayor relieve. El actor Jacques Lasalle relata en un memorable texto cómo aquel teatro imperfecto, acusado de mimetismo, se volvía útil, pues su mejor carácter provenía de la escena italiana, la conocida Comedia del arte y, asimismo, de la tradición más ortodoxa de la Comedia Francesa en cuyas tablas todavía hoy resuena el estilo y la peripecia del autor de La vida de Mariana.

Justiciero y optimista como el siglo de las luces, el teatro de Marivaux, visto bajo punto de vista moderno, ha sido objeto de estudio, por ejemplo, del teórico Patrice Pavis quien le atribuye una naturaleza contemporánea en la medida en que, mediante juegos mágicos muy delicados, resulta ser un transgresor de costumbres y estereotipos.

Pierre Agustín de Beaumarchais1732-1799 Dramaturgo francés, su primera comedia, Eugenia, inspirada en un viaje que hizo a España para vengar el honor de su hermana, data de 1767. A la muerte de su socio, en 1770, la familia de éste acusó a Beaumarchais de falsificador.

En 1775 consiguió ver estrenada El barbero de Sevilla, escrita en 1772. Concebida como una opéra comique, él mismo se encargó de ponerle música, como más tarde hicieron Paisiello, Rossini y Morlacchi. En 1778 escribió Las bodas de Fígaro, protagonizada por los mismos personajes que la anterior. El antagonismo social que aparece en El barbero de Sevilla se acrecienta en la nueva comedia: amo y criado son puestos al mismo nivel, aunque se destaca el superior sentido práctico del segundo,Fígaro, y, por ende, el de su clase social. Aún seguiría una tercera parte, La madre culpable (1792), cuyo tono desengañado se corresponde con la situación creada por la Revolución de 1789.

Carlo Gozzi 

1720-1806 Escritor italiano, fue uno de los mayores representantes de la oposición al movimiento ilustrado de la Italia del siglo XVIII. Sus obras teatrales nacen como una reacción contra las obras de Pietro Chiari y Carlo Goldoni, a los que acusaba de ser malos escritores e inmorales.

Desde el principio creó un subgénero teatral nuevo parodiando las bagatelas escénicas de estos autores, la fiaba escénica, en la cual se mezclan sobre una endeblez temática cómica, lo fantástico y lo maravilloso, el cuento de hadas y la bufonada. Su debut teatral se produce en 1761 con El amor de las tres naranjas o Análisis reflexivo del cuento de hadas, llevado a la escena por la compañía de Antonio Sacchi, probablemente la última gran compañía de commedia dell'arte, inaugura una serie de diez adaptaciones teatrales de cuentos infantiles (fiabe teatrali) en las que se oponía al teatro ilustrado de Carlo Goldoni introduciendo en ellas personajes de la commedia dell'arte, desarrollando argumentos alejados del 'realismo' del rival y transmitiendo una ideología ultraconservadora opuesta a la de sus modelos parodiados. Probablemente la más importante de estas fiabe teatrali, por su transcendencia ideológica, sea L'augellino bel verde (El pajarillo verdebonito), aunque quizá la más famosa sea Turandot, montada, pocos años después de su estreno en Venecia, por Goethe y Schiller en Weimar y en cuyo texto, ya en el siglo XX, se inspiraron Renato Simoni y Giuseppe Adami para escribir el libretto de la ópera homónima de Puccini. Las fiabe de Gozzi tuvieron, gracias a su habilidad escénica, un éxito extraordinario.

Carlo Goldoni1707-1793 Dramaturgo italiano considerado como uno de los padres de la comedia italiana. Concibió, pues, la idea de reformar el teatro italiano eliminando las máscaras y bufonerías que abundaban por aquel entonces, y escribiendo comedias a la manera del dramaturgo francés del siglo XVII Molière, pero basándose en personajes y costumbres italianas. Entre 1748 y 1762 Goldoni escribió unas 150 comedias, que van desde La viuda astuta (1748) hasta Las riñas en Chioggia (1762). En 1761 Goldoni había dejado Venecia para dirigir el teatro italiano de París y en 1770 escribió una comedia en francés, Il burbero benefico (1849), para la boda del futuro rey Luis XVI y Maria Antonieta. En su retiro de Versalles escribió sus Memorias (1787). Le fue concedida una pensión real en 1787 pero como consecuencia de la Revolución Francesa se le revocó y Goldoni murió en la más absoluta pobreza.

d) La reformas escénicas de Gotsched. Lessing y el teatro nacional alemán

Johann Christoph Gotdsched1700-1766 Escritor, dramaturgo y crítico alemán. Como crítico, Gottsched insistió en que la literatura germana debía subordinarse a las reglas del clasicismo francés. Enunció reglas bajo las cuales las obras debían escribirse, aboliendo la extravagancia y la bufonería superficial, en obras que debían ser serias y moralizantes. Si bien con estas preceptivas intentaba corregir de manera saludable las extravagancias que se habían tornado descontroladas en la literatura alemana de la época, este autor quizás fue demasiado lejos. En 1740 entró en conflicto con los escritores suizos Johann Jakob Bodmer y Johann Jakob Breitinger (1701-1776), quienes bajo la influencia de Joseph Addison y de los críticos italianos contemporáneos, afirmaban que la imaginación poética no debía doblegarse bajo el imperativo de reglas artificiales. Ellos mentaban como ejemplo a los grandes escritores ingleses, sobre todo a Milton. Gottsched no fue ciego a la belleza de las obras de estos escritores ingleses, pero aun así siguió fiel a su principio de que la poesía debía ser el resultado de las reglas ineludibles del arte. Para él debe preferirse el juicio sobre el arte que esté de acuerdo con las reglas del arte y con las afirmaciones de los maestros.

Gotthold Ephraim Lessing1729-1781 Escritor alemán más importante de la ilistración, se convirtió en el pionero intelectual de la nueva autoconfianza de la burguesía. El estilo irónico y polemizante es característico de sus escritos teóricos y críticos. En este sentido su peculiar empleo del diálogo le ayudó a observar cada cosa desde varios puntos de vista e incluso a buscar trazas de verdad en los argumentos de su adversario. Nunca consideró que la verdad fuera algo estático, que alguien pudiera poseer, sino que entendió la búsqueda de la verdad como un proceso de acercamiento.

Muy pronto dirigió su interés hacia el teatro. En sus ensayos teóricos y críticos relativos a este tema, así como en sus propios trabajos como autor, intentó contribuir al desarrollo de un nuevo teatro burgués en Alemania. Se opuso a la teoría literaria de Gottsched y sus discípulos, que fue la generalmente aceptada en sus tiempos. Criticó particularmente la simple imitación de los dramaturgos franceses y abogó por el regreso a los principios clásicos de Aristóteles, así como por el acercamiento a la obra de Shakespeare. Fue precisamente Lessing quien inició la entrada de Shakespeare en Alemania, trabajando con varias compañías teatrales.

e) El clasicismo alemánGoethe, Schiller y en Viena Grillparzer

Johann Wofgang von Goethe1749-1832 Poeta, novelista, dramaturgo y científico alemán que ayudó a fundar el romanticismo, movimiento al que influenció profundamente. En palabras de George Eliot fue «el más grande hombre de letras alemán... y el último verdadero hombre universal que caminó sobre la tierra». Su obra, que abarca géneros como la novela, la poesía lírica, el drama e incluso controvertidos tratados científicos, dejó una profunda huella en importantes escritores, compositores, pensadores y artistas posteriores, siendo incalculable en la filosofía alemana posterior y constante fuente de inspiración para todo tipo de obras. Conoce a Friedrich von Schiller, dramaturgo alemán. La relación, que duró desde 1794 hasta la muerte de Schiller en 1805, fue transcendental para Goethe. Schiller animó también a Goethe para que volviera a trabajar en Fausto, cuya primera parte fue publicada en 1808. El periodo desde 1805 hasta su muerte en Weimar, fue muy productivo.

Friederich Schiller1759-1805 Poeta, dramaturgo, filósofo e historiador alemán. Se le considera junto a Goethe el dramaturgo más importante de Alemania,1 así como una de las figuras centrales del clasicismo de Weimar. Muchas de sus obras de teatro pertenecen al repertorio habitual del teatro en alemán. Schiller vivió durante la transición del absolutismo a la burguesía, la época de la Revolución francesa. Debido a que la burguesía no podía articularse políticamente dentro del absolutismo de los pequeños Estados que formaban Alemania, la literatura se convirtió a partir de la segunda mitad del siglo XVIII en su principal medio de expresión. El pathos y la sensibilidad en las obras de Schiller hasta 1785 son una expresión del desarrollo de lo humano, un principio que se opone al afán de dominación aristocrático. La tragedia burguesa como formato principal, además de la contraposición humanidad/dominación en los primeros dramas hasta Kabale und Liebe, reflejan este pensamiento.

Franz Grillasperzer

1791-1872 Dramaturgo austriaco. Su obra se encuadra en el estilo Biedermeier. Destacan sus tragedias (La antepasada) y los temas de la antigüedad (Sappho). Se ve influenciado por el teatro de Schiller (Blanca von Kastilien, 1809, por ejemplo) y por el del barroco español, al que consagró algunos estudios como hispanista; su cuento dramático El sueño, una vida está claramente inspirado en La vida es sueño, de Calderón de la Barca, y su pieza Die Judin von Toledo está fundada en la pieza del mismo título, La judía de Toledo, de Lope de Vega. Escribió sólo una comedia: ¡Ay del que miente!, que fue un fracaso al estrenarse, y dos narraciones: El convento de Sendomir y El pobre músico. Sus ensayos de tema español están recogidos bajo el título Studien zum spanischen Theater, en el tomo XVII de sus Obras completas.

f)El RomanticismoEl Romanticismo pretende retornar a las raíces, buscar la expresión misma y liberarse de los yugos de lo estricto del pensamiento, para dar paso a obras dinámicas y de exaltación de la individualidad humana. Se deja atrás la concepción aristotélica de los tres actos y se une la prosa con el verso en los textos, dando pie a relatos de angustia, fantasía o de liberación de sentimientos por medio de la palabra, sin importar lo que dictaba la razón.

El Romanticismo en España se ciñe al subjetivismo que plantea el movimiento, dando énfasis a los sentimientos de los personajes, que se relacionan directamente con sus estados anímicos, lo que es una consecuencia del cómo se siente el autor de la obra. Hay una orientación hacia lo depresivo, una tendencia hacia ese estado que se refleja en la literatura, así como la muerte, las sombras o la noche. También se incorporan los elementos sobrenaturales dentro del drama. José Zorrilla es el mejor ejemplo de los autores españoles de este tiempo y escribió célebres obras que son leídas hasta el día de hoy, en el Siglo XXI.

Sus relatos están cargados de espíritu nacionalista e histórico, donde la intriga juega un rol preponderante y las acciones son muy dinámicas; los personajes son simples, pero bien definidos, llegando a convertirse en arquetipos, como lo es el personaje seductor de Don Juan Tenorio.

g) El movimiento romántico

El romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:

La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento.

La primacía del Genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo.

Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista.

El liberalismo frente al despotismo ilustrado.

La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único.

La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas.

La nostalgia de paraísos perdidos (de la infancia o de una nación).4

La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.

TeatroRealismo en el

II

a) Descubrimiento de la problemática peculiar a través de

la crítica a las circunstancias político-sociales o por evocación histórica de las épocas paralelasLa segunda mitad del siglo XIX está dominada por dos tendencias literarias que tienen

su reflejo también en la literatura dramática y en la forma de representación teatral: el Realismo y el Naturalismo.

En Noruega, nace uno de los más grandes dramaturgos de esta segunda mitad del siglo XIX, Henrik Ibsen, al que se considera el gran innovador y el creador del teatro realista moderno. La obra de Ibsen se ajusta el concepto de la “obra bien hecha”, aquella en la que la estructura interna y externa encajan perfectamente, con una gradación ascendente de la tensión dramática y una distribución siempre equilibrada de fuerzas psicológicas.

La obra maestra de Ibsen es Casa de muñecas”, que es un alegato a favor de la liberación de la mujer, lo que creó un gran escándalo y revuelo social. Sin la obra dramática de Ibsen sería inconcebible el desarrollo posterior del teatro en el siglo XX.

En Rusia, el Realismo se convirtió en teatro psicológico con la obra de Antón Chejov, cuyo éxito es inseparable de la fundación del Teatro del Arte de Moscú por Stanislavski y Dachenko. Otros realistas cuya obra también está ligada a este teatro son Tolstoi y Máximo Gorki.

 A mediados del siglo XIX, Europa un movimiento cultural que pretendía acabar con las tendencias implantadas por el romanticismo. Se trataba de una reacción frente al “arte por el arte”, como consecuencia del cansancio producido por lo imaginativo y pintoresco. Pretendía observar objetivamente a las personas y la sociedad.

Estas influencias se hicieron notar en el teatro español a principios del siglo XX. Las obras de carácter exótico y las de aventuras dieron paso a la configuración de obras dramáticas que representaban los valores e inquietudes de la burguesía emergente.

b) El drama de crítica social, la comedia costumbrista y el drama histórico

realista nuevos medios escenográficos y nuevos medios de representaciónEl teatro realista, no se plantea presentar en el escenario la vida tal como era, sino hacer una critica de la situación social.

El teatro realista se caracteriza por su verosimilitud, exactitud en el vestuario e indumentaria, reproducción fiel de los ambientes e interés por los temas contemporáneos a los autores. Al moverse en un espacio escénico que representa una realidad cotidiana con muebles y utensilios de uso diario, y al tratar asuntos familiares y asuntos de total actualidad. Es el teatro de la burguesía que ha durado casi hasta nuestros días y que era, que gustaba de verse representada en la escena siempre que la realidad no fuese mostrada con demasiada crudeza, ni la crítica fuese muy dura. El teatro realista perdía parte del realismo al maquillarse la realidad para presentarla al público burgués sin molestarlo y perder el autor su clientela. La censura se encargaba de no permitir la representación de obras que no reprodujesen la ideología y moral dominante, proscribiendo a los dramaturgos que transgredían dichas normas.

Los temas más tratados en el teatro realista son la familia y el dinero. Los personajes son esquemáticos y unilaterales, sin personalidades complejas. Son obras de muy bajo nivel, de resultados mediocres e inmaduros.

Algunas obras que destacan de la mediocridad:

La dama de las camelias de Alexandre Dumas, que trata de la redención espiritual de una cortesana.

El inspector de Gógol, critica de la sociedad burocrática rusa inepta y corrompida.

La gaviota de Chéjov, trata de las relaciones amorosas de cuatro personajes que tienen en común su dedicación al arte; dichos personajes intentan conciliar vida y arte, ética , pero ninguno la consigue y, al final de la obra, una gaviota herida, símbolo del amor y del arte valientes, vuela sobre los personajes.

Casa de muñecas de Henrik Ibsen, denuncia la situación de la mujer en la casa.

Un enemigo del pueblo, análisis de la ignorancia política y mezquindad humana, y El pato salvaje, en la que se estudia el tema de la falsedad de la vida.

El dramaturgo noruego es considerado el creador del teatro psicológico, caracterizado por la crítica de la sociedad y sus convencionalismos y la defensa de la autenticidad de la persona, de la individualidad frente a la clonación social, de la personalidad frente a la imposición de la moral dominante.

El Realismo en teatro presenta un lenguaje cotidiano y familiar y sus personajes no sólo hablan en forma natural, sino que poseen una psicología de seres comunes; sus acciones se asemejan todo cuanto se pueda a las acciones de la gente real. Representadas sobre el escenario tienen que convencer al público de que la acción que desarrollan podría darse en la vida. Teatralmente, estas obras tienen dos importantes retos; una es alcanzar la elevación de espíritu y expresión, y otra conseguir el efecto dramático sin perder la sensación de naturalidad. Los vestuarios y escenografías, rigurosos y fieles a la realidad, y el escenario de “medio cajón” tenderían precisamente a proporcionar esta sensación ilusoria de estar contemplando algo que sucede realmente.

c) El historismo MeiningerLos Meininger, o compañia de los Meininger, es como se conoce a la compañía de teatro a cuyo frente estuvo Jorge II, duque de Meiningen, desde 1866 hasta 1914, fecha de su muerte.

 

Los Meininger significó la puesta en práctica en Alemania de las nuevas teorías sobre teatro que se estaban desarrollando en la segunda mitad del siglo XIX, en las que se da relevancia a las diferentes artes y técnicas que confluyen en la representación teatral; y en las que aparece, o reaparece, la figura del director como inductor y coordinador de todas ellas.

 

Con su dilatada actividad cercana a los cincuenta años dentro y fuera de Alemania, Los Meininger dirigidos por el Duque Jorge II influyeron en la renovación del teatro europeo y en teóricos del teatro de su tiempo y posteriores.

 

Los Meininger desarrolló un teatro realista en el que destacó la fidelidad al texto del autor y a la contextualización de la obra con decorados, vestuario y utilería fiel reflejo de la época y escena representada, aportando una dirección de actores que escapó al individualismo del actor-divo integrándolos en un conjunto al servicio de la dramaturgia.

d) Heinrik Ibsen1828-1906 Es considerado el más importante dramaturgo noruego y uno de los autores que más han influido en la dramaturgia moderna, padre del drama realista moderno y antecedente del teatro simbólico.En su época, sus obras fueron consideradas escandalosas por una sociedad dominada por los valores victorianos, al cuestionar el modelo de familia y de sociedad dominantes. Sus obras no han perdido vigencia y es uno de los autores no contemporáneos más representado en la actualidad.La obra dramática de Henrik Ibsen puede dividirse en tres etapas. Una primera etapa romántica que recoge la tradición y el folclore noruego. En estas obras retrata lo que él consideraba defectos del carácter noruego. Brand (1866), Peer Gynt (1868)Una segunda etapa sería la que se ha llamado realismo socio-crítico. En esta segunda etapa Ibsen se interesa por los problemas sociales de su tiempo y los convierte en tema de debate. Los estrenos de sus obras se convirtieron en grandes polémicas cuando no en grandes escándalos. Ibsen en estas obras cuestiona los fundamentos de la sociedad burguesa. Casa de muñecas (1879), Espectros (1881), Un enemigo del pueblo (1882)La tercera etapa de Ibsen es la simbolista, en esta etapa predomina un sentido metafórico. Son obras significativas de esta etapa: La dama del mar (1888), Hedda Gabler (1890) y El maestro constructor (1892).

teatroNaturalismo en el

III

a) Nuevas técnicas escénicasEl Naturalismo, como tendencia literaria, implica otros principios más complicados, basados en teoría científicas que aparecen en aquella época, y afecta más a los temas y al tratamiento de personajes y acciones. Considera el Naturalismo que los seres humanos están gobernados por leyes de la herencia y por influencia del medio; de un modo inexorable están condicionados sin remisión; cada hombre o mujer es lo que es debido a su herencia biológica y al medio en que se desenvuelve. Sin libertad y sometidos a leyes naturales, ningún ser humano puede alcanzar la felicidad. Tanto en narrativa como en teatro, la obra naturalista no es sino el intento de presentar una parte de la realidad, observada con frialdad y distancia y transmitida fielmente.

b)Aparecen los héroes colectivos• La fisiología como motor de la conducta de los

personajes;• Sátira y denuncia social. La novela naturalista no

vale como simple pasatiempo, es un estudio serio y detallado de los problemas sociales, cuyas causas procura encontrar y mostrar de forma documental

• Concepción de la literatura como arma de combate político, filosófico y social;

• Argumentos construidos a la sombra de la herencia folletinesca y orlados de un abrumador.

• Feísmo y tremendismo como revulsivos. Puesto que se presentan casos de enfermedad social, el novelista naturalista no puede vacilar al enfrentarse con lo más crudo y desagradable de la vida social.

• Adopción de los temas relativos a las conductas sexuales como elemento central de las novelas. No se trata de un erotismo deleitoso y agradable, sino que es una manifestación de enfermedad social, suciedad y vicio. Por ello, frecuentemente el novelista naturalista se centra en el mundo de la prostitución, vista como lacra social y como tragedia individual. El público confundía sin embargo a veces naturalismo con pornografía, lo que no era la intención de los naturalistas. Estos critican con frecuencia la literatura folletinesca que trastorna la percepción de la realidad.

c) El director es el centro de la escenografía y la crítica El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral moderno. Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueran organizadas y unificadas por un individuo, la idea de un director que interpreta el texto, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y da cohesión a la producción, es algo moderno. Durante mucho tiempo, en la historia del teatro, la función del director era asumida por el autor de la obra. En el siglo XVIII y parte del XIX, el director era a menudo el actor principal de la compañía, el actor-gerente.

La creciente dependencia de las cuestiones técnicas, los efectos especiales, el deseo de precisión histórica, la aparición de autores que no se involucraban directamente en la producción y la conveniencia de interpretar aspectos psicológicos del personaje, crearon la necesidad de un director. El duque Jorge II de Saxe-Meiningen, que regía sobre los actores en su teatro ducal de Meiningen (Alemania), está considerado como el primer director. El primer director naturalista en Francia fue André Antoine, cuyo pequeño Théâtre Libre produjo muchas obras naturalistas nuevas. Antoine intentó imprimir detalles realistas en todos sus decorados e instruía a sus actores para comportarse sobre el escenario como si estuvieran en una habitación cualquiera.

d) Surgen nuevas formas estilísticas y teatralesEn Francia, el Naturalismo amplia la afición al teatro; existen dos teatros nacionales y numerosos teatros de los llamados de bulevard, que ofrecen melodramas y vodeviles, comedias y espectáculos musicales. Sin embargo, el local donde los naturalistas estrenaron sus obras fue el Teatro Libre de André Antoine, que era una sala pequeña en la que se estrenaban obras de nuevos autores, lo que llevó a la ruina a su fundador, pero tuvo grandes repercusiones en la renovación del teatro. El Teatro Libre de Antoine era el verdadero escaparate del Realismo y fundó el modelo de teatro experimental que luego se seguiría en el resto de Europa y en Estados Unidos. Supuso una renovación en la forma de interpretar, pues hizo que los actores hablaran y se movieran como seres humanos reales, eliminando algunas convenciones estereotipadas, como la norma de no dar la espalda al público. Utilizaba decorados realistas, con muebles reales de la época, sin usar bambalinas ni telones. Por desgracia su trabajo resultó un fracaso económico, aunque un gran triunfo del teatro, pues su proyecto logró encontrar una forma realista de representar, humanizó la actuación, estimuló la creación de nuevos dramaturgos y creó la idea de los conjuntos actorales, en contra de la figura individual del gran actor rodeado de mediocridades sin coordinación.

e) El escenario giratorio, el horizonte redondo, proyectores de numerosos colores

f)Aparecen los Teatros Libres

André Antoine1858-1943 Fue director de escena, autodidacta, fundador y animador del Théâtre Libre en París. Innovó el mundo de la escena francesa e internacional influenciado por las teorías sobre teatro naturalista de Taine y de Zola. Se le considera como el primer director de escena modernoEl Téâtre Libre sirvió de modelo para que pronto surgiesen numerosas pequeñas salas de teatro independiente en diferentes países de Europa y América.Antoine con sus montajes innovó el mundo de la escena. Huyó de la afectación y el artificio y sus representaciones se caracterizaron por la sencillez y la naturalidad. Modificó la interpretación; si hasta entonces la compañía giraba en torno a su actor o actriz principal, en sus montajes consideró la importancia de todos los actores, que cada miembro del reparto actuara en función de los requerimientos de su personaje y de la obra; los actores deberían comportarse con naturalidad, no decir su discurso de cara al público sino actuar como si éste no existiese, moverse con libertad, sin importar que en algún momento saliesen de su campo visual o hablar de espaldas a éste, comportarse como lo harían en la vida real. Igualmente, modificó los hábitos en escenografía sustituyendo los bastidores de tela pintada por mobiliario; puertas y ventanas dejaron de ser elementos simulados y se convirtieron en auténticas puertas y ventanas practicables. Llegó al extremo de, en una obra (Los carniceros), utilizar auténticas piezas de carne o que en otro de sus montajes (La tierra) se pasearan por el escenario un grupo de gallinas. Todo esto, insólito en su época y también muy criticado.

Otto Brahm1856-1912 Fue un crítico, director y gerente de teatro. Brahm fue primeramente crítico de teatro y desde 1889 redactor-jefe de la recién fundada revista “Freie Bühne für modernes Leben” (“Escena libre para una vida moderna”) que pronto se reveló como medio de expresión del naturalismo en Alemania. El objetivo fue expresado de un modo bien patético: El lema (“Bannerspruch”) del nuevo arte, definido en letras doradas por los espíritus dirigentes, es una sola palabra: Verdad… Verdad que debemos ambicionar y reclamar en cada sendero de la vida… No la verdad objetiva que rehuye al que lucha, sino la Verdad individual creada libremente desde la más íntima convicción y libremente expresada: la Verdad del espíritu independiente”

g) Antón ChéjovComo dramaturgo escribió unas cuantas obras, de las cuales cuatro son las más conocidas. Dejó de escribir obras teatrales después de la mala acogida que tuvo su obra La gaviota (en ruso: "Чайка") en el año 1896 en el estatal (imperial) Teatro Alexandrinski de San Petersburgo. Sin embargo, esta misma obra tuvo un gran éxito en el año 1898, interpretada por la compañía Teatro del Arte de Moscú de Konstantín Stanislavski, por lo cual representó también Tío Vania ("Дядя Ваня"), Las tres hermanas ("Три сестры") y El jardín de los cerezos ("Вишнëвый сад").

EL teatroEn la época contemporánea

Primera parte del sigloXX

IV

a) Konstantín Stanislavki1863-1938 Actor, director y pedagogo teatral. Tras participar en varios movimientos de vanguardia, en 1898, con Nemirovich-Danchenko, fundó el Teatro de Arte de Moscú, que puso en escena las grandes obras de Chéjov. Pronto empezó a desarrollar su sistema de interpretación, que pretendía que el mundo emotivo de los personajes fuera proyectado al espectador de forma verídica y alejado de toda artificialidad, en un efecto de «realismo psicológico». Después de la revolución soviética se dedicó exclusivamente a su trabajo de investigación, expuesto en sus libros Un actor se prepara y La construcción del personaje, ambos de influencia determinante en el teatro europeo y estadounidense, y en los que desarrolla su teoría de la actuación como «suma dramática» entre técnica interior y exterior.

b) Paul Fort(1872-1960) Poeta, dramaturgo y periodista francés, nacido en Reims (en el departamento de Marne) en 1872, y fallecido en Monthléry (Champagne) en 1960. Autor de una extensa e inspirada producción lírica de nítido aliento popular, es también recordado por su importante labor de promoción cultural al frente del célebre Théâtre d'Art fundado por él mismo, desde el que se opuso la primera reacción simbolista contra el gastado naturalismo que seguía reiterándose hasta el agotamiento en los restantes escenarios europeos.

c)Maurice Maeterlinck1862-1949 Fue un dramaturgo y ensayista belga de lengua francesa, principal exponente del teatro simbolista. Maeterlinck, junto a los grandes dramaturgos (Henrik Ibsen, Antón Chéjov, August Strindberg y Hauptmann) contribuyó a la transformación de la concepción del drama. De 1889 a 1894, publica ocho obras en las que se expresan estados anímicos en un mundo irreal y simbólico. Bajo estas características destacan tres conceptos: el drama estático (personajes inmóviles, pasivos y receptivos ante lo desconocido); el personaje sublime (que lucha inútilmente contra la muerte, el Destino o la Fatalidad); la tragedia cotidiana (ningún heroicismo, el simple hecho de vivir es ya una tragedia). La acción, mediante la interpretación de los actores, debe sugerir los estados de ánimo hacia su destino, el sueño lento hacia la fatalidad.

Lugné-Poe (Aurélien Marie Lugné)1869-1940 Fue un actor y director teatral de nacionalidad francesa, conocido principalmente por su trabajo en el Teatro de l'Œuvre, uno de los primeros teatros franceses en representar obras del movimiento simbolista a finales del siglo XIX. Más destacado fue que Lugné-Poe presentó al público francés las obras de los dramaturgos escandinavos August Strindberg y Henrik Ibsen.

Creó, junto a Camille Mauclair y Édouard Vuillard, una compañía llamada "La Maison de l'Œuvre" o " Théâtre de l'Œuvre" (1893-1929), un colectivo privado de actores y espectadores con un teatro experimental que iba contra el movimiento naturalista, y que contribuyó al movimiento teatral simbolista y al descubrimiento de nuevos dramaturgos. Él dirigió el Théâtre de l'Œuvre hasta 1899. Su Ubú rey de Alfred Jarry, presentado en 1896 con Firmin Gémier en el papel del título, se convirtió en una referencia. Tras cerrar l'Œuvre, montó, junto a su compañera Suzanne Desprès, piezas de William Shakespeare, Maurice Maeterlinck, André Gide, Máximo Gorki, Oscar Wilde y Émile Verhaeren, en París y en el extranjero.

e) Simultaneidad de formas contradictoriasEspersioniso, surealismo, futurismo, innovaciones y realizaciones de importantes directores: Adolphe Appia, E.Gordon Craig, Max Reinhardt, Cupeau, Elia Kazan, Jouvet, Dullin, Barrault

ExpresionismoEl expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra. Las obras, de autores como Georg Kaiser y Ernst Toller, eran episódicas y empleaban un lenguaje entrecortado y de imágenes intensas. Los personajes individuales eran reemplazados por tipos de repertorio y figuras alegóricas, en la línea de los autos, y las obras giraban en torno al tema de la salvación de la humanidad. O'Neill, que estaba bastante influido por Strindberg y los expresionistas, empleó muchas de sus técnicas en algunas de sus obras, como El emperador Jones (1921) y Extraño interludio (1928) para explorar la mente de sus personajes.

SurrealismoSe distingue principalmente por tratar sin censura del orden moral los temas como las ansias y obsesiones ocultas, los complejos sexuales, la muerte, la crueldad: 'lo horroríficamente bello', 'la sorpresa como factor poético', 'lo maravilloso', 'la crueldad', 'el mal', 'el sueño actualizado', 'lo barroco'.

 

Lo propio de este teatro es representar lo imposible como posible, la irrupción de las fuerzas del sueño, la explosión del humor negro, cruel, absurdo. Este teatro rechaza el retrato psicológico del hombre e intenta llegar a lo más escondido de la personalidad humana, lo cual en práctica dramática se manifiesta en la multiplicación de imágenes de personajes (dobles y triples). Estas obras rompen con la técnica dramática convencional y la técnica de representación, y dan una función nueva al espectador contando con una reacción colectiva y liberadora.

FuturismoEl llamado teatro sintético del futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y sólo se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia.

La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente machista, misógina y provocadora. Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el saneamiento de un mundo anacrónico y decrépito, y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica.

Adolphe Appia1862-1928 Fue uno de los escenógrafos más famosos gracias a sus concepciones del espacio en el teatro, a menudo en referencia a Wagner. Rechazó la representación en dos dimensiones para poner en valor una puesta en escena tridimensional, porque creía que los matices de la sombra eran tan necesarios como la luz, lo que formaba cierta conexión entre el actor y su espacio de representación, entre el tiempo y el espacio. Gracias a su trabajo sobre la intensidad de la luz, el color y la manipulación, Appia creó una nueva perspectiva de concepción escénica y de iluminación. su frase era “el principio de todo diseño es la luz”.

 

Opuesto a los decorados históricos realistas, influenció profundamente por su obra y sus escritos a la reforma de la estética de la puesta en escena teatral de inicios del siglo XX, como aquella llevada a cabo por Jacques Copeau. Muchos directores y diseñadores fueron inspirados por su trabajo. Una de las principales razones de la influencia de Adolphe Appia y de sus teorías fue que trabajó durante un período en el cual acaba de aparecer la electricidad. Otra razón de su notoriedad fue su capacidad de conceptualizar y de filosofar respecto a muchas cosas.

 

Appia veía la luz, el espacio y el cuerpo humano como elementos maleables que podían ser unificados, lo que permitía crear una puesta en escena unificada. Fue uno de los primeros en comprender el potencial de la luz. Sus escenas de Tristán e Isolda y de El anillo del nibelungo han influido en las generaciones futuras.

Erdward Gordon Craig1872-1966 Actor, productor, director de escena y escenógrafo británico. Sus ideas han dejado un legado importantísimo para la práctica teatral contemporánea. Entre ellas destaca el uso de los elementos escénicos en el montaje (escenografía, vestuario, iluminación, etc.) de forma que trascienda la realidad, en vez de tan sólo representarla como ocurre en el Realismo escénico. Estos elementos pueden crear símbolos con los que se puede comunicar un sentido más profundo. Relacionado con esta idea está el concepto que le haría famoso, la concepción del actor como Supermarioneta. Craig consideraba que el actor era como un elemento plástico más con capacidad de movimiento.

Max Reinhardt1873-1843 Fue un productor cinematográfico y director de teatro y cine que tuvo una importancia vital en la renovación del teatro moderno.

Opuesto al naturalismo, produjo y dirigió obras teatrales y películas con decorados espectaculares, escenas de masas y música. Impulsó el expresionismo tanto en el cine como el teatro germanos.

Creó la "Kammerspiele" (representación de cámara): representaciones teatrales en originales decorados intimistas para un reducidísimo grupo de espectadores. El fin era que éstos pudieran captar hasta los gestos más sutiles de los actores, lo cual fue realmente innovador ya que exigía una gran preparación de todos ellos. Rn consecuencia, la compañía de Max Reinhardt era punto de referencia para la formación de actores.

Jacques Copeau1879-1949 Fue un relevante actor, productor, teórico, crítico y director de teatro francés, fundador del famoso Théâtre du Vieux-Colombier y anteriormente de la La Nouvelle Revue Française en 1909, junto con André Gide, Paul Claudel y Jean Schlumberger. Organizó escuelas de teatro y fundó Le Cartel des quatre en 1927 junto a Louis Jouvet, Charles Dullin, Gaston Baty y Georges Pitoëff.Según Albert Camus, el teatro francés se dividió en «antes y después de Jacques Copeau»Primero fue crítico y marchand de arte. En 1912, motivado por el afán de cambiar al teatro francés que en su visión había caído en manos del comercialismo, fundó junto a Charles Dullin y Louis Jouvet en el antiguo teatro Athénée-Saint-Germain, su legendaria compañía añadiendo a Blanche Albane, Jane Lory, Roger Karl, y Suzanne Bing. En 1913 publicó Un essai de rénovation Dramatique: le théâtre du Vieux-Colombier2 el manifiesto de su estilo. Estrenó obras de Jean Schlumberger, Roger Martin du Gard y triunfa en los clásicos de Moliere y Shakespeare. Entre 1917-19 actuán en Nueva York en el Garrick Theatre donde presentan veinte obras con aclamación, luego en Washington, D.C. y Filadelfia. En 1940, fue nombrado administrador provisional de la Comédie-Française, allí dirigió Pierre Corneille, Shakespeare y Mérimée renunciando ante las fuerzas alemanas en 1941 y retirándose a su casa de Pernand-Vergelesses. Escribió Le Miracle du pain doré y Le Petit Pauvre.

Elia Kazan1909-2003 Interesado por el teatro, en 1930 Kazan ingresó en la Universidad de Yale, donde cursó Arte Dramático durante dos años, costeándose los estudios con su trabajo como portero de noche de un edificio. Montó su primera obra teatral, El segundo hombre, de Samuel N. Behrman, en 1931, y en 1932 debutó como actor en la obra Chrysalis, que tenía a Margaret O'Sullivan y Humphrey Bogart como protagonistas. Por esas mismas fechas se incorporó al Group Theatre, una formación que entendía el arte escénico de una manera novedosa y experimental para la época. Llevó a escena, entre otras obras, La muerte de un viajante y Después de la caída, ambas de Arthur Miller.Pronto se reveló como uno de los directores más innovadores del Group Theatre, lo que le valió en 1943 el premio de la crítica por la puesta en escena de The Skin on our Teeth, de Thornton Wilder. En 1947 fue, junto con Cheryl Crawford y Robert Lewis, uno de los fundadores del Actor's Studio, la mítica escuela de formación de actores. Esta escuela tuvo una influencia decisiva en el teatro estadounidense y de ella salieron actores de la talla de Marlon Brando, Montgomery Clift, Geraldine Page y Paul Newman.

Louis Jopuvet1887-1951 Fue un famoso actor, escenógrafo y director de teatro francés. Su actividad se centró en la Comedia Francesa, el Teatro de los Champs-Élysées y el Théâtre de l'Athénée parisinos. Gran intérprete de Molière, Shakespeare, Pierre Corneille, Alfred de Musset, Marcel Achard, Jules Romains, Jean Giraudoux, Jean Genet y otros clásicos y contemporáneos del teatro de su país, fue uno de los más prestigiosos actores galos y saltó a la fama en la película Topaze de Marcel Pagnol y con Arletty en la película de 1938 Hotel du Nord de Marcel Carné.

Charles Dullin1885-1949 Comenzó su carrera teatral en París en 1903 y en 1906 entró a formar parte del teatro Antoine que dirigía André Antoine.

En 1913, fundó junto a Jacques Copeau el Théâtre du Vieux Colombier (Teatro del Viejo Palomar) y en 1921 creó su propio equipo con el nombre de Atelier, con el que estrenó Voulez-vous jouer avec moâ? (1923), de Marcel Achard.

Con Louis Jouvet, Gaston Baty y Georges Pitoëff formó en 1927 el Cartel des Quatre. Entre 1940 y 1947, dirigió el Théâtre de la Cité.

Con el Cartel des Quatre y junto a Jean-Louis Barrault y Jean Vilar, Dullin forma parte del movimiento de renovación francés que desembocará en el llamado 'teatro popular descentralizado. Entre otros, han sido alumnos suyos Madeleine Robinson, Jean Marais, Marcel Marceau, Roland Petit y Alain Cuny.

Jean-Louis Barrault1910-1994 Fue un célebre actor, mimo y director francés que junto a su esposa Madeleine Renaud integró un dúo teatral de fama mundial.1

Fue el último eslabón con el grupo de innovadores teatrales de entre las dos guerras mundiales en Francia, denominado el Cartel des Quatre: Jacques Copeau, Louis Jouvet, Charles Dullin y Gaston Baty. Aunque reconoce que Charles Dullin fue su verdadero maestro, también fue discípulo de Étienne Decroux, que al finalizar la Segunda Guerra Mundial, presenta junto con él la llamada pantomima de estilo, que se reduce a la más sencilla expresión.

En la Comedie Francaise conoce en 1936 a Madeleine Renaud con quien se casa en 1940, después de la guerra forman su propia Compañía Renaud-Barrault de ilustre trayectoria en París y en giras internacionales por Europa, Estados Unidos y América del Sur, visitando Buenos Aires en tres oportunidades: 1950, 1954 y 1961.

Pronto le dan un papel en el clásico del cine Les enfants du paradis de Marcel Carné, junto a Arletty, Pierre Brasseur y María Casares, consagrándose como el payaso Baptiste y luego en el Teatro Marigny encarna un Pierrot, recreación de Baptiste un asesino de comerciante de telas. También actuó en El día más largo, Si Versailles contara, La ronda, La noche de Varennes y las versiones cinematográficas de Cristóbal Colón de Paul Claudel y Los días felices (Beckett).

Interpretó Hamlet en la versión de André Gide, La Orestiada y otros clásicos y obras y adaptaciones de Jean Paul Sartre, Kafka, Racine, Rabelais, Albert Camus, Georges Feydeau, Molière, Jean Genet, Chejov, Eugène Ionesco y Samuel Beckett y muy especialmente Antonin Artaud y Paul Claudel. Barrault llega a ser director del Teatro Nacional Popular y del Teatro de las Naciones de París. En 1967 y 1967 dirige en el Metropolitan Opera de Nueva York las óperas Fausto de Gounod y Carmen de Bizet.

El teatrodel siglo XX y XXI

V

a) Octubre teatral en RusiaMeyerhold, Vajtangov y Tairov

Vsévolod Meyerhold

1874 – 1942 Director y teórico teatral ruso, una de las figuras clave del teatro contemporáneo junto a Stanislavski, del que se separó buscando un camino propio que le llevó a establecer la teoría teatral de la convención consciente y el método interpretativo que bautizó como Biomecánica. Inició su carrera como actor en 1898 al lado de Stanislavski en el recién creado Teatro de Arte de Moscú. Allí representó fundamentalmente obras de Chéjov, entre las que destaca su interpretación en La Gaviota (1898).

Cuatro años después abandonó el Teatro de Arte, en desacuerdo con los principios naturalistas defendidos por su director y contra las técnicas stanislavskianas de reproducción de los estados de ánimo en escena. A partir de entonces se centró en el desarrollo de su teoría interpretativa, que finalmente acuñó con el nombre de Biomecánica. Tras un viaje a Italia, organizó una temporada teatral en Tiflis en la que dio más importancia a la concepción plástica, lumínica y móvil del escenario que a la psicofísica del actor, pero no fue entendido por el público.

En 1905 fue llamado por Stanislavski para dirigir el Primer Teatro Estudio del Teatro de Arte, laboratorio de carácter experimental, donde produjo obras simbolistas en las que los actores se movían como personajes estilizados. De las relaciones de estos dos grandes directores, el propio Meyerhold dijo: "El problema fundamental del teatro contemporáneo es preservar el don de la improvisación que posee el actor, sin transgredir la forma precisa y complicada que el director ha de conferir al espectáculo. Stanislavski piensa igual que yo; ambos abordamos la solución de la tarea, como los constructores del túnel bajo los Alpes: cada uno avanza por su lado, pero en el medio nos encontraremos seguramente". Sin embargo, la fallida revolución de 1905 provocó el fracaso del Estudio, que no tuvo una proyección práctica.

Meyerhold pasó a colaborar como director en la compañía de la actriz Vera Komisarjévskaia, en su teatro de San Petersburgo, desde noviembre de 1906 con el estreno de Hedda Gabler, de Ibsen. La concepción del escenario como una construcción, una estructura de escaleras, plataformas y planos en los que se inserta el actor como un engranaje más, que permite una expresividad actoral más plástica que psicológica, fue considerada por Vera Komisarjévskaia como un desprecio a la labor del actor, y Meyerhold fue despedido. Para subsistir dirigió durante diez años los Teatros Imperiales bajo la promesa de no tratar de escandalizar al público con sus experimentos. Siguió con sus investigaciones bajo el nombre supuesto de Doctor Dapertutto, divulgando sus logros por medio de conferencias, luego publicadas.

Eugene Vajtangov1833-1922 Célebre director, pedagogo y actor ruso, que nació el 1 de febrero de 1833 y falleció el 29 de mayo de 1922 en Moscú. Discípulo de Stanislavski, Tairov y Meyerhold realizó una intensa actividad en el Teatro de Arte de Moscú, creando personalmente la Habima y el Estudio III, que cuatro años después de su muerte pasó a llamarse Teatro Vajtangov. Vajtangov fue un notable pensador del teatro. Comparaba constantemente el trabajo de sus grandes maestros.

Aleksandr Tairov1885-1950 Actor y director de teatro ruso y soviético. Fundador y director artístico del Teatro de Cámara de Taírov. aírov fue uno de los grandes directores del Octubre Teatral, discípulo de Konstantín Stanislavski y de Vsévolod Meyerhold. En 1914 abrió su Kámerny con el debut de Sakuntala de Kālidāsa. En oposición al naturalismo de Stanislavski y al teatro de estilo de Meyerhold, propugnó por un teatro puramente artístico en que predominaran los elementos teatrales de: interpretación, escenografía, dirección. Como en la Commedia dell'Arte y el teatro hindú, utilizó el texto literario como material de trabajo y dio absoluta libertad al actor, eje del espectáculo (su eslogan fue "teatro desencadenado", aunque más bien se trata de un teatro sin trabas). El actor debía ser un "artista sintético", un virtuoso en todos los terrenos (mímica, voz, dominio del cuerpo etc). Su idea del "montaje sintético" teatraliza el teatro y subraya sus facetas fantásticas, preciosistas y espectaculares.

b) Erwin Piscator1893-1966 Fue un director y productor teatral alemán. Junto a Bertolt Brecht, fue uno de los exponentes más importantes del teatro épico, el cual se enfocaba en el contenido sociopolítico del drama y no en la manipulación emocional del público o en la belleza formal de la producción. Las técnicas que utilizó durante los años 1920, tales como el uso de proyectores y escenarios giratorios, influenció los métodos de producción teatral, tanto europeos como estadounidenses. Su modelo teatral intervencionista siguió siendo popular en Alemania Occidental incluso después de su muerte. Así mismo, su adaptación de la novela Guerra y paz ha sido presentada en 16 países desde 1955, incluyendo tres producciones en Nueva York.

c) Bertolt Brecht1898-1956 Fue un dramaturgo y poeta alemán, uno de los más influyentes del siglo XX, creador del teatro épico, también llamado teatro dialéctico. Su llamado teatro épico, narrativo, continua apuntando en las escenificaciones de hoy a provocar la conciencia crítica de espectadores y actores.1 Hay que desmenuzar el texto, no sentirlo, examinarlo desde lejos, tomar distancia del propio yo. Nada de sentimentalismos que provoquen lágrimas en el escenario.

Brecht hizo gala de antisentimentalismo, así como de su condolencia para los pobres y su sufrimiento, al tiempo que atacaba la falsa respetabilidad de los burgueses.

El famoso efecto de distanciamiento creado por Brecht es un arma contra el romanticismo y el sentimentalismo. La crítica social, la compasión con los seres humanos y el consiguiente cambio de la sociedad debían desempeñar el papel esencial. Así, las canciones interrumpen los parlamentos, el telón priva al escenario de la magia teatral, y un cartel plantea la exigencia.

Los actores de Brecht son sus alumnos: los deja actuar en el escenario y de ese modo edifican la pieza, mientras que el director la destruye. La genialidad y la ingenuidad mantienen un equilibrio. Esta combinación es el secreto del éxito de Brecht.

d) Teatro en el teatroPirandello, Gunter Grass y Peter Weis

Luigi Pirandello1867-1936 Reconocido dramaturgo, novelista y escritor de relatos cortos italiano, ganador en 1934 del Premio Nobel de Literatura. Con la representación, en 1917, de la pieza teatral Así es si así os parece, se decantó claramente por el género dramático, en el cual creó escuela por su peculiar construcción de la pieza teatral, sus recursos escénicos y la complejidad de sus personajes. A partir de 1920 publicó varias comedias, entre ellas La señora Morli, que abordaba el tema de la doble personalidad, y Seis personajes en busca de autor, que fue un fracaso clamoroso. Con Enrique IV, puesta en escena en 1922, recuperó el favor del público.

Tras abandonar la enseñanza para dedicarse por entero a la creación literaria, y reconocido ya en todo el mundo, en 1925 asumió la dirección del Teatro d'Arte de Roma y cuatro años después fue nombrado miembro de la Academia de la Lengua de Italia. A esta época pertenecen los dramas Esta noche se improvisa, Lázaro, Como tú me quieres y No se sabe cómo. La obra dramática de Pirandello extrema los elementos en plena disolución de un realismo en crisis y la ficción teatral en varios planos para romper el espacio escénico tradicional.

Gunter Grass1927-2015 Fue un escritor y artista alemán, galardonado con el Premio Nobel de Literatura y el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1999. Ha sido un escritor capital en la vida literaria y civil tras la Segunda Guerra, en Alemania y en Europa. Y ha escrito de muy diversos modos sobre la historia de su país de mediados del siglo XX. Por otra parte, Günter Grass tuvo una activa participación política en toda su vida. Criticó con dureza la represión de obreros en la Alemania del Este (RDA) a comienzos de los años 1950 (Los plebeyos ensayan la revolución). De hecho se mantuvo siempre muy cercano al partido socialdemócrata y ayudó entre otros a Willy Brandt en sus campañas (como puede leerse en Diario de un caracol), que fue decisivo para el cambio alemán. En 1990, su breve ensayo sobre los campos, Escribir después de Auschwitz, fue muy comentado. Además se opuso, tras la caída del Muro, a una reunificación apresurada e invasiva con la antigua RDA (Alemania: una unificación insensata).

Peter Weiss1916-1982 Fue un dramaturgo, novelista, pintor, artista gráfico y cineasta experimental alemán con nacionalidad sueca adoptada. Tuvo un gran éxito con su Persecución y asesinato de Jean-Paul Marat representado por el grupo escénico del hospicio de Charenton, más conocida como Marat/Sade, llamativo ejemplo de teatro dentro de teatro. En esta obra, de compromiso político e influencia brechtiana, los internos de un manicomio llevan a cabo una representación teatral sobre el personaje histórico Marat. Algunos críticos han visto en esta obra la síntesis de varias corrientes teatrales modernas: teatro épico, teatro del absurdo, teatro de la crueldad... El dramaturgo y director de teatro Peter Brook realizó una versión cinematográfica del montaje de esta pieza en el que actúan actores profesionales junto con psicóticos reales.

Peter Weiss es considerado uno de los referentes del Teatro documental, que explica acontecimientos históricos a través de la escritura teatral y su posterior puesta en escena. Uno de sus más claros exponentes es La indagación (1965).

e) The Living Theatre

Es una compañía de teatro estadounidense, creada en 1947 en la Ciudad de Nueva York. Es el grupo de teatro experimental más antiguo que existe en Estados Unidos. A lo largo de su historia fue liderado por sus fundadores, la actriz Judith Malina, que había estudiado teatro con Piscator con quien aprende las teorías de Brecht y de Meyerhold, y el pintor y poeta Julian Beck; luego de la muerte de Beck en 1985, el miembro de la compañía Hanon Reznikov se convirtió en co-director junto con Malina.

Como es uno de los grupos de "teatro aleatorio" o "teatro vivo" más antiguos en la actualidad, sirve de modelo al resto. Concebían el teatro casi como una forma de vida y los actores vivían en comunidad bajo principios libertarios. Fue una compañía teatral dedicada a la transformación de la organización del poder dentro de una sociedad autoritaria y de estructura jerárquica hacia una comunidad cooperativa de expresión.

Creado con el objetivo de representar obras experimentales, que a menudo abordaron temas controvertidos, cuestionaron prácticamente el completo funcionamiento de una obra teatral: El lugar del actor, pasó de ser un mero representante al propio creador de la obra, con la opción de desarrollar ideas libremente, actor libre. La necesidad de usar un texto escrito también fue desapareciendo, dejando un gran espacio a la improvisación, donde en el campo artístico tuvieron precursores como Duchamp, Arp, André Breton, la Escuela de Nueva York de Action Painting, John Cage o Allan Kaprow. El espacio teatral fue abriéndose hacia lugares insólitos (como naves industriales) o en plena calle. El teatro de creación colectiva fue otro de sus aportes importantes, reflejando su actitud antisistema, en consonancia con las tendencias radicales de los cincuenta, sesenta y setenta donde muchos de los artistas actuaron en una corriente llamada contracultura.

Para el Living Theatre otro de sus mayores retos la fue implicación del público en sus obras, para lo que usaron diversas técnicas de instruir, provocar sensaciones, iniciar experiencias, etc. Para ellos era importante trasladar sus ideales revolucionarios a las personas que acudían a sus representaciones, los cuales estaban llenos de contenido anarquista,1 con una intención de hacer frente a la sociedad capitalista que no paraba de crecer. Según sus fundadores, el teatro no era más que un instrumento para hacer la revolución. Todo esto tiene sus raíces en el teatro de la crueldad de Antonin Artaud

f)Teatro del absurdoEsta tendencia teatral tiene su origen en Francia a partir de la década de los 50 con autores como Eugene Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet y Fernando Arrabal (aunque ninguno de ellos es francés, son dramaturgos vinculados a Francia de una u otra manera). En el panorama europeo encontramos precursores de esta nueva forma teatral desde principios de siglo, como es el caso del autor italiano Luigi Pirandello.

Algunos caracteres que definen el teatro del absurdo son los que siguen:

a. Su concepción del mundo enlaza con los enfoques existencialistas de autores como Kafka, Sartre, Camus, etc...:• El hombre se encuentra perdido en un mundo

absurdo.• Manifestación de la angustia ante el fluir del

tiempo, la llegada de la muerte y la nada que nos espera.

• Soledad, incomunicación de los seres humanos.• La vida entendida como una burla trágica, como

una broma pesada.

b. La concepción escénica de esta tendencia aparece dominada por el intento de presentación de lo absurda de la vida humana:• Situaciones ilógicas.• Personajes incoherentes.• Mezcla de lo ridículo y de lo trágico, de la

angustia y de la burla.• Lenguaje ilógico: frases sin sentido,

descontextualizaciones, incoherencias.

g) Teatro de la crueldadAntonin Artaud fue un director de escena y teórico del teatro con un concepto muy revolucionario del arte escénico. Algunos de los elementos que caracterizan su teoría dramática son los siguientes:

a. Rechazo de la importancia del texto literario. Para Artaud lo importante es el espectáculo total, integrado por el texto literario, pero también por la música, las luces, los gestos, el maquillaje y cualquier otro código extralingüístico que pudiera usarse. De todos esos elementos, el texto literario, la palabra, puedo no ser siquiera el más importante, incluso puede estar ausente (obras sólo gestuales; pensemos, por ejemplo, en la compañía catalana Tricicle).

b. Artaud pretende recuperar con sus espectáculos los orígenes del teatro (ceremonia religiosa, rito, fiesta,...), y para eso introduce en ellos elementos mágicos, religiosos, festivos (bailes, música,...) que invitan al espectador a liberarse.

c. Acabar con la pasividad del espectador tradicional, provocándolo con imágenes violentas (de ahí el nombre de “teatro de la crueldad”) y obligándolo a participar en el proceso de comunicación bilateral que Artaud pretende que sea el teatro.