7. El manierismo y la reforma protestante. La reacción de la iglesia: el Concilio de Trento y el “Retorno al orden”.

Iconografía cristiana europea

ISPED – Estética y crítica de arte – Prof. José Cardoso

El estilo que se desarrollará durante casitodo el siglo XVI en Italia y casi toda Europa, se denominará Manierismo.Este nombre tan peculiar viene de la palabra italiana maniera (manera) y fue empleada para calificar ciertas obras que, de forma patente, presentaban un estilo a la manera de los grandes del Renacimiento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. El Manierismo se caracteriza también por poner en duda las reglas racionales y objetivas de representar la realidad que había impuesto el espíritu renacentista. De alguna manera, la crisis de la cristiandad y la sombra de los “grandes” empujaron a la nueva generación a realizar innovaciones en el campo estético, con una obra un tanto más libre y expresiva.

Il Parmigianino, Madonna del cuello largo, 1534, Florencia

La evolución manierista

Jacopo Basano, La Ultima Cena, 1542, Roma

Los artistas poco se interesan por construir una obra según estrictas reglas racionales de perspectiva,por lo que no pocas obras terminan siendo bastante impactantes por lo contrarias a cómo deberían lucir en la realidad. Es decir, se hacen expresivas por sus rupturas. (Obsérvese la perspectiva tan forzada de la mesa, por ejemplo).

Il Tintoretto, Camino al Calvario, 1567, Venecia

La composición de las obrasen el Manierismo suele serforzada y confusa. Desaparece la verticalidad enlas líneas para dar mayor énfasisa las diagonales, que están muy lejos de producir reposo en lamirada del observador.

Pellegrino Tibaldi, La Adoración del Niño, 1548, Roma.

Las actitudes forzadas de los personajes, su musculatura

exagerada y el desorden de unacomposición que ha perdido sucentro de atención fácilmente

identificable, son algunos de losrasgos que agitan la percepción

de las obras, su ambiente yel propio mensaje a transmitir.

El Greco, Crucifixión, 1610, Col. Privada.

La libertad artística que se observa en este período, le brindó a la Imagen religiosa un elemento que, a partir De este momento le será vital: la expresividad espiritual. Las obras de Arte religioso cristianose ven afectadas por el Manierismo, no sólo por la inclusión de la expresividad, sinoademás por un renacer del misticismo medievalque le dio a las imágenesUn aura más espiritualque real.La falta de apego a las Normas renacentistas, modificó el espacio y laconstitución misma de las figuras, apelando a la deformación como unrecurso visual válido.

El Greco, El Expolio, 1579, Toledo.

Anibale Carracci, Crucifixión, 1583, Roma

En las disposiciones del Concilio de Trento, se estipula que las imágenes religiosas deben instruir con exactitud a los fieles y serecuerda que el honor que se da a las imágenes, se refiere a los originalesrepresentados en ellas. Con esto se vuelve a las disposiciones originales del Concilio de Nicea II, del año 787. La función pedagógica de la imagen religiosa va a ser fundamental en tiempos en los que hay que persuadir para permanecer y para regresar a la Iglesia católica. Durante el Renacimiento, el arte se hizo tanracional que se convirtió en una suerte de texto indescifrable para muchos. Además, durante el Manierismo, los artistas, con su toque de rebeldía, quisieron romper con el exagerado racionalismo renacentista y lo que provocaron fue una imagen religiosamucho más incomprensible para las grandes masas.

La reacción del papado: el concilio de Trento y el “Retorno al orden”

Caravaggio, San Mateo, 1602 (Destruida en un incendio durante la Primera Guerra Mundial).

La Iglesia debía poner la lupa sobre cada obra realizada antes de autorizar su uso. Ninguna iglesia podía tener una imagen que antes no hubiera sido aprobada por las autoridades correspondientes. De este modo, se garantizaba que el mensaje fuera el correcto y que los personajes estuvieran representados con respeto. Veamos este cuadro. Representa a San Mateo, a quien, según la leyenda, un ángel le indica el texto del Evangelio por él escrito. La Iglesia no aprobó esta versión y encargó al artista realizar otra en la cual no se representará a San Mateo como un ignorante campesino que ni sabe escribir. Observemos cómo aquí el ángel le guía la mano en el proceso... Caravaggio no tuvo más remedio que realizar otra vez la misma obra...

Este fue el resultado final: San Mateo escucha atentamente el dictado del ángel que surge de las alturas, donde se supone que está Dios. Después de todo, los Evangelios son palabra de Dios.San Mateo escribe él mismo el mensaje de salvación al que se referirán sus textos. De esta manera, el mensaje era más claro: la única palabra válida es la que viene de Dios y la podemos hallar en los Evangelios, pero así como San Mateo no inventó el mensaje, los cristianos necesitaban de la Iglesia para su correcta comprensión.

Caravaggio, San Mateo, 1602, Roma

Il Guercino, Martirio de Santa Catalina, 1653, San Petersburgo.

El Concilio de Trento insistió tambiénen que las imágenes religiosas debenexponer a los ojos de los fieles los saludables ejemplos de los santosy mártires de la Iglesia. En tiemposen los que era fácil morir por confesarse católico (lo mismo queprotestante), se buscaba llevarel consuelo de que morir por lasanta religión era más un honorque un suplicio. En estas imágenes,lo común es que el santo o mártirque está siendo objeto de la tortura,no muestre el más mínimo gesto dehorror. Incluso pueden llegar a mostrar cierta expresión de placerante el sufrimiento que se vive.

Pero en su afán de “persuasión”, la iglesia fue más allá de lo dictado en Trento. ElResultado fue la obra de arte “total”, donde se combinaban diversas expresiones para formar una unidad, un todo sumamente efectista y teatral, que cumplía maravillosamente las exigencias de los patrones Eclesiásticos, y que permitía visualizar eficazmente los contenidos religiosos de la imagen. Cabe destacar que el programa de la Contrarreforma se ejecuta de la mano de un nuevo estilo artístico: el Barroco, que toma muchas cosas de las disposiciones de Trento y que agrega otras propias. La obra de arte total es, sin duda, lo que el Barroco brinda al arte de la Contrarreforma y que le dará su sello distintivo. Desde los lejanos tiempos del gótico y sus majestuosas catedrales, no se había visto un esfuerzo artístico similar. Para entender mejor la teatralidad de la imagen religiosa barroca, veremos algunasimágenes seguidas y luego, las comentaremos individualmente. Mientras las observamos escucharemos algo de música. La música complementa lo que se ve y nos ayudará a entrar en el ambiente teatral del programa contrarreformista.Lo que escucharemos es el himno Gloria compuesto por el alemán Johann Sebastian Bach (1585-1750). Aunque la pieza pueda parecer compleja, se basa es una frase muy sencilla:

Gloria in excelsis Deo (Gloria a Dios en el Cielo)

La imagen religiosa barroca debía cumplir con ciertos elementos fundamentales para ingresar al territorio de la teatralidad y, de esta manera, cumplir con las exigencias de la iglesia. Estos elementos son los siguientes:

Retórica

Verosimilitud

Decoro

Persuasión

Establece que la pintura es igual a un discurso y que el pintor es el orador. Por lo tanto, el mensaje de la obra debe ser siempre claro y directo, para evitar malas interpretaciones.

Busca hacer de toda escena representada un todo coherente, aun a pesar de lo insólito del suceso representado. No es lo mismo que el realismo aunque las obras puedan calificarse de tal forma.

Determina qué es lo más conveniente para cada ocasión, cada escena, cada hecho narrado. Indica gestos, decorados, vestidos, personajes, etc.

Se da por la suma de los elementos anteriores, pues el objetivo principal de toda imagen religiosa era convencer, enseñar y seducir, en el ámbito de la religiosidad.

Poussin, Martirio de San Erasmo, 1626, Pinacoteca Vaticana

La retórica debe dejar el mensaje claro,no pueden permitirse las confusiones.Aquí observamos una escena de martirio.En realidad, poco importa el nombre delsanto o mártir, lo que interesa es comprender que le están destripandopor sus creencias (católicas, obvio) yeso lo hace un modelo de virtud.Se nos indica que Dios está complacidodel sacrificio al que este hombre sesomete en su nombre al colocar a dosangelitos (los mensajeros de Dios) queportan una corona de laurel (triunfodel bien sobre el mal), una hoja de palma(atributo de los mártires) y un ramilletede rosas (alusión a la sangre derramadapor amor a Dios). “No temas moriren el nombre de Dios”, debe ser elcentro del mensaje.

Johann Liss, Éxtasis de San Pablo, 1630, Berlin

Cuando se debe representar unhecho sobrenatural, debe hacersesegún un cierto sentido común, una cierta lógica. Así, la verosimilitud barroca no busca hacer de lo representado algo realista, sino coherente.En esta obra vemos a San Pablo enéxtasis, es decir, teniendo una visión celestial. Si lo celestial viene del cielo,pues lo más lógico es que el cielo se aproxime al santo y se abra frente a él,Para permitirle ver lo supremo. En el cielo viven los ángeles y aquí estánacompañando la visión con su música,que no puede ser sino celestial. Por otro lado, San Pablo se muestra asombrado, como es lo lógico, ante tal despliegue de divinidad.

Murillo, La Inmaculada de Soult, 1678, Madrid

El decoro que debe observarse en lapintura barroca fue de suma importanciapara la Iglesia, pues sólo a través de élse podía colocar ciertos límites a lacreatividad del artista. El decoroindicaba lo que se debe y lo que no se debe hacer en una obra. Por ejemplo,aquí se muestra una imagen de laInmaculada Concepción. Para estetema en particular, el artista debióconsiderar al menos las siguientesexigencias del decoro: el vestido deMaría debe ser blanco y el manto azul;debe presentarse de pie, sobre nubesy la media luna; debe tener entre14 y 16 años y su mirada debe dirigirseal cielo o, en su defecto, tener los ojoscerrados; sus manos deben estar juntassobre su pecho; puede acompañárselede ángeles y querubines.

Rubens, La Caída de los ángeles rebeldes, 1620, Munich

La persuasión llegaba prácticamente sola, gracias a la acción conjunta de los elementos anteriores. La obra debíaimpactar al observador, dejarlo sin habla, transportarle a un mundo que no es éste, seducirle a favor de la Iglesia católica y sus preceptos. Si tomamos como ejemplo esta obra de Rubens, en la que vemos cómo son expulsados del Cielo todos aquellos que han desobedecido a Dios y, además, vemos cómo caen en un mundo oscuro y sórdido, tal vez nos sintamos algo impactados. Pero si añadimos que ese cuadro mide 4,5mts. x 2.6 mts, no nos será posible dejar de sentirnos subyugados por elespectáculo que se sucede frente a nuestros ojos.

Si hay algo que distingue al Barroco es su diversidad, pero no es correcto pensar que esta diversidad les haga diferentes. Todas las obras responden a un mismo principio, el de la TEATRALIDAD.

Velásquez, Cristo en la cruz, 1632, Madrid. Rubens, Cristo en la cruz, 1620, Koninklijk MuseumEstas dos obras parecen muy distintas, aunque tratan el mismo tema. La imagen de la izquierda es Bastante sobria y limpia, mientras que la de la derecha parece hervir en la piel de los personajes, los gestos son grandilocuentes, los cuerpos se contraen en una expresividad inmensa, el escenario se ve transformado por el dolor de la escena... mientras, en la obra de la derecha, la iluminacióntambién golpea los cuerpos desnudos, sobre todo el central, que es Cristo; pero además, la dinámica de la acción nos envuelve y seduce de tal modo que el impacto teatral se cumple perfectamente. No obstante, ambas obras cumplen con las exigencias de la retórica, la verosimilitud, el decoro y la persuasión; son profundamente teatrales.