“La vida de José Cúneo está totalmente

dentro de su obra”

José Cúneo Perinetti nace en Montevideo, Uruguay el 11

de septiembre de 1887 y fallece en Bonn, Alemania el 19

de julio de 1977. Fue un pintor uruguayo.

Sus primeros estudios los realiza en 1906 con el maestro

Carlos María Herrera, dibujando en el Círculo de Bellas

Artes, y luego comienza cursos de escultura con Felipe

Menini.

Al año siguiente parte muy joven, por primera vez, a

Turín, donde ingresa y estudia en el taller de Leonardo

Bistolfi y dibuja con Anton Mucchi, realizando paisajes de

Italia que expone en su regreso a Uruguay en 1910.

Viajando a Venecia Recoge el exaltado color de sus

pintores.

En París en 1909, su admiración prende en una

exposición de pasteles y acuarelas. A su vuelta a

Montevideo en 1910, trae una serie de “jardines” y “lagos

italianos”, que muestran una composición de formas en

planos grandes, muy decoradas y de exaltado color.

“Fuente de Albano” -

Italia, año 1911

En 1911 se traslada a París, estudiando en la Academia

Vity. En 1914 inicia sus paisajes uruguayos en el

Departamento de Treinta y Tres.

En 1917, realizó otro viaje a Europa, corto, pero

influyente en su obra, y por consecuencia, en los otros

pintores uruguayos. En ese mismo año comienza a

estudiar en la Grande Chaumiere de París, interesándose

en la pintura de Cézanne y Gauguin. La atracción de ese

momento para Cúneo fue Guaguin, que en Tahití pintó

una obra que podía ser rectora para lo nuestro: era una

cultura europea en un paisaje tan virgen como el

uruguayo. Del francés y sus seguidores toma la pintura a

largos planos de color separados para no ensuciarlos,

llegando a veces en el desarrollo de ese estilo a dejar

entre los planos vecinos el vacío de la tela sin cubrir.

Regresa a Uurguay en 1918. Hasta ese entonces, su

pintura se caracterizaba por la realización de paisajes, en

particular de Italia y de Melo, en Uruguay. Da comienzo a

su etapa de pintura planista junto a Carmelo de Arzadun,

Guillermo Laborde, Alfredo De Simone y Petrona Viera.

En 1927, conoce en Europa la obra de Chaïm Soutine,

atrayéndole las deformaciones expresionistas y el uso de

la diagonal, lo que marcará su obra futura. Expone los

paisajes de ese período de Cagnes-sur-Mer en la Galería

Zak y a su regreso a Montevideo, en el “Ateneo”.

A partir de 1930 se radica en el interior del Uruguay, en

las ciudades de Florida y de Melo, donde realiza la serie

de ranchos, lunas y acuarelas del campo uruguayo que

caracterizan su obra.

En 1942 obtiene el Gran Premio de Pintura del Salón

Oficial, el Primer Premio en el Salón Nacional de

Acuarelas y el Premio de Pintura en la Bienal Nacional de

Arte.

Vuelve a Europa en 1954 e incursiona en la pintura

abstracta. A su regreso al Uruguay firma su producción

de esta época con su apellido materno, Perinetti. A partir

de los años 1960 logra reconocimiento internacional. En

1961 expone una retrospectiva de sus 50 años como

artista, pero su vida artística llegará a abarcar 70 años de

producción.

A partir de 1963 el reconocimiento de su obra alcanza

importantes distinciones internacionales. Es premiado en

la X Bienal de San Pablo en 1969 y en 1974 recibe el

Premio Nacional de Pintura de Cagnes su Mer.

En 1976 regresa a Europa, donde fallece un año después,

en Bonn.

La obra de Cúneo:

Las deformaciones expresionistas de Chaim Soutine,

expresándose en una perspectiva emocional, agrandando

o achicando los objetos o moviéndolos según el grado

de sugestión que de ellos recibe el artista, se adentra

como concepción selectiva favorable para el

temperamento romántico de Cúneo.

La obra de Cúneo está integrada por un conjunto de

series.

Este artista no ejerce una postura muy característica de

su generación, de los post-impresionistas, de los

impresionables, de aquellos que atentos al advenimiento

de la gracia pictórica registran la más variada y eventual

temática. El artista inicia el tema elegido con el

desconcierto de quien quiere que la originalidad sea su

principal objetivo y la metáfora plástica poderosa; un

estilo que se pule en la reiteración, una concentración en

el motivo muchas veces repetido y una exacerbación

donde crece, se enriquece y luego desborda su

formidable fantasía.

En síntesis el nacimiento y decadencia de su serie. Así

fueron series “Los jardines y lagos italianos de Albano y

Nemi”, los de las “Islas” de árboles en los llanos potreros;

los retratos experimentales de amigos, en su mayoría

poetas y escritores, como “Telémaco Morales”, “Sra. De

Dieste”, “Nicolás Fusco Sanssone”, entre otros.

Desde la época de Cagnes y durante largo espacio de su

obra, Cúneo se aparta en la creación de sus ritmos de la

certeza de verticales y horizontales, componiendo sólo la

base de diagonales más aptas para traducir un mundo de

inquietudes y temores.

Cúneo ha usado desde entonces para sus futuras series

de “Ranchos” y “Lunas”, las diagonales, con voluntad y

rigor de lucha contra el equilibrio estético.

Luna Nueva, óleo de 1933 Rancho y carreta,

óleo sobre tela

Vuelto de aquel viaje a Europa, el pintor pasa una larga

temporada en la campaña de Florida realizando una serie

de cuadros sobre temas de los rancheríos, los ranchos de

terrón y paja brava, la miserable vivienda del paisano

criollo que emerge del terreno como un accidente de la

misma tierra.

Pintor ya experimentado en disímiles tendencias, fuera de

su deliberada eliminación de las verticales y horizontales,

no se ajusta desde esa serie de los ranchos a un

apriorístico estilo. No es desde esa serie simplemente el

artista especulativo que faceta o esquematiza la figura,

que recorta colores, que delinea los volúmenes o ensaya

otras posturas plásticas; desde ese momento el artista

pinta libremente,

sólo guiado por su máxima expresividad, es también a

partir de esa época de Cagnes que su paleta es más baja

– más azules y más verdes – pero siempre en la vibración

característica de su color. En esta serie de ranchos, los

cielos se mueven cada vez más, ya no en caprichosos

movimientos sino como agitadas fuerzas cósmicas.

Consecuencia lógica de estas preocupaciones por el

misterio de los cielos, es la aparición de la luna en sus

temas; al admirador de Fontanesi siempre le interesó la

majestad de los cielos. Cúneo dará la luna enorme

agrandada, acercada a la tierra por una perspectiva

emocional que empequeñece al hombre y su residencia.

En verdaderos paisajes planetarios, plantea el problema

de los infinitos y abre en los cielos inconmensurables y

en los abismos del borde del planeta, la angustia del

más allá.

El tomó la luna poética de Julio Herrera y Reissig, cuyos

versos prolongan la primera exposición de esa serie, y a

esta literaria luna la ha llevado a la plástica, extrayendo

de ella tonos cobrizos y blancos rodeados de azules y

verdes intensos, a veces estupendamente profundos.

Cúneo se refugió en la luna poética, la blanca luna

americana incontaminada de guerras impuras, la luna que

envuelve con su luz callada y acariciante a la misma

muerte, “Luna de la Carroña”.

Luego de los ranchos y las lunas, Cúneo adopta el

procedimiento de la acuarela para pintar un extenso

conjunto de paisajes uruguayos, de escenas pastoriles y

cerriles. Es el paisaje de Cúneo en sus acuarelas, la

naturaleza con aisladas notas de vida y señales de trabajo

del hombre absorbidas por la misma grandeza del

escenario. Son en unas, los animales, manchas aisladas de

animación del campo y en otras el aniquilamiento de la

muerte en ese unirse de los seres de la tierra: carroñas y

osamentas. Cúneo, partiendo de sencillos motivos

localistas, da una admirable idea de la majestad

inconmovible de la naturaleza. Toda su experiencia de

pintor y de analista del paisaje local, se va a concentrar

en esos dibujos acuarelados, anotaciones rápidas de una

espontaneidad y frescura maravillosa; instantaneidad que

supone una mano muy ejercitada y una meditación

prolongada. Tiro de gracia de una larga espera selectiva

para lograr el secreto más íntimo de animación de estos

paisajes uruguayos.

Este artista tan excitado por lo subjetivo y la originalidad

conserva sin embargo, un vigor intacto para la

objetividad sin irrealidad.

Pintor de sucesivos tiempos y de diferentes

circunstancias, sensible a los reclamos de cada hora,

habiendo cumplido en grado sobresaliente el período

histórico de las artes nacionales por comunicar una visión

de conocimiento de la imagen de su país, donde enseñó

autenticidad, se aparta desde 1955 – serie de paisajes

italianos del Lago de Iseo – de la representación. Fue

dura su terquedad en las pesquisas por obtener un

lenguaje dentro de la abstracción. No reniega su pintura

anterior, la respeta, pero los nuevos cuadros que firma

con el apellido materno, Perinetti, investigan una nueva

vida para su pintura posterior. Lo que le preocupa

entonces es el enrolamiento juramentado y cumplido en

las especulaciones plásticas de las que en su juventud se

había apartado o curioseado muy periféricamente como

los afacetados del cubismo y la multiplicación de artistas

en la construcción de volúmenes que los ha de aplicar en

lo que sintió como una impostergable función cultural,

que la perspectiva histórica le ha de reconocer sin

fronteras.

Trabajando en su casa de Montevideo en 1952