CONTENIDO

- “Amanece en Edimburgo”: I’m gonna be… I’m gonna be

- “Yo Frankenstein: el monstruo aprendió kárate

- “El cielo es real”: cuestionando la fe

- “Las dos caras de enero”: suspense elegante

- “Violette”, la criatura de Beauvoir

- “ Pancho, el perro millonario”: una película para comenzar a ladrar

- “Al filo del mañana”: un resucitar apasionante

- “Post Tenebras Lux”: el dueño de la hacienda

- “Madre e hijo” de Calin Peter Netzer, del despiadado ejercicio del amor materno

- “Big Bad Wolves”: Quentin Tarantino tenía razón

- NOCTURNA 2014: La pretensión que toma forma

- Joseph Cotten con canotier

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BLOG DE CINE

- “The Musketeers”, el D’Artagnan del siglo XXI

- “Quirke”, un Sherlock Holmes irlandes y bebedor

- “Arrow”, o cuando el camino del héroe no es como esperabamos

- Los 100, los nuevos colonos de la tierra

- “Person of interest”, una serie a la altura de las mejores

- La extraña pareja

- “Al Capone con una placa”

- Cuidado con el Richard

- Las series también son para el verano

- Por sus cómics les conoceréis

- “Lagarto largarto. Cuando los visitantes invadieron la tierra”, la invasión extraterrestre ochentera a examen

- “Millonario Anónimo”: solidaridad al servicio de la televisión

- “Yasuní”: la última tribu

- Colección Canal+ Toros: “El Desmayo”

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“Amanece en Edimburgo”: I’m gonna be… I’m gonna be PATRICIA M. OROL @PatryOrol

Una Dexter Fletcher nos trae la adaptación cinematográfica de uno de los musicales más famosos del West End londiniense: “Sunshine in Leith”. Una triple divertida historia de parejas, mezclada con engaños, ambiciones, sueños y miedos. Aunque el argumento base es lo más tópico, tengo que reseñar que tanto las coreografías, las voces, las canciones, son geniales y hacen que una película que no tiene “nada” lo tenga todo. Porque… ¿les habría gustado igualmente “Mamma Mía!” si no hubiese música? Por supuesto que no… porque el género Musical es, simplemente, otro mundo.

Amanece en Edimburgo cuenta la historia de un matrimonio consolidado, Rab y Jean; una joven pareja separada por el trabajo y la guerra, Liz y Ally; y una pareja que empieza con serias diferencias: una inglesa Yvonne, y un escocés, Davy, un cóctel molotov para un posible matrimonio.

Las complejidades, los problemas y las soluciones a los mismos, con dosis de drama y humor a partes iguales, conforman una película en la que se habla de la adaptación: la adaptación a la ciudad de origen tras volver de servir en el ejército; la adaptación a una nueva situación sentimental, la adaptación a una paternidad inesperada… Sin duda hemos visto las mismas historias mil veces, pero esta vez están interconectadas mostrando a unos personajes que maduran a lo largo de la película.

Pero fuera de lo meramente argumental, lo más interesante fue el show. Aquí aparecen los números musicales que no hacían más que provocar movimientos involuntarios en mis pies y ganas de aplaudir al ritmo de la música. Por supuesto, no es un Mamma Mía, es mucho más en el aspecto de que la música elegida tiene muchos elementos de la cultura escocesa, así como las coreografías, basadas en la danza escocesa. Por supuesto, todo esto adaptado a un mundo más global, algo que se agradece.

Letras divertidas, coreografías animadas y sensacionales, desde el despliegue más grande, con decenas de personas en escena, hasta las coreografías de a dos, íntimas, divertidas y muy expresivas.

Durante cuatro años mi trabajo estuvo relacionado con los musicales y me fascinan. No es que me pase toda mi vida en la Gran Vía, por supuesto. Porque sin duda el resultado final es brillante, pero el proceso previo es maravilloso. Y aunque sea un producto que ya existe, es necesario adaptarlo a las necesidades cinematográficas, al igual que otros musicales de éxito como Mamma Mía, Chicago, West Side Story… que arrastraron el éxito de los teatros a las salas de cine. Y eso es una labor ardua y complicada. Por mucho que el teatro sea el 3D del cine (lo que yo considero realmente 3D), las posibilidades cinematográficas son infinitas, en tanto que el teatro sólo tiene una caja en la que con poco suplen las posibilidades del cine.

Y en Amanece en Edimburgo logran sacar de esa caja una historia de personajes y aprovechar el espacio al máximo para los números musicales.

Hablan de sensación, del nuevo “Mamma Mía!”. A mí me gustó mucho, no voy a negarlo. Sobre todo el que el inicio del pase de prensa haya sido amenizado por un número a capela. Me parece un buen método de promoción, el diferenciar la película del resto de candidatas. Pero, aunque no desmerece y aunque su estructura es totalmente teatral, la película no es de sobresaliente. Eso sí, el notable está asegurado.

Si quieres pasar un buen rato, reírte, cantar y bailar (aunque sea interiormente y con el pie izquierdo) es recomendable pasarse por el cine. Su sencillez la hace espléndida… y bueno, se estrenó el pasado viernes 20 de junio. ¡Despide con alegría la primavera!

BLOG DE CINE.. ESTRENO 20 JUNIO

“Yo Frankenstein: el monstruo aprendió kárate

ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya

Una ¿Qué opinión tendría Mary Shelley de esta nueva película basada en su libro? Esta es una pregunta que ha estado muy lejos de pasar por las cabezas pensantes de los creadores de “Yo Frankenstein”: El mundo real en el que se situaba al monstruo que inspiró la novela en 1918, es sustituido por un lugar habitado por demonios y gárgolas en 2014.

Los creadores de “Underworld” se ven tan capacitados para adaptar cualquier historia, que no dudan en adiestrar al monstruo de los tornillos y convertirlo en un experto en armas blancas y artes marciales. Creo que si alguna vez se propusieran ficcionar la biografía de la madre Teresa de Calcuta, la señora vestiría un mono de licra y lanzaría estrellas ninja.

Aun así la pantalla es una fuente de estímulos. La cámara se mueve a velocidades vertiginosas, mientras se libran batallas espectaculares que mantienen al ojo lejos de su parpadeo habitual. Todos estos excesos intentan dejar al guion en un segundo plano para que disfrutemos del espectáculo visual. Por ese lado es posible que la película consiga su objetivo, aunque no coincida con el de algún espectador.

Es muy difícil hablar de la interpretación de Aaron Eckhart. ¿Sabe alguien qué expresión debe tener Frankenstein cuando lanza una patada voladora?: Aaron Eckhart tampoco. Bill Nighy, quien da vida a un nuevo príncipe de las tinieblas, se reserva los únicos minutos que nos recuerdan estamos en una sala de cine y no dentro de un videojuego.

En algunos compases el film se permite especular entre las fronteras entre la vida y la muerte. Tanto la religión como la ciencia, intentan indagar en el interior de un monstruo que carece de alma. Sin embargo, esta duda filosófica, no deja de ser un soporte gratuito para sostener lo verdaderamente importante en este largometraje: Las palomitas.

BLOG DE CINE. ESTRENO 19 JUNIO

“El cielo es Real”: cuestionando la fe PATRICIA M. OROL @PatryOrol

Una experiencia cercana a la muerte hace que Colton, el hijo pequeño del reverendo Todd Burpo (de la Iglesia Anglicana), visite el cielo y termine por hacer caer a su padre en una crisis espiritual al confesarle sus visiones, siempre desde el punto de vista infantil e inocente de un niño.

Para empezar, los hechos narrados en esta cinta son reales. El director los recogió de la novela del propio Todd Burpo y junto a Chris Parker elaboraron el guion. En este punto debo admitir que yo no soy nadie para poner en tela de juicio lo que un niño dice haber visto. Por ello no me corresponde a mí juzgar la veracidad de los hechos que se narran, pues simplemente es la historia de un niño que ve a Jesús y a los ángeles, y a personas de su círculo familiar en un lugar “igual que aquí, pero mejor”. Y creo que esa frase me enamoró.

La película es un poco simple, muy bucólica, la Casa de la Pradera del siglo XXI. Una pequeña localidad de Nebraska, en la que todos hacen de todo en una especie de comunidad colaborativa, y en la que los valores religiosos son muy importantes, se ve sacudida por una visión que, a unos y otros, retrotrae hacia sus más profundos miedos haciéndolos actuar como lo que son, humanos.

Lo cierto es que cuando vuelvo a pensar en ella, esa simpleza es lo que me da a entender que es realista, o pretende serlo. Que trata de mostrar una historia real y las reacciones reales a todo ello. Y ese es un gran punto a su favor.

En cuanto a los aspectos técnicos de fotografía, dirección y arte… aprovecha enormemente los recursos que ofrecen los exteriores. Hay un buen trabajo detrás, pero, desafortunadamente no deja de parecer un telefilme de tarde de sábado. Nada más. Y es una pena dado que Randall Wallace es el director de grandes cintas (y se nota su mano) como Braveheart, El Hombre de la Máscara de Hierro o Pearl Harbor. Pero este tipo de temática, simplemente, no resulta, es demasiado compleja para una sala de cine.

En cuanto a guion-estructura, volvemos al cargante tema de los inicios largos, maldita moda. La película dura 99 minutos y no debería hacerse larga… sin embargo, pasan muchas cosas antes de que Colton “vea” el cielo. Y en

BLOG DE CINE.. ESTRENO 19 JUNIO

ese espacio de tiempo previo me presentan a toda la sociedad, el día a día, los problemas de los Burpo, pero de forma muy superficial… y demasiado larga. Y tal vez sea la mayor pega. Considero que la estructura de una película es la parte fundamental de la misma, el esqueleto. Y si está mal, es cargante.

Por temática (groso modo y sin punto de comparación) me recuerda a En Apatía (cinta que comenté hace unas semanas). De hecho acabo de entrar en IMDB para consultar los datos técnicos de la película y me he indignado sobremanera al ver que la puntuación de En Apatía era de 7,2 frente al 5,8 con el que se ha calificado El Cielo es Real. Bochornoso.

En El Cielo es Real me hablan de Dios y de creencias, de Jesús… También hablan de la oración y la resignación, de la duda, del “odio” a Dios, ese momento en el que a punto de perderlo todo, tus creencias flaquean y te sientas a pensar y a evaluar. Tal vez El Cielo es Real me retrotrajo a mí misma, a una experiencia personal, el día en que crecí espiritualmente para desvincularme de los seres supremos y dedicarme a las personas y sobre todo a entender el mundo con lo que tenía a mano.

El Cielo es Real se centra, sobre todo, en Todd Burpo, en su momento de reflexión. Él se cuestionó sus creencias y su profesión (reverendo) en base a lo que su propio hijo (y no otro) le cuenta, se cuestiona si debe creer a su hijo, y eso es algo muy complejo para un padre. Y pese a todo, tras cuestionar y pensar, su decisión fue continuar creyendo, pero con una creencia renovada. Y mediante su profesión como reverendo, Todd Burpo intenta transmitir esa renovación a sus feligreses, acostumbrados a una creencia simple que se basa en el “sota, caballo y rey”.

Por eso esta película me merece un respeto, porque no me está imponiendo ni aleccionando, como En Apatía. Sólo me muestra que las cuestiones de fe son la tónica habitual de un ser inteligente. Que seguir creyendo tras ellas no es lo malo, lo malo es no tenerlas. No cuestionarse nada. Aceptar una política de engaño.

“Las dos caras de enero”: suspense elegante ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya

El Partenón griego, actualmente cerrado al público, fue habilitado para el rodaje de esta película. Las ruinas de Knossos también en Grecia o el gran bazar en Estambul, son otras de sus localizaciones. Es curioso que el director se haya servido de la espectacular luz de estos lugares, para construir un tono claustrofóbico.

Oscar Isaac interpreta a un guía turístico americano que sobrevive en Grecia, intentando dar un rumbo a su vida. Antes de apostar por algún camino concreto, queda fascinado por la pareja a la que dan vida Viggo Mortensen y Kirsten Dunst. Sin acabar de conocer el verdadero motivo, el joven decide unir su suerte a la del matrimonio.

Durante el viaje quedan al descubierto las carencias de la pareja. Alejados de su entorno habitual, se ven demasiado supeditados a las habilidades de su guía.

Llegado este punto el thriller evoluciona a una historia de celos y desconfianzas que en favor del suspense nunca se acaban de concretar.

Cada matiz, cada gesto en los actores, sugiere la auténtica necesidad que tiene el uno del otro.

Pese a estar basada en una novela de Patricia Highsmith, son las interpretaciones las que alejan el film de la obra literaria, más que el propio guion. Con unos personajes que se asfixian entre ellos a medida que se acerca el desenlace.

La fotografía y las localizaciones logran un film de corte clásico y elegante. Quizá demasiado para la historia que cuentan. Donde la tensión nunca llega a ser insoportable, aunque sospecho que el director tampoco lo pretende. En todo caso siempre será una buena oportunidad para disfrutar de la precisión de Viggo Mortensen.

BLOG DE CINE.. ESTRENO: 13 JUNIO.

“Violette”, la criatura de Beauvoir CHEMA ROMÁN

La película narra a lo largo de dos horas y veinte minutos la vida de la escritora Violette Leduc, convertida por obra y gracia de Simone de Beauvoir en adalid del feminismo. Se trata, por lo tanto de un biopic centrado en un personaje poco conocido y que permite al director reivindicar, una vez más, como ya hiciera en Seraphine (2008) y en El vientre de Juliette (2003) la vida de una mujer enfrentada al destino, que no es otra cosa que la manera poética de llamar a los tiempos que nos toca a cada cual vivir.

El problema de este tipo de historias es la empatía que el protagonista genera en el espectador, aunque tal vez empatía no sea el término correcto. Un personaje puede resultar odioso y al mismo tiempo interesante, ya sea por su complejidad, por sus contradicciones o por su implicación en el periodo que vio nacer. Lo que nunca debe resultar es aburrido. Y el problema, precisamente, que tiene Violette es que a medida que transcurre el metraje su personaje carece cada vez más de interés. En un momento de la película ella misma se define así: “soy una vieja cargante y neurótica que no le intereso a nadie” y es difícil no estar de acuerdo con esta declaración de principios, porque, salvo que el espectador trabaje en servicios sociales, cuesta Dios y ayuda implicarse en los desatinos de esa pobre mujer que no da pie con bola en lo tratante al corazón, y que arrastra por su vida adulta complejos como otros arrastran una cojera.

Peor aún. Si atendemos al mensaje final de plácida felicidad post-menopáusica, todo parece apuntar a que es el éxito (editorial y de ventas, se entiende) lo que realmente anhela esta escritora aparentemente visceral. Entonces, uno se pregunta ¿Dónde queda el talento? Si el fin de tantas penalidades (bueno… tampoco son tantas.) consiste en tener una casa de campo en la Provenza y firmar ejemplares ante una cola de gente interesantísima y hermosamente entusista, apaga y vámonos. Los best-seller de aeropuerto te dan lo mismo y con menos padecimiento.

Y en esto, como en otros aspectos de la cinta, el mérito del director es notable, malgre lui, por utilizar una expresión francesa que viene como anillo al dedo.

BLOG DE CINE.. ESTRENO: 13 JUNIO.

Y digo que es mérito a su pesar, porque si nos atenemos a sus propias manifestaciones, Provost tiene otras intenciones, al menos en lo que respecta al retrato de sus personajes, pero debido a su clasicismo formal: a un más que correcto uso de la cámara y a una narrativa que no huye del academicismo, los personajes, y con ellos su historia acaban por mostrársenos tal cual: el relato de una mujer prematuramente envejecida por sus frustraciones.

Se echa en falta, eso si, que nos transmita algo del talento narrativo de esta desgraciada mujer. Por estos andurriales, donde Violette Leduc no deja de ser una referencia menor en la historia de la literatura francesa, su importancia como estilista la tenemos que dar por supuesta, y nos preguntamos si, de no toparse con Simone de Beauvoir, su vida no hubiese ido por otros derroteros tal vez más felices. Porque si algo queda claro en este relato es que Violette fue una herramienta en manos de Simone de Beauvoir, que supo ver en ella un poderoso apoyo propagandístico en su particular cruzada por la igualdad de la mujer. En ocasiones los fines justos se sirven de medios mezquinos.

Una vez más la postura del director, ese distanciamiento formal tan flaubertiano, se nos antoja lo más admirable de la película: al no enfatizar la relación de manipulación de el castor hacia Violette, la historia de ambas, su relación y sus personalidades se nos hacen más creíbles.

Por otro lado se trata de una película terriblemente francesa. Y digo terriblemente sin acritud. El francés es el pueblo más civilizado y admirable del mundo salvo cuando son conscientes de ello, y el problema de la cultura francesa, y de gran parte de su filmografía, no es la dimensión de la misma, sino su absoluto ensimismamiento. Por ceñirnos al periodo en que se desarrolla la historia, la literatura francesa ha dado grandes figurones como Sartre, Beauvoir o Genet, tan grandes como insoportables en su engreimiento. Por fortuna, al mismo tiempo nos regalaba a un Camus, a una Yourcenar, a un Cendrars, a un Giono… Tal vez por esa razón en muchos momentos de la película la “elevación” manifiesta de la vocación literaria de Violette deja indefensos a todos aquellos que no hacemos distingos entre vida y arte. Ese vicio tan francés de construir laberintos en torno a su propio ombligo, puede generar un sentimiento de camarilla entre aquellos espectadores familiarizados con los entresijos del mundo editorial francés de los años 50, pero en una sala de cine, tras un día de duro faenar, produce un tremendo sopor en el resto de seres vivos.

Pero no seamos canailles y cerremos esta reseña con un par de apuntes positivos:

Uno: el leitmotiv del compositor Hugues Tabar-Nouval que dice más del desgarro emocional de Violette que horas de contemplar su rostro bovino.

Y dos: la interpretación de las dos actrices protagonistas: Emmanuelle Devos, por convencernos de que un envoltorio vulgar puede encerrar una sorprendente riqueza creativa; y Sandrine Kiberlain, especialmente dotada para papeles de mujeres desagradables, como ya demostrara en la reciente 9 meses… de condena.

“Pancho, el perro millonario”: una película para comenzar a ladrar ALEJANDRO LÓPEZ-REINA

Toda Desde muy jóvenes muchos de nosotros hemos soñado con la posibilidad de tener una mascota que pudiese desde jugar a la consola con nosotros, a que supiese cocinar o que nos limpiase la habitación. “Pancho, el perro millonario”, es más que eso, un perro capaz de guiñar el ojo al más puro estilo George Clooney o pilotar coches de carreras al más puro estilo Mel Gibson (con un par de Jack Daniels de más).

Si has decidido comprar la entrada para ver una comedia, estas totalmente fuera de sitio. “Pancho, el perro millonario” es un filme que ha intentado sobrepasar los límites de un anuncio de televisión (su momento estelar cuando gano la lotería) para intentar sacarnos unos cuantos euros del bolsillo a partir de una tomadura de pelo canino.

A pesar de contar con expertos en la materia humorística como es el caso del director Tom Fernandez (guionista de 7 vidas), el cual a pesar de contar con anteriores trabajos tan destacables como “La Torre de Suso”, sorprende con una película que nos hace recordar que quizás Lassie no fue tan mal perro artista (Todos mis respetos para Cook).

Liderada por una elección del reparto aceptable con Ivan Massagué (Lo tuyo es el teatro) y el debut en la gran pantalla de la presentadora Patricia Conde (hipnotiza por momentos). Aparte de un reparto secundario de lujo con Alex O’Dogherty, Secun de la Rosa o María Castro. Todo ello no es suficiente para exprimir una película ya de por si insulsa y sin sentido, que si por fuera poco se vuelve sumamente pesada tras la sucesión de correlativos tópicos, uno tras otro.

Comienza con la afortunada existencia de Pancho tras ganar la lotería. Su mala vida y sus costumbres caninas provocan que deba contratar a un secretario personal (Massagué) el cual intentara hacer que afronte los problemas que puedan irrumpir en su camino. Todo cambia en el momento que aparece un multimillonario llamado Montalbán, el cual se las hará pasar canutas al secretario y al pobre Pancho.

Estoy decidido a alabar la actuación de Cook (Valentín en Aquí no hay quien viva entre otros), ya que ha demostrado tener más sentido del ridículo que muchos aquellos que hacen llamarse actores. Película recomendable únicamente para los más peques (en gustos cinematográficos no hay nada escrito) y para aquellos desconsolados papis que tengan que tragar viendo a un perro viviendo mejor que Hugh Hefner.

Lo mejor: Patricia Conde y sus coqueteos con el perro

Lo peor: Tener que reírte por vergüenza

BLOG DE CINE.. ESTRENO: 6 JUNIO.

“Al filo del mañana”: un resucitar apasionante ALEJANDRO LÓPEZ-REINA

Toda Estamos ante un blockbuster capaz de aliñar los mejores puntos de una obra maestra de la ciencia ficción como es “Starship Troopers” (1997) junto con la idea de “Atrapado en el tiempo” (1993) y pequeños alicientes filosóficos pertenecientes al existencialismo puro de Jean Paul Sartre.

Extraterrestres, un futuro no muy lejano, guerra abierta y lucha “in situ” por la supervivencia del ser humano, se entremezclan en esta sorprendente película que hará las delicias del amante del puro género “sci-fi”.

Basada en la novela de Hiroshi Sakurazaka “All You Need Is Kill”, “Al filo del mañana” nos da razones suficientes para estar pendientes de cada muerte prematura de Tom Cruise (una y otra vez), llegando a perder la noción del espacio-tiempo vivido (¿o no?) por ambos protagonistas a lo largo de esta cruenta guerra. Las constantes alegaciones a la Segunda Guerra Mundial resultan evidentes a medida que avanza la cinta (una Europa desestructurada, el Día D en una playa mortal como fue Normandía o la permisividad de los altos mandos militares ante las muertes sin control), todo un detalle a destacar en un guion bien hilado.

Ante este punto de partida, podemos considerar “Al filo del mañana” el resurgimiento del realizador Doug Liman (su mejor película data 12 años atrás, “El caso Bourne”) , capaz de torturarnos con “Sr. y Sra.Smith”(2005) y provocar vértigos con “Jumper”(2008). Liman demuestra que fue el indicado para dominar una película que en otras manos hubiese resultado un fiasco en toda regla. Touché.

El incansable Tom Cruise y la indomable Emily Blunt (Michelle Rodríguez y Rambo fusionados), encabezan la película, demostrando una suntuosa química entre ambos. Para aquellos que lo desconozcan, Cruise es un especialista, llegando a rodar él mismo la mayoría de las escenas de acción sin necesitar un “doble”. Todo un punto a su favor contando el avance de su personaje –Bill Cage- en el plano interpretativo a partir de innumerables y sorprendentes muertes (muchas de ellas auténticos gags).

La trama se desarrolla en un futuro próximo en el que la lucha por la supervivencia humana en contra de la invasión alienígena tiene lugar en plena Europa. Tras su negación a combatir, el comandante Bill Cage (Cruise) será reclutado por obligación y deberá participar en el combate contra los seres extraterrestres, para ello contara con la inestimable ayuda de Rita Vrataski (Blunt). Tras la infección producida por su simbiosis con sangre alienígena, Cage tendrá la espeluznante habilidad de resucitar y volver al punto de partida de su reclutamiento (correlativamente) para terminar con la guerra a partir de sus pasos.

“Al filo del mañana” combina elementos necesarios para convertirse en todo un taquillazo. Diversión (por momentos nos sitúa en un videojuego con su premisa del “Game Over”), acción, buenos efectos especiales y un buen reparto son sus puntos fuertes, aunque he de reseñar que la parte emotiva sobra en buena parte del largometraje. ¿Preparado para apreciar la muerte y resurrección de Tom Cruise sin límite?

Lo mejor: El avance de la historia

Lo peor: No hay lugar para la parte emotiva

BLOG DE CINE.. ESTRENO: 30 MAYO.

“Post Tenebras Lux”: el dueño de la hacienda ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya

La primera escena muestra una niña de unos tres años en mitad de una pradera encharcada. Varios animales corren en torno a ella, asustados por los relámpagos. La cámara se mueve al ritmo del correteo infantil, con un ligero desenfoque. La escena continúa hasta el anochecer, donde ya solo vemos a la niña gracias a la luz de los relámpagos.

Con ese pequeño desenfoque Carlos Reygadas consigue una fotografía excepcional. Un México de frondosas praderas y largas playas, cuyos sonidos son tan potentes que en ocasiones engullen las palabras de los personajes. Los protagonistas, Juan y su familia, son acompañados de murmullos registrados casi a nivel paisajístico, que paulatinamente van adquiriendo un sentido.

Varios jornaleros cuentan sus adicciones en una choza destartalada. Juan, el dueño de la hacienda donde viven, los escucha y acaba confesando la suya.

En un primer término, la narración integra el equilibrio entre ambas clases sociales: Los hijos de Juan corretean por las fiestas populares, con la misma libertad que en las más opulentas.

La película se puede entender a varios niveles. Su ritmo es pausado y hasta que la trama adquiere el sentido que el director propone, el espectador encuentra un espacio muy amplio para sus reflexiones. Es entonces cuando entendemos que Juan ha sido el único dueño de todas las imágenes que hemos contemplado. De su belleza y de su miseria.

Carlos Reygadas es de esos directores que pretenden plasmar su personalidad en cada plano.

Las escenas tienen un carácter disperso. En ocasiones más nos parece que asistamos a las imágenes descartadas de su montaje, que a la versión definitiva del film. Pero esa es la manera que tiene Reygadas de acercarnos a su mirada.

Después nosotros juzgaremos si nos convenció el experimento: El nombrado mejor director de Cannes ya ha asegurado que esto no le preocupa en exceso.

BLOG DE CINE.. ESTRENO: 30 MAYO.

“Madre e hijo” de Calin Peter Netzer, del despiadado ejercicio del amor materno CHEMA ROMÁN #madreehijo

Toda buena narración ha de contener al menos dos historias: una explícita, contada de un modo más o menos directo, y una segunda elíptica, insinuada o bien directamente eludida. Esta última es la que da peso a cualquier relato, al transferir al lector o espectador, como es el caso, la construcción del drama, y al disolver lo univoco del mismo y convertirlo en un mensaje universal.

Madre e hijo arranca con lo que parece ser una confidencia entre dos mujeres de mediana edad. No sabemos nada de ellas, salvo que las une algún tipo de parentesco o amistad. Por su aspecto, el exceso de bisutería dorada y la manera de expresarse sospechamos que pertenecen a esa clase de nuevos ricos tan común en las recientes democracias. Es el cumpleaños de una de ellas y su hijo, con el que se ha ido distanciando, no va a acudir a la celebración.

Pero en realidad, detrás de este comienzo in media res y de la aparente trivialidad de la escena, se nos está dando la primera de las pistas de un drama que, como todos los dramas auténticos, se desarrolla a la sombra de lo cotidiano.

Por medio de una cámara sin pretensiones estéticas, a un tiempo cercana y fría, nerviosa, pero precisa con los detalles, el director C. P. Netzer asume, desde la primera secuencia, la ficción de convertir al espectador en el testigo presencial de una tensa relación, la que se da entre una madre posesiva y un hijo abúlico: una historia en torno al amor y el poder, dos de los grandes temas de la historia del cine.

El poder está acostumbrado a ejercer su voluntad; puede parecer una perogrullada, pero no se entiende un poder que no haga uso de sus preeminencias: o es efectivo y satisface o no lo es y genera una insoportable infelicidad. Por otro lado, es bien sabido que en toda relación de amor existe un anhelo de posesión, de ejercer el control del ser amado. No es otra cosa que el miedo a perder al otro y precipitarse al abismo de la soledad. En torno a estas dos pasiones, tan ligadas entre si, Netzer, con un tono alejado de cualquier arrebato enfático, nos

BLOG DE CINE.. ESTRENO: 23 MAYO.

va revelando la crónica diaria de una obsesión enfermiza que, con metódico afán, consume la vida de dos personas.

Desde las primeras escenas percibimos que Cornelia, la madre de esta historia, está acostumbrada a salirse con la suya, a controlar cuanto le rodea, y por ello es incapaz de soportar que lo que más quiere, su hijo, escape a su control, y tenga una vida autónoma. Por eso cuando un accidente de trafico trastoca la vida de éste, ella ve la oportunidad de recuperar un dominio perdido y empeña todos sus recursos en lograrlo. Presenciamos a partir de ese momento un ejercicio despiadado del poder en nombre del amor maternal, que por fuerza, nos genera sentimientos contradictorios. Y es entonces, viendo una película como Madre e hijo, cuando uno se pregunta si esto tiene solución. Me refiero a la sociedad humana y a su anhelo de justicia, ya que el hombre se mueve en un precario equilibrio entre lo personal, es decir, lo egoísta, y lo social, que se atiene a las normas de convivencia y a las leyes; y cuando uno y otro entran en conflicto no podemos, por pura empatía, dejar de comprender las razones de ambos.

Este conflicto es la clave de una historia como Madre e hijo, y se va dibujando paso a paso, va ganando en complejidad, en afiladas aristas, a lo largo de los 112 minutos que dura la película, hasta desembocar en la intensa, soberbia y desgarradora escena final.

Una película puede funcionar por muchas razones, tantas como los elementos que ponen en funcionamiento esta pequeña ciudad de luz e irrealidad que es un rodaje. En este caso dos al menos son evidentes. Por un lado un excelente guión, tan bien construido que por momentos parece inexistente, pero que apreciamos al prestar atención a los pequeños detalles. Por otro lado una interpretación sólida, y digo una porque la animalada interpretativa que lleva a cabo la actriz Luminita Gheorghiu, –quien ya trabajara con Haneke en Código desconocido y en El tiempo del lobo–, es tal que el resto de actores, todos notables, quedan ocultos bajo la densidad que proyecta su sombra.

Madre e hijo recibió el año pasado el Oso de oro a la mejor película en el festival de cine de Berlín. En ocasiones los premios aciertan de pleno.

“Big Bad Wolves”: Quentin Tarantino tenía razón ALEJANDRO LÓPEZ-REINA

Antes de sentarte en tu butaca, debes estar preparado para ver algo sin precedentes. Capacidad de llamar la atención sobre sí misma a partir de las declaraciones que manifestó Quentin Tarantino, catalogándola como la mejor película del año 2013 (lástima que no llegase antes a las salas españolas). “Big Bad Wolves” nos inmiscuye de lleno en una trabajada trama, que aunque a priori nos introduzca de lleno en un thriller cargado de toques policíacos, nos sorprende con un desternillante humor negro.

Hemos destacar la dificultad que entraña el mantener al espectador en tensión durante más de hora y media. Angustia y expectación más que logradas con una dirección sobresaliente, la cual corre a cargo de los talentosos Aharon Keshales y Navot Papushado (ambos encargados de escribir un más que aceptable guion). Para quien resulten desconocidos hemos destacar su anterior trabajo Rabies (2010) en el que se muestran pinceladas de la gran obra que aquí analizamos.

“Big Bad Wolves” arraso el año pasado en el Festival de Sitges con el premio a Mejor Dirección y Mejor Banda Sonora, ambos galardones más que merecidos. Un sonido envolvente permite atraernos a la trampa que nos ofrece la cinta. Una trampa impuesta por nuestra propia confianza (o desconfianza) en las acciones del ser humano, las cuales podrían quedar en entredicho una vez terminado el filme.

Una dualidad conflictiva opera durante toda la película, ¿El hombre es bueno o es malo por naturaleza? ¿La sociedad es capaz de corromper un alma pura? Todo ello como si de Rousseau o Hobbes nos tratásemos. Cabe destacar la presencia de tres personajes bien definidos, los cuales guardan muchas similitudes entre sí. Todos tienen una motivación que les permite dejar de lado sus vidas para centrarse en aquello que más imploran, aparte de un atestado “nada que perder” tras la sucesión de los acontecimientos.

Un profesor de religión acusado de ser un pedófilo, un policía con métodos excesivos (y posteriormente castigados) y un padre desconsolado tras la violación y posterior asesinato de su hija, dan vida a un filme lleno de sorpresas. Estos personajes (condenados a entenderse) permiten adjudicar una visión única al espectador .Cómo las acciones del hombre llegan a variar drásticamente tras un cambio en sus motivaciones personales. Todo ello promovido por el sadismo latente y la ultra violencia expuesta en sus actos.

Estos personajes dotan de versatilidad y fortaleza cada una de las escenas del filme (espectacular aparición de un cuarto personaje), todo ello condicionado con unas sorprendentes interpretaciones de los tres protagonistas (Lior Ashkenazi, Rotem Keinan y Tzahi Grad). Sin dejar de lado el gran trabajo tanto en la dirección como en el guion de Aharon Keshales y Navot Papushado (¡Volved pronto!).

Un largometraje capaz de despertar la conciencia de más de uno, llegando a descubrir los límites sobrenaturales del ser humano. “Big Bad Wolves” nos ofrece una excelente moraleja (“el hombre es un lobo para el hombre”) sobre la parte más cruenta del único ser vivo con capacidad de mostrar “raciocinio” desde el comienzo hasta el fin de sus días.

BLOG DE CINE.. ESTRENO: 21 MAYO.

NOCTURNA 2014: La pretensión que toma forma PATRICIA M. OROL @PatryOrol

Nocturna, el festival de cine Fantástico de Madrid, comenzaba sus andanzas en 2013. Bueno, realmente

empezaba mucho antes con un Luis Rosales (el director) y un José Luís Alemán (el productor) que venían de

colaborar en otros festivales.

Nocturna nacía por esa necesidad de ofertar en Madrid un festival de cine fantástico y de terror de calidad, de

buenos títulos, conocidos y desconocidos. De dar al público un algo más, muy exquisito y muy concreto. Y las

repercusiones fueron grandes y en su primera edición lograron reunir a cerca de veinte mil personas.

Una de las cuestiones en la mente de muchos en la rueda de prensa de esta mañana fue si Nocturna pretendía

ser Sitges. Y la respuesta fue rotunda: “Ni hablar”. Porque Nocturna nacía como una necesidad, no como una

competencia. Y así ha sido.

Nocturna 2014, la segunda edición del festival, que tendrá lugar entre los días 26 de mayo y 1 de junio, trae a la

cartelera del cine Palafox de Madrid títulos tan atrayentes como Viv, Beneath, Una Vela para el Diablo,

Extraterrestrial, Wax… entre otros También reposiciones, como La Matanza de Texas y la versión del director de

Profondo Rosso, (inédita en España).

La gran novedad es que para la reposición de la remasterización del gran clásico La Matanza de Texas, de Tobe

Hooper, es que el mismo Hooper estará en ella y atenderá a la prensa. De hecho, ya se encuentra en Madrid y no

será la única sorpresa: Dario Argento, Jaume Balagueró y Victor Matellano, presentarán sus películas, entre otros

muchos, actores, directores y productores.

Nocturna contará con numerosas actividades paralelas, entre las que se encuentra la proyección del capítulo

siete de la cuarta temporada de Juego de Tronos, presentado por Sibel Kekilli (Shae) y con la colaboración

especial, en esta actividad, de Canal +.

Pero no sólo eso, en los días previos tuvo lugar Pre-Nocturna, una recopilación de cine fantástico iberoamericano

del último año que contó con títulos como La Gente del Sol, Mar Negro, La Segunda Muerta o La Hora Cero.

Además de la celebración del Día del Orgullo Friki con proyecciones como Star Wars, the Holo Experience, DVD y

Star Trek II: la ira de Khan.

Una gran oportunidad de traer a España títulos que, de otra forma, serían casi imposibles de ver, tanto por

distribución propia como por el hándicap que suponen los altos índices de piratería que sufre España.

Sin duda una semana completa de gran cine de género, de descubrimientos y, seguramente, de algún que otro

descalabro. Con 70000 euros de presupuesto privado y más de 150 medios acreditados, esta segunda edición de

Nocturna Madrid pretende superar el público asistente en 2013. La meta está en duplicarlo y, con el cartel que

presentan, no dudo en que lo conseguirán.

BLOG DE CINE.. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE MADRID

PRIMER ACTO. En días como este siento ampliamente el no poder desdoblarme. Es frustrante tener un cartel tan amplio y

sentirte delimitada en exceso. Pero, de igual modo, estos dos primeros días de Nocturna me trajeron gratas

sorpresas y alguna que otra decepción. Muchas veces la crítica genérica y yo no entramos en los mismos

parámetros… Claro está que en la variedad está el gusto.

Nocturna arrancaba este lunes 26 con dos películas clave en su inauguración: The Zero Theorem de Terry Gilliam

y The Demon’s Rook de James Sizemore. Tuve la opción, únicamente, de asistir a la película de Sizemore, aunque

lo más llamativo era la película de Gilliam, obviamente.

The Demon’s Rook se alzó con el premio en la sección Panorama de Sitges 2013. Película de origen canadiense

que, sinceramente, no se merece tal premio. Cierto es que yo y el género fantástico no tenemos una gran

conexión. De hecho, a la salida del cine creía que tal vez eran mis gustos… Pero no… he visto películas mejores y

charlando con otros compañeros todos parecíamos bastantes indignados.

Resumiendo, Sizemore un día se compró una máquina de humo y se montó esta historia. Realmente es un cinta

con todas las referencias posibles al cine de género de los años setenta y ochenta, con sangre, desgarramientos,

desmembraciones y muchos zombies, demonios y demás. Pero es pobre en contenido e interpretaciones. Es un

film serie B que casi llega a la Z. Principalmente, le falta guion… y es pesada, extremadamente larga. Un mundo

interior demasiado amplio para una película. En sí, la idea no es mala, de hecho está genial, pero todo lo demás

es catastrófico y erróneo como para tomársela en serio.

Sin duda, lo más destacado de los dos primeros días de Nocturna ha sido Beneath de Ben Ketai, por el momento

mi preferida. Ha logrado que me angustie, que me pregunte cosas y que trate de dar explicaciones a los sucesos.

Sobre todo porque, para empezar, parte de la premisa de que ha sido basada en hechos reales. Y eso me

encanta.

Un accidente minero, ocho supervivientes iniciales y sólo uno que sobrevive. ¿Quién lo hace? ¿Cómo? ¿Por qué? A

lo largo de la película vas descubriendo motivaciones. Realmente, el gran fallo es que los personajes son tan

estereotipados que sabes quién sobrevivirá. Pero Ketai logra sacar partido a esos estereotipos y los envuelve

junto al espectador en una truculenta historia subterránea en la que, uno a uno, se van agotando todos los

recursos.

Las escenas de tensión están trabajadas. No puedo decir que sean inesperadas, pero es cierto que, si bien uno

sabe que toca, no sabe por dónde le van a caer.

El martes también tuve la ocasión de visionar Viy, la película rusa que tanto costó a la organización poder tener

en cartel. Sin duda, sobrevalorada. Si bien es cierto que es una historia de fantasía estupenda, el acabado de la

misma y el propio guion peca de repetitivo e insulso. Además de ser extremadamente larga y enrevesada.

Realmente, creía estar viendo la versión extendida.

Y, en cierto modo, me están vendiendo una película que no es más que una burda imitación (de concepto, no de

guion) de El Secreto de los Hermanos Grimm y Van Helsing, pero a lo ruso, extensa y predecible.

Es graciosa (al estilo ruso) pero no deja de ser una película infantil (siempre y cuando se supriman ciertas

escenas que no serían aprobadas por el Ministerio), con mucha fantasía, paisajes preciosos y personajes de lo

más variopinto. La construcción de plano bastante aceptable y la fotografía es clásica, dentro del género, pero

saca partido a todos sus defectos.

Termino con Soulmates, una película más propia de la tarde del sábado en Antena 3, pero aceptable a su modo,

con un tratamiento fotográfico muy bonito aprovechando la campiña galesa y esa belleza tan popular que gana

cualquier cosa. La historia, si bien es cierto que se prevé más compleja, no es más que una pequeña adaptación

de El Fantasma de Canterville en la actualidad, con un fantasma mucho más agradable (y mono), que se enamora

de la protagonista… Y claro, cuando ella lo quiere sólo en la friendzone, pues se enfada. Lógico.

Pero es tediosa. Seguramente sería una novela muy bonita y con gran trasfondo, dado que en la película quieren

poner de manifiesto la desgarradora angustia que nos invade al perder a alguien importante en nuestras vidas.

Pero no consigue sacarlo a la luz de forma fehaciente y cautivadora, se esconde en una narrativa lenta, llena de

recursos vagos que ahogan esa idea que hubiera buena de haber sido mejor trabajada. Pero lo que hace su

directora, Axelle Carolyn, es convertirla en una historia demasiado larga y un tanto irrisoria.

En cuanto a la sección de cortometrajes, hasta el momento he visto cuatro. De ellos destacar el español Fisio, de

Vicente Seba. Sencillo y divertido a la vez, con una interpretación cuidada.

Pero, sin duda, el que me ha dejado de una pieza es Sinnside de Miguel Angel Font. Extremadamente cuidado,

con una doble y triple lectura, con una estética brillante y un trabajo técnico que no tiene nada que envidiar a

nadie. Por ahora, el mejor.

SEGUNDO ACTO. A medida que avanzaron las jornadas en Nocturna me fui enamorando del género y me ha dado verdadera pena

no poder asistir a las dos últimas jornadas por motivos personales. Porque Nocturna es el ambiente, la salida del

cine, el comentar las películas incluso en la sala.

El miércoles y el jueves experimenté el amplio abanico del género de terror y tuve la gran ocasión de escuchar a

uno de los grandes, Tobe Hooper quien reestrenaba La Matanza de Texas remasterizada en su cuarenta

aniversario… ¡¡cuarenta años han pasado ya!! Le preguntaron por qué creía que La Matanza de Texas seguía

siendo un claro referente en el género de terror y casi sin dudar contestó que la realidad que mana de la película

y de la genial interpretación de Marilyn Burns, consiguen que siga siendo actual. Y lo de la “realidad” es muy

cierto, creerse la angustia del personaje o incluso la situación es complejo. Crear personajes sin caer en

estereotipos es difícil. En cierto modo, todo lo demás siempre serán clichés.

Personalmente, tener la opción de disfrutar de esta película en una sala de cine como la de Palafox, fue genial,

sensacional. Una de esas cosas que no se pueden olvidar. La mayor parte de la gente de mi generación no hemos

tenido la oportunidad de ver La Matanza de Texas en un cine, y esta experiencia es, sin duda, muy grata.

Se me han quedado muchísimas películas en el tintero, tanto por no poder asistir como por no poder

desdoblarme. De algunas hablaré dado que, en ocasiones, los comentarios con otros compañeros aportan una

idea. Sin duda, de todas las que he visto ha sido Savaged, de Michael S. Ojeda la que más me ha gustado. Muy

bien hecha, técnicamente útil, no hay un uso desorbitado de la sangre, algo que aprecio. Todo es lo necesario y

es lo que me gusta de cualquier tipo de película: justo lo necesario, lo útil.

Las interpretaciones, sobre todo Amanda Adrienne, están a la altura de un film de bajo presupuesto con una

historia de venganza en cierto modo convincente. No es que el resto no lo sean, pero muchas veces son tópicos

mal tratados. Esta es un tópico: mujer joven violada, maltratada y asesinada… como para no vengarse. Pero la

inocencia que aporta Adrienne a la propia del personaje hace que seas uno mismo el que, de no haber venganza,

la buscase.

Y de las películas argumentalmente más brillantes, sin duda, Cruel & Unusual, de Merlin Dervisevic. Un buen

guion, una historia curiosa que parte de la premisa de que el infierno de los asesinos es una reunión de

alcohólicos anónimos (asesinos anónimos) y la repetición constante de sus atrocidades. Brillante ejercicio de

empatía y desprecio que se desarrolla en la mente del espectador. A la salida comentábamos que, tal vez, la

pega es que resulta más un telefilme que una cinta de salas. Tiene un ritmo lento que hace que la película

parezca larga, cuando en absoluto lo es.

En cuanto al aspecto técnico se cumplen las expectativas. No es una película de terror, es un thriller psicológico

que juega fenomenal con el montaje. El guion está labrado en una mezcla de Groundhog Day y Eternal Sunshine

of the Spotless Mind.

Dicen por ahí que Edge of Tomorrow de Doug Liman, protagonizada por Tom Cruise también tiene esa premisa

de Groundhog Day. Yo la descarté de primeras pero ha recibido buenas críticas, así que tendré que experimentar

si, por una vez, una película de Tom Cruise me deja buena sensación. No es que no haya ninguna, que las hay…

pero le tengo poco aprecio.

Una de las películas con más expectativas era Lord of Tears, de Lawrie Brewster. Sin embargo comete un fallo

garrafal de dirección y un guion que se divide en dos actos principales y que presenta de forma extremadamente

larga la película. Lord of Tears tiene un argumento brillante que se cargan por completo. Me dejó muy mal sabor

de boca porque tenía en sus manos tanto la historia como las localizaciones y, salvo cuatro planos reseñables, el

resto es demencialmente sucio y de estudiantes de primero de carrera.

Falta vida y falta, sobre todo, visual. Los diálogos (en ocasiones pobres) se convertían en tremendamente

horribles a través de planos muy cerrados que no aportaban lo que, probablemente, el director buscaba:

intensidad.

Los dos actos son dos espejos, las interacciones del primer acto se convierten en lúgubres (y comprensibles) en

el segundo. El personaje es patéticamente patán e insulso. Un extremado estereotipo del “inglés medio”. Sin

duda, para mí, una decepción.

En este punto una de las discusiones que se me plantearon fue el hecho de que, en la actualidad, está de moda, o

es más “alternativo” las películas con inicios largos. Y no niego que no sea así. Sin embargo las estructuras son lo

que son y si vas a hacer una presentación larga tienes que atenerte a las necesidades no sólo técnicas, sino del

espectador. Y el espectador necesita que pase algo y que ese algo le atraiga y quiera saber más. Brewster se

carga esa necesidad centrándose en una relación que, de por sí, es importante, y la alegoría es perfecta, pero

conduce al espectador a perder el respeto al protagonista. Y eso es imperdonable.

Por otra parte, Extraterrestrial, de Colin Minihan, venía también con un lote de buenas críticas detrás. Y sin duda,

las buenas críticas no le hacen justicia. Extraterrestrial no deja de ser una película de adolescentes en el que van

muriendo uno a uno debido a los tópicos malentendidos. Pero… tiene una cuidada fotografía y los actores no

son malos, lo cual aporta calidad a la cinta. Vale, no es un fiasco, para nada. Es una película aceptable y que tiene

una escena cercana al final que, si hubiesen cortado ahí, sería el momento de realizar una segunda película que

prometería algo grande. Con un buen guion, claro. Yo, simplemente, lo dejo ahí. Todo sea que, de repente, Colin

Minihan o The Vicious Brothers me lean… ¿no?

Destacar aquí a Michael Ironside, quien se llevó los aplausos del público en sus apariciones, un habitual de este

género cuyo personaje es tremendamente divertido y que su interpretación no pasa desapercibida.

En cuanto a los cortos, en esta ocasión, me quedo con Mienin, aunque 24 horas con Lucía fue extremadamente

divertido. De igual modo, como premio del público y, aunque me repita, debería de ser Sinnside.

ACTO FINAL. Nocturna cerraba el pasado domingo uno de junio su segunda edición. Una edición de la que hay que decir que

tuvo cerca de un 30% más de espectadores que la primera y que ha sido un total acierto en cuanto a películas y

premiados, invitados y, sobre todo, en cuanto a contenido. Es definitivo, Madrid ya tiene un Festival de Cine

Fantástico y de Terror que tiene poco que envidiar a muchos otros.

El viernes era el turno de dos grandes esperadas: Wolf Creek 2, de Greg McLean que se alzaría con los galardones

de la Sección Oficial al Mejor Director y Mejor Guion (éste último junto con Aaron Stems); y Wax del español

Victor Matellano.

Wolf Creek 2 es una cinta de aventuras con lo mejor de las películas de aventuras en un continuo homenaje a los

clásicos del terror. Sus intérpretes, John Jarrat y Ryan Corr se llevaron en conjunto el galardón Nocturna a la

Mejor Interpretación. Sin duda sigue la estela de la primera y se lleva un merecido reconocimiento.

La española Wax, de Victor Matellano no es más que un revisionado del género que, de por sí, poco aporta pero

que en cuanto a interpretación y efectos es aceptable y pasable.

También el viernes se proyectó Mientras Duermes de Jaume Balagueró, con el gran Luis Tosar. El director

español recogía el premio Maestro del Fantástico y dedicó un coloquio a la prensa tanto sobre la película como

sus influencias a la hora de elaborar sus proyectos.

Otro de los clásicos del cine español de terror de los setenta fue Una Vela para el Diablo de Eugenio Martín que

aún a día de hoy sigue siendo referencia en este género. Y eso es decir mucho.

El sábado reponían Profondo Rosso, con metraje nuevo de Dario Argento, con la presencia del propio e

inigualable Dario Argento quien también recogía su premio Maestro del Fantástico. Totalmente un lujo, a la

altura de tener a Tobe Hooper el jueves anterior… Creo que nos mimaron demasiado a los cinéfilos.

El sábado se estrenaba también la cinta española La mujer que hablaba con los Muertos, de César del Álamo.

Una historia de médiums que me recuerda al inicio de Luces Rojas de Rodrigo Cortés. Sin embargo, la cinta no

está mal y se supera a poquitos. Un guion correcto que salva un argumento demasiado visto.

Otras de las cintas esperadas era la fabulosa Pinup Dolls on Ice, de Geoff Klein y Melissa Mira. No he hecho más

que escuchar alabanzas sobre esta película de la sección Madness y que se llevó el premio Nocturna Madness a

la Mejor Película. Sin duda, me han quedado muchas ganas de verla, aunque me doy con un canto en los dientes

dado que el Premio del Público a la Mejor Película fue para Savaged (que también competía en la sección

Madness).

Siguiendo con el hilo de los Premios del Público, los cortometrajes que se llevaron el galardón fueron Lothar, el

corto Suizo de Luca Zuberbuehler, y el nacional fue a parar a las manos de Marcos Cabotá por 24 Horas con

Lucía. Sin duda, discrepo en el nacional: no dudo que el shot de Cabotá fuese divertido y no estuviese mal para

ser de muy bajo presupuesto, pero sin duda, de los que vi nacionales, no fue el mejor. Yo me quedo con Sinside

de Miguel Ángel Font, tanto en contenido como en efectos y trabajo.

En la sección Dark Visions la sentencia estaba clara. Un guion excelente, una historia vibrante y atractiva, fuera

de lo típico tópico del género. Sin duda, Cruel & Unusual de Merlin Derviesevic es un completo acierto. Creo que

tanto la estética de la película y, en general, lo que nos cuenta, los personajes que se ofrecen cercanos y lejanos

a la vez, esa complejidad a la hora de quererlos y odiarlos por sus delitos. Esa controversia para el espectador

que se debate entre empatizar u odiar. Es genial, bien definida. Sigo, no obstante, en la línea de mi anterior

crítica: tiene un aire de telefilme, de película de sábado por la tarde (pero excelentemente hecha) que no invita

nada a verla en una sala de cine. Pero, salvo eso, sigue siendo cine.

El Premio Nocturna Paul Naschy recayó en La Cueva de Alfredo Montero, otra cinta que no para de recoger

premios allá donde va. También de esta película se premió a Eva García Vacas con una Mención Especial de

Interpretación.

El Premio Nocturna a los mejores FX se fue a Extraterrestrial, que no se podía ir de vacío, digo yo, dado que

aunque no están mal creo que seguro que alguna que otra cinta más se los hubiera merecido. De Extraterrestrial

no voy a hacer mayor reseña que la que hice y repetiré que hay un par de escenas que, sin duda, salvaron la

película para una servidora. Por lo demás, ni fu, ni fa.

Retrospectiva en el fin de semana no sólo con Profondo Rosso y Una Vela para el Diablo sino también con el

clásico de los clásicos de aquellos que crecieron en los ochenta (yo realmente crecí en los noventa y, aunque esta

película forma parte de mi vida, no es lo mismo). Los Goonies se proyectaba el domingo día uno como colofón

final a una semana de grandes títulos.

No era la única, en la mañana del domingo se presentaba también The Apostles, Delivery e Invaders from Mars

de Tobe Hooper que esta edición ha sido el principal atractivo.

Uno de los secretos mejor guardados en Nocturna 2014 fue la sorpresa que nos anunciaron el lunes en la rueda

de prensa. Nos devanamos algo los sesos hasta que… Tarán… Nacho Vigalondo aparecía para presentar el

tráiler de Open Windows, su nueva película, estrenada en el festival SXSW de Austin, Texas, con las

interpretaciones de Elijah Wood (un asiduo ya de los directores españoles), Sasha Grey (que cambia el porno por

el thriller) y Neil Maskel. Open Windows se llevó grandes críticas en USA, aquí tendremos que esperar hasta el

cuatro de julio para saber qué nos deparará el director de Los Cronocrímenes.

Nocturna 2014 cerraba sus puertas, pero nos dejaba un montón de películas (cuarenta), buenos directores,

charlas-coloquios, mesas redondas, presentaciones e invitados de lujo. Queda mucho para 2015, pero yo ya lo

estoy esperando como agua de mayo.

Cambio y corto. Mi experiencia Nocturna ha sido de sobresaliente y desde aquí felicito a Luis M. Rosales y a José

Luís Alemán (y a todo el equipo que está detrás) porque han conseguido lo que decía al principio… Madrid ya no

tiene nada que envidiar a otras ciudades puesto que ya tiene un “genialoso” Festival de Cine Fantástico y de

Terror. Felicidades.

Joseph Cotten con canotier CHEMA ROMÁN

Durante mucho tiempo se pensó que Ciudadano Kane era el primer largometraje rodado por Orson Welles del

que se conservara copia. Sin embargo en agosto del año pasado salío a la luz el descubrimiento de una

producción anterior: Too Much Johnson, una cinta muda de 1938 que se tenía por desaparecida.

Bien merece la pena contar las peripecias de este film perdido y milagrosamente recuperado.

Si bien se tenía conocimiento de su existencia, se pensó que la única copia existente de Too Much Johnson había

desparecido definitivamente al incendiarse el piso madrileño del propio Orson Welles. Sin embargo, no fue así.

Durante años los rollos de la película estuvieron depositados en una empresa de mensajería italiana, guardando

el sueño de los justos, hasta que el negocio se cerró y los rollos, en un estado de deterioro notable, fueron a

parar a Cinemazero, una pequeña asociación de cine independiente cercana a Venecia, donde siguieron

empaquetados sin llamar la atención de nadie. Pero he aquí que la química vino al rescate de uno de los genios

del noveno arte, concretamente el proceso conocido como síndrome de vinagre. Hasta 1950 la mayor parte de

las películas se fabricaban en nitrato de celulosa, un material que sometido a altas temperaturas y humedad se

corrompe y genera ácido acético, vinagre, para que nos entendamos. De modo que fue el tremendo hedor a vino

agrio lo que alertó a los responsables de Cinemazero de que algo feo estaba ocurriendo en sus depósitos. Una

vez abiertas las cajas se descubrió el nombre de Welles en alguno de los rollos, de ahí a relacionarlos con la obra

perdida del director americano sólo hubo un paso. El posterior proceso de restauración fue harina de otro costal

y corrió a cargo de la George Eastman House de Nueva York, que logró salvar más del 96% de la cinta sin recurrir

a técnicas digitales.

BLOG DE CINE.. ESTRENO EN TCM

En cuanto a la película en sí, Too Much Johnson está interpretada por un jovencísimo Joseph Cotten con trazas

de pisaverde, sombrerito de paja incluido, y una agilidad sorprendente para sus casi 1,90 m de altura, y cuenta las

andanzas de un casanova neoyorquino que ha de salir pitando de la Gran manzana al ser pillado in flagranti por

un vengativo marido. Tras persecuciones sin tregua por tejados y almacenes huye embarcado a Cuba donde

suplanta a un rico terrateniente. Punto final.

Decir que se trata de una película entretenidísima, divertida y memorable sería mentir. Es una obra destinada en

su momento a servir de prólogo a una representación teatral, y cuyo máximo valor es el documental, o si

queremos el arqueológico. Ni tan siquiera se concibió para ser proyectada de modo independiente. Bien es

cierto que hasta en una obra primeriza como esta el genio de Welles se manifiesta, por muy encorsetado que

este estuviera en los límites y medios de que disponía entonces. Welles se sirve del Slapstick, ese género

cinematográfico del “corre que te pillo” que popularizara Harold Lloyd, para desplegar propuestas formales que

más tarde serían santo y seña de su estilo.

Picados y contrapicados, angulaciones y sorprendentes intentos de profundidad de campo están presentes en

Too Much Johnson, junto con acertadas elecciones de escenario: desde callejuelas portuarias a escaleras de

incendio o un laberinto formado por canastos y cajas en donde tiene lugar una de las persecuciones más

destacable.

Para el espectador actual, con otro sentido del humor y la fea costumbre de escuchar palabras cuando los

personajes abren la boca, Too Much Johnson puede resultar por momentos desconcertante. No es una película

con un guión particularmente brillante, y su montaje es, hasta cierto punto, experimental. De no ser por las

vicisitudes por las que pasó, estaríamos hablando de una obra menor dentro de la filmografía de Orson Welles.

Aun así merece la pena poder contemplar los rudimentos de un genio y de como las ideas no son asunto que

brote por inspiración divina sino materia que se genera en ciertos cerebros privilegiados y que va madurando

con los años.

El próximo 31 de mayo el canal TCM estrena en exclusiva para España Too Much Johnson, la primera película

rodada por Orson Welles. Su estreno mundial tuvo lugar en octubre de 2013 dentro del festival de cine mudo de

Friuli-Venezia Giulia la Giornate del Cinema Mutto. La edición española cuenta con una banda sonora compuesta

por Remate, que me ahorraré comentar, por respeto a Orson Welles y por no buscarme enemigos

innecesariamente.

“The Musketeers”, el D’Artagnan del siglo XXI JAVIER MARTOS

El Festival Screen TV acogió en el Cine Albéniz de Málaga el estreno de los dos primeros capítulos de The

Musketeers, la nueva adaptación para la pequeña pantalla de las aventuras del eterno D’Artagnan y sus

inseparables camaradas. La primera temporada ya ha terminado de emitirse en el extranjero y ahora llega a

nuestro país de la mano de la BBC buscando su sitio entre el marasmo de series que abarrota la pequeña

pantalla.

Lo primero que llama la atención de la serie es que es un producto de entretenimiento puro que va directo al

grano desde el minuto uno. Al igual que en el libro de Alejandro Dumas la historia se inicia con D’Artagnan y su

padre, y veinte minutos después están presentados casi todos los personajes principales de la novela original: los

tres mosqueteros, Richelieu, Constanza Bonacieux y su complaciente marido, Luis XII y nuestra paisana Ana de

Austria, Treville.. casi todos menos Rochefort y todo ello a un ritmo trepidante (puede que a veces demasiado)

Pero todo esto no tiene porqué ser negativo en absoluto. Nadie dijo que cada serie tuviese que tener la

complejidad y la hondura de True Detective o The Wire, y de vez en cuando se agradecen series que ofrezcan

simplemente evasión y aventura al estilo clásico. Tanto el primer como el segundo episodio ofrecen historias

autoconclusivas (parece mentira lo mucho que da de sí un día en la vida de éstos hombres) y falta por ver si en el

futuro los de la BBC se animarán a adaptar algún arco argumental más extenso, cosa algo arriesgada si tenemos

en cuenta la complejidad y la densidad de algunas de las tramas de Dumas.

En cuanto a la ambientación de la serie, se ha optado por prescindir del colorido de anteriores adaptaciones y se

ha optado en su lugar por una estética más gris, con un París perpetuamente nublado y lluvioso (tal y como es en

verdad), unas calles embarradas y unos mosqueteros más bien greñosos y desaliñados, todo lo cual concuerda

más con el S.XVII que las más agradables adaptaciones de 1948 y 1993.

La esencia de los personajes se ha conservado de forma bastante fiel. Con un plantel de actores prácticamente

desconocidos (al menos fuera de las Islas Británicas) todos desempeñan sus papeles de forma más que correcta:

D’Artagnan sigue siendo un pipiolo gascón (aunque algo menos panoli que en la novela), los mosqueteros son el

arquetípico grupo de amigotes que siempre ha representado el ideal de camaradería entre hombres, Richelieu es

un manipulador taimado y astuto, y por supuesto Milady es… la Milady de Winter de siempre.

En definitiva, si no es usted uno de esos fanáticos recalcitrantes que exigen que tal libro sea adaptado de forma

exacta línea por línea (cosa casi imposible y bastante aburrida por otro lado), ni un paladar fino que afirma no ver

nada que no sea HBO no debería tener usted ningún problema en disfrutar de una serie que ofrece aventura,

intrigas, traiciones, duelos a espada (muy bien coreografiados por cierto), mujeres fatales que nos llevan a la

ruina y amigos fieles hasta la muerte. Desenvainad y en guardia!

BLOG DE SERIES..

“Quirke”, un Sherlock Holmes irlandes y bebedor JAVIER MARTOS

El Otra vez desde la BBC nos llega otra buena miniserie de tres capítulos que sabe a Whisky de malta y huele a

pub atestado. Se trata de Quirke, la adaptación a la pequeña pantalla de la serie de novelas escritas por el

considerado como aspirante al Nobel de literatura John Banville (Alias Benjamin Black).

La serie está protagonizada por el nunca suficientemente valorado Gabriel Byrne, un hijo de la vieja Irlanda de

los pies a la cabeza que se mete perfectamente en el pellejo de un personaje que si bien no encaja en algunos de

los típicos clichés acerca del irlandés medio (de creyente tiene poco) sí que lo hace en otros (muy aficionado a

los elementos líquidos ingeribles por vía oral) Le acompañan el gigante de la interpretación Michael Gambon y

Nick Dunning (El Tomás Bolena de Los Tudor) entre otros.

¿Y qué es lo que nos ofrece Quirke? Pues lo primero un personaje que cumple con muchos de los requisitos que

muchos de los fans del género negro exigen a un buen protagonista: Atormentado, autodestructivo, contestón

(aunque casi nunca grosero ni fogoso) que ejerce una profesión que deja lugar a mucho optimismo) es forense)

y dotado de un sentido moral que le lleva a hurgar las narices en asuntos turbios (casi siempre relacionados con

sus seres queridos) y a buscarse problemas con quienes manejan los hilos de una Irlanda en la cual hasta su

ciudad más grande y capital siempre ha sido una especie de microcosmos en el cual todo el mundo se conoce. En

ese sentido Quirke está bastante bien ambientada, trasladándonos a un país austero con más bien pocos

pasatiempos (muchos de nosotros estaríamos perdidos allí sin televisión ni internet) dónde la única evasión del

aburrimiento, la lluvia (casi siempre llueve) y una sociedad opresiva suele ser el pub en el que hasta señoritas

como Phoebe (Aisling Franciosi) se beben las copas a palo seco y sin hielo, como se bebe de verdad. La serie

transcurre a finales de los 50, pero parece que el país se haya quedado a finales de los 30.

En éste entorno no precisamente adecuado para un espíritu libre pensante, nuestro hombre se verá poco a

poco envuelto en tramas cuyo fin es más bien describir la vida en aquella Irlanda (que sigue pareciéndose mucho

a la de hoy) en la cual casi todo el poder recaía en la Iglesia y los cuatro prohombres del momento. En ese

sentido resulta de candente actualidad el argumento del primer capítulo en el cual se nos da una pequeña

muestra de los turbios tejemanejes de una la iglesia católica intocable en aquella época. Me estoy refiriendo al

escalofriante descubrimiento de 800 esqueletos de bebés en un convento irlandés, casi con toda seguridad

pertenecientes a madres solteras. Lo mostrado en éste primer capítulo no llega a tanto, pero la arrogancia y

prepotencia con la que los clérigos tratan a nuestro protagonista nos da una idea del poder y la inmunidad de la

que se sabían provistos.

Esta miniserie abarca tres de los seis libros de los cuales consta la serie actualmente, lo cual debería suponer que

habrá una segunda miniserie en la que se nos seguirán narrando las peripecias de éste forense que, a pesar de la

resaca, y como buen personaje de novela negra, siempre acaba dando con el culpable. Aquí le esperamos con un

vaso de Bushmills en la mano.

BLOG DE SERIES..

“Arrow”, o cuando el camino del héroe no es como esperabamos FERNANDO SIMÓ

El pasado miércoles 21 de mayo, a través de Calle 13, los espectadores españoles asistimos al final de la segunda

temporada de “Arrow”, la serie basada en las aventuras del superhéroe de los cómics Flecha Verde. Y tras dos

años siguiéndola, aún me pregunto porque. “Arrow” es todo un éxito en Estados Unidos, y cuenta con una

importante legión de fieles fans que adoran las aventuras del arquero encapuchado. Sin embargo, mi sensación

es que la serie podría ser mucho mejor de lo que llega a ser.

He de reconocer que con esta serie de Greg Berlanti y Marc Guggenheim, tengo sensaciones encontradas desde

su estreno, hace ya dos años. Sobre todo porque en sus inicios “Arrow” me entusiasmo, ya que parecía que su

senda iba paralela a la trilogía de Batman creada por Christopher Nolan, con un personaje atormentado por su

pasado de frívolo playboy, curtido por su estancia en una isla durante cinco años y con la misión de acabar con el

crimen de Starling City. Sin embargo, “Arrow” fue derivando (por algo se emite en Estados Unidos en una

cadena centrada en un público juvenil) hacia un estilo mezcla de “Sensación de vivir”, “Melrose” y la más

reciente “Gossip Girl”, con triángulos amorosos poco creíbles, amores adolescentes y tramas que no se

sostenían. Sin contar con los secundarios, que en su mayoría aportaban más bien poco, salvo los personajes de

Felicity Smoak, una siempre ocurrente y divertida Emily Bett Rickards, el detective Lancey, o Slade Wilson (hasta

que llegó la segunda temporada), llegando al extremo insufrible de la hermana “rebelde”, y su novio, el futuro

Speedy de los cómics.

Con el paso de los episodios de su primera temporada, los únicos momentos rescatables eran las aventuras de

Oliver en la isla, una isla que no estaba ni mucho menos desierta (a los fans de “Perdidos” les sonará) y de la que

hemos ido descubriendo poco a poco los secretos que oculta. Siendo allí donde encontramos los personajes más

interesantes, y las situaciones que en realidad hacen que sigamos viendo “Arrow” y conocer lo que le sucedió al

futuro Flecha Verde, durante su estancia en aquella isla durante cinco largos años. Tras un final de primera

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temporada, con un final algo previsible, llegó una segunda en la que se anunciaba que asistiríamos al proceso de

cambio de justiciero a héroe del protagonista.

Y en apariencia, en esta segunda temporada, que acaba de terminar hace nada, dejamos atrás la ñoñéría de

amores juveniles y de triángulos o cuadrados amorosos, potenciándose por contra de nuevo la acción vista en

los inicios de la serie, e incorporando un mayor número de personajes de los cómics como Tigre de Bronce, China

White, Canario Negro, Nyssa al Ghul, el Profesor Yvo o la agencia gubernamental ARGUS. Pero como muchas

veces ocurre, las apariencias engañan, y a pesar de la mejora evidente con respecto a la primera temporada, la

segunda (al menos en opinión del que suscribe) no ha terminado siendo lo que podía haber sido.

Y digo esto porque de nuevo, llegados a un punto en la temporada, hemos visto de nuevo momentos de

culebrón al más puro estilo “Dinastía” o “Falcon Crest”, con secretos de familia, amantes despechadas, padres

supuestamente fallecidos e hijas ilegitimas. Además hemos sido testigos, de como se ha convertido a un

personaje tan interesante como Slade Wilson, el futuro Deathstroke, en una caricatura de si mismo, carcomido

por los celos y la sed de venganza. Sin olvidar que durante la segunda parte de la temporada (lo siento por las

fans) he terminado un poco harto del “yo soy el culpable de todo”, que arrastra a lo largo de los episodios Oliver

Queen. ¿Será que me he cansado de los héroes trágicos o es que los guionistas de “Arrow”, no han sabido darle

credibilidad a las situaciones a las que se enfrenta el arquero esmeralda? ¡Porque en lo que se refiere al amor,

Oliver Queen sigue siendo un adolescente enamoradizo! Cinco años desaparecido y convertido en una máquina

de matar, y es ver a una chica guapa, y ¡zas!, allí que va el héroe, penando por las esquinas, como un Romeo

incomprendido.

Tras toda esta parrafada diréis (y con razón), ¿qué haces viendo una serie de la que despotricas tanto? No, no es

masoquismo. He abandonado otras series por mucho menos como “Revolution”, “Falling Skies” o “The

Following”. En el caso de “Arrow”, a pesar de todo lo dicho anteriormente, el no haberse convertido aún en

“Smallville 2″ ( y que conste que la seguí a pesar de sus innecesarias diez temporadas), es un punto a su favor.

Además, en la temporada que se nos fue, Moira Queen ha sido de lo mejor, y pesar de mi crítica a los

momentazos de culebrón, la matriarca de los Queen nos ha abandonado cuando mas interesante se ponía su

personaje (menuda alcaldesa hubiera sido). Y no puedo olvidar la aparición de Barry Allen, el futuro Flash que

protagonizará su propia serie a partir del próximo otoño (si no habéis visto su trailer, echadle un vistazo porque

pinta muy bien).

“Arrow” ha puesto su granito de arena para que las adaptaciones de cómics, sigan de moda. Algo que podemos

comprobar, echando un vistazo a los estrenos previstos para la próxima temporada. Ahora queda por ver que

nos deparará la próxima temporada , y saber si la isla (¿desierta?) donde estuvo Oliver Queen durante cinco años,

es en realidad un universo paralelo que incluso tiene una cárcel subterránea. ¡Ver para creer!

Los 100, los nuevos colonos de la tierra MARÍA RODRÍGUEZ

Después de una guerra nuclear que asola La Tierra, los supervivientes, se van al espacio huyendo de la

radiactividad. El objetivo es aguantar en El Arca, la nave en la que huyen, mientras el planeta se recupera. El

problema, es que durante generaciones la población del Arca ha aumentado y se están quedando sin oxígeno.

Este es el arranque de Los 100…

Pese al duro control que existe sobre la población de la nave, en la que no hay cabida para delincuentes ni

segundos hijos, el Arca se está quedando sin oxígeno.

Ante el inminente fin de la humanidad, el equipo de dirigentes del Arca, decide enviar un equipo de exploración a

la Tierra. Para que la operación quede en secreto, deciden enviar a un grupo de 100 adolescentes encarcelados,

con la promesa de que se les perdonarán sus delitos, a cambio de participar en la expedición.

Ya que su futuro es ser “volados”, todos están encantados de participar en esta misión, en apariencia, suicida.

Hay que reconocer que en el Arca siempre tienen en cuenta el ahorro de energía, un ejemplo, es su sistema de

pena de muerte, que aparte de efectiva, resulta francamente barata en recursos, al más puro estilo pirata, tiran a

los condenados por la borda.

La idea es que los 100, comprueben si es posible volver a vivir en la Tierra.

Aunque enviar a 100 adolescentes, que llevan en su mayoría una larga temporada encarcelados, sin apenas

contacto con persona alguna, cargados de hormonas y odio; chicos que sólo han conocido la vida en una nave,

bajo un férreo control, a un planeta que sólo han visto en libros, parece una idea un poco rocambolesca, es lo

mejor que se les ocurre a los dirigentes del Arca.

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Ni una triste persona con una mínima autoridad. Todos son iguales, no hay jefes ni dirigentes…¡Viva el libre

albedrio!. Esto es lo que piesan muchos de los 100, que por fin se ven libres de las rígidas normas que han

condicionado su vida.

Claro que no todo iba a ser jauja, y pronto surgirán todo tipo de complicaciones, empezando por un aterrizaje un

poco movidito.

Aunque, en mi opinión, se podían ahorrar la parte de culebrón adolescente, la serie tiene su punto.

La doble trama, la vida de los adolescentes en la Tierra y la de los habitantes del Arca, asegura una acción casi

constante.

Por un lado tenemos a unos adolescentes desenfrenados, entre los que pronto descubrimos al grupito de los

líderes. Los chicos malos, liderados por Bellamy (el malote, que no es tan malo), y los niños buenos, con Clarke

(típica niña pera) al mando.

Y del otro lado, tenemos al canciller Jaha y el resto de los dirigentes, al mando de una nave que se va a pique, y

en la que habrá que tomar duras decisiones para poder sobrevivir: “Esto es el Titanic, y no hay botes para

todos”. Todo aderezado con luchas de poder, personajes ambiciosos y traiciones a mansalva.

Con todo esto, la serie resulta, cuanto menos, entretenida. Además no puedo negar que me gusta el cambio que

han tenido series como esta, ante el tema de la muerte. Casi en cada episodio se cargan a alguno, sin vueltas de

tuerca, muertos y enterrados. Algo de agradecer, para los que comenzamos a cansarnos de tantos milagros,

muertos que reviven cual Lazaro una y otra vez, que más que humanos parecen gatos, con siete vidas.

En mi opinión lo peor, es la parte de los terrestres, “los otros”. Entre los estos y la niebla en el bosque, me

esperaba que en cualquier momento apareciese un oso polar por allí…

“Person of interest”, una serie a la altura de las mejores FERNANDO SIMÓ

Poco a poco se están acabando esas series que durante el año, nos han acompañado desde el pasado otoño, ya

sea en versión original como dobladas. Y una de esas series que ha terminado su temporada ha sido “Person of

interest”, la serie creada por Jonathan Nolan y que hemos podido disfrutar en Calle 13.

Una serie que empezó como un aparente entretenimiento procedimental y que con el pasó de sus tres

temporadas se ha convertido en una serie diferente al resto. Una serie que cuando termina un episodio, te deja

como espectador con ganas de ver más. Una serie que te ofrece algo distinto, algo que te sorprende y que en

cada episodio te deja con la sensación de que vas por detrás de los guionistas. Para mí eso hace que una serie

sea mejor que la mayoría. No me gustan las cosas fáciles, y “Person of interest” es de esas series que no suelen

ponerte la cosas sencillas.

Cuando hablamos de “The Good Wife”, son palabras mayores, por su reparto, sus guiones y ese sabor de serie

grande. Si nos ponemos a comentar sobre “Scandal”, es sin duda uno de mis placeres culpables, y reconozco

que no me resisto a “Morritos Washington” y a sus “increíbles” devaneos con el Presidente de los Estados

Unidos. “Banshee” y “Ray Donovan” son dos series brutales, en todos los sentidos. Y claro, “True Detective” es

una de las series del año, sobre todo por Matthew McConaughey.

Pero ¿qué decir de “Person of interest”? En sus inicios asistimos a la típica serie de episodios autoconclusivos,

que contaba con un dúo protagonista que poco a poco construyó una química difícil de igualar. Por un lado

teníamos a un millonario, celoso de su vida privada y que tenía un secreto. Había construido una Máquina que lo

ve todo y lo sabe todo, diseñada para proteger a los inocentes. Y por otro, nos encontrábamos a un antiguo

soldado, miembro de las Fuerzas Especiales, roto por el dolor de una perdida y que tras el encuentro con nuestro

millonario favorito, encontraba una meta por la que seguir adelante.

Episodio a episodio, los personajes de Harold Finch y John Reese, a los que dan vida Michael Emerson (que ha

hecho olvidar en parte a su mítico Ben Linus de “Perdidos”) y Jim Caviezel, un actor que ha encontrado un papel

a su medida, y que recuerda mucho a Jack Bauer, han combatido en favor de los inocentes, en favor de esos

números irrelevantes para el Gobierno y que eran descartados por La Máquina. Junto a ellos, el detective Fusco

(ese personaje que siempre te arranca una sonrisa) que ha pasado de ser un policía corrupto, obligado a trabajar

a la fuerza con nuestros justicieros, a ser parte importante en la vida de nuestros protagonistas; y la detective

Carter, su implacable perseguidora (al menos en sus inicios), una policía incorruptible y siempre dispuesta a

luchar por la justicia y los más desfavorecidos. Un equipo que se rompió, en un imponente giro de los

acontecimientos en el primer tercio de la tercera temporada y que nos regaló un espectacular montaje musical,

emocionante y brutal a partes iguales.

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A este cuarteto, que se mantuvo unido a lo largo de las dos primeras temporadas y media de la serie, hay que

sumar por supuesto a la implacable Shaw (a pesar de todo, bellísima Sarah Sahi). Antigua agente de Control,

miembro del equipo oficial, al que La Máquina entregaba los números relevantes, y que tras ser traicionada se

une a nuestro dúo justiciero (y no, no estoy hablando de Batman y Robin), consiguiendo los guionistas

encontrarle su sitio y dándole a su personaje su espacio en la serie. Y claro, no podía olvidarme de Root (genial

Amy Acker), que de desequilibrada psicópata ha pasado a ser la salvadora de nuestros personajes favoritos,

estableciendo una más que curiosa simbiosis con La Máquina.

Como veis (para los que no conozcáis la serie), “Person of interest” no es sólo una serie de acción sino que

cuenta con un grupo de esplendidos personajes y por supuesto, con un nutrido elenco de enemigos y aliados, a

los que hemos ido conociendo a lo largo de sus tres temporadas. Si en la última temporada se ha acentuado el

enfrentamiento con Décima y Vigilancia (espectacular el giro argumental del episodio final) y hemos visto (¿al

completo?) el plan de Greer, anteriormente hemos disfrutado de la presencia de Elías. ¡Como echamos de menos

a este mafioso, aliado y enemigo a partes iguales de nuestros justicieros! Espléndidamente interpretado por

Enrico Colantoni, y que nos ha regalado grandes momentos a lo largo de la serie. Y no puedo olvidarme de HR,

ese grupo de policías corruptos “liderados por Simmons”, que traía en jaque a los protagonistas, desde el

principio de la serie. Al principio sólo con pequeñas pinceladas, y para terminar descubriendo que sus tentáculos

llegaban hasta lo más profundo de la burocracia de la ciudad de Nueva York.

Reconozco que me llevaría horas y horas escribiendo sobre “Person of interest”, una serie que al principio me

gustó por su planteamiento sencillo y por la química de sus personajes, y que con el pasó de los episodios ha ido

desarrollando su propia mitología, un universo propio, con personajes memorables, episodios para enmarcar,

giros argumentales a cual más sorprendentes, que incluye un final de temporada (la que acaba de finalizar) que

nos ha dejado con la sensación de que lo más grande está por llegar. Libertad frente a seguridad. Dos máquinas

enfrentadas, como dos dioses en pugna por la supremacía sobre la indefensa humanidad.

Tras una tercera temporada que sin miedo a equivocarme, puedo catalogar como lo mejor del último año

televisivo, espero con ganas lo que nos deparara el próximo otoño el universo de “Person of interest” ¡Ya nadie

es irrelevante!

La extraña pareja EDURNE TAPIA @etapiamarquez

Si sales a la calle y ves que el suelo está mojado, quiere decir que ha llovido. Si oyes ladrar a un animal, quiere

decir que un perro está cerca. Si hallas arena en el bolso en el que guardas las chancletas y la toalla, la respuesta

es muy sencilla; has estado en la playa. Y si te encuentras con dos personas que trabajan juntas, que confían la

una en la otra, se cuentan sus problemas, se protegen en las adversidades, discuten por nimiedades o con solo

una mirada ya se entienden, ¿qué conclusión sacarías? Los que conocen por primera vez al Capitán de Fragata

Steve McGarrett y al inspector de policía Danny Williams lo tienen claro, ¿sois pareja?

Como si de dos flechas sin rumbo fijo se tratasen, ambos parecían destinados a no trabajar nunca en el mismo

barco, el 5.0. Steve se crio en la misma isla donde falleció su abuelo el 7 de diciembre de 1941 (ataque a Pearl

Harbor) con la ilusión de convertirse algún día en policía y seguir con los pasos dados por su padre. Tal era su

empeño que con apenas unos años de vida se ponía pijamas de camuflaje y ordenaba que le llamasen G.I. Joe,

como los muñecos militares. Sin embargo, la inocencia de aquel niño se desvaneció la mañana en la que su

madre murió en un coche bomba, y su padre les envió a él y a su hermana al continente con el fin de que

estuviesen a salvo.

Mientras, Danny nació en Nueva Jersey y vivó en una casa llena de vida en compañía de sus padres y sus tres

hermanos. Se enamoró y trabajó en el departamento de policía de la ciudad que le vio creer. Su vida era feliz

junto a su mujer y su hija. Para él, Grace, la niña de sus ojos, es su aliento y lo más importante que existe en la faz

de la tierra. Por ella sería capaz de hacer lo imposible, hasta trasladarse a 8.000 kilómetros a “un infierno

plagado de piñas”, porque donde esté una “ciudad sin tsunami y con rascacielos” que se quite Hawái.

Cada uno llegó por motivos diferentes al paraíso aloha. Steve para atrapar a quienes acabaron con la vida de su

padre, y Danny para estar cerca de su hija después de que se divorciara. Su primer encuentro, ambos se

apuntaron con un arma, ya dejaba a la vista que sería una relación con mucha acción y sorpresas. Y no han

defraudado. Persecuciones en coche, tiroteos, interrogatorios con tiburones o desde lo alto de un edificio,

explosiones, bombas o secuestros. Un sinfín de sobresaltos que siempre terminan con un cariñoso “empapélalo

Danno”.

Además, no hay nada en lo que coincidan, son como la noche y el día. Pantalones militares o camisa con corbata,

pizza con piña o con mozzarella, los Beatles o los Rolling Stones. Pero lo cierto es que la cabezonería de uno y el

sarcasmo de otro, han hecho que en más de una ocasión salgan airosos de situaciones comprometidas. Y es que,

una agradable mañana pescando puede terminar en un secuestro en una lancha que se hunde. Aunque parezca

mentira, con ellos los habitantes de Hawái están más seguros.

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“Al Capone con una placa” ÁLVARO LÓPEZ El La semana pasada estaba naufragando por internet cuando apareció una noticia de estas de “te puede interesar”. Iba acompañada de una foto de un policía negro que, a pesar de que su tamaños no superaría los 100 píxeles, reconocí de inmediato. Era Julien Law, policía del distrito de Fargminton. Bueno, para ser exactos, era Michael Jace, actor secundario de “The Shield” (En España “The Shield, al margen de la ley”), una de las mejores series de policías que he visto en mi vida.

El actor disparó a su mujer en medio de una discusión causada por los problemas económicos que atravesaba el actor desde 2011. El propio Jace llamó a la policía asegurando que había matado a su mujer.

Dejando a un lado la tragedia, la triste noticia me hizo recordar la maravillosa serie de “The Shield”, creada por Shawn Ryan, y que contaba, entre sus numerosos guionistas, a Kurt Shutter, el creador de “Sons of anarchy”. Ahí es nada.

“The Shield” cuenta la historia de un grupo de policías del conflictivo (y ficticio) distrito de Fargminton, ubicado en Los Ángeles. (Como curiosidad, los agentes de la serie llevan placas diferentes a las que usa en la realidad el cuerpo de Los Ángeles, ya que no querían que se les vinculase con la corrupción imperante en la serie). La acción se centra en el Grupo de asalto, un equipo creado para luchar contra las bandas callejeras, el tráfico de drogas y demás, comandado por Vic Mackey (Michael Chiklis). Un policía que, como lo describen en la serie en el primer capítulo (para que nos hagamos una idea de lo que viene) “No es un policía, es Al Capone con una placa”.

“The Shield” es una de esas series que consigue que te enamores de su protagonista, aunque este sea el ser más despreciable de la tierra. En Breaking Bad, por lo menos Walter White tenía un motivo, una razón inicial aunque esta con el tiempo desapareciese. Pero en The Shield, Mackey es corrupto porque sí. Bajo mi punto de vista, lo bueno de la serie de Ryan son los giros argumentales, la manera en la que se resuelve todo y, sin entrar en spoilers, su final es simplemente el mejor de la historia de la televisión, por mucho “Baby Blue” que nos puedan plantear.

En definitiva, “The Shield” es una serie imprescindible ya no sólo para los amantes del género, sino para los amantes de las series en general. Asi que, si tienes un hueco entre cada capítulo de Juego de Tronos, no te puedes perder las peripecias de Vic Mackey y de su grupo de asalto.

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Cuidado con el Richard JESÚS DEL VALLE DEL APIO @ jevial

El Esta semana, finalizó sus emisiones (de momento) una de las series que mas fans tiene en todo el mundo. Y no, no es ni Navy ni Big Bang, es el inigualable Richard Castle.

Porque se dice pronto, pero no nos damos cuenta del paso del tiempo. Yo la descubrí tarde. Muy tarde. En AXN ya iban por la quinta temporada, cuando sugerido por mi novia, empezamos a ver todos sus casos desde el primero… hasta hoy.

Hay que explicar que yo siempre fui reticente a la hora de empezar esta ficción en concreto. El escritor que averigua crímenes me recordaba demasiado a la señora Fletcher, y seamos claros, eso ya olía a rancio por todos lados. Pero me equivocaba…

Me equivocaba porque el hecho de tener en las primeras temporadas capítulo independientes enganchaba. Se hacían cortos, amenos, eran incluso originales.

Con el paso de los mismos, hay más tramas de las que yo califico como “saltables”. Es decir, capítulo que no ves, o dejas puesto y no te enteras, favor que te haces.

-¿Favor, por qué? Porque si te pones a pensar la cantidad de episodios que hay de ese tipo, y se pone en la balanza, quizás no compensa seguir viendo la serie. Por eso se “saltan”.

-¿Soy fan de la serie? Si, el que más.

-¿Pero si no te enteras de la mitad de los capítulos? ¡Que lo estás confesando!

Y que más da eso, cuando en un trivial de Castle y Kate te ganaría por goleada

Para el que se quede con dudas, para mí un capitulo saltable es aquel que tiene en la trama un espía ruso, que ha matado a un agente encubierto del FBI, que a su vez trabajaba infiltrado en una granja escuela controlando el paso de cocaína entre los monitores de los niños.

Odio a los espías, y odio al FBI. Americanadas todas.

Mi capítulo favorito de la serie es el 100, el gran homenaje a “La Ventana Indiscreta”. A mi, al igual que a Castle, nos engañaron por completo.

A estas alturas de la serie, no merece ni la pena explicar de qué va todo el tinglado.

Solo decir que me parece un gran acierto el personaje de “Señor”, y que me sobra conocer la vida intima de los demás compañeros. Tanto Esposito como Ryan tendrán sus amoríos, pero la verdad, no me acaban de interesar lo más mínimo.

Que por cierto, me da igual tanto como los de estos, como los de Alexis “me dieron con una sartén de pequeña, y se me ha quedado la cara así” Castle.

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El lunes finalizó ya sexta temporada en AXN, cadena que no sabe controlar ni organizar la serie. Ante su gran interés en que el retraso con los estadounidenses sea el mínimo, nos tragamos los mismos parones como ellos. Incluso más. Una semana hay capítulo. Las otras dos no. Luego dos nuevos, luego tres semanas sin nada, etc.

Lo que en mi barrio se conoce como una verdadera chapuza.

A lo que iba, en esta última temporada hemos tenido la ocasión de ver como madura el amor entre Kate y Richard. Y digo madurar porque hablar de boda es un gran paso. Por cada episodio, un problema nuevo para tal evento: Demasiados invitados, sin sitio para convite, sin sitio para ceremonia, etc

Pero, al fin, en este último capítulo tenía que suceder…

Pero no sucedió.

Tras los primeros 38 minutos tan divertidos (la trama del ex-novio, más el mafioso, más los moteros del infierno fue una genial idea), el momento llegaba. Todo está preparado.

Pero un coche embistió a Castle. Un coche enorme que no sabemos quien conducía.

Lo siguiente que descubrimos es que nuestro escritor favorito no aparece. Pasa el tiempo y los invitados están hambrientos, hasta que Kate, tan vestida como nerviosa, recibe una llamada…

Y ahí se queda todo, con ¿Castle? en un coche incendiado y totalmente destrozado (suponemos que no estaba ahí, porque de morirse, adiós serie…) y Kate sin novio y sin boda…

Esta vez, por mucho novelista que sea el protagonista, no podemos usar eso de “Vivieron felices y comieron perdices…”

¿Fin?

Las series también son para el verano FERNANDO SIMÓ

“Hasta el cuarenta de mayo no te quites el sayo”. Este refrán popular me viene ni que pintado, para iniciar este artículo que pretende ser una pequeña guía, para todos aquellos que quieran estar al día sobre los estrenos seriefilos que nos vienen ahora en verano. Han terminado la mayoría de las series, pero las cadenas americanas (sobre todo de cable) eligen está época para estrenar, y lo que viene es mucho e interesante. Lo que falta saber es cuanto tardarán algunas series en llegar a España.

Cronológicamente hablando, la primera en llegar es “Suits”, la serie de abogados corporativos, que estrena su cuarta temporada en USA Networks este miércoles 11 de junio. Para los que no la conozcáis, mi más sincera recomendación, para una serie que no es sólo la típica serie de abogados. Con dos personajes como Mike Ross (Patrick J. Adams) y Harvey Specter (Gabriel Match), y con la maravillosa robaescenas Sarah Rafferty (no es la tópica secretaria), “Suits” es mucho más que un divertimento veraniego al que deberíais darle una oportunidad. Aquí tenemos la suerte de verla en Calle 13, que terminó de emitir hace poco su tercera temporada.

El 19 de junio Sundance Channel estrena la segunda temporada de “Rectify”, serie que nos muestra la vida del exrecluso Daniel Holden, quien tras 19 años en el corredor de la muerte, es exculpado, regresando a su ciudad natal. Allí tendrá una difícil reintegración. Personalmente no he llegado a ver está serie alabada por la crítica y que aquí ha podido verse en la versión española de Sundance Channel, que estrenará en otoño los nuevos episodios, que llegan a Estados Unidos este verano.

A través de Syfy, el 19 de junio llegará “Dominion”, serie basada en la película “Legion” y que nos situará 25 años después de los hechos acaecidos en el film, tras la guerra entre el ejército de ángeles y la humanidad, que ha transformado el mundo. La serie seguirá las peripecias de un joven soldado rebelde, que descubre que es el salvador de la humanidad. Realmente no sé que pensar de esta serie, ya que la película, como comenté hace un año cuando se anunció el proyecto, no era precisamente para tirar cohetes. La premisa de “Dominion” es interesante, pero también lo era la de “Legion” y mejor que no me tiréis de la lengua. A pesar de todo, reconozco que le daré una oportunidad. De su llegada a España, a día de hoy, nada de nada.

Michael Bay ha decidido meterse de lleno en televisión, y tras la aburridisima “Black Sails” (lo siento, pero tras tres episodios la dejé de lado), trae a partir del 22 de junio “The Last Ship”, serie que significa además el regreso de Eric Dane al panorama televisivo tras su marcha de “Anatomía de Grey”. La serie gira en torno a una catástrofe global que acaba con casi toda la población de la Tierra, obligando a la tripulación de un destructor naval que se verá obligado a enfrentarse a la realidad de una nueva existencia en un mundo en donde son, casi, los únicos supervivientes. He de reconocer que los apocalipsis televisivos me atraen (aún tengo pendiente “Helix”), así que creo que le daré una oportunidad. En España se podrá ver por TNT, que anunció su compra hace unos meses.

Los vampiros más sexys de la televisión acaban su viaje este verano. Estoy hablando claro de “True Blood”, la serie basada en las novelas de Charlaine Harris y que tras siete temporadas, pone punto y final a su universo de locura sobrenatural ideado por Alan Ball. En España, los más ávidos de sangre podrán ver los nuevos episodios en Canal+ Series, a partir del 23 de junio, tan sólo un día después de su estreno en HBO y en versión original subtitulada. Para la versión en dual aún no hay fecha confirmada.

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“Tyrant” es la nueva serie de los creadores de “Homeland” (Gideon Raff y Howard Gordon) y cuenta la historia de Bassam “Barry” Al Fayeed, el hijo más joven del dictador de un país envuelto en una guerra constante que, tras un autoimpuesto exilio de 20 años, regresa a su hogar natal acompañado de su esposa americana y de sus hijos para la boda de su sobrino. Su estreno norteamericano tendrá lugar el próximo 24 de junio a través de FX.

Reconozco que con las comedias sigo teniendo un problema, y salvo excepciones, no soy muy fan de ciertas “moderneces”. Es el caso de “Wilfred”, serie protagonizada por Elijah Wood que se despide con el estreno de su cuarta temporada a partir del 24 de junio en FX. Aquí la emite FOX que tiene pendiente de estreno su tercera temporada.

Uno de los estrenos más esperados de la temporada estival, llegará a Canal+ Series el 30 de junio, un día después de su estreno en HBO (y sí, en versión original subtitulada). Estoy hablando de “The Leftlovers”, serie basada en la novela de Tom Perrotta y creada por Damon Lindelof. Aunque su estreno se ha visto retrasado un par de semanas, es uno de los que espero con más ganas. Su argumento: tres años después de la súbita desaparición de la faz de la Tierra del 2% de la población, el mundo se ha transformado por completo en su intento de encontrar respuestas. ¡Ahí queda eso!

“La Cupula” fue una de las sorpresas veraniegas de 2013, y ha conseguido cambiar la tendencia de las grandes cadenas americanas, en cuanto a programación veraniega se refiere. Basada en la novela de Stephen King, la segunda entrega se estrena en la CBS el próximo 30 de junio. Los fans españoles podrán ver los nuevos episodios a través de Antena 3, que también consiguió el año pasado grandes resultados de audiencia con su emisión.

Producida por Steven Spielberg y protagonizada por Halle Berry, llega el 9 de julio “Extant”, serie de ciencia-ficción que sigue los pasos de Molly Woods, una mujer astronauta que vuelve a la Tierra tras pasar una larga temporada en el espacio. Sus experiencias allí conducen a situaciones que en última instancia cambiarán el curso de la historia de la humanidad. No sé porque, pero el trailer me recuerda a la película “Las dos caras del terror”. En España gracias al acuerdo con CBS, Atresmedia Televisión confirmó que se había hecho con sus derechos.

El 10 de julio, un día después de su estreno en Estados Unidos, podremos ver a través de FOX (y en versión dual), la segunda temporada de “The Bridge”, el remake de “Bron/Broen”. A pesar de alguna decepción (las motivaciones del asesino me resultaron sonrojantes), “The Bridge” tiene cosas muy buenas. Un reparto muy conseguido (Diane Kruger está esplendida) y las diferentes realidades enfrentadas que se viven en apenas unos metros de frontera que separan El Paso y Ciudad Juarez son sólo dos factores a tener cuenta para ver esta serie.

Estudios sobre el sexo, terror made in Guillermo del Toro y los líos familiares de los Donovan, nos llegan todos a la vez el 13 de julio. Para los críticos mas afamados “Masters of Sex” fue uno de los grandes estrenos de 2013 (reconozco que su argumento no me llama), y el mes que viene regresa con su segunda temporada a Showtime. Basada en la historia de la psicóloga Virginia Johnson (la siempre estimulante Lizzy Caplan) y el ginecólogo William Masters (Michael Sheen), “Masters of Sex” podrá verse en Canal+ Series a partir del 14 de julio, en versión original subtitulada.

Si “Masters of Sex” no me interesa (las medias tintas no me van), todo lo contrario me sucede con “Ray Donovan”, para mi uno de los mejores estrenos de 2013. Con un reparto de altura (hay que disfrutarlo en versión original) encabezado por Liev Schreiber y Jon Voight, “Ray Donovan” es de esas series que te dejan pegadas al

sofá durante cincuenta minutos, y el trailer de la nueva temporada sólo ha hecho que tenga aún mas ganas de que llegue el 14 de julio y poder verla en Canal+ Series.

El doctor Ephraim Goodweather (Corey Stoll, House of Cards) es el responsable del Centro para el Control de Enfermedades en la ciudad de Nueva York. Él y su equipo deben investigar el misterioso estallido de un virus que transmite una ancestral y malvada enfermedad vampírica. Mientras la epidemia se va extendiendo, Eph, sus compañeros y un grupo de supervivientes, librarán una verdadera guerra para salvar la humanidad. Este es el argumento de “The Strain”, serie basada en la trilogía vampirica escrita por Guillermo del Toro y Chuck Hogan, y que cuenta con Carlton Cuse como showrunner. Este es sin duda otro de los estrenos veraniegos que espero con más ganas y que me han hecho dudar, sobre si leer o no las novelas en las que se basa. No quiero repetir mi experiencia con “Juego de Tronos”. En España no hay noticias sobre que canal la emitirá.

Netflix con el paso del tiempo se está haciendo un nombre en el universo televisivo, y comiéndole terreno al resto de cadenas. Y lo hace, apostando por proyectos de diversa índole. El 1 de agosto le tocará el turno a “The Killing”, esa serie que ya ha sido cancelada en dos ocasiones (menudo récord), y que ha conseguido una cuarta temporada de seis episodios que parece será la última. En España FOX Crime y laSexta han sido las cadenas que la han emitido. Yo particularmente me quedó con la versión original danesa y la esplendida Sophie Grabol.

Ronald D. Moore, sí el creador de “Galáctica: Estrella de combate”, se ha encargado de adaptar para televisión la saga literaria de Diana Gabaldón, que la cadena Starz estrenará este verano con el nombre de “Outlander”. La serie sigue la historia de una enfermera inglesa, especializada en trabajar en zonas de conflicto, que misteriosamente desaparece en 1945 y es llevada atrás en el tiempo hasta la Escocia de 1743. “Un yanqui en la corte del Rey Arturo”, pero en femenino. A ver que tal funciona.

Sean Bean (Juego de Tronos) regresa a televisión con “Legends”, otra nueva serie del creador de “Homeland” (Howard Gordon) y que sigue la vida de un agente encubierto, Martin Odum (al que da vida Sean Bean), que tiene la habilidad de transformarse en una persona diferente para cada trabajo que desempeña. Pero su propia identidad quedará en entredicho cuando un misterioso extraño le sugiere que no es quien cree que es. Su estreno está previsto para el 20 de agosto en TNT (el original norteamericano), mientras que sus derechos en España los tiene FOX.

Para finalizar este repaso de estrenos veraniegos, fuera de nuestras fronteras, nada mejor que hacerlo con los nuevos episodios de “Doctor Who”. La serie británica de ciencia-ficción cumple en su nueva etapa, la octava temporada de la que solo sabemos que se estrenará en agosto y que contará con un nuevo Doctor (la duodécima encarnación), a la que dará vida Peter Capaldi.

Es evidente que hay más estrenos tanto de series nuevas, como de nuevas temporadas, pero mi intención es mencionar las más relevantes. Tanto por la expectación que han generado, como por mi propio interés personal (para algo soy yo el que escribe el artículo).

¡Ahora sólo queda disfrutar!

Por sus cómics les conoceréis EDURNE TAPIA @etapiamarquez

Exitosa, graciosa e innovadora para la época. Así era la serie de Batman y Robin que en la década de los 60 se emitía en la televisión. La generación que creció viendo las aventuras de estos dos valientes superhéroes, seguro que no olvidan las peleas con supervillanos de la talla de Enigma o Pingüino. Sus enfrentamientos se salpicaban con frases como Pow! Boff! o Kapof!, dignas de los mejores cómics de héroes con máscara y mayas. Además, para no dejar nada fuera de la imaginación, cuando el hombre murciélago se disponía a escalar los edificios, el espectador veía el hilo al que se estaba agarrando para subir. Nada que ver con las nuevas tecnologías del siglo XXI. Y es que, en la actualidad las series que dan el salto de la viñeta gráfica a la pantalla lo hacen por todo lo alto y sin escatimar en gastos. ¿Pero qué sería de ‘Arrow’, ‘Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D.’ o ‘Héroes’ sin aquellos que se arriesgaron?

Desde entonces más de una ilustración se ha transformado en secuencia, y las historias que los dibujantes y escritores han creado, han tomado vida y movimiento. Por la pequeña pantalla un joven Clark Kent ha hecho de las suyas en ‘Smallville’, los supervivientes de ‘The Walking Dead’ no han dejado de luchar contra los zombis y los humanos con poderes de ‘Héroes’ no han parado de llevarse sorpresas. Todo un estrés de vida que en ocasiones les han llevado a probar las mieles del éxito, y en otras, se las han tenido que ver con las críticas vertidas por los fieles lectores de cómics.

A pesar de que ya fue llevado al cine por Ben Affleck, ahora le toca a la televisión dar vida a ‘Daredevil’. Aunque todavía no se ha empezado a rodar ninguna escena, ya se ha hecho público que Charlie Cox tendrá sobre sus hombros la responsabilidad de interpretar a Matt Murdock, abogado de día y superhéroe de noche. Entre los villanos a los que hará frente se encuentra el archiconocido Kingpin, al que interpretará Vincent D’Onofrio. Esta no será la única serie de Marvel Studios. Ambientada en 1946, tras el fin de la II Guerra Mundial, la agente Peggy Carter realizará misiones secretas que combinará con su trabajo como administrativa. La serie ‘Agente Carter’ narrará las hazañas de la novia del Capitán América, un spin off de ocho capítulos en los que luchará contra los villanos que osen a aparecerse por la cadena ABC.

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De Marvel a la factoría de DC Comic. Para la próxima temporada llegan cuatro adaptaciones. La primera de ellas tiene que ver con el superhéroe más veloz de todos, ‘Flash’. Con una infancia marcada por la desaparición de sus padres, Barry Allen lleva una vida normal trabajando en la división criminal de la policía. Sin embargo, un día todo cambia y ya nada volverá a ser como lo conocía. Después de que una tormenta provocara una gran explosión y le alcanzara, pasa nueve meses en coma, y como que no quiere la cosa, se despierta convertido en un superhéroe que ahora ha de luchar contra el mal enfundado en un traje rojo que le mantiene en el anonimato.

La segunda adaptación versa sobre Liv, una joven de piel pálida, pelo blanco y mirada inquietante que se ha transformado en zombi. Escrita por Chris Roberson y Michael Allred, ‘iZombie’ narra la historia de una estudiante de medicina que trata por todos los medios de que nadie averigüe su secreto. Para ello, no utilizará ni mascaras ni mayas, sino cerebros. Tendrá que alimentarse de ellos para mantener su apariencia de ser humano, sin embargo tan apetitosa comida provoca que tenga visiones de los asesinatos de las víctimas, una cualidad que utilizará para investigar los crímenes.

Basado en el cómic Hellblazer, la cadena estadounidense NBC emitirá ‘Constantine’, la historia de un hombre que vive rodeado de lo paranormal y que tiene el don saber lo que va a suceder. Encargado de salvar a la humanidad de todo el mal, su rumbo cambia cuando se encuentra con Liv, hija de uno de sus mejores amigos, que está siendo perseguida por los demonios. Vestido con camisa blanca, corbata roja y gabardina, como los mejores detectives, Constantine se enfrentará a situaciones en las que la línea entra la vida y la muerte será muy delgada.

Y si en la década de los 60 el hombre murciélago ya estaba haciendo de las suyas, ahora toca conocer a otro personaje clave en la trama; el detective James Gordon, que se convertirá más tarde en comisario. Él llevará la investigación del asesinato de los padres de Batman cuando apenas era un niño. Una promesa, la de dar caza al asesino de sus progenitores, que le conducirá a una ‘Gotham’ que verá crecer a el Pingüino, Enigma y Hiedra Venenosa entre otros.

La lista de nuevos personajes de cómics no para de crecer, y ya sea porque guste imaginarse un mundo en el que es posible tener poderes o porque los seguidores se cuentan por millones en todo el mundo, está claro que es un negocio que va al alza y que no tiene visos dejar en el cajón a ningún superhéroe dispuesto a combatir el mal.

“Lagarto largarto. Cuando los visitantes invadieron la tierra”, la invasión extraterrestre ochentera a examen FERNANDO SIMÓ

Llegaron en cincuenta naves nodriza ofreciendo su amistad y su avanzada tecnología a la Tierra. Mike Donovan y Julie Parrish, desconfiando de los Visitantes, se infiltraron en sus redes, no tardando en descubrir asombrosos secretos… Así comenzaba una serie que se convirtió en todo un fenómeno mundial en la década de los ochenta y que marcó a toda una generación en este país nuestro. Y es gracias a Diabolo Ediciones y a su publicación Lagarto largarto. Cuando los visitantes invadieron la Tierra (264 páginas, 18,95€), que tanto los que vivimos in situ aquel fenómeno que removió a los espectadores españoles en los ochenta, como a los que no lo conocieron de primera mano, podemos disfrutar de un libro que analiza y desmenuza todos los aspectos que rodean a V.

V, la miniserie original, se estrenó en Estados Unidos el 1 de mayo de 1983 y congregó a una audiencia de 80 millones de espectadores, con un 40% de share. Algo impensable hoy en día. Aquí en España, pudimos asistir a su estreno dos años después, y automáticamente se convirtió en un fenómeno del que todo el mundo hablaba. En aquella época (parece que habló de hace siglos, pero han pasado sólo veinte años), la televisión se consumía en familia (sólo había dos cadenas) y V fue un boom de dimensiones estratosféricas. El merchadising (algo por entonces casi inexistente) arrasaba: pegatinas, cómics, recortables, gominolas, posters, etc. Porque los más mayores seguro que recordáis la revista Teleindiscreta, que era de consumo obligado para cualquier fan de los Visitantes.

Tengo que aclarar que mi artículo no va a tratar sobre las dos miniseries de V (La original y La Batalla Final) y su posterior serie regular. Eso daría para otro artículo, y este no es el momento ni el lugar. Para eso esta Lagarto largarto. Cuando los visitantes invadieron la Tierra, el libro escrito por Juan José Montijano y Mari Carmen Olivero, y que demuestra el amor que ambos sienten por una serie como V, que como ya apunté antes marcó a una generación que descubrió la ciencia-ficción, gracias a estos lagartos que pretendían acabar con los habitantes de la Tierra.

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A lo largo de sus más de 200 páginas, que cuentan con un prólogo escrito por Kenneth Johnson, creador de la serie, Lagarto largarto. Cuando los visitantes invadieron la Tierra es una completísima guía sobre V. Un libro en el que conoceremos como se gestó la creación de la miniserie original, y la producción de su continuación V. La Batalla Final y su posterior (y mediocre) serie regular, de las que Johnson reniega por no seguir lo marcado por él en sus orígenes.

En su afán de mostrarnos todos los entresijos de V, los autores dedican un extenso bloque a los Visitantes, en el que conoceremos sus orígenes, fisiología, su historia, su lengua, sus armas y naves, sus ceremonias y mucho más. No podía faltar por supuesto una guía de personajes, en la que se presenta una biografía tanto del personaje como del actor que le daba vida. Además, Lagarto largarto. Cuando los visitantes invadieron la Tierra, dedica una buena parte de su contenido a analizar, tanto las miniseries como la serie regular, desarrollando una amplia sinopsis de cada una de ellas.

También encontraremos información sobre su decepcionante remake, que partía de una buena idea, con un reparto muy interesante (con la estupenda Morena Baccarin a la cabeza) pero que nunca terminó de arrancar. Y que tras ser renovada por una segunda temporada, fue cancelada de golpe y porrazo con un final del que sólo puedo decir, que me dejó sin palabras.

Lagarto largarto. Cuando los visitantes invadieron la Tierra también se hace eco de otros intentos de recuperar la serie. Como el que realizó en su momento J. Michael Straczynski, el creador de Babylon 5, que con el título de V. El Renacer pretendía continuar los acontecimientos de la serie regular con una miniserie de cuatro horas. O el que llevó a cabo Kenneth Johnson, titulado V. La segunda generación que tampoco ha podido ver la luz, aunque sí en formato novelado, que desgraciadamente no ha llegado a España.

Como podéis ver un fabuloso libro que disfrutaran tanto los que pertenecen a mi generación y les suenan nombres como el de Mike Donovan o Diana, como los que se quieran acercar a una serie que fue todo un fenómeno mediático en su momento y que acercó a la ciencia-ficción a muchos niños de la generación del 75. Ojala que mas editoriales como Diabolo Ediciones, se animen a publicar obras como esta. Todos los seriefilos de este país lo agradeceríamos.

“Millonario Anónimo”: solidaridad al servicio de la televisión HENRY

Estrenó la Sexta la versión española de Millonario Anónimo, en este programa, un millonario dejará atrás su vida de abundancia y placer por unos días para adentrarse en la humildad absoluta, al punto de vivir una semana con lo que le queda a un desempleado cuando cobra la prestación y paga todo lo que tiene que pagar, unos 25 euros a la semana.

Su misión: conocer más de cerca la comunidad y quienes en ella hacen todo lo posible por aliviar las penas de los

desprotegidos, sacar a los niños y jóvenes de las calles intentando darles un futuro mejor o darles un hogar a

aquellas mujeres que se han visto de forma inesperada en las situaciones más insólitas que nos podamos

imaginar, entre muchísimas otras cosas, hemos visto ONG tratando de aliviar el dolor de niños enfermos de

cáncer o asociaciones de veteranos recaudando fondos para aquellos que después de darlo todo por su país, han

quedado marginados del sistema por las secuelas psicológicas que deja cualquier guerra en un ser humano.

Cabe decir que este programa ha recaudado unos siete millones de euros en todo el mundo, por lo que sí es una

vía fehaciente de ayuda a los más necesitados, allende de la publicidad que otros piensan que reporta para sus

participantes, a los cuales, creo que no les agrada nada que los vean como el Millonario que viene un día a dejar

una limosnas, en un país como España dónde una de cada cinco familias viven por debajo del umbral de la

pobreza, no podemos darnos el lujo de juzgar a quienes de buena fe, intentan repeler la durísima situación que

se vive en estos tiempos, por muy pequeña que sea su aportación.

“Conversando con Diego Suarez”

El que les escribe tuvo la suerte de asistir a la presentación del programa en Atresmedia, y conocí de cerca de

Diego Suárez, para los que hayan visto el primer programa, el era el protagonista. Diego nos contó que la

experiencia vivida fue extraordinaria, y de lo importante que era concienciar a todo el mundo de que con muy

poco, en estos tiempos que corren, se puede aliviar de una forma contundente el dolor de los demás.

Creció e una familia humilde de obreros y se forjó un camino, convirtiéndose en un hombre próspero, gracias a

lo cual ha tenido el privilegio vivir en primera persona lo que el considera una experiencia inolvidable, “ya había

colaborado en otros proyectos”, nos cuenta, “pero este es el más me ha llegado al corazón, no imaginé nunca,

cuando me embarqué en este programa, que me tocaría tanto al corazón, a mis amigos, millonarios o no, les

recomiendo esta experiencia, sigo en contacto con los chicos que conocí en el programa, porque ellos

representan la vida y allí estaré yo cada vez que pueda echarles una mano”.

Nos despedimos y me fui convencido de que siempre que alguien brinde su solidaridad, todo lo demás queda en

un segundo plano, ya sea ayudando a un ciego a cruzar la calle, o siendo parte de un programa de televisión

llamado Millonario Anónimo.

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“Yasuní”: la última tribu ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya

Un vídeo de youtube muestra las imágenes de dos ancianos indígenas de la etnia Huaorani, atravesados por una

lanza. La mujer desesperada, suplica que dejen el arma dentro de su cuerpo, por miedo a morir si lo extraen.

Como finalmente sucede. Los hechos se producen en un territorio conocido como Yasuní, situado en la selva

ecuatoriana.

La brutalidad del asesinato coincide con las costumbres defensivas de una tribu cercana: Los Taromenane. Estos

son el último grupo de indígenas que aún no ha tenido contacto con la civilización, dudándose incluso de su

existencia.

Para vengar la muerte de los ancianos, los Huaorani se internan en la selva y matan a más de diecisiete

Taromenane, además de secuestrar a dos niñas de su aldea.

Con estos datos, el prestigioso reportero David Beriain, conocido por su trabajo con los talibanes, soldados de

las farc y niños sicarios de Colombia, viaja a Ecuador para aportar algo de luz al conflicto. El documental avanza

en torno a testimonios a distintos representantes de los grupos que conviven en aquella zona.

El último reducto de selva virgen comienza a ser colonizado por la industria maderera y petrolífera. Repsol

posee extractores de petróleo que sobresalen en la maleza selvática, en una zona llamada bloque 16, donde

habita buena parte de la tribu Huaorani.

El documental puede permitirse situar al mismo nivel las opiniones de representantes del gobierno, chamanes,

guerreros de la tribu, abogados, antropólogos y cortadores de árboles.

Las expediciones por la selva en busca de los invisibles Taromenane, son parte fundamental de la narración.

Pisadas en el barro, sutiles señales en la vegetación y rumores lejanos alertan de su presencia. Provocando el

miedo a las mismas lanzas y cerbatanas, que se cobran varios muertos todos los años.

David Beriain intenta proteger los argumentos de todos los protagonistas, incluso los más irracionales. Si bien

todos ellos nos llevan a intuir muy cerca el final de los Taromenane: Única cultura que hasta ahora podía

presumir de haber resistido todas las conquistas.

Compleja historia con un final abierto a la reflexión, que se estrenó este mes de junio el canal Discovery MAX.

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Colección Canal+ Toros: “El Desmayo” ALBERTO MARTÍN @AlbertoMaytreya

Un “Desmayo” es el nombre del primer episodio que este lunes presentó la colección de Canal+ Toros. Para

recordar los más de 20 años de retransmisiones, el canal presenta una serie de documentales con faenas

inolvidables. La primera de ellas a cargo de Julio Aparicio en Las Ventas, la tarde donde se consagró como figura.

El documental cuenta con la presencia del torero, reflexionando sobre los lances de aquella faena y la

repercusión que tuvo en su carrera. La realización consigue estampas excepcionales, con certeros primeros

planos y pases, registrados con las cámaras slow motion.

José Luis Gómez, actor y director de cine, acompaña con una voz profunda la inspiración de Julio Aparicio. El

montaje logra documentar no solo la emoción del torero a través de bellas imágenes y música, si no que da

buena cuenta de la relevancia del momento. Veinte años después el diestro es testigo de una faena que

probablemente no llegó a repetir.

Alfredo Relaño, director del diario As y Javier Millán, periodista taurino, ayudan a entender el significado de

aquella tarde en la carrera del torero. Ambos relatan las primeras reticencias del astado, que no auguraban ni

mucho menos la épica posterior. Como tampoco lo hacía la inicial timidez de Aparicio.

El documental recoge momentos vibrantes, no solo de índole taurina si no también humana. La charla de

Aparicio con el maestro Chenel “Antoñete” recién terminada la faena, pone el bello de punta y sin duda es

mérito del canal. Difícilmente el espectador podrá escapar de la emoción de esas primeras palabras del torero

con su ídolo de la infancia.

Este Desmayo es solo la primera entrega de la colección, que ha iniciado Canal+ Toros.

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