Modelos tradicionales de Educación artística

Didáctica de la Creación Plástica y Visual

María Sánchez Martín

Juani González Da Silva

Rocío Crespo Muñoz

Mª Trinidad López Gómez

1º de Grado en Maestro/a de Educación Primaria Curso 2010/2011 - Grupo T

Simplificando podemos establecer algunas RACIONALIDADES SOBRE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA (aproximadamente orden cronológico aparición).

a) Educación Artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo.

b) Educación Artística “Historia del Arte” y Estética.

c) Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión.

d) Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual.

e) Educación Artística para la comprensión crítica.

Es la concepción más antigua (se asienta en el siglo XVIII).

Busca que los alumnos aprendan Dibujo (artístico y técnico) y otras destrezas artísticas. BUSCA APRENDER PROCEDIMIENTOS Y DESTREZAS.

Se basa en hacer cosas bien hechas técnicamente y/o que sean estéticas ("objetos bellos“).

Suele basarse en la copia de modelos o de la realidad (“mimetismo”).

Relacionada con el desarrollo de una capacidad estética.

PARTE 1 Modelos habituales en el imaginario docente en

torno a la EA

MODELO A) Educación Artística basada en el

proceso, vinculada al sistema productivo (APRENDER

A DIBUJAR).

Las tentaciones de San Antonio. José Camarón Bonanat. Dibujos españole en la Hispanic Society of America. Siglo xviii

Propia de la Modernidad (Siglos XIX y XX especialmente).

Se basa ante todo en el conocimiento de datos “objetivos”: estilos, autores, iconografía, listados de obras con sus características principales, etc.

Busca un conocimiento “científico” y que todos los estudiantes adquieran un conocimiento estandarizado sobre el Arte.

Parte de certezas: las cosas son “como son” y se estudian tal y como vienen en los libros.

Se basa en la memoria y en el manejo de protocolos de interpretación.

MODELO B) Educación Artística para el conocimiento

de la Historia, los estilos artísticos, los autores, etc

(Historia del Arte), la Estética y/o la iconografía.

Consideró que había que abandonar las constricciones y las "convenciones“ y buscar la expresividad: buscaba la expresividad "espontánea. (Influencia de Rousseau).

Concibe el Arte como un modo de hacer emerger emociones, sentimientos, problemas, etc. y como un modo para que el individuo pueda expresarse.

Confiere una gran importancia a la creatividad como expresión novedosa y/o subjetiva.

SE DEJA A LOS NIÑOS DIBUJAR Y “EXPRESARSE” LIBREMENTE, EL PROFESOR SÓLO ES UN ACOMPAÑANTE.

Surge a principios del siglo XX y aún es muy popular.

Ya no se persigue imitar o representar: las imágenes pueden ser muy diferentes de la realidad y tienen importancia ante todo por su capacidad expresiva y su “autenticidad”.

MODELO C) Educación Artística para la creatividad y

la autoexpresión (MODELO DE AUTOEXPRESIÓN).

Este modelo de la autoexpresión se basaba en los nuevos modos de pintar

de las vanguardias y en mitos como el de Van Gogh, que se suponía que

era un pintor casi autodidacta (rebelde).

También se basaba en el descubrimiento del arte infantil. Desde finales del siglo XIX se empieza a investigar seriamente sobre el

Dibujo Infantil.

• Es decir el arte “espontáneo” de los niños que no copian a los adultos.

Desde el momento en que comenzó a considerarse el dibujo infantil como una forma de expresión propia del niño, los estudios e investigaciones se interesaron por averiguar cual eran los rasgos definitorios de ese lenguaje visual. Estos rasgos son:

• El principio de aplicación múltiple por el que una mima forma puede servir para representar muchas cosas diferentes. Consiste en utilizar una figura simple para representar una gran variedad de objetos.

• El principio de la línea base que es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona inferior del dibujo sobre la que se apoyan tanto los personajes como los decorados que aparecen en la escena.

• El principio de perpendicularidad ya que la relación entre un objeto y la base en la que se apoya es perpendicular sea cual sea la orientación que tenga esa base.

• El principio de la importancia del tamaño puesto que las figuras humanas o los objetos más importantes deben tener un tamaño mayor que los elementos secundarios.

• El principio de aislamiento. Para representar un conjunto compuesto de elementos similares se preferirá dibujar los elementos uno a uno, como si se tratase de unidades aisladas.

• El principio del imperativo territorial ya que cada elemento que aparece en el dibujo dispone de su espacio propio.

• El principio de la forma ejemplar. De entre los posibles modos de representación de un objeto se preferirá aquel que mejor describa sus principales cualidades visuales.

• El principio del abatimiento ya que los elementos eminentes verticales serán dibujados frontalmente y los elementos eminentemente horizontales, “a vista de pájaro”.

• El principio de simultaneidad de distintos puntos de vista. • El principio de “visión de rayos X” por el que se dibuja todo lo que sea necesario

describir explícitamente en la imagen, aunque para ello haya que hacer “transparentes” las paredes de la casa o del coche.

Es el modelo de la Reforma LOGSE y sigue muy presente en la LOE. Buscaba darle cientificidad a la materia, hacerla disciplinar.

• Afirma que hay un lenguaje visual, y que los niños tienen que aprender sus componentes (punto, línea, color, etc…). Se supone que aprender el lenguaje es una base inmediata para comprender el arte (sería un “lenguaje”) y para crear

• Está preocupado por la influencia de las imágenes; busca educar al niño para que sepa relacionarse con las imágenes en un mundo de consumo donde hay muchas.

• Insiste en una concepción de la imagen como “mensaje”: las obras “significan” cosas, y pueden por tanto “leerse” y decodificarse, distinguiendo los significados explícitos e implícitos de las imágenes.

• Está ligado a una concepción de la imagen y lo visual derivada del Diseño (Wong, italianos,etc) y de la Psicología del Arte de Arnheim,

MODELO D) Educación Artística para el desarrollo de

la percepción y la alfabetización visual (FORMALISTA,

DE LENGUAJE VISUAL).

Dondis, etc. En España surge a partir 1980s y aprovecha la traducción de libros muy importantes, pero escritos a veces décadas antes.

¿Son adecuados estos modelos para la realidad del aula? Algunas ventajas de Dibujar y usar técnicas artísticas:

– Aprender a Dibujar, Pintar, Modelar es bueno porque permite crear historias y representaciones mediante imágenes y objetos. Eso nos ayuda a poder comunicarnos, expresarnos, conocer, etc. más cosas y de una manera mejor.

– Además, ayuda a dominar la psicomotricidad fina (más en Infantil y Primaria que en otros niveles…) y a desarrollar hábitos de orden, capacidad de planificación, capacidad de improvisar y solucionar problemas nuevos, etc.

– Desarrolla la capacidad de autocrítica.

– Desarrolla la visión espacial y refuerza la capacidad de atención.

– Desarrolla el aprecio por las Artes Y ENSEÑA A LOS NIÑOS A VALORAR SU TRABAJO, A SENTIR SATISFACCIÓN INTRÍNSECA POR LO QUE HACEN, A GOZAR MIENTRAS CREAN Y MIENTRAS SE ESFUERZAN.

– Es un APRENDIZAJE INSTRUMENTAL.

Dibujar…

• A los niños les suele encantar: pintan y dibujan espontáneamente.

• Para los adolescentes puede llegar a ser una pesadilla: la mayoría de ellos concluye en su formación secundaria que no valen, o que no tienen dotes y dejan de dibujar para siempre. NIEGAN TENER CUALIDADES

ARTÍSTICAS (contrasentido esencial).

Es muy importante recordar que hay muchos modos distintos de mirar y de hacer Arte, no sólo uno…

El modelo de aprender a dibujar es muy importante pero

es insuficiente por si sólo.

Además: • Hoy día hay cámaras de fotos y no es imprescindible saber copiar ni desarrollar destrezas miméticas.

– En el aula de Plástica también podemos usar la cámara de fotos o utilizar imágenes de revistas, internet, etc.

• El objetivo de las Artes no tiene por qué ser la belleza ni la excelencia técnica: hay obras de arte que lo que buscan es criticar, o expresar, o simplemente contar historias.

– Se puede desarrollar una cierta destreza estética de maneras muy diversas: es muy importante evitar lo cutre, pero eso no implica asumir cánones de belleza tradicionales. incluso en obras “feas” se puede desarrollar la estética (NOCIÓN AMPLIA DE ESTÉTICA): Dubuffet, Pollock, Goya, etc. Ha que desarrollar la calidad formal y estétia,pero sin que ello implique hacer cosas bellas.

– Interesa que los alumnos usen los medios artísticos para aprender y expresar/contar/narrar/comprender, etc..

• Hay muchas maneras de ver la realidad y de pintar o dibujar. – Los alumnos pueden trabajar de maneras distintas.

– La estética en gran medida es algo cultural, circunstancial. • Es necesario que el niño desarrolle habilidades manuales, pero también la creatividad, la capacidad de narrar, de investigar, la capacidad crítica, etc. Si no, su desarrollo será pobre.

• ES FUNDAMENTAL NO ABURRIR/ABURRIRNOS CON EJERCICIOS DE COPIA, DE REPETICIÓN, QUE NO TIENEN RELACIÓN ALGUNA CON NUESTRA VIDA COTIDIANA Y NO NOS DICEN NADA.

Por otra parte existe un falso mito en torno al aprendizaje procesualista. • Hacer no es garantía de comprender, ni siquiera de aprender.

• Una gran cantidad del saber relativo a las imágenes y la visualidad exige procesos de reflexión y aprendizaje complejos, para los que no es suficiente sólo con hacer trabajos plásticos.

Tampoco para comprender es suficiente con saber muchos datos, aunque los datos sean importantes y necesitemos del conocimiento de la Historia del Arte, la Estética o de la posibilidad de conocer los repertorios iconográficos.

• Los datos por si solos no dicen nada, no tienen sentido.

• La Realidad de las imágenes es mucho más compleja que conocer un estilo o una lista de autores y obras.

• Las imágenes -como hemos visto- están “vivas”: no paran de adquirir significados nuevos y de influirnos. Y se relacionan con todo lo que les rodea: son parte de lo real y de nuestra existencia y nuestro modo de ver el mundo.

• Las imágenes son complejas y poliédricas: pueden verse/comprenderse de maneras muy diferentes; tienen muchas posibilidades de acción y de conocimiento.

• Es muy importante que no matemos nuestro interés por el Arte a base de convertirlo en una pesadísima lista de datos: hay que ponerlo en relación con todo. Hay que desarrollar un pensamiento “ecologizante” (las cosas dependen de sus contexto e influyen en él) y relacionar el Arte con el resto de la vida.

ESPECTO AL MODELO DE AUTOEXPRESIÓN: Parte de un mito. Hay todo un aprendizaje previo de la mirada antes de dibujar SABEMOS MUCHO CADA VEZ QUE MIRAMOS, Y LUEGO FOTOGRAFIAMOS, PINTAMOS, ETC), y un aprendizaje del dibujo y de los códigos de comunicación. Lo de Van Gogh, por ejemplo, solo era un mito: para conseguir ser tan “expresivo” se hincho antes de dibujar y trabajar. VAN GOGH NO ERA UN AUTODIDACTA.

Y además, tampoco es cierto que los niños sean siempre espontáneos:

CON FRECUENCIA SUS DIBUJOS ESTÁN LLENOS DE ESTEREOTIPOS Y DE

FORMAS APRENDIDAS.

El modelo de autoexpresión, se basa en conceptos

contradictorios.

• Si los alumnos tienen que expresarse “en libertad” y sin ser dirigidos,

¿para qué hace falta el docente?

• Falacia del “artista nace, no se hace”: si dibujar es un don, entonces es

inutil intentar enseñar a los que no lo tienen. ESE MITO DEL “DON” ES

TOTALMENTE FALSO: SE PUEDE ENSEÑAR A DIBUJAR A CUALQUIER

PERSONA.

• El desarrollo de la creatividad exige aprender a plantear y solucionar

problemas nuevos, a buscar lo desconocido. Los niños a menudo se

repiten incansablemente y no quieren dejar de hacerlo.

• Muchas cosas no son creativas, ni autoexpresivas, y son necesarias (por

ejemplo el dibujo técnico, el uso correcto de las técnicas, etc.).

Pero también podemos aprovechar cosas importantes del modelo de Autoexpresión: • Es necesario fomentar en los estudiantes que aprendan a expresarse y a apreciar sus propias creaciones, Y QUE NO SE OBSESIONEN POR EL REALISMO, SINO QUE COMPRENDAN QUE CON EL Arte y las imágenes se pueden hacer muchas otras cosas antes que limitarse a imitar un modelo

• Para cualquier persona, el arte y el dibujo son medios para conocer y narrar. Es muy importante que los alumnos sepan usarlos para narrar: para construir historias y reflexiones con sentidos, para contar cosas

• Y tenemos que fomentar que sean creativos, que busquen soluciones diferentes, originales, propias Y QUE NO SEAN SOLUCIONES IRREFLEXIVAS O SUPERFICIALES, SINO QUE TENGAN UN SENTIDO REFLEXIVO

• Las artes ayudan a desarrollar el pensamiento divergente imprescindible para ser autónomo, creativo y libre en cualquier campo de

la vida y del saber. ES BUENO APRENDER AMIRAR DE MODOS DIFERENTES,

A ESTABLECER NUEVAS MANERAS DE REPRESENTAR.

Un error importante del modelo de autoexpresión era pensar que los niños y adolescentes se expresaban espontáneamente. Como en cualquier otra materia, aprenden más si un adulto les hace trabajar en su zona de desarrollo próxima (lo mismo ocurre con los adultos poco adiestrados):

• Por ejemplo, proporcionando al estudiante herramientas y técnicas para que enriquezca su modo de expresarse.

• Enseñándoles a mirar con más atención y a reflexionar sobre lo que ven.

• Enseñándoles a enriquecer su “vocabulario plástico”, enseñándoles cómo se construyen los colores, el espacio, etc.

• Mostrándoles obras de pintores, escultores, fotógrafos, etc. donde ellos vean y comprendan cómo se pueden hacer las cosas. A veces puede ser muy bueno que interpreten obras de estos artistas (de una manera flexible). ES MUY IMPORTANTE QUE DESDE CHICOS SE ACOSTUMBREN A VER MUCHAS MANERAS DIFERENTES DE CREAR IMÁGENES tanto en el Arte tradicional, como en otras manifestaciones (dibujos animados, videojuegos, publicidad, fotografía, etc) y a usar mucho las imágenes (especialmente en combinación con otros “lenguajes”).

El modelo de percepción/alfabetización, tiene problemas severos:

• Hay autores que niegan que el arte funcione exactamente como un lenguaje: las imágenes no tienen significados fijos sino que cambian sin cesar de significado, y no hay una “estética universal”.

• El conocimiento de los elementos de la forma, el color, etc. y de lo técnico no siempre ayuda a entender las imágenes. Saber cómo se han usado líneas o colores no suele hacernos comprender una obra.

• Hace una “lectura” muy superficial de las imágenes, que a menudo nos hace olvidar su interés real y la complejidad que esconden, cómo nos influyen, cómo crean la realidad…

• Las personas no son “consumidores” de imágenes. Es más complejo porque las imágenes nos construyen y co-construyen la realidad.

• Las actividades diseñadas según este modelo (como hacer un círculo cromático), a menudo son aburridas, reiterativas, descontextualizadas y no tienen sentido para los alumnos: son una burla a su inteligencia.

Aunque para algunos tipos de Arte o de Diseño, conocer el “alfabeto visual” es muy útil.

•De hecho, fueron algunos movimientos artísticos abstractos quienes fomentaron este modelo de comprensión del arte, basado sólo en atender a la forma (lo formal).

•Pero para la mayoría no son lo fundamental.

Las imágenes por sí mismas no dicen nada: dependen del contexto y de la relación que mantengamos con ellas.

Lata de sopa campbell, obra de Warhol.

Pero también del modelo de alfabetización visual podemos aprender cosas interesantes.

• Conocer los elementos del “lenguaje visual” puede ayudar a entender mejor cómo se crea una imagen: cómo funcionan los procesos técnicos, cómo componer una imagen, como usar el color… (especialmente en niños mayores y adolescentes)

• Conocer el código y el uso ortodoxo de los elementos plásticos (punto, línea, color, etc.) puede ser muy útil a veces, y nos ayuda a crear mejores imágenes: fotos, cuadros, composiciones, etc.

Alfabetización visual y elementos de la forma, tantos como haga falta, pero no porque sí, si no porque pueda ser útil NO COMO FIN EN SÍ MISMA, SINO COMO MEDIO PARA COMPRENDER Y SABER HACER…

Los cuatro modelos que hemos visto obedecen a concepciones profesionales de la Educación ARTÍSTICA.

• Por tanto es necesario tenerlos en cuenta en enseñanzas profesionalizadoras, APD y FP, en los que realmente es necesario saber dibujar de modo profesional, saber expresar y saber dominar los elementos formales.

• También están en la base de nuestro Bachillerato de Arte y de lo que ha sido la Selectividad hasta ahora, especialmente el modelo D.

• PERO EN PRIMARIA –en general en toda la Educación- NO TENEMOS QUE CREAR PROFESIONALES DEL ARTE, SINO GENTE QUE SEPA COMPRENDER EL MUNDO EN QUE VIVE –incluido el Arte- Y QUE SEAS CAPAZ DE USAR LAS IMÁGENES Y CONSTRUIR HISTORIAS, NARRACIONES, EXPLICACIONEDS, ARGUMENTOS, ETC con ellas.

Los cuatro modelos de educación artística que hemos visto ofrecen un abordaje muy sencillo del mundo de las imágenes y la visualidad. PERO LA REALIDAD DE LAS IMÁGENES y de la visualidad ES MUY COMPLEJA. ¿Para qué educar en EA actualmente? Es preciso reflexionar sobre para qué educar en Artes Visuales, y eso implica pensar en como funciona lo visual actualmente.

¿Es importante enseñar EA? • Sí, porque es imprescindible para alcanzar las competencias necesarias.

• Sí, porque es imprescindible en el mundo actual.

Lo primero es recordar que se trata de educar en COMPETENCIAS BÁSICAS. •Son aquellas competencias que debe haber desarrollado un joven o una joven al finalizar la enseñanza obligatoria para poder lograr su realización personal, ejercer la ciudadanía activa, incorporarse a la vida adulta de manera satisfactoria y ser capaz de desarrollar un aprendizaje permanente a lo largo de la vida.

Educar en competencias… • Para integrar los diferentes aprendizajes, tanto los formales, incorporados a las diferentes áreas o materias, como los informales y no formales. • Para permitir a todos los estudiantes integrar sus aprendizajes, ponerlos en relación con distintos tipos de contenidos y utilizarlos de manera efectiva cuando les resulten necesarios en diferentes situaciones y contextos.

Porque el desarrollo del alumno es el núcleo de atención; las materias

son sólo instrumentos.

PARTE 2 ¿Para qué enseñamos? Reflexión en torno a las

necesidades del alumnado. Reflexiones críticas en torno a la docencia actual en EA.

La EA es imprescindible en el mundo actual.

1. La información visual es cada vez más importante.

• Más de UN 80% DE LAS INFORMACIONES SON PERCIBIDAS VISUALMENTE. En torno al 13% provienen de canales auditivos. Algo más del 5% al resto de los canales perceptivos. (Zunzunegui, 2003).

• LAS ARTES VISUALES Y EL RESTO DE MANIFESTACIONES VISUALES SON, CON DIFERENCIA, EL MEDIO QUE MÁS INFORMACIÓN TRANSMITE. Las Artes Visuales, concretamente, transmiten actualmente mucha más información que cualquier de las otras modalidades artísticas.

• LAS RELACIONES DISCURSIVAS CADA VEZ SON MÁS VISUALES, LOS PROCESIS DE ADQUISICIÓN DE INFORMACIÓN Y CONOCIMIENTO TAMBIÉN. Por otra parte en el emergente mundo global, “frente a las diferencias lingüisticas mundiales, las Bellas Artes, los largometrajes, los comic (como los manga) y otras muchas formas de Cultura Visual han transpasado los límites textuales.” (Freedman, 2006).

• EL IMAGINARIO VISUAL SE INCREMENTARÁ AÚN MÁS EN LOS PRÓXIMOS AÑOS: “La gran revolución cultural, naciente a fines del siglo XIX, rematada por la revolución informática de fines del XX, ha revelado la fuerza creciente del imaginario en la cultura. Y, pese a las proporciones desmesuradas que ha alcanzado ya la cultura visual, todavía somos incapaces (salvo aventurándonos en la ciencia-ficción) de vislumbrar las dimensiones que puede adquirir.” (Rojas, 2006).

Las imágenes están por todas partes.

Por encima de límites espacio-temporales

2: Un giro epistemológico, cultural e informacional hacia lo visual. • Estamos cada vez más insertos en UN NUEVO RÉGIMEN DE VISUALIDAD: UN MUNDO DOMINADO POR DISPOSITIVOS VISUALES Y TECNOLOGÍAS DE LA REPRESENTACIÓN: un campo inmenso de trabajo que incluye las artes tradicionales, pero abarca otros muchos fenómenos propios de las sociedades postindustriales altamente culturizadas, estetizadas y tecnológicas. (Hernández, 2007).

• Es preciso afrontar un DESAFÍO DE GRAN CALADO: “ADQUIRIR UN «ALFABETISMO VISUAL CRÍTICO» que permita a los aprendices analizar, interpretar, evaluar y crear a partir de relacionar los saberes s que circulan por los «textos» orales, aurales, visuales, escritos, corporales, y en especial por los vinculados a las imágenes que saturan las representaciones tecnologizadas en las sociedades contemporáneas.” (Hernández, 2007).

• ADEMÁS DEL ARTE, COMPRENDE UN NUEVO CAMPO DE ESTUDIO, EL DE LA CULTURA VISUAL, reemplaza a las viejas taxonomías basadas

únicamente en el Arte, constituyendo un EJE CURRICULAR BASADO EN LA RELACIÓN TRANSDICIPLINAR CON MULTITUD DE SABERES.)

• Finalmente, el carácter altamente estético de la mayoría de los productos y prácticas públicas de nuestra sociedad exige una formación estética lo más amplia posible. Una formación que no está destinada a los artistas, sino al ciudadano común.

“ver es más importante que creer. No es una mera parte de la vida cotidiana, sino la vida cotidiana en sí misma” (Nicolas Mirzoeff).

Las imágenes cambian nuestra manera de ver, de hablar, de entender… Hasta de reír.

Las imágenes están especialmente en las pantallas. Cada

vez más, LA VIDA OCURRE HOY EN LA PANTALLA (como

recuerda Mirzoeff). No podemos dejar de ver imágenes, por lo que

tenemos que aprender a usarlas y comprenderlas y también –a veces- a

protegernos de ellas.

3.- Relevancia de lo visual en la construcción identitaria y en la comprensión de la realidad. • CADA VEZ MÁS LO VISUAL ES EL REFERENTE PRINCIPAL PARA NIÑOS Y JÓVENES EN LA CONSTRUCCIÓN DE SU COMPRENSIÓN DEL MUNDO Y EN SU PROPIA CONSTRUCCIÓN IDENTITARIA Y SOCIAL:

– PROCESOS DE CONSTRUCCIÓN SOCIAL DE LA REALIDAD A TRAVES DE LAS IMÁGENES.

– PROCESOS DE CONSTRUCCIÓN IDENTITARIA.

– Es EXTREMADAMENTE URGENTE PROVEER A NIÑOS Y ADOLESCENTES DE HERRAMIENTAS QUE LES PERMITAN UN ABORDAJE CRÍTICO Y AUTOCRÍTICO SOBRE SUS PROPIAS EXPERIENCIAS DE SUBJETIVIZACIÓN (ACTITUDES, ACCIONES, PERFORMATIVIDADES, ETC) EN RELACION CON LA NFORMACIÓN VISUAL QUE CONSUMEN: “Los efectos de las imágenes dan forma al concepto que el individuo tiene de sí mismo, e incluso dan forma a la noción de individualismo” (Freedman, 2006).

• Las manifestaciones de la cultura visual contienen más información de la que “vemos” a primera vista (Hernández, 2007). Imágenes y productos visuales son medios favoritos para el poder, el mercado, las ideologías,

etc. EDUCAR CIUDADANOS REFLEXIVOS, AUTÓNOMOS Y RESPONSABLES PARA UNA SOCIEDAD DEMOCRÁTICA Y LIBRE EXIGE PRESTAR CADA VEZ MÁS ATENCIÓN A LO VISUAL. La mayoría de las imágenes no son producidas por artistas plásticos en el sentido tradicional del término, sino que son el producto final de iniciativas dependientes de poderes políticos, económicos, ideológicos, etc. que no se muestran explícitamente como encargantes.

• LAS IMÁGENES POSEEN UN GRAN PODER DE EVOCACIÓN Y MEDIACIÓN EN LA CONSTRUCCIÓN DE REALIDADES Y EN LA EVOCACIÓN DE SENTIMIENTOS, EXPERIENCIAS, NOCIONES DE SUBJETIVIDAD, ETC.

La realidad es una construcción social; cultural. • La principal herramienta cultural es el lenguaje.

A MENUDO GRACIAS A LA VISUALIDAD “EXPANDIDA”.

Construimos el mundo a través de las imágenes.

Un relato de nuestra propia vida.

Todo nuestro itinerario vital, como un espejo para mí,

para los otros, a veces para todos los otros. Las vidas

reconstruidas a partir de las imágenes.

La vida construida por imágenes hechas por otros.

Muchas veces, la única posibilidad que tenemos de

conocer algo es aprehenderlo a través de imágenes.

Imágenes cada vez más perfectas, y más atractivas.

Imágenes muy potentes.

Que cuestionan las fronteras de lo real y la

representación (En imágenes como esta ¿qué es real y

que no?).

Las imágenes NO SON INOCENTES.

•NI ASEPTICAS

Están ahí porque alguien lo ha decidido.

No podemos olvidarnos que las imágenes construyen lo

real y lo hacen visible, influyen en los imaginarios y en

las performatividades.

PERCEPCIÓN

AFECTIVIDAD

MODOS DE PENSAR…. MODELOS Y PATRONES

HÁBITOS, FORMAS DE ACTUAR

(Moraza)

4.- Relevancia de las artes visuales en la cognición.

• Se ha demostrado la IMPORTANCIA RADICAL DE LAS ARTES VISUALES EN LA COGNICIÓN HUMANA.

• También su capacidad para PROMOVER PROCESOS DE APRENDIZAJE COMPLEJOS (incluídos desde luego procesos de investigación, aprendizaje por proyectos de trabajo, etc.)

• NUESTRO PENSAMIENTO Y REPRESENTACIONES MENTALES TIENEN UN CARÁCTER MUY ICÓNICO

• Mediante las Artes, el niño desarrolla notablemente la capacidad “para percibir sutilezas y reconocer complejidades entre las relaciones cualitativas del mundo fenoménico” (Eisner, 2004) lo que ESTÁ MUY

LIGADO A LA CAPACIDAD PARA DESARROLLAR CONCEPTOS Y RELACIONES. Las Artes Visuales tienen una estrecha vinculación al desarrollo de competencias cognitivas superiores

• Una gran parte del conocimiento y la experiencia humanos está registrada/interpretada a través de imágenes. NO ES POSIBLE UNA INTERPRETACIÓN INMEDIATA DE LAS IMÁGENES, SINO QUE EL ALUMNO TIENE QUE PARENDER A INTERPRETARLAS Y CONSTRUIR APROXIMACIONES FUNDAMENTADAS A SUS SIGNIFICADOS (ORIGINALES, DIACRÓNICOS, ACTUALES…) EVITANDO LOS DISCURSOS E INTERPRETACIONES REPRODUCTIVOS: EL SIGNIFICADO DE LAS IMÁGENES SIEMPRE ES FRUTO DE PROCESOS SISTÉMICOS, LO QUE HACE NECESARIAS ESTRATEGIAS DE COGNICIÓN POLIÉDRICAS Y COMPLEJAS INCLUSO DESDE LOS PRIMEROS NIVELES EDUCATIVOS.

5. Visualidad y capacidad para construir argumentos y relatos. Narratividad.

• Es necesario que los niños y los jóvenes SEAN CAPACES DE CREAR PROPUESTAS, CONSTRUIR CONOCIMIENTO Y NARRAR MEDIANTE IMÁGENES Y RECURSOS VISUALES, UTILIZANDO TECNICAS TRADICIONALES Y también MUY ESPECIALMENTE ABORDANDO LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS DE LA IMAGEN:

– Como ha señalado Bigas Luna, LOS ANALFABETOS DEL SIGLO XXI SERÁN AQUELLOS QUE NO SEPAN NARRAR CON IMÁGENES. Por otra parte Freedman (2006) señala a propósuito del trabajo con artes visuales que “los alumnos quieren comunicar algo, a menudo sobre cuestiones sociales, y ser comprendidos”

– LA REALIDAD ANTE TODO ES UNA NARRACIÓN: UNA INTERPRETACIOÓN CONSTRUIDA POR LOS SERES HUMANOS. Nararr, y aprender a reflexionar sobre como están narradas las cosas, es muy importante para entender la realidad y manejarse en ella.

• Concebir el mundo, comprenderlo, es inseparable de ser capaz de narrarlo, de contarlo. EN UNA SOCIEDAD QUE CONSTRUYE SUS INTERPRETACIONES DE LA REALIDAD PRINCIPALMENTE A TRAVÉS DE MEDIOS VISUALES, ES PRECISO SER CAPAZ DE DE-CONSTRUIR Y RE-CONSTRUIR LAS NARRATIVAS VISUALES IMPERANTES Y LAS

NATURALIZADAS SI SE QUIERE SUPERAR UNA EDUCACIÓN ACADÉMICA QUE SÓLO ES REPRODUCTIVA.

6. Creatividad.

• LA COMPETENCIA CREATIVA ES UNA CAPACIDAD CADA VEZ MÁS DEMANDADA EN EL MERCADO LABORAL DE CALIDAD, porque es preciso responder a un mundo que cambia muy rápidamente y en el que los conocimientos aumentan vertiginosamente.

• LAS ARTES VISUALES CONTRIBUYEN INCUESTIONABLEMENTE AL MEJOR DESARROLLO DEL PENSAMIENTO DIVERGENTE Y LA CREATIVIDAD.

• La creatividad es uno de los factores necesario para la libertad y la felicidad.

7.- Creación plástica I.

• LOS LENGUAJES Y LAS ARTES VISUALES SON UN CONOCIMIENTO INSTRUMENTAL.

• Cada vez es mayor la IMPORTANCIA DEL SOFTWARE DE CREACIÓN CON MEDIOS PLÁSTICOS Y VISUALES, extendiendose su uso en todo tipo de contenidos y áreas.

• LA TOTALIDAD DE LOS NIÑOS UTILIZA HABITUAL Y NATURALMENTE MEDIOS VISUALES (ESPECIALMENTE EL DIBUJO) PARA LA REFLEXIÓN, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN.

• A diferencia de lo que ocurre con otros medios expresivos, CUALQUIER niño es capaz desde pequeño de producir objetos e imágenes con una calidad muy satisfactoria para sí mismo y muy fácilmente socializable.

• LA PRÁCTICA DE LAS ARTES VISUALES ES DECISIVA PARA EL DESARROLLO DE LA PSICOMOTRICIDAD INFANTIL.

• El desarrollo del dibujo y de la capacidad plástica en general es un aprendizaje fundamental para QUE EL NIÑO SEA CAPAZ DE DAR SENTIDO A AQUELLO QUE LE RODEA Y TAMBIÉN A OTORGAR SENTIDO A SÍ MISMO Y A SU ACCIÓN (SUBJETIVA Y GRUPAL). LE PERMITE ADEMÁS CONSTRUIR UNA EXPLICACIÓN PROPIA QUE PUEDE SER HECHA PÚBLICA.

• Para el docente el dibujo permite observar el desarrollo emocional y cognitivo del alumno y contrastarlo con otras fuentes de información.

7.- Creación plástica II.

• LA FORMA TIENE UNA IMPORTANCIA RADICAL EN CÓMO EL CONTENIDO ES COMUNICADO Y RECIBIDO. Forma y función son inseparables, y en ocasiones la función no es posible si la forma es deficiente. Las Artes ayudan a REFINAR LA SENSIBILIDAD NECESARIA PARA QUE CUALQUIER PRODUCTO (desde una web a un objeto de artesanía, desde un ppt al enunciado de una hipótesis) SEA MÁS EFICAZ Y MÁS ATRACTIVO.

• Las Artes, además, ESTIMULAN EL APRECIO DEL PROCESO DE TRABAJO, LA ATENCIÓN POR LA CALIDAD DEL PRODUCTO FINAL, ETC. La práctica de las Artes Visuales introduce al alumno en el terreno de la EXPERIENCIA ESTÉTICA COMO MEDIO Y COMO FIN PARA OBTENER SATISFACCIÓN PERSONAL Y GRUPAL. Conforme el niño vaya creciendo, la experiencia estética espontánea puede ser complementada con una BUSQUEDA CONSCIENTE DE RESULTADOS CARACTERIZADOS POR LA CALIDAD, QUE ES UNA DE LAS CARACTERÍSTICAS ESPECÍFICAS DEL COMPORTAMIENTO HUMANO (Huygue, 1984)

• El trabajo con Artes Visuales implica unos objetivos flexibles (abiertos, expresivos) y la capacidad de trabajar también flexiblemente en todo momento: enseñan la FLEXIBILIDAD DE PROPÓSITO EN EL CURSO DEL PROPIO TRABAJO, LO QUE CUALIFICA LOS ASPECTOS MÁS INTELIGENTES DE LA CONDUCTA ORGANIZADA (incluida la capacidad de improvisar y buscar soluciones “oportunistas”)(Eisner, 2004).

• FINALMENTE, PARA COMPRENDER EL TRABAJO PLÁSTICO DE LOS ARTISTAS Y EL RESTO DE LAS PERSONAS, INCLUÍDOS SUS COMPAÑEROS, ES NECESARIO ELABORAR TRABAJOS ARTÍSTICOS PROPIOS.

• El trabajo con ARTES VISUALES MEJORA EL GRADO DE SATISFACCIÓN EN EL CONTEXTO ESCOLAR de niños y niñas

LOS LENGUAJES Y LAS ARTES VISUALES SON UN CONOCIMIENTO INSTRUMENTAL, al igual que los lenguajes

alfabéticos y numéricos. Esto queda evidenciado en los múltiples sistemas de comunicación e información basados en representaciones y pictogramas, comenzando por los propios de todas las ingenierías y de la arquitectura y acabando por los códigos visuales de la mayoría de interfaces actuales. • Cada vez es mayor la IMPORTANCIA DEL SOFTWARE DE CREACIÓN CON MEDIOS PLÁSTICOS Y VISUALES, extendiéndose su uso en todo tipo de contenidos y áreas.

El desarrollo de la capacidad de crear imágenes y contar cosas con ellas es fundamental. LA FORMA TIENE UNA IMPORTANCIA RADICAL EN CÓMO EL CONTENIDO ES COMUNICADO Y RECIBIDO. Forma y función son inseparables, y en ocasiones la función no es posible si la forma es deficiente. Las Artes ayudan a REFINAR LA SENSIBILIDAD NECESARIA PARA QUE CUALQUIER PRODUCTO (desde una web a un objeto de artesanía, desde un ppt al enunciado de una hipótesis) SEA MÁS EFICAZ Y MÁS ATRACTIVO • ¡Evitar LO CUTRE! Es preciso que los alumnos se acostumbren a buscar la calidad en todo lo que hacen.

Las Artes, además, ESTIMULAN EL APRECIO DEL PROCESO DE TRABAJO, LA ATENCIÓN POR LA CALIDAD DEL PRODUCTO FINAL, ETC.

EL ALUMNO NO ESTÁ SATISFECHO CUANDO SU TRABAJO ES CUTRE.

• La práctica de las Artes Visuales introduce al alumno en el terreno de la EXPERIENCIA ESTÉTICA COMO MEDIO Y COMO FIN PARA OBTENER SATISFACCIÓN PERSONAL Y GRUPAL. Conforme el niño vaya creciendo, la experiencia estética espontánea puede ser complementada con una BUSQUEDA CONSCIENTE DE RESULTADOS CARACTERIZADOS POR LA CALIDAD, QUE ES UNA DE LAS CARACTERÍSTICAS ESPECÍFICAS DEL COMPORTAMIENTO HUMANO (Huygue, 1984).

El trabajo con ARTES VISUALES MEJORA EL GRADO DE SATISFACCIÓN EN EL CONTEXTO ESCOLAR de alumnos y alumnas.

• “La producción artística es un camino crucial para la comprensión, en parte porque el proceso y el producto de la creación artística permiten a los alumnos experimentar con conexiones creativas y críticas entre forma, sentimiento y conocimiento. Capacita a los alumnos a través de su expresión de ideas y la construcción de identidad, ya que les hace conscientes de las motivaciones, intenciones y capacidades artísticas de otros.” (Freedman, 2006; 189)

Una EA CON DISEÑOS CURRICULARES:

• Basados en el proceso como fin (aprender a dibujar).

• O en la expresión.

• O en la alfabetización y en nociones de lectura de imágenes.

• Que consideran a las personas jóvenes como consumidores de imágenes o “seres que se expresan y buscan en su interior”.

• Que olvidan que las imágenes construyen el mundo y co-definen nuestras identidades.

• Que estiman posible una comprensión universal del Arte y las imágenes olvidando que los significados son culturales.

Parte 3. Necesidad de cambiar la Educación para

adaptarnos y vivir en NUESTRO MUNDO ACTUAL, QUE ES VARIADO Y CAMBIANTE

Los caminos hechos • La perversidad de las explicaciones simples y los procesos de comprensión de las artes de tipo mecánico.

• Necesidad de relativizar las “verdades”.

• Necesidad de evitar la simplificación que suele hacer la Escuela de las cosas.

“Con frecuencia se transita por los pensamientos como los

automóviles en las autopistas, se circula por inercia, dócilmente

guiados por los paneles indicadores y vallas, sin ver nada”

(Susanna Tamaro, “La gran casa blanca”)

Las carreteras pueden ser transitadas sólo por donde ellas transitan. Antes que nosotros las pisemos ya han sido construidas, señalizadas, pintados sus límites y establecidas las reglas del juego. Las carreteras “naturalizan” el camino: desde mi pueblo a la capital se puede ir por este sitio, o lo que es lo mismo a este sitio “se va” por esta carretera.

La Escuela, a veces, también naturaliza sus caminos, y marca límites, direcciones, destinos. Por eso criticamos su carácter reproductor del modelo social y nos quejamos de su afán por hacer individuos sumisos, o por ignorar al sujeto y sustituirlo por el alumno anónimo.

Cada manera de mirar es una puerta que se abre, pero

también otras puertas que se cierran...

1 La Escuela construye un discurso de poder que no sólo dicta que es Arte y

por qué (lo que ya es mucho y muy discutible), sino que enseña a “ver” el

Arte, a mirarlo y a hablar sobre él de una determinada manera.

Construye nuestro imaginario en torno al arte y sobre cómo los que nos

pensamos individuos nos debemos relacionar con él. Esa manera no

siempre es la mejor.

El sueño de Panofsky… •O la creencia en las respuestas correctas y las interpretaciones definidas.

•Identidad.

•Conducta, performatividad.

•Modos de mostrarse.

•Modos de entender el cuerpo.

•Afectividad, amor, sexo.

•Etc…

Cuando la Venus de Tiziano se convierte sólo en una obra de arte, y sólo la

vemos desde las narrativas que la Escuela tradicionalmente nos ha

proporcionado (estilos, formas, colores, iconología, etc.) la desposeemos

de demasiadas posibilidades.

Y desposeemos al alumno de su propia mirada, forzándole a desasirse de

su emotividad e incluso a negar su cuerpo, situándolo como un gran ojo

(aparentemente) desencarnado; situamos su fruición y su experiencia

estética en el terreno de lo alienado, de lo que se construye desde

imaginarios hechos por otros hasta adormecer nuestro ojo inquieto.

Al alumno lo capacitamos para que conozca y clasifique todas las obras de Tiziano, por

ejemplo, pero pidiéndole que reaccione igual ante la Venus de Urbino o un bodegón

inerte. ¡Es absurdo que la Escuela suponga que un adolescente debe permanecer

impasible ante el desnudo de la Venus de Urbino! ¿Cómo hemos podido obviar hasta

tal punto al sujeto y sustituirlo por un receptor pasivo e inalterable? ¿Cómo pudo la

Escuela pasar por alto las ansiedades que eran parte de la mirada? ¿Cómo no

compartió con él su interés por el cuerpo, por los cuerpos de los otros y las otras, por

las miradas de quienes fueron antes, por su propia mirada, por el deseo y por el lugar

en que el deseo le colocaba a él?

Las obras de Arte...son instrumentos de poder, y como tal su

selección (relato canónico) puede variar. EL CANON ES UN GRAN

INSTRUMENTO IDEOLÓGICO Y DE PODER

HEMOS APRENDIDO que el arte, las imágenes, las prácticas de

visualidad construyen una imagen de la realidad.

Construyen, en cierto modo, la realidad Participan en la constitución de los imaginarios.

Miramos a través de la cultura

La cultura de la Escuela ha sido tradicionalmente una cultura de clase

media, acrítica, etnocéntrica, abordada con metodologías reduccionistas.

El primer paso debe ser ampliar los márgenes del canon

tradicional (etnocentrico, occidental, fundamentalmente

masculino, de arte casi siempre aristocrático o religioso, etc) e

incluir otras propuestas....pero no suficiente.

No será suficiente si el canon crece con otras aportaciones pero

el discurso sigue siendo el mismo.

ES NECESARIO REFLEXIONAR SOBRE QUÉ MIRADA IMPONE LA ESCUELA.

El alumno como espectador acrítico asume el arte sin cuestionarlo. Pero

las imágenes son muy poderosas y no pueden ser recepcionadas

acríticamente,

¿Contenidos connotativos y denotativos?... ¿No se trata

más bien de discursos de poder, política, violencia…

vehiculados a través de las imágenes?

Guerrilla girls

Las imágenes y las prácticas de visualidad no sólo nos cuentan cosas o nos provocan sensaciones, sino que también colaboran a la hora de construir nuestra visión peculiar del mundo. • Y de pensar- nos.

• Y de pensar sobre los demás.

• Y de juzgar.

• Y de disfrutar...y de sufrir.

2 En la Escuela actual, el alumno apenas tiene voz, se calla y escucha y “aprende”. No tiene sentimientos ni intereses, no cuenta a la hora de aprender

•El discurso de poder del Arte en la Escuela requiere sobre todo admiración. Admiración o al menos sumisión, jamás cuestionamiento.

•La admiración categoriza al Arte, y lo convierte en indiscutible. • El problema es cuando el discurso de poder fuerza la admiración y desactiva la capacidad crítica, la iniciativa, la posibilidad de disenso.

• Cuando no contempla que todo puede ser cuestionado.

• Cuando no relativiza las categorías. Algo categorizado como arte, pasa automáticamente a presuponer una experiencia elevada e incontestable, una experiencia “culta”.

• Pero es tan absurdo, y tan fácil descubrir que es una falacia, que parece mentira que no lo hagamos espontáneamente cada uno de nosotros.

“En el campo del arte se está tan alienado como en el del televidente a

tiempo completo. Producto de este acostumbramiento, hemos creado

conceptos sobre arte que son evidentemente contrarios a la mayoría de

la gente, sin que nos percatáramos de ello. Algunos resistimos y vivimos

defendiéndonos de ese condicionamiento mental del que todos somos

responsables. La aproximación al arte funciona de este modo, personas

que se sienten atraídas y se acercan tímidamente a él, no sin expresar

antes "yo no entiendo nada de arte" y huyen sumándose a esa mayoría

que permanece indiferente y alejada“ (Ortizpozo, 2005).

3 • La Escuela provee:

• Un discurso habitualmente transmisivo y “bancario” (en el sentido freiretiano de la palabra).

•La narrativa escolar en torno al Arte nos dibuja como espectadores pasivos (en realidad, como consumidores).

•En el caso de la Educación Artística más centrada en crear imágenes y objetos, suelen ser productos visuales predecibles: lo estipulado.

•Ejercicios basados en una sola visión del arte, homogéneos, de los que se excluye (generalmente) la participación del alumno, los códigos diferentes, la expresión del yo, la presencia del sujeto, la atención a lo emergente y/o lo cotidiano…

• Espectador alienado. Porque (salvo en escasas ocasiones) el alumno no

posee su propia experiencia del Arte y no elabora su comprensión crítica de lo Visual. Le vienen dictadas desde fuera.

• Se limita a repetir, a transferir modelos de mirada/decodificación/explicación/comprensión/creación fabricados por otros.

• Por eso la Escuela coopera -decididamente- en convertirlo en un consumidor, también en el terreno del Arte.

EN LA ESCUELA GENERALISTA, ES NECESARIO TRABAJAR CON EL MUNDO,

CON LA REALIDAD y con el sujeto en el que el arte se actualiza:

RECUPERAR EL SENTIDO DE REALIDAD E INTRODUCIR EN LA ENSEÑANZA

EL PAPEL FUNDAMENTAL DE LAS ARTES Y LA VISUALIDAD A LA HORA DE

COMPRENDER LO QUE NOS RODEA Y LO QUE SOMOS Y ES NECESARIO

APRENDER A USAR IMÁGENES Y MEDIOS PARA ACTUAR EN LO REAL:

COMUNICARSE, EXPRESAR, CRITICAR, PLANTEAR OTRAS POSIBILIDADES,

INFLUIR EN LO QUE NOS RODEA, ETC.

Y eso también es importante en las enseñanzas profesionalizadoras,

puesto que el artista y el técnico además de dominar su lenguaje y los

procesos propios de su profesión tienen que ser capaces de reflexionar

sobre el papel de su profesión, sobe su intervención en el mundo, sobre lo

que ocurre cada vez que ellos lanzan al mercado un anuncio, un diseño, un

cuadro…