S A N T I A G O D E C H I L E

Recorrido por las distintas posibilidades de un lenguaje que enfatiza en la máxima abstracción de los

referentes. Puede jugar con formas y colores puros, pero también con efectos de movimiento, reales o

ilusorios, con la ciencia, la tecnología, la arquitectura y una actitud participativa del espectador.

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d i s t r i b u c i ó n g r a t u i t a

De la geometría a lo cinético

Nº 88 DICIEMBRE 2012

teatro Del lago

Hace más de 10 años que esta ciudad del sureste de Estados Uni-dos se inunda de arte durante el último mes del año, convirtiéndose en punto de reunión.

Prestigioso centro cul-tural, con alcances nacionales y recono-cimiento mundial que lo han hecho posicio-narse como un destino turístico-cultural.

Ferias De miami

PÁG. 42PÁG. 14

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EQUIPO

Ana María Matthei directora • Ricardo Duch director • Cristóbal Duch asesor comercial • Catalina Papic directora de arte

Camila Duch proyectos culturales • Kristell Pfeifer editora y periodista • Paulina Sepúlveda licenciada en arte

Nathaly Pizarro diseñadora en comunicación visual • Paulina Loyola diseñadora en comunicación visual

Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • Pedro Labowitz crítico

Enrique Solanich crítico • Ennio Bucci crítico • Ignacio del Solar asesor • Jorge Azócar asesor • Isabel Agurto periodista y correctora

Julio Sapollnik asesor • Katina Ferrer periodista • Javiera Calderón periodista • Lucía Rey historiadora del arte • Yuriko Takahashi periodista

Soledad Acuña periodista • Alejandra Torres periodista • Valentina Acuña periodista • Paula Cárdenas periodista y diplomada en gestión cultural

Gabriela Muñoz artista visual • Sara España periodista • Pilar Figueroa periodista• Pedro Pablo Bustos historiador de arte

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EDITORIAL

legó diciembre y comenzamos a cerrar este 2012 y con él un ciclo intenso de gran actividad. En este año que ya se va, no podemos dejar de recapitular todo

lo que aconteció a nivel cultural. Partiendo por el aniversario de nuestros 10 años, desde que en 2002 la galerista, Ana María Matthei, pensaba cómo difundir las artes visuales y dar a conocer el quehacer nacional e internacional de la plástica en el país. Con su bagaje en las diferentes ferias internacionales en las que participó, así como el sin número de artistas con los que trató, es que decidió comenzar esta revista. Ahora, diez años después, podemos decir que el objetivo se ha logrado. Pero todavía queda mucho camino por recorrer.

En todo este tiempo hemos visto grandes muestras pasar por nuestro país. Un ejemplo de éstas es la que aún se encuentra en exhibición; “Grandes Maestros del siglo XX”, donde por primera vez en Chile, se ha podido ver la Colección de Peggy Guggenheim de Venecia con obras de los grandes artistas de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX: Kandisky, Dalí, Giacometti, Picasso, Pollock, entre otros. También fuimos participes de una nueva versión de Ch.ACO y la bienvenida a OFF Chacoff, una iniciativa independiente que permitió vivir el arte contemporáneo a través de diversos barrios, con exhibiciones, arte urbano, video y perfomances abiertas en forma gratuita a todo público.

Diciembre es el mes con mayor movimiento en cuanto a ferias de arte, siendo Miami el centro de atención de varias de ellas. Art Basel,

en esa misma ciudad, es la más prestigiosa en América, donde participan más de 260 galerías de Norteamérica, Europa, Latinoamérica, Asia y África. Pero además están las ferias Scope, Art Miami, Art Asia, Nada, Red Dot y Pulse, que se dan cita este mes en la misma ciudad, para terminar el año con el mejor encuentro de arte internacional, donde Arte Al Límite estará presente una vez más.

En nuestra última edición del año, presentamos un artículo sobre el arte geométrico a nivel internacional y nacional, con nuestros máximos exponentes como Ramón Vergara Grez, quien este año tuvo dos muestras retrospectivas simultáneamente. A su vez, tenemos una entrevista especial al director del Teatro del Lago de Frutillar, entidad ligada al desarrollo de la cultura y la educación en su zona, quienes nos abrieron las puertas de este gran centro artístico que no tiene nada que envidiarle a sus símiles en Sudamérica.

Ya no queda nada para el nuevo año, por eso también queremos, como medio especializado en arte contemporáneo, reafirmar nuestro compromiso con la difusión de la cultura en nuestro país e invitar a todos quienes nos siguen, a que continúen apoyándonos por medio de nuestros canales y que juntos sigamos creciendo para ser un gran espacio de opinión y reflexión, de diálogo y proposición de nuevos proyectos.

Gracias por acompañarnos en este año tan especial, donde cumplimos nuestro décimo aniversario. Los invitamos a seguir con nosotros este 2013.

LFIN DE año

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6. Arte geométrico I 12. crítica I 14. Teatro del Lago I 18.La intensidad de las Daphnes

20. crítica I 21. Absolut Unique I 22.Perfilarte I 24. Basado en una historia real I 26. Panoramas

30.Barriovisión I 32. Perfilarte I 34.Fernanda Saldivia I 36. Perfilarte

38. Milagro Torreblanca I 40. Perfilarte I 42. Ferias Miami

18. hEREncIA DE

nOmbRE y PAsIónLa herencia de una pasión entre madre e hija, donde transitan por caminos distintos hasta encontrarse este 2012.

6. DE LA gEOmETRíA A LO cInéTIcOUn recorrido por las corrientes desarrolladas en los años 50 y 60, como el cinetismo, el op art y el neoconcretismo

sUmARIO

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. • VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com

SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com • FONO - FAX 2 955 32 61 • WEB www.arteallimite.com

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PORTADA Victor Vasarely."Espace", serigrafía, 52 x 50 cm.

IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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3424

Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales (Ley Valdés)

www.ccu.cl-www.ccuenelarte.cl

RELACIÓN DE ASPECTO

14 de diciembre 2012 al 31 de enero 2013.Av. Vitacura 2680, Las Condes / F: 2427 30 97 Lun-Vier 10:00-18:30 hrs / Sábado 10:00-14:00 hrs. Visitas guiadas gratuitas

Alejandra PrietoCCU presenta la exposición de Alejandra Prieto, ganadora de la Beca Arte CCU 2011. Luego de su residencia y muestra individual en Nueva York, la artista exhibe un objeto cuya forma sugiere diversas imágenes: una gran tela colgada en un museo o una constelación de pantallas digitales.

Colaboradores:

i d i oma un i ve r sa lI N F I N I TA

Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales (Ley Valdés)

www.ccu.cl-www.ccuenelarte.cl

RELACIÓN DE ASPECTO

14 de diciembre 2012 al 31 de enero 2013.Av. Vitacura 2680, Las Condes / F: 2427 30 97 Lun-Vier 10:00-18:30 hrs / Sábado 10:00-14:00 hrs. Visitas guiadas gratuitas

Alejandra PrietoCCU presenta la exposición de Alejandra Prieto, ganadora de la Beca Arte CCU 2011. Luego de su residencia y muestra individual en Nueva York, la artista exhibe un objeto cuya forma sugiere diversas imágenes: una gran tela colgada en un museo o una constelación de pantallas digitales.

Colaboradores:

i d i oma un i ve r sa lI N F I N I TA

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esde 1912, numerosos artistas, entre ellos Larionov y Archipenko, experimentaron con producciones cinéticas, para pasar en los años 20 a las construcciones de Gabo

y Moholy. Estos son los antecedentes de una serie de creaciones que manifiestan la influencia del ambiente tecnológico de los 50, cuando es con la aparición de Víctor Vasarely que el arte cinético llega a desarrollarse plenamente.

Su nacimiento oficial se vincula a la exposición “Le Mouvement” de la galería Denise René en París en 1955. A propósito de esa muestra, Vasarely publica el “Manifiesto Amarillo”, a través del cual define los fundamentos del arte cinético que introduce el movimiento como elemento plástico dominante en una obra. Diez años más tarde la exposición “The Responsive Eye”, en el Museum of Modern Art de Nueva York (MoMA), supone la consagración oficial de este arte.

Como indica Frank Popper, el movimiento puede ser real o virtual.

Al ser virtual, los efectos ópticos crean la ilusión de movimiento recurriendo a la psicología de la percepción. En ello trabajan artistas como Vasarely, Bridget Riley, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez, entre otros. El movimiento real se produce por medios naturales, como el viento en los móviles de Calder, o por medios mecánicos, utilizando motores, como en ciertas obras de Tinguely.

En América Latina destacan los venezolanos Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez, el argentino Julio Le Parc, Marta Botto y Luis Tomasello y la chilena Matilde Pérez.

Entusiasmados con esta forma de expresión de las artes visuales, diversos músicos y escritores siguieron atentos el desarrollo del “arte del movimiento”. Entre ellos, Pablo Neruda se manifestó un entusiasta del arte cinético, homenajeó a algunos de sus cultores pero nunca nombró a su compatriota Matilde Pérez. Para ella como para muchos exponentes del cinetismo, el reconocimiento, se dio antes en el extranjero que en su propio país.

Por Isabel Agurto, Periodista.Fotografías cortesía de las Galerías Animal, Artespacio e Isabel Aninat.

reportaje

D

El arte Geométrico es un recorrido por las distintas posibilidades de un lenguaje que enfa-tiza en la máxima abstracción de los referentes a través de la geometría. Desde corrientes desarrolladas en los años 50 y 60, como el cinetismo, el op art y el neoconcretismo, puede ju-gar con formas y colores puros, pero también con efectos de movimiento, reales o ilusorios, con la ciencia, la tecnología, la arquitectura y una actitud participativa del espectador.

Redescubrimiento de una vanguardia

De la geometría a lo cinético

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•Victor Vasarely. “Sin título”, 1965, serigrafía.

•Jesús Soto.“Sin título 1”, 1980, Serigrafía, firmada y numerada a Lápiz, 50,8 x 66 cm.

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Víctor Vasarely (1908 – 1997): Conocido como el padre del cinetismo y del op art, este artista húngaro-francés incorporó en su obra estudios de percepción del color y la geometría, la física, la tecnología y la arquitectura. Sus grabados y cajas con imágenes manipulables invitan a una experiencia lúdica frente a la obra.

Jesús Rafael Soto (1923 – 2005): Artista venezolano, uno de los más relevantes del cinetismo en Latinoamérica. Es par-ticularmente famoso por sus “Penetrables”, esculturas donde las personas pueden caminar e interactuar, conformadas por una serie de varillas colgantes y combinatorias de color. La visuali-zación del movimiento y la luz constituyeron las principales mo-tivaciones de su obra.

Carlos Cruz-Diez (1923): Artista venezolano-francés, de-stacado exponente del cinetismo contemporáneo, que ha tenido

un reconocimiento especial los últimos años gracias a un nuevo auge del cinetismo a nivel internacional. Basándose en patrones, ritmos y sistemas, crea espacios y entornos donde el arte debe ser experimentado, vivido y compartido.

Julio Le Parc (1928): Argentino, otro de los grandes del arte geométrico y cinético de los años 60, creador por entonces del GAV (Grupo de Investigación en Artes Visuales), en París. Tra-baja con la luz, el movimiento y la participación del espectador en esculturas y pinturas, donde son vitales las combinaciones de una gama restringida de color.

Matilde Pérez (1920): Pionera chilena del arte cinético. Lue-go que en los años 60 y 70 fuera una incomprendida por el me-dio local, ha tenido un auge inusitado durante la última década, siendo reconocida ampliamente por las nuevas generaciones de artistas y por el medio artístico nacional e internacional.

reportaje

Principales exponentes del arte geométrico a nivel mundial

Grupo Rectángulo

Fundado en 1955 por Gustavo Poblete y Ramón Vergara Grez, fue integrado además por Matilde Pérez, Elsa Bolívar, Ximena Cristi, Maruja Pinedo y Uwe Grumann. Con un fundamento geométrico y abstracto, el Grupo Rectángulo buscaba eliminar el nexo referencial entre obra y realidad. “El arte es un arte de ideas”, gustaba decir, en una búsqueda que se alejó “del natural” para centrarse en líneas, planos y colores que instaurara un “nuevo lenguaje visual”.

En 1956, en el catálogo de la primera exposición de Rectángulo, se anunciaba la base teórica del grupo: “Los integrantes de la muestra ponen el acento en un concepto de orden y geometría; trabajan con el dibujo esquemático y planista que facilite la medición de las partes y la relación de las partes con el todo; reemplazan el toque o la pincelada tradicional por el plano de color”.

Ese mismo año, y a causa de la exposición, el grupo organizó un inédito foro con el fin de aclarar algunos conceptos que estaban en juego en este nuevo “arte abstracto”. Por esos años, en que la re-flexión en torno al arte era prácticamente nula, ni el propósito, ni las técnicas del grupo resultaban evidentes para el público.

La llegada a Chile del cubano Mario Carreño respaldó los postulados del grupo chileno y contribuyó a centrar su trabajo en lo abstracto como “una pintura racionalista, pensada, donde todos los elemen-tos están jerarquizados; no existen factores accidentales y, si los

hay, ellos están en razón de que son residuos que van quedando en la obra, pero que irán desapareciendo a medida que avance en este proceso de depuración”.

Seis años más tarde, en julio de 1962, se realizó en el Museo de Arte Contemporáneo la muestra Forma y Espacio, que reunió artistas geométricos de Argentina, Chile y Uruguay. Luis Oyarzún, enton-ces decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile, escribió en el catálogo de la exposición internacional de “Forma y Espacio”, cuyo nombre tomaría luego el Grupo Rectángulo: “Estos artistas quieren revalorar el gesto inicial de la pintura como volun-tad de intelección, es decir, de creación en el sentido de ordenación del caos”.

La búsqueda expresiva del Grupo Rectángulo, que en Europa se había iniciado 30 años antes, nunca se desprendió del soporte pic-tórico. De ahí que todas las investigaciones del grupo se hicieran al interior del cuadro. Esa rigidez, para no querer alejarse de la tela y el óleo, terminó limitando la experimentación y disminuyendo las posibilidades del grupo.

Sin embargo, y pese a las limitaciones teóricas y un sistema de producción muy distante del usado en otras partes del mundo, el surgimiento del Grupo Rectángulo contribuyó a producir una im-portante renovación del lenguaje pictórico chileno.

arte geométrico en Chile

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• Jesús Soto. “20 años”, 1996, serigrafía, 91 x 101 cm.

•Matilde Pérez. “Construcción Nº 28”, 1994, acrílico-madera, colección Particular. • Matilde Pérez. “Sin título”, 2010, escultura cinética, vidrio y metal, 30 x 30 cm.

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Este año, la Municipalidad de Las Condes, la Fundación Itaú y la Corporación Cultural de Las Condes, han reunido las obras generadas por el grupo Forma y Espacio, entre fines de los años 50 y principios de los 70, y a la vez rendir un homenaje tardío a Ramón Vergara Grez, en la exposición “La ruta geométrica”, en la cual se incluyen obras de veinte artistas; seis que participaron en la emblemática muestra de 1962, como Elsa Bolívar, Luis Diharce, Matilde Pérez, Gustavo Poblete, James Smith y Ramón Vergara Grez, y catorce que se incorporaron posteriormente: Adolfo Berchenko, Roberto Carmona, Mario Carreño, Mario Carvajal, Miguel Cosgrove, Uwe Grumann, Kurt Herdan, Robinson Mora, Paz Olea, Carmen Piemonte, Claudio Román, Mónica Soler-Vicens, Aixa Vicuña y Waldo Vila.

Desde aquella memorable muestra de 1962, el movimiento geométrico se llamó Forma y Espacio y a partir de entonces, ha sido uno de los referentes del arte contemporáneo chileno. Muchos pintores han pasado por él y algunos han decidido continuar camino por separado, sin embargo, la influencia de Vergara Grez es gravitante en la obra de todos ellos, demostrando que la razón puede evolucionar a la par de la emoción humana.

Dada la envergadura del cuerpo de obra, “La ruta geométrica” se articula en tres centros diferentes: en las salas de la Corporación Cultural de Las Condes y en Espacio ArteAbierto de la Fundación Itaú, se presenta el movimiento Forma y Espacio, desde aquellos expositores de la muestra de 1962, hasta los artistas que se unieron posteriormente. En tanto, en la Casa-Museo Santa Rosa de Apoquindo se exhibe una retrospectiva de gabinete de Ramón Vergara Grez, que incluye desde sus primeras obras figurativas hasta sus creaciones de 2001.

Las obras que integran la muestra pertenecen al legado de la familia del artista, la Pinacoteca de la Universidad de Concepción, la Universidad de Talca y colecciones privadas chilenas y extranjeras. La muestra cuenta con el patrocinio de la Ley de Donaciones Culturales.

reportaje

Forma y Espacio 50 años después

“La ruta geométrica” se puede apreciar hasta el 30 de diciembre en:

Corporación Cultural de Las Condes

apoquindo 6570

562 8969800

Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas.

Casa Museo Santa Rosa de apoquindo

Padre Hurtado 1155, esquina Cristóbal Colón

562 2431031

Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas.

Espacio arteabierto, Fundación Itaú

apoquindo 3457

Lunes a viernes 9:00 a 14:00 horas.

ENTRaDa LIBERaDa

Mario Carreño (1913 – 1999): Sin abandonar el color y una sensualidad legada de su lugar de origen, el Caribe, el pintor cu-bano-chileno desarrolló un lenguaje a partir del neoplasticismo de Piet Mondrian que lo convirtió en uno de los artistas represen-tativos del arte moderno en Latinoamérica, obteniendo el Pre-mio Nacional de Arte en 1982.

Carlos Ortúzar (1935 – 1985): Pintor y escultor chileno que evolucionó en la década del 60 desde el informalismo a la ab-stracción geométrica. Integró una tendencia renovadora, donde el arte se relacionó a la ciencia, la arquitectura, a la experiencia de los espacios urbanos y la movilidad, siendo de los primeros artistas cinéticos en el país.

Carmen Piemonte (1932): En los años 60 se integra a Forma y Espacio, colectivo que continuó el gesto fundante del Grupo Rectángulo, un nuevo lenguaje en Chile, desde el concretismo, la geometría y el estudio del color. Uno de los temas gravitantes en la obra de la pintora es el paisaje natural o urbano, donde trabaja símbolos y un sentido tridimensional del color.

Elsa Bolívar (1929): Se integra al Grupo Rectángulo en los años 50 y posteriormente a Forma y Espacio, permaneciendo en sus filas hasta mediados de los años 70. Es considerada la “más expresionista” del colectivo por fluctuar entre la geometría rigu-rosa, la curva y ciertos atisbos de figuración.

Gustavo Poblete (1915 – 2005): Cofundador en 1955 del Grupo Rectángulo y en 1965 de Forma y Espacio. Fue de los primeros pintores en Chile en trabajar con la abstracción geomé-trica, incorporando también a su lenguaje elementos extra pic-tóricos, como plásticos, metal, vidrio y madera, desplazándose también a obras espaciales y en movimiento.

Ramón Vergara Grez (1923 – 2012): Discípulo de Pablo Burchard y Camilo Mori, estudió en Brasil e Italia. En 1955 fundó el Grupo Rectángulo y fue el primer impulsor de la abstracción geométrica. Su última exposición fue Espacio Concreto en marzo de 2011, luego de lo cual se le perdió la pista. Su fallecimiento no se hizo público hasta un mes después, quedando clara la poca valoración de su obra en Chile.

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• Elsa Bolívar. “Abstracto Geométrico”, 1972, 80 x 80 cm. •Mario Carreño. Detalle de “Mural Chile Entero II”, sección del hogar. Hospital del trabajador de Rancagua.

• Iván Contreras. “Instable Bleu”, 2011, rejilla, acrílico y madera, 90 x 80 cm. •Iván Contreras. “Rojo con Visos”, 2011, rejilla, acrílico y madera, 90 x 80 cm.

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ara los inicios de la pintura geométrica en América del Sur se consignan dos figuras consulares: el uruguayo Joaquín Torres García (Montevideo 1874-Ib.1949) y el argentino

Emilo Petorutti (La Plata 1892 - París 1971).

Sus prematuras andaduras por las vanguardias revelan sus con-sistentes aprendizajes y filiaciones, presagiando, además, las se-cuelas y regueros que diseminan en sus tierras natales, de costas en el Atlántico.

Uno, Torres García, asentado primero en España en 1891-, recibe luego en París, en el decenio de veinte, los influjos irresistibles del futurismo y el cubismo que lo empecinan en la opción abs-tracta, decisiva para articular una iconografía de signos breves y esquemáticos de lectura directa y fácil, más, apropiada para la comprensión del universo. Son la base de su ideario que urde tra-diciones con modernidades visuales rotulado Universalismo Cons-tructivo. El otro, Petorutti, becado durante once años, entre 1913 y 1924 en Europa, se impregna seguro del cubismo sintético y del futurismo, estadios que le impulsan a un proceso de abstracción en el cual la representación obvia se muta en imaginerías deudo-ras de la pintura metafísica y surrealista.

Sin dudas, entre las muchas cunas de las que son deudores, la obra visual y el pensamiento de Vasily Kandinsky (Moscú 1866 - Neully 1944) son terminantes, resultando para ambos claves los escritos De lo espiritual en el arte (1912) y Punto y línea frente al plano (1926), meditaciones severas sobre la naturaleza del arte y la pureza de la forma plástica que elabora el paladín de la abstracción. Retornados en los años treinta a sus países, se abocan a difun-dir y propagar las vanguardias asimiladas. Desde diversos frentes que incluyen la docencia, escritos y responsabilidades directivas, extienden puentes, participando de un común denominador y maná estéticos como el constructivismo geométrico.

En Chile es Ramón Vergara Grez (Mejillones 1923 - Santiago 2012), el introductor que guía en profética tarea una cohorte de pintores agrupados en el Grupo de Arte Moderno Rectángulo (1955), precipitando la aventura de “realizar un arte eminente-mente conceptual, como reacción a la actitud emotiva y senti-mental constante de las artes plásticas […], en Chile, según reza

P

Retrospectiva en Santa Rosa de Apoquindo.»Fotografías cortesía de Centro Cultural de Las Condes.

• Vergara Grez, autorretrato.

La aventuRa geométRica de RamÓn veRgaRa gReZ

CRíTI

Ca

un histórico catálogo del movimiento, legado dieciséis años des-pués, en 1971.

Una muestra suya –apelada de gabinete-, se exhibe en la Casa Museo Santa Rosa de Apoquindo. Caben trabajos desde los años 1950 a 2001 y en su concisa puesta en valor, entrevé la tamaña obra que Vergara Grez acomete a redropelo del expresionismo abstracto, el neo-dadá y, ni que decir tiene, los variados realis-mos, opciones hechiceras brotadas en las medianías de la cen-turia precedente.

Una naturaleza muerta de filiación post impresionista; otras po-cas en la vertiente metafísica; sumados cinco retratos -incluido el propio-, se unen a muchas piezas restantes, de formatos mayores y volubles diseños que dan la progresión exacta de un macera-do repertorio morfológico. Estas selectas pinturas constructivas, elaboradas sobre la base del uso de líneas rectas horizontales, ver-ticales u oblicuas tanto de curvas abiertas o cerradas, de cromatis-mos acotados, planos y netos, patentan su indubitable aporte. Un examen a su producción –de resonancias más que obvias y genui-nos complementos personales-, evidencia sus abogaderas por la geometría andina, propósito por él cumplido a cabalidad, más allá del maremagno estilístico que su talante empeñoso vislumbrase en aquella puesta al día de la plástica criolla.

CRíTICa

Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte y Estética . Miembro de AICA.

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Camilabuela 27,5x21.pdf 1 11/22/12 4:22 PM

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reportaje

Cuando llegó a Chile, la idea de Ulrich Bader, director ejecutivo del Teatro del Lago, era mejorar la actividad cultural y educación. Hoy, el Teatro del Lago se ha con-vertido en un prestigioso centro cultural, con alcances nacionales y reconocimiento mundial que lo han hecho posicionarse como un destino turístico-cultural im-perdible de la Patagonia chilena.

TEATRODEL LAGOCultura en la Patagonia Chilena

lrich Bader nos abre la puerta de su oficina con una gran son-risa de bienvenida. Este alemán, de 42 años, es músico de ori-gen, específicamente chelista, en lo cual trabajó muchos años

en su ciudad natal, Berlín. Cálido anfitrión, nos recibe con mucho en-tusiasmo para hablar sobre su gran pasión y obra: el Teatro del Lago.

Bader tiene una larga trayectoria como músico. Luego de tocar con grandes orquestas, estudió gestión cultural en Hamburgo, donde desarrolló una vasta carrera en el área. Así es como trabajó para algunas orquestas como la Orquesta Sinfónica de Alemania, Berlín, la Orquesta de Cámara de Alemania, Bremen, el Centro de Conci-ertos Filarmónica de Colonia, donde se encargó de la organización operacional de 400 conciertos anuales, además de la organización de las clases magistrales con Isaac Stern, la residencia de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, el Festival Bach y la organización del pro-grama cultural para la Cumbre del G8.

En el año 2000, asume el cargo de Director de Planificación Artística de la National Symphony Orchestra en Washington DC, EEUU, admi-nistrada en el prestigioso Kennedy Center. En esta posición trabajó cercanamente con artistas como Mstislav Rostropovich, Valery Ger-giev, Lorin Maazel, Kurt Masur, Vladimir Ashkenazy, Leonard Slatkin, Itzhak Perlman, Yo-Yo Ma, Joshua Bell, Pinchas Zukerman, Midori y René Fleming, entre muchos otros.

Es toda esta experiencia la que trae consigo en el invierno de 2006, cuando luego de casarse y con muchos proyectos en Alemania y EEUU, decide radicarse en Chile. Acá asume la Gerencia General y luego la Dirección Ejecutiva del Teatro del Lago de Frutillar.

Por Paulina Sepúlveda, licenciada en arte.Fotografía cortesía de Teatro del Lago

U

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reportaje

• Guy Wenborne, Teatro del Lago.

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reportaje

La historia del Teatro parte luego que el año 1996 se quemara el Hotel de Frutillar, una antigua

construcción de madera. Fue en ese in-stante cuando el suegro de Bader, ini-ciador de la obra del Teatro del Lago, se acercó, junto a Flora Inostroza, en-cargada de las Semanas de Frutillar, a

la Municipalidad, con la idea de que la ciudad no necesitaba más hoteles, sino un

centro cultural. Pidió al alcalde donar el terre-no, con la condición de que él se encargaría de donar

los fondos para los primeros planos arquitectónicos. Es así como en 1998 se pone la primera piedra.

La historia de la construcción es larga, debido a que fue auspiciada por fondos particulares y de algunos auspiciadores que se sumaron a este gran esfuerzo; como fue Nestlé, quienes los apoyaron con un monto no menor y es por lo que ahora la sala principal lleva su nom-bre. Es así como el teatro se construye en varias etapas, de acuerdo a las platas que se disponían. Incluso cuando partió la construcción, el país y mundo se encontraba con la crisis asiática, por lo que no fue fácil conseguir fondos: “por ello todo fue muy lento”.

Cuando Ulrich llega a Chile, también se encarga del diseño arqui-tectónico. Juntó y formó un buen equipo donde además existían asesores internacionales. Con ellos se levantó el Teatro del Lago, llegando a los 11.000 m2 de arte y diseño que se ven al día de hoy. El resultado fue uno de los teatros más modernos de Sudamérica,

con una acústica que ha sido destacada incluso por los mismos ar-tistas internacionales que han pasado por el lugar. “Es una suerte y un gusto tener el teatro donde está, para fomentar la cultura y para crear un destino turístico”, comenta Bader. Sabe que ya poseen un papel importante en Sudamérica y es por ello que se encuentran ampliando las fronteras, gracias a su visión internacional.

Cuando hablamos del teatro y su ubicación geográfica, Ulrich nos comenta que trae sus desafíos por una constante creación de pú-blico, pero que también es una fortaleza estar alejados de Santiago. En Sudamérica los grandes centros culturales están en capitales (Buenos Aires, Sao Paulo, Lima, Santiago). En Estados Unidos o Europa, existen centros en las capitales y donde hay una conglom-eración importante de gente, pero igualmente se desarrollan desti-nos culturales en pueblos pequeños como San Morris o Salzburgo, festivales bastante pequeños en sus inicios y que hoy han alcanzado renombre internacional. “En Europa hay cientos de ejemplos de pequeños festivales en pequeñas ciudades, que atraen al público y los llevan fuera de la capital. Esto, porque la experiencia artística es comparable a unas mini vacaciones”. La idea es sacar a la gente de la capital, del estrés y de la rutina. El lugar en sí ayuda mucho y dan ganas de arrancarse. Además, aunque es una ciudad al sur, existe una gran población de las ciudades cercanas: Puerto Montt, Puerto Varas, Osorno, entre otros, quienes también visitan Frutillar.

Para Ulrich esto ha sido un desafío cuya ventaja es que fue creado pensando en el lugar. “La marca Teatro del Lago no funcionaría en otro lugar. Tenemos una maravilla, un todo: teatro, clases, lago,

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• Ambas fotografías: Guy Wenborne, Teatro del Lago.

reportaje

etc.”, afirma. En parte, esto ha funcionado gracias a la red antigua y nueva de contactos que Bader ha desarrollado a lo largo de toda su vida. De esta forma, ha podido asegurar una programación atrac-tiva.

La educación también juega un papel importante para el Teatro y se nota cuando Ulrich nos habla de este tema. El año 2007 se abre la Casa Ritcher, una antigua casa patrimonial, donde se forma la Es-cuela de las Artes. La idea es enseñar las diferentes artes: danza, música y teatro, entre otras. Este año se abrió el kínder, donde el concepto de creatividad es lo más importante, ya que, como cuenta Ulrich, es a esa edad cuando el cerebro está más abierto a recibir y procesar información. “La idea no es crear nuevos músicos -aunque puede salir alguno maravilloso-, sino más bien incentivar la creación y así hacer del futuro profesional alguien mejor, más abierto y más completo”, explica. Además, se fomenta la creación por medio de la lingüística, puesto que los talleres son trilingües (español, inglés y alemán). Otra arista en referencia a la educación son los conciertos didácticos para mil niños de colegios vulnerables, con quienes se logra una experiencia emocionante. Estos conciertos o program-as buscan hacer partícipe a los niños. Aquí se les explica en forma didáctica de qué trata y ellos pueden participar, preguntar, tocar, etc. Un ejemplo de esto es “Butaca Educativa”, que se abrió este año y donde un número fijo de butacas se entregan a clases o gru-pos de niños durante todo el año, abarcando toda la programación o temporada. La novedad para este 2013 se llama “Abono Dorado”, que consiste en la posibilidad de compra de una butaca por toda la temporada por un costo de $700.000, lo que le da derecho a los

veinticuatro espectáculos que se desarrollan durante todo el año. Si la persona no viene, se hace donación, por la cual se regalan butacas a los niños.

Sobre planes a futuro, Bader comenta: “Hay planes para expandir las sorpresas”. La idea es mantener y hacer crecer las redes interna-cionales, así como la creación de residencias con diferentes artistas, lo cual acontece regularmente en el extranjero. “Las residencias pueden pinponear ideas”, explica Ulrich. Incluso han pensado en que los mismos artistas que vienen se relacionen con la educación y realicen workshops.

Teatro del Lago es un teatro que privilegia la calidad por sobre la cantidad. Con muchas actividades a destacar como la visita de Yo-Yo Ma, el festival de jazz combinado con un festival de danza, entre otras sorpresas, se suma el gran anhelo de Ulrich de traer una ópera al año. Debido al alto costo, no pudo llevarlo a cabo este año, pero es algo que no ha dejado de lado y está seguro que lo logrará para el 2014. Sabe que el tema de encontrar los auspiciadores es muy lento, es un tema de crecimiento cultural, de dar cultura: “Nos falta mucho énfasis en comparar el auspicio cultural, al auspicio de de-porte, en el cual se gastan muchos millones. La gente piensa que a la cultura nadie viene, porque la cultura es fome y esto no es así. La gente busca cantidad más que calidad; ése es un error, es un mal concepto”.

Para mayor información sobre las actividades, se puede visitar la página www.teatrodellago.cl

18

eNtreVISta

aphne Anastassiou abre la puerta de su casa con su pelo castaño revuelto, toca algo parecido a un palo de agua de la entrada y se ríe. Esta pintora, psicóloga y empresaria es

de sonrisa fácil y amante de instrumentos varios, como arpas, gongs, y otros, que pueblan todos sus espacios.

Aunque es noviembre, hace frío. Ella viste de negro, pero en toda su casa, y también en sus cuadros, abundan los colores. Visitamos su “santuario”, un bello jardín, donde su máximo orgullo son las escul-turas de su hija, Daphne Lyon.

Lyon tiene el pelo rojo y 30 años que no repre-senta. Las esculturas del jardín de la casa de su mamá son de su época de estudiante y es muy distinto a los que hace ahora, según comenta. Esta joven mujer siem-pre supo que el arte sería su camino, pero fue gracias al ambiente de creatividad y libertad que sintió en su casa, que logró prosperar en su vocación. Se tituló de Licenciatura en Artes Plásticas con men-ción en Pintura en la Universidad de Chile. Paralelamente, estudió escultura, viendo al maestro Octavio Román en su taller, y es a esa disciplina a lo que más se dedica hoy.

En 2007 Daphne Lyon fue al extranjero a perfeccionarse. Vivió tres años afuera, época en la cual expuso en una feria en Londres y en dos importantes galerías de Barcelona. Regresó a Chile en 2010, se casó en 2011, y durante este año ya ha hecho tres exhibiciones en Santiago. Sobre su trabajo, comenta: “Actualmente estoy haciendo esculturas; primero hago una estructura en fierro soldado, sin boceto, sólo con alguna intención del momento, que se manifiesta en la forma que van tomando los fierros, generalmente figuras humanas o entre animal y humano. Después, con maya de gallinero les doy forma, lue-go con napa de esponja, y ahí me pongo a coser a mano todo. Junto géneros reciclados y voy de a pedazos cosiendo y poniéndole detalles. Tienen harta lentejuela, plumas, máscaras, son personajes voluptuosos. Es como bien de carnaval latino, aunque no fue intencional, supongo que porque me gusta el "leseo". Soy como una polilla, me gustan las cosas llamativas, brillantes, voy donde está la luz o los colores fuertes, no sé por qué. No le pongo mucha cabeza a las cosas. Próximamente me encantaría hacer unas muy grandes, así que si alguien se anima a auspiciarme para hacer una expo con estas esculturas de dos metros de alto, ¡sería estupendo!”.

A diferencia de ella, su mamá, Daphne Anastassiou, no tenía certeza sobre su destino, pero sí, una enorme convicción arraigada desde niña. Estaba segura que había algo más allá de lo visible y tenía un profundo anhelo de explorar ese mundo oculto. El arte la cautivó desde pequeña, pues acompañaba a su madre orfebre y le encan-taba la alegría que irradiaba de ella al esmaltar metales. No obstante,

al crecer, su mente inquieta la llevó a estudiar psicología.

En la universidad, quedó profundamente marcada por dos teóricos, Masslow y Assagioli, en quienes si inspiro para iniciar su propio de-sarrollo como artista. Incursionó en el canto, el baile, el dibujo de la figura humana y la cerámica. Así, su formación intelectual, más el entrenamiento en materias artísticas, fortaleció su don creador, gra-cias al cual concibe consultorías y talleres que vinculan la creatividad personal con el mejoramiento empresarial. Esta idea de que todos

somos creadores se la lleva a publicar el libro “Somos Amor”, en el año 2000.

Después de eso, esa cre-atividad de siempre se fue

materializando en una necesidad de pintar, que se hizo cada vez más fuerte y frecuente. Hasta que en 2009, decide hacer una exposición en Santiago.

El ímpetu prosiguió con muestras ese mismo año en Buenos Aires, luego, en 2010, en Madrid y Londres y en 2011 en París, en la Galería Colette Dubois (Rue Saint Honoré), que actualmente la representa. Este año expuso en Chelsea, Nueva York. Ahí su obra obtuvo dis-tinción, lo que le valió una entrevista en televisión. Sobre su trabajo actual, comenta: “Me gusta dialogar y jugar con todos los colores. Juntos, siento que se armonizan. Lo que pinto son cosas que veo, son muchas, en varias capas, la energía vuela por todas partes, y ahí resalto las figuras abstractas que van emergiendo. Los formatos son grandes porque obedecen a una necesidad de expansión que tengo hoy, de meterme en esos mundos que van apareciendo”.

Estas dos mujeres tienen referentes distintos. Mientras la madre re-cuerda a artistas como Giacometti, Picasso y Chagall, la hija recon-oce cierta inspiración en personas más contemporáneas, como el inglés Andy Goldsworthy, la japonesa Yayoi Kusama y la francesa Niki de Saint Phalle. Su punto de encuentro está en el gusto por lo no convencional y el pasarlo bien al momento de crear. Se admiran mutueamente. “Me encanta la fuerza de la Daphne”, dice Anastas-siou sobre su hija, quien replica sobre su madre: “Me gusta cuando muestra el lado oscuro, cuando se genera tensión en la obra”.

Toda esta intensidad, que se nota en el carácter y en la obra de am-bas, se verá en la exposición, “Tríada”, que preparan, junto a otra artista, Loreto Rivera, y que se inaugura en una fecha que no podía ser más especial, el 12 del 12 del 12 en Presidente Riesco 3210, Las Condes y que estará abierta hasta el 22 de diciembre. La obra y trayectoria de Daphne Anastassiou está dis-ponible en www.daphneanastassiou.cl y la de Daphne Lyon en www.daphne.cl.

D

HERENCIa DE NoMBRE y PaSIóNPor Katina Ferrer, periodista.Fotografía cortesía de Katina Ferrer.

Madre e hija. Pintora y escultora respectivamente. ambas intensas. ambas transitaron en el arte por caminos distintos y no superpuestos hasta encontrarse el 2012. ambas Daphnes.

eN el taller

• Daphne Lyon en su taller.

• Daphne Anastassiou en su taller.

• Escultura de Daphne Lyon.

20

CRíTICa

Por Pedro Labowitz. Crítico de arte . Miembro de AICA.

eguí, el reconocido pintor y grabador argentino, nació en 1934 en Córdoba. Después de un viaje de estudios a Europa a los 17 años, volvió a su patria en 1954, para

instalarse nueve años más tarde definitivamente en Francia.

En esta ocasión se muestran sólo pinturas, todas en telas alargadas verticales. Con humor irónico pero al mismo tiempo benevolente, retrata el hombre y la ciudad, en enfoques que varían muy poco entre sí: caras y figuras de varones repetidas ad infinitum, que se despliegan entre edificios altos y delgados repartidos al azar sobre las telas, contra fondos neutros. Los edificios, a pesar de tener varios o muchos pisos, son muy pequeños en comparación a estos hombres que andan, se mueven, a veces casi saltando, sin destino fijo. No hay mujeres entre sus transeúntes ciudadanos. Las caras de los varones están manchadas, con narices muy pronunciadas, y a pesar de sus diferencias todos se parecen, hasta en su modo de vestir. Interactúan con las casas, a veces incluso las traspasan, creando un caos general, pero que tiene su clara estructura interna.

Algunos de los cuadros incluyen textos escritos de frases cotidianas, reducidas a dos o tres palabras.

Estamos frente a una obra que al mismo tiempo de reírse de nuestra vida diaria apresurada, de nuestra condición de prisioneros de las ciudades grandes, de actores repetitivos sin paz ni calma y que no dejan de asemejarse el uno al otro, nos hace ver el absurdo de semejante proceder, pero con sonrisa y por cierto, sin proponer ninguna alternativa.

S • Detalle de “Grand Écart”, 1998, técnica mixta sobre tela, 60 x 73 cm.

En la Galería A.M.S. Marlborough»Fotografías cortesía de Galería A.M.S. Marlborough.

antonio SeguÍ

EXPoSICIóNLUGaR: Galería a.M.S Marlborough

DIRECCIóN: av. Nueva Costanera 3223, Vitacura

FECHa: 8 noviembre al 15 de diciembre

HoRaRIo: Lunes a Viernes de 10:00 a 20:00 hrs.

Sábados de 11:00 a 14:00 hrs.

21

uego del éxito obtenido con Absolut Mode, la marca sueca vuelve a sorprendernos con un nuevo envase de edición limi-tada bautizado como Absolut Unique, donde arte y tecno-

logía se mezclan en partes iguales. Cerca de cuatro millones de botellas únicas y numeradas fueron diseñadas en más de treinta y cinco colores diferentes, logrando crear una edición jamás vista.

Con esta campaña como telón, es que se decidió intervenir la botella ícono de Absolut Vodka. Por un lado, por medio de una acción inter-activa en el fanpage de la marca, así como con la in-vitación a sesenta aficiona-dos de las artes, dentro de los que se puede mencio-nar a la animadora Veróni-ca Calabi, el arquitecto Albert Tidy y el chef Chris-topher Carpentier, quienes a través de pinturas, cintas, plumones y mucho color plasmaron su creatividad en la clásica Absolut Vodka, convirtiéndola en una botella única. “Me atrajo la libertad de poder hacer lo que quisiera con la botella y la opción de usar mis propios

materiales. Mi botella se basa en la moda de los años 80, como mi últi-ma exposición, donde mi objetivo fue crear una trama simétrica, con parches rescatados originalmente de los años ochenta y con colores flúor, dando una sensación de superficialidad y derroche”, comenta la diseñadora de vestuario Angélica Spoerer.

Los envases seleccionados, bajo la curatoría del artista Félix Lazo, serán parte de una exposición nómade que recorrerá distintas comu-nas de Santiago, como Las Condes, Vitacura, Providencia, Recoleta

y La Florida, convirtién-dose en una verdadera intervención urbana que será exhibida hasta el 10 de diciembre. La muestra además incluirá las más de 200 botellas seleccionadas de las personas que partici-

paron de la acción interactiva a través de la página de Facebook de Absolut Chile.

Más información de recorridos de la muestra en www.absolutunique.cl

L

aBSoLUT UNIQUEPor Equipo Arte al Límite.Fotografía cortesía de Absolut.

“La BoTELLa DE aBSoLUT VoDka ES UN íCoNo DEL DISEño QUE Ha SIDo INTERVENIDa PoR aRQUITECToS, aRTISTaS y DISEñaDoRES DESTaCaDoS EN EL MUNDo ENTERo, CoMo

WaRHoL, PoR Lo QUE CoNSIDERo UN HoNoR PaRTICIPaR”, SEñaLa aLBERT TIDy SoBRE La INVITaCIóN a INTERVENIR.

reportaje

•Imagen del camión con la muestra itinerante de Absolut.

22

MaRCELaCaRVajaL

Por Kristell Pfeifer, licenciada en artes visuales y periodista.Fotografía cortesía de la artista.

VOLVIENDO AL ORIGEN

E

EXPoSICIóN MaNoPoLISLUGaR: Corporación Cultural de las Codes

FECHa: Desde el 6 al 30 de diciembre

DIRECCIóN: apoquindo 6570, Las Condes

n la obra de Marcela Carvajal se da un interesante encuentro entre lo natural y artificial. Sus grabados, técnica símbolo de la

producción en serie y la masividad, han dado un giro en los últimos años hacia lo ecológico, usando técnicas, materiales y soportes reciclados y no tóxicos. “Quiero contribuir, desde mi oficio, con descontaminar nuestro planeta tan herido”, explica la artista.

La licenciada en arte de la Universidad de Chile con mención en grabado, ha estado siempre ligada a la naturaleza, tanto en sus temáticas como en el lugar donde vive y crea. Desde su primera exposición, Atreverte!, en 1985 hasta su última muestra en 2010, titulada “Vínculos de Identidad Urbana”, Marcela se ha especializado en las técnicas de punta seca, aguafuerte y aguatinta, usando

siempre matrices de cobre. Sus obras, que en el último tiempo han derivado en lo abstracto y en un mayor uso del

color, hablan sobre el origen de la naturaleza y su fusión con la ciudad. Al mismo

tiempo, ha dejado espacio para explorar el concepto del mandala,

lo que la ha llevado a trabajar en torno a la meditación y el

autoconocimiento.

Su próxima exposición, Manopolis, reflexiona acerca de las características y rasgos identitarios en los distintos grupos familiares que habitan la

ciudad. La muestra es una instalación que conjuga

el grabado y lo audiovisual, como dice la misma artista,

es una obra que “combina un trabajo plástico de terreno, con

una muestra estadística y una técnica milenaria para crear una obra múltiple y

participativa”. Manopolis se inaugura el 6 de diciembre en la Corporación Cultural de las Condes.

• “Árbol primaveral”, 2012, grabado 1/6 xilografía, diámetro 44 cm.

PERFILARTE

www.arteallimite.com/marcelacarvajal

24

Por Pedro Pablo Bustos Beltrán, historiador del arte.Fotografía cortesía de Yael Rosenblut y de los artistas.

reportaje

BaSaDo EN UNa HISToRIa REaL

s heterogénea pero hay puntos en común que arman los en-laces, principalmente a partir de los ejes formados por la trian-gulación entre cine, video arte y televisión, siendo el primero la

piedra angular, pero también a través de las propuestas temáticas de las obras, que se gesticulan unas a otras, desde lo irrepetible y exclusivo de los procesos creativos.

Procedimientos como el montaje, remake, making off, collage y la puesta en abismo, despliegan sus rendimientos. También lo hacen como argumentos, la crítica al poder y a la mirada occidental del otro, la deconstrucción de clichés y estereotipos mediáticos, los conflictos entre la psique y el mundo exterior, las citas a la historia del arte, a la cultura de masas y a géneros del cine.

Esta comunión, desde la diferencia, nos habla de un contexto com-partido tanto por artistas como por escritores, quienes en conjunto articulan al escolta necesario de la muestra, el libro, que más allá de los matices de su virtud o los acuerdos y desacuerdos que se pueda tener con su contenido, resulta recomendable como lectura, ya que en sus páginas, escritas por Juan Francisco Gárate, Alan Meller, Juan Puente, Yael Rosenblut, Carla Stellweg, Christian Viveros - Fauné y Florian Zeyfang, con traducciones de Kenneth Katz, Alan Meller e

Isabel de Sebastián, se intenta comprender, desde un conjunto de miradas internacionales, la situación actual del formato audiovisual, desde las artes visuales.

De él se extrae la siguiente cita, que propone uno de los sentidos posibles que la muestra articula en la suma de sus partes: “El cine es un arte perverso, según Slavoj Zizek, pues no nos entrega lo que deseamos, sino que nos dice cómo desear. Para el filósofo, nuestros deseos son artificiales, se nos enseña a desear, y el cine cumple una función principal en ese aprendizaje. Y es ese aprendizaje lo que estas obras desmontan y vuelven a ensamblar, desarticulando la ideología diseminada por el cine (y la televisión)”¹.

Es menester señalar la significación del espacio de exhibición y de qué manera esta muestra, de artistas en su mayoría extranjeros, dialoga con un lugar políticamente cargado (aunque ya es político por el sólo hecho de estar abierto al público), con raíz internacional, circunscrita al contexto histórico de la guerra fría y sus consecuencias en Chile.

La política en el arte ha sido el sello del museo, lo dice su historia. Así lo han hecho ver igualmente sus administraciones recientes, llevando a cabo la presente, tal como lo está haciendo su contraparte, “Galería

E • Julian Rosefeldt, “Lonely planet”, film de canales a color y de sonido filmada en super 35 mm. convertidas HD SR y transferida a BLUE RAY disco 16mm. 2006.

25

Gabriela Mistral”, una “política” de apertura a discursos y propuestas artísticas “diferentes”, que dialogan con el presente.

Pero, ¿frente a qué se marca una diferencia? Para responder en este breve relato, una reflexión mínima, de seguro insuficiente, sobre géne-ros artísticos, soportes, política e historia.

Por un lado tenemos que el flujo del video arte en Chile absorbió tem-poralmente al del cine debido al trauma histórico de la dictadura militar -que hizo de la actividad artística una forma de resistencia política-, para irrumpir además en la publicidad y la televisión, logrando en la franja del “NO” el clímax de la relación entre cine, video arte y tele-visión. Por otro lado tenemos en paralelo la iniciativa francesa de reali-zar el “Festival franco chileno de video arte”, proyectándose con otro apelativo una vez restaurada la democracia, hasta llegar al presente, siempre marcado por la épica de la lucha política del arte contra la dictadura militar, pese a renovaciones temáticas y al reconocimiento de nuevos contextos y problemáticas. Además, tenemos los ecos insti-tucionales de ambas trayectorias, proyectados en el tiempo, en los ám-bitos académicos (privado y público) y de política cultural del estado, por lo tanto el argumento de la muestra en cuestión, soportado por la intención artística de las obras que la componen, muestra y demuestra

no sólo un ordenamiento diferente, sino también otros caminos a se-guir, porque habla desde el presente y sobre todo desde otros lugares, que dejan sus ecos en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende.

Finalmente, es necesario mencionar que “Basado en una historia real”, se convierte en un sentido homenaje al artista irlandés Patrick Jolley, fallecido en el mes de enero del presente año, quien formó parte del círculo de amistades de quienes dan vida a esta muestra.

Notas

¹ Catálogo exposición “Basado en una historia real”. FONDART – MSSA – CON-

ARTE. 2012. Meller, Alan. “En busca de la cita perdida”. Pág. 12.

• Christoph Draeger, “Schizo”, VHS a DVD, 89 min, 2004. • Pat Mcelnea, “Living room”, un canal bucle de vídeo 14min. 2008.

EXPoSICIóNLUGaR: Museo de la Solidaridad Salvador allende

FECHa: 17 de octubre al 2 de diciembre de 2012

Curaduría de yael Rosenblut. Los artistas: Dana Bell, Christoph Draeger, Martin Ebner, Gabriel del Favero, Heidrun Holzfeind, Patrick jolley, Pat McElnea, Reynold Reynolds, julian Rosefeldt, oswaldo Ruiz.

reportaje

26

Fruto de un trabajo realizado durante cuatro veranos,

la muestra integra la manualidad, la experimentación

con el soporte y la utilización de textos, estrategias

que han nutrido su singular poética.

DES EL 30 DE NOVIEMBRE HASTA EL 12 DE ENEROGalería D21Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providenciawww.departamento21.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña.* Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Panoramas del mes

DESDE EL 13 DE DICIEMBREHASTA EL 31 DE ENEROSala de Arte CCU

“RELACIÓN DE ASPECTO” La ganadora de la Beca Arte CCU 2011, Alejandra Prieto nos presenta un objeto (28 piezas de carbón) cuya opacidad impide el reflejo, pero cuya forma nos sugiere plataformas.

Avenida Vitacura 2680www.ccu.cl

DESDE EL 4 DE DICIEMBRE HASTA EL 5 DE ENEROGalería Artespacio

“LÓBREGO”Así se titula la segunda exposición indi-vidual de Benjamín Ossa, muestra que da cuenta de una minuciosa observación y experimentación del artista con fenó-menos físicos como la luz, la refracción y el color; los cuales se han convertido en objeto de estudio central de su proceso creativo.

Alonso de Córdova 2.600 piso 1, Vitacurawww.artespacio.cl

DESDE EL 16 DE NOVIEMBREHASTA EL 15 DE DICIEMBREGaleria de Arte Chimkowe

“OPTIMISTA”GKO-Chile propondrá una presentación in situ de cuatro reconocidos artistas del street art a nivel mundial: Nebs Pereira (Chile), Pau Quintana (Alemania) junto a Nakai (EE.UU) y Panmela Castro (Brasil). Conjuntamente habrá una selección de obras de la colección de GKo- Chile.

Av. Grecia 8787, Peñalolenwww.penalolen.cl

• Nury González. "Exilios en el agua", 2012, registro fotográfico.

“SUEñO DE UNA NOCHE DE VERANO”

En esta muestra, la artista Nury González manifiesta sus preocupaciones por la

historia reciente, recapitulando sus distintas estrategias de intervención del tejido. De

este modo, nos presenta una delicada trama narrativa que

busca enredarse con el hilo de nuestra historia.

EXPOSICIONES

Santiago

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

DESDE EL 18 DE DICIEMBRE HASTA EL 7 DE ENEROGalería XS

“BLOC EN XS”Luego de tres años de vida, Taller BLOC exhibe fuera de sus dependencias parte de lo que ha sido y realizado a través del trabajo de quienes le han dado vida. Seis tutores y seis integrantes muestran sus obras, como Camila Barreto, Catalina Bauer, Tomas Rivas, Gerardo Pulido, Rodrigo Canala, entre otros.

Nueva Costanera 3723, 2º piso, Vitacurawww.xsgaleria.cl

DESDE EL 6 DE NOVIEMBRE HASTA EL 27 DE ENEROGalería de Artes Visuales, Matucana 100

RETROSPECTIVA JUAN PABLO LANGLOIS 1969-2012La exposición reúne alrededor de 100 obras del autor, desde dibujos, publicaciones y proyectos, hasta esculturas y videos. Esta muestra sella una de las principales producciones realizadas en nuestro contexto, exponiendo un relato visual de más de cinco décadas de uno de los más grandes referentes nacionales.

Av. Matucana 100, Estación Centralwww.m100.cl

DESDE EL 23 DE NOVIEMBRE HASTA EL 20 DE ENEROMAC Parque Forestal

“OCASO Y ENCUENTRO “Esta es la primera muestra individual de Hugo Marín en el MAC, donde exhibe piezas de sus célebres cabezas y torsos, óleos, un mural de grandes dimensiones, una serie de cerámicas y obras de sus recientes trabajos.

MAC Parque Forestalwww.mac.uchile.cl

DESDE EL 21 DE NOVIEMBRE HASTA EL 15 DE DICIEMBREGalería 64

IMAGINARIO COLECTIVOEste colectivo reúne a 16 exponentes representativos de la fotografía contemporánea nacional, como Andrés Figueroa, Luis Poirot, Tomás Munita, Cristóbal Traslaviña entre otros, quienes a través de sus obras responden a la pregunta ¿Qué foto representa tu imaginario colectivo?

Constitución 30 – 70, Patio Bellavistawww.g64.cl

paNoramaS del meS

www.facebook.com/arteall imite

paNoramaS del meS

En esta muestra Ignacio Gana expone sus últimas es-

culturas en bronce, todas ellas de mediano y gran for-

mato, además de algunos óleos en gran formato.

DESDE EL 27 DE NOVIEMBRE HASTA EL 5 DE ENERO Alonso de Córdova 2700www.galerialasala.cl

• Ignacio Gana. Detalle de “Clavadista L Detalle”, Bronce y Acero , 240 x 90 x 30 cm.

“AL AGUA PATO”GaLERía La SaLa

EXPOSICIONES

DESDE EL 30 DE NOVIEMBRE HASTA EL 9 DE DICIEMBRECentro Cultural Estación Mapocho

SANTIAGO MON AMOURExposición de esculturas-relato que descubren un día cualquiera del ciudadano de Santiago, sus rutinas, sueños y pesadillas.

Plaza de la cultura s/n, ex Estación de Treneswww.estacionmapocho.cl

DESDE EL 11 DE DICIEMBRE HASTA EL 19 DE ENERO Espacio Hall de la Municipalidad de Las Condes

“EMPASTE”El eje principal de la muestra de Daniela Ponce lo componen libros antiguos con cortes diagonales instalados en un muro, algunos con incisiones y otros iluminados desdel interior. Además exhibirá pinturas y fotografías resultado de las obras anteriores.

Av. Apoquindo 3400. Metro El Golfwww.lascondes.cl

Santiago

Todas las obras giran en torno a la conocida

expresión de tirarse a la piscina, “Al agua pato”.

El título es una invitación a vivir la vida desde otra

perspectiva, a lanzarse en búsqueda de los sueños y renacer a través del agua.

29

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña.* Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

La muestra reúne el trabajo de ocho artistas integran-

tes del taller de grabado dirigido por la artista María

José Pinto y realizado en el Centro Cultural Bosque Na-

tivo.

El objetivo de este espacio de encuentro se basa en

el manejo e investigación de métodos de traspaso de

imagen, con esto cada integrante, se encuentra con

múltiples posibilidades de materiales, potenciando la

búsqueda ilimitada de creación.

DESDE EL 6 HASTA EL 30 DE DICIEMBREAv. Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto Varaswww.galeriabosquenativo.cl

MUESTRa TaLLER DE GRaBaDoGaLERía DE aRTE BoSQUE NaTIVo

EXPOSICIONES

• xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

regiones

paNoramaS del meS

La muestra reúne una selección de pinturas y graba-

dos de connotados exponentes como Teresa Larraín,

Benjamín Lira, Hugo Marín, Javiera Moreira, Alexander

Sutulov y Ricardo Yrarrázaval

DESDE EL 18 DE DICIEMBRE HASTA EL 27 DE ENERO Caupolicán 321 Local 5, Concepciónwww.elcaballoverde.cl

CoLECTIVa “oBRaS RECIENTES”GaLERía DE aRTE EL CaBaLLo VERDE

30

Llamado en la colonia La Chimba, palabra quechua que significa “del otro lado”, aludiendo al Río Mapocho, el Barrio patronato nace como el primer campamento de los conquistadores con la llegada de pedro de Valdi-via. Inicia como espacio de chacras, instalándose recién en el siglo XVI algunos habitantes con la llegada de indios y mestizos. Tenía dos arterias principales, hoy llamadas Independencia y Recoleta. En el terreno exis-tían solo chacras y solares, donde caminos cortos eran usados para la conexión con las calles cardinales.

bARRIO PATROnATO1

Por Lucía Rey

Profesora de Artes Plásticas, Magíster en Teoría e Historia del Arte.

Fotografías Camila Duch M.

mundos paralelos condensados

través de los siglos, algunos de los antiguos caminos fueron

abiertos, uno que hoy podemos distinguir es la calle Dardig-

nac. Avanza en el siglo XIX la subdivisión de tierras con la

creación de las calles Buenos Aires, Dominica y Santa Filomena, Río

de Janeiro, Loreto, Antonia López de Bello y Manzano. En esos tiem-

pos, era visitado por la gente de la ciudad regularmente como el es-

pacio verde de Santiago. Pero ya a principios del siglo XX la ciudad se

expande, abarcando a la Chimba y transformándola en un sector ha-

bitacional, donde comienzan a cohabitar los ranchos habitacionales

precarios y los conventillos. El cambio de barrio residencial a barrio

comercial comienza a gestarse entre fines del siglo XIX e inicios del

XX, donde a la vez atrae a grupos de inmigrantes árabes que matiza-

rían la identidad del sector y posteriormente, hace unas tres décadas,

la llegada de los peruanos.

Aún quedan esbozos de patrimonio en Patronato en la arquitectura

de algunas residencias e iglesias. Existen cinco iglesias que aunque

muy cerca físicamente cohabitan en el más absoluto hermetismo,

entre las que destacan: Parroquia Católica Santa Filomena, Catedral

Ortodoxa San Jorge y la Iglesia Presbiteriana Coreana. Se mantiene

además en esta línea el Liceo Valentín Letelier de Santiago, fundado

en 1888 en el gobierno del Presidente José Manuel Balmaceda. Existe

también el Centro Cultural Recoleta Domínica, antigua iglesia y con-

vento construido en 1882. Su inspiración arquitectónica en base a cal

y ladrillo, responde a la Basílica de San Pablo en Roma y fue declarado

AMonumento Nacional en 1974. Forman parte de éste elementos de-

corativos de mármol, bronce y cristal, más un conjunto de pinturas.

Sin embargo, comienza a funcionar como Centro Patrimonial en el

año 2005, tanto para su conservación y restauración como para labo-

res administrativas, donde participan DIBAM, el Museo de Artes De-

corativas, el Museo Histórico Domínico y una Biblioteca Patrimonial.

Otro lugar histórico es el cité conocido como La Higuera, existente

desde 1906, que destacó por estar habitado inicialmente por chile-

nos y hoy ocupado por los hermanos peruanos.

La estética del barrio estaría dada por la estrechez espacial y la diver-

sidad social. La situación de la convivencia visual se presenta como el

hacinamiento de la imagen. Se critica al barrio por no poseer unidad

o flujo entre las culturas o historias, y eso posiblemente se debe a que

no hay espacio de respiro, hay una agotamiento del vacío y, por lo

tanto, una condensación hermética y estática de cada escenario en el

instinto de permanecer. La competencia frecuente genera asimismo

su identidad, tramada en una saturación visual.

Así, exhibe Patronato una estética pluriforme compleja, que

llama a la experiencia urbana de su recorrido. Aunque en la

semana hay un intenso flujo de personas, es interesante vi-

sitarlo un sábado por la tarde cuando no hay tanto sol, las

tiendas comerciales están cerradas y sólo vemos a los resi-

dentes haciendo vida en la calle.

BarrIoVISIóN

¹ Llamado así probablemente en memoria del Patronato de Santa Filomena donde se realizaban labores de caridad e impulsaban construcciones de viviendas sociales para los traba-jadores a fines del siglo XIX. Es así como la Calle Vásquez pasó a llamarse Patronato.

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32

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Su acercamiento con la pintura ocurre en 1996, cuando recién

casada dejó Chile y se fue a vivir a Brasil, sin nunca antes haber

imaginado que su gran pasión sería el arte. Sin visa de trabajo para

desempeñarse como relacionadora pública, su profesión, y sin

hablar portugués, tomó sus primeras clases de pintura en busca

de nuevas oportunidades. “Me sedujo el arte como una alternativa

de poder hacer algo en un país nuevo y diferente. Aprender a

ocupar mi tiempo en algo que valiera la pena, ya que no podía

trabajar”, comenta la artista visual. Desde el inicio se encantó con

el óleo, técnica que ocupa hasta el día de hoy y su tema principal

son las casas; de ahí la geometría y el color presente en sus obras.

“Mi inspiración nace de las favelas colgando de los cerros de Brasil

y de las casas de Valparaíso, mezclando las diferentes culturas. En

mis telas fluye un paisaje de desorden y armonía provocando un

efecto de libertad”, explica. Los trazos libres y espontáneos llenos

de color definen la obra de esta artista, fuertemente influenciada

por sus maestros brasileños. Hoy, dieciséis años después y de

vuelta en Chile, su obra forma parte de la recién inaugurada

Galería Formato en Barrio Italia.

• Detalle de“Favelas de Color”, 2012 , óleo sobre tela, 100 x 200 cm.

SolEdAd REyES

Por Paula Cárdenas Matzner, periodista y diplomada en gestión cultural.

EL CoLoR DE BRaSIL

www.arteallimite.com/soledadreyes

PERFILARTE

EXPoSICIóN “De lo Existente a lo ausente II”LUGaR: Galería art Labbé

DIRECCIóN: alonso de Córdova 4208-B, Vitacura

FECHa: hasta el 11 de diciembre

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Rejuvenecimiento Facial

Botox ® y Ácido Hialurónico

Reducción de Grasa Localizada

Modelación corporal, Flacidez y Celulitis

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Marcela Yaconi se define como autodidacta. La artista ha logrado

llevar el rol del papel mucho más allá de un simple soporte, dándose

la oportunidad de crear e inventar libremente, experimentar con

diversos materiales y múltiples técnicas y utilizar herramientas de

todo tipo, las cuales no siempre terminan siendo usadas con el fin

para el que fueron creadas. “No es algo premeditado, es mi manera

de trabajar y crear”, asegura.

Su taller es un ‘ordenado caos’. “Cualquier cosa que llame mi atención,

por chica o insignificante que parezca, pasa a formar parte de mi taller

para poder ser usado cuando encuentre su lugar. Nunca sé dónde

voy a encontrar algo, de hecho, creo que las cosas me encuentran a

mí”, explica. Desde niña supo que lo suyo era el arte, específicamente

la pintura, pero le hacía falta un elemento que acompañara su

trabajo, un soporte adecuado: “Llegué a hacer papel para ocuparlo

en acuarelas, pero hacer el papel desde la fibra, fue más fuerte”.

Sobre el futuro, cuenta que, por ahora, está viendo qué nuevo trabajo

va a aparecer: “Después de exponer, cierro un poco el capítulo de lo

que estaba haciendo y me abro a que pueda venir algo nuevo”. Su

obra se puede encontrar en su sitio web www.marcelayaconi.cl y en

la Galería AMS Marlborough.

• Detalle de serie “Volantines”, papel de seda, 50 x 68 cm.

•Detalle de serie “Volantines”, papel de seda, 50 x 68 cm.

MARCElA yACoNI

Por Isabel Agurto R., periodista.

La LIBERTaD DE INVENTaR

www.arteallimite.com/marcelayaconi

PERFILARTE

Artfacts Data Series_#99_Data generated: 7.10.2012

The artist most shown at Biennials from 2010 to 2012, worldwide:Barthélémy Toguo

The Artfacts.Net Artist Ranking is the leading research tool used by art professionals to track artist careers and analyse trends in the art market.

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FERNaNDa SaLDIVIa

Por Yuriko Takahashi, periodista y Paulina Sepúlveda, Licenciada en ArtesFotografía cortesía de la artista.

eNtreVISta

pesar de estudiar diseño, siempre tuvo la plena certe-za de que lo suyo era hacer y, a través de la mate-ria, generar una unión con nuestro ser interior, para

detenerse y mirar, descubriendo incluso elementos ocultos. Pasaron varios años, una Licenciatura en Estética, clases de Pintura en Barcelona, varios talleres y más, hasta que comen-zó a creerse el cuento, decidiendo hacer lo que le llenaba el alma.

En su obra, explora su propia realidad buscando transformar lo cotidiano, creando opuestos, o más bien anulando obje-tos y cuestionando su verdadera utilidad. Nuestros sentidos están saturados, debido a que vivimos en una sociedad ba-sada en el estímulo, por lo que Fernanda apela al instante, colocando especial énfasis en los títulos. “Me gusta que sea la premisa para leer el cuento”, explica. Para ella, si logra que alguien se detenga a observar, se siente agradecida con esa sola mirada, pero si además logra empatía, qué mejor.

Sus técnicas más usadas son el grabado, collage-acrílico y últi-mamente, la cerámica gres. Ésta la elabora en el Taller Pehu-mayén y, al igual que el grabado, tiene un especial significado para la artista, donde ese factor sorpresa que se da en el re-sultado, le da un carácter mágico. La escultura nunca aparece sola, antes de ésta hubo un grabado o acrílico, es decir, es el resultado de una situación pre-concebida llevada al volumen. La idea de Fernanda es sacar sus grabados a un espacio real, tocarlos y que los esmaltes sean tan saturados como el color de las tintas: “Me gusta la unión de opuestos, lo absurdo, y creo que esta dialéctica adopta mucho más fuerza en la es-

A

•Fernanda Saldivia en su taller.

DESDE PEQUEña ESTUVo VINCULaDa aL aRTE, CoN La LECTURa y La

aDMIRaCIóN PoR aLGUNoS EXPoNENTES DE La HISToRIa DEL

aRTE, CoMo RENé MaGRITTE

La dialéctica de los opuestos

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cultura. Un horno que a la vez es un dormitorio y es inundado por agua, una mesa de comedor de la cual surgen árboles y se convierte en jardín, un sillón que a la vez es W.C., un animal gigante como el elefante contenido dentro de un closet... “

Desde que conoció el grabado verde, técnica de grabado ecológica, su atención se ha centrado en él. Esto, gracias a la infinidad de posibilidades que tiene y la facilidad con que se logran las texturas, además de la cantidad de soportes en que puede ser utilizado. “Es realmente atractivo”, cuenta la artista. Desde hace un año que utiliza papeles murales adhe-ridos al grabado, lo que produce que cada obra sea única. A pesar de provenir de una misma matriz le imprime un carácter diferente.

Hay elementos que se repiten constantemente en su obra, pero es por épocas. Hay árboles que son crecimiento y vida, tinas que representan la contención y el útero, los chanchos

la sensualidad y el hedonismo, los gatos con cola de pavo real la vanidad y la visión aguda. En estos momentos está con las vaca-mujer, que para ella son maternidad y productividad. Y donde los colores otorgan sentido a lo que quiere represen-tar, son luz y emoción lo que fluye a través de ellos. Su vi-bración transfigura la forma. Por eso, busca el color intenso, saturado, contrastado para que esta vibración sea más alta y capture más luz.

Hace poco participó de un proyecto curado por Isabel Viviani llamado “Eppour si Muove” (A pesar de todo se mueve), donde quince artistas fueron convocados para explorar el movimien-to continuo propuesto por Galileo Galilei y plasmarlo en cada obra. Y para el próximo año está desarrollando el proyecto “Encabezados”, donde grandes cabezas de animales en gres están trabajadas con elementos que las transforman y ponen en jaque su identidad. Esto irá acompañado del grabado verde respectivo, como un retrato antiguo que dejó este alter-ego.

• “Mi Equilibrio Espiritual”, papel mural y acrílico sobre tela, 80 x 120 cm.

eNtreVISta

www.arteallimite.com/fernandasaldivia

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PERFILARTE

BERNARdITA GARIB

Por Soledad Acuña, periodista

“EL SILENCIo DEL RUIDo”

• Detalle de “De la Calle”, técnica mixta sobre tela, 140 x 100 cm.

Así define la pintora Bernardita Garib aquello que más le llama la atención de la ciudad. La artista busca captar en su obra esa ciudad ruidosa, llena de sonidos diversos contaminantes, que se transforman en una especie de masa homogénea y se torna invisible para nuestros ojos y oídos.

Su afición por la pintura viene desde muy niña y a pesar de haber estudiado ciencias políticas, decidió dedicarse profesionalmente al arte y perfeccionarse en talleres. Destaca el haber tenido la posibilidad de estudiar con Bororo, de quien aprendió el gusto por la abstracción y la mancha, protagonistas de un proceso de creación inconsciente: “Nunca enfrento la tela con una idea preestablecida porque siento que eso me limita. Con la abstracción, es interesante lo que pasa con el espectador, cada cual ve lo que su ojo quiere ver. La tela te da información que finalmente tú debes procesar”.

www.arteallimite.com/bernarditagarib

De Eduardo Vilches aprende el papel que el color juega en la obra. Acer-cándose al expresionismo abstracto, el contraste de tonos fuertes está presente en muchos de sus cuadros. “El color es el motor de mi expresión” explica, así como también lo es el experimentar con técnicas diversas.

Actualmente trabaja mezclando fotografía y pintura. “Decidí darle un respiro a mi trabajo y comenzar a investigar cosas nuevas. Llegó a mis manos la máquina de foto y he estado muy metida en eso, intentando realizar una mezcla entre el lenguaje abstracto de la pintura y algo más gráfico que es el aporte del traspaso de imágenes sacadas por mí”.

Feria de cerámica GresFecha: hasta el 16 de diciembreLugar: Corporación Cultural de Las CondesEntrada liberadaproduce: duranceramista@hotmail.com

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Loreto Foeldes vive una pasión devoradora. Todo comenzó en Roma. ¿Dónde más? ¿Dónde más puede el artista hacer su fiebre existir que en la ciudad del amor esquivo? Su ardor es inextinguible como la sus-tancia que descubre. Es el vidrio. ¡Este es el culpable y a la vez su salva-dor! Sin desbordante curiosidad, Foeldes podría haber perdido la aven-tura de su vida. Lo que empieza en la esquina del taller de un artesano en una calle estrecha de la ciudad eterna comenzó a ser sus pulmones de su sangre. Foeldes aceptará todos los obstáculos en esta creación tan sublime y laboriosa que representa el proceso de la fundición de vidrio. Ella corre a su pasión y nunca terminará de inventar, de fundir, de innovar. En resumen: de fusionar. ¡La alquimia funciona!

Copas vertiginosas, únicas y raras como la naturaleza es lo que se en-cuentra en sus obras. Cualquier oscuridad chispea. Toda la dominación de colores deslumbrantes parpadea. Sus piezas parecen olas que se ex-tienden en el agua en lugar de vidrio. Foeldes busca la vida y cuando la encuentra, se va a explorar otros lugares.

Con su vigor logra alterar, fusionar este material duro, frágil, transpa-rente. Así es que este vidrio fundido en las manos de Foeldes se embar-ca en lo más profundo de nuestra alma. La base de cada una de estas obras es un arma de hierro que se convierte en conjuntos de los cuatro elementos: tierra, agua, aire, fuego. Estos principios constitutivos son los órganos de la pasión de Foeldes y es así como se convierten en fuer-zas naturales que despiertan dentro de nosotros mismos, en nuestros océanos, como algo salido del abismo. Así nace la visión de Foeldes.

Entre el cielo y la tierra, Loreto Foeldes, ¡Oh, cuán admirable nereida, ninfa del mar Mediterráneo, personifica el movimiento de las olas de nuestro ser.

La pintura de Evelyn Richter reflejan su mundo interior, un mundo que vibra con el color, un mundo espontáneo, un mun-do que busca constantemente la esencia de todas las cosas. Así es como esta artista crea, inspirándose en todo lo que la rodea, “especialmente en aquello que para mí es luminoso”, cuenta.

Evelyn se define como una persona espontánea y emocional. Características que la determinan y que hace que se enfrente a la tela desde esas emociones, con una pasión que la lleva a crear desde lo que ella considera un espacio misterioso, una “explosión creativa” que nace desde su interior y que la lleva a plasmar su inconsciente en la tela.

Fascinada desde siempre por el color y los sueños o estados de ensoñación, en sus obras retoma cíclicamente sus temáticas. Así es como hoy pinta inspirada en los ángeles y en los esta-dos espirituales y emotivos que vive día a día. Es que como la artista nos cuenta, “yo he pintado toda mi vida… El color es vida para mí”.

• Detalle de “Crepúsculo”, pieza única, tonos azules, soporte metal, 24 x 65 x 24 cm.

• Detalle de "Mineros", 2011, acrílico sobre tela, 250 x 180 cm.

loRETo foEldES

Por Gabriela Muñoz, artista visual.

HaS CoNoCIDo La aDMIRaBLE NEREIDa? yo SI

La ENSoñaCIóN DEL CoLoR

PERFILARTE

www.arteallimite.com/loretofoeldes

www.arteallimite.com/evelynrichter

EvElyN RIChTER

Por Alejandra Torres, periodista

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s complejo ubicarla en una disciplina. No es pintura, no es es-cultura y en el Salón Nacional de Artes Visuales de Buenos Aires fue aceptada en el rubro textil, una ubicación que la

halaga. Su madre fue modista y trabajó diseñando vestidos con la misma herramienta que ella encontró para realizar su obra. Se trata del “alfiler”, una palabra árabe que alude a la astilla punzante que se entremete entre dos tejidos para sujetarlos. Milagro parte de un boceto que copia al revés, en el revés de la tela. Trabaja desde atrás hacia adelante y en espejo, como ciertas estructuras musicales, pin-chando y atravesando. Pueden ser formas abstractas o palabras que hieren, no sólo por aludir a un componente político, sino porque alcanzan un matiz social desde la diversidad cultural. Cuando el alfiler pasa al otro lado, lo que se ve tiene que ver con las ideas: si te atraviesan, salen en todas direcciones. Las obras pertenecen a una serie llamada Cicatrices, ya que Milagro debe trabajar con las manos protegidas para no herirse.

“La investigación con el material me llevó a trabajar con palabras y textos. Así encontré que determinadas frases pronunciadas por el General Pinochet durante la dictadura son… ¡locas!, como cuando en una entrevista le preguntaron por los desaparecidos y él con-testó: Dos mil no es nada”, cuenta la artista.

¿La decisión de trabajar sobre frases que aluden a los derechos humanos partió de una motivación biográfica?“Sí. Nosotros vivimos en Argentina, no porque mi padre fuera un exiliado político, sino porque sufrió las consecuencias de su militancia sindical. En Chile lo despidieron de su trabajo. Cuando tuvo que salir al destierro tenía dos opciones: Australia o Argentina. Eligió Buenos Aires por ser un lugar cercano donde tenía amigos y además pensábamos que la dictadura no iba a durar más de dos años. En Buenos Aires nos dedicamos como familia a militar contra la dictadura chilena. Por eso mis textos tienen que ver con la memoria. Nosotros veníamos del toque de queda que no sólo era irte a tu casa desde donde estuvieras, sino que debías apagar las luces y permanecer en silencio absoluto. El toque de queda era total, parecía que hasta los perros acataban la orden de hacer como si no existieran. Era la nada, el vacío. Pero durante el día el pueblo tenía fuerzas y salía a protes-tar masivamente, aun sabiendo que sería reprimido o asesinado”.

Las dictaduras en nuestros países se caracterizaron por el uso in-tensivo de la violencia y las puntas del material que Milagro utiliza lo recuerdan permanentemente. El elemento invoca la herida, su punta la agresividad. “Por su alusión a una época reciente, a veces

MILaGRoToRREBLaNCaPor Julio Sapollnik, crítico (Argentina).Fotografía cortesía de la artista.

eNtreVISta

E

• “La lágrima de Eros”, 2012, alfileres sobre tela, 120 x 120 cm.

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la obra pincha mal a las personas y se ponen agresivas ante ella. Me ocurrió en la inauguración del Salón Nacional de Artes Visuales de Buenos Aires, donde un señor comenzó a gritar por no estar de acuerdo con su contenido. La institución tuvo que ponerle custodia a la obra. Mis trabajos invitan a la reflexión y a veces son irritantes, cosa que me gusta, ya que ese es un buen lugar para la discusión y el análisis de lo que somos o de lo que fuimos. La obra en la que está escrito la palabra “SUDACA” despertó respuestas muy diferentes entre sí: para algunos fue hiriente, otros se ofendieron y la opinión más polémica la pronunció una curadora de arte contemporáneo de Buenos Aires, cuando dijo que al poner la palabra en el contexto de obra de arte la estaba elevando a objeto de adoración, por lo que se podría interpretar que yo estoy de acuerdo con su contenido y podrían acusarme de discriminación."

¿Qué experiencia te dejó Ch.ACO?Este es el tercer año que asisto y es muy interesante por la gran cantidad de público que lleva y el intercambio con otros artistas. Estoy muy contenta de su receptividad.

¿Cómo descubriste la incidencia del color sobre los alfileres? “Un día quise salir del fondo blanco en el que trabajaba, pero no de

la pureza de su significado. Entonces me di cuenta de que el alfiler toma el color de base en el que trabajas; el acero por su reflejo toma el color de lo que está cercano. Detrás de cada obra hay un proceso de pensamiento. El momento de crearla implica estar en soledad y tener temple para sobrellevar los recuerdos que te atraviesan. A esta obra ni siquiera podés ponerle la firma, todo está de más, todo sobra”.

En los últimos trabajos Milagro arribó a una esencia, encontró abs-tracciones donde se percibe un punto de trama, de red. La sombra se vuelve protagonista a través de un claroscuro difícil de alcanzar desde el acero y al acercarnos la brisa dejada por nuestro cuerpo mece al material. La obra alcanza así una síntesis que anima a las personas a expresarse, da permiso para crear. Contagia el deseo de intercambiar susurros junto a ella. La calidad de la presentación deriva en un objeto bello que deja pensar, transformando la raíz es-tética de la obra en un concepto ético nacido de la realidad de la historia latinoamericana contemporánea.

“a MI oBRa No PoDéS PoNERLE La FIRMa, ToDo SoBRa, ToDo ESTá DEMáS”

eNtreVISta

• “Cicatrices” , 2011, alfileres sobre tela, 40 x 70cm.

SEBASTIÁN UTRERAS

Por Sara España, periodista

EL ojo DE La VIDa CoTIDIaNa

PERFILARTE

• “Sin título, 2011, captura digital impresa en papel de algodón, montada en paspartú y materiales libre de ácido, 60 x 40 cm.

Sebastián Utreras (Santiago de Chile, 1981) es un fotógrafo que camina y observa. Sin grandes aparatos ni grandes pretensiones. Le gustan los proyectos “nada novedosos” a los que “siempre se les pue-de dar una vuelta”. Siempre en blanco y negro. Utreras es un creador que va armado por la calle con una cámara compacta, “silenciosa y liviana”, como él mismo explica. Así puede disparar por sorpresa. Así capta momentos únicos de la vida cotidiana. Lo importante, dice, es la mirada del que mira. Ya sea una cámara réflex o un iPhone, la clave está en el ojo detrás del objetivo. El suyo debe estar bien educado.

A los 18 años inició sus estudios de fotografía en el Instituto Profesio-nal de Artes y Comunicación (ARCOS) y en 2005 recibió una beca de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI) para el taller de Fotoperiodismo que impartió Susan Meiselas en Buenos Aires. El Big Bang de su carrera estalló años antes en una charla de Luis Poirot a la que un adolescente Sebastián Utreras asistió cuando aún cursaba la enseñanza media. El reputado fotógrafo chileno se despidió diciendo: “(…) y todo esto (apuntando a las cámaras) no sirve de ninguna mierda si no hacen la foto acá primero (apuntando a su cabeza)”. Esa instantánea marcó el resto de su vida profesional. Hasta hoy.

Trabaja para la Revista Paula, expone en la Galería 64, publica en Arte al Límite y va en busca de un lenguaje propio. Pero todavía le quedan, según dice, años de “caminar y observar” para conseguirlo.

www.arteallimite.com/sebastianutreras

CECIlIA flATTEN

Por Pilar Figueroa, periodista.

ESCaNDINaVa EN LaPISLáZULI

• Detalle de “Voces del Ártico III”, 2012, óleo sobre tela, pigmento de lapizlázuli, 70 x 120 cm.

Siempre conectada con sus antepasados noruegos, Cecilia Flaten desarrolla una obra pictórica en la que plasma los paisajes y sueños que habitan en su sangre, rescatando, además, las energías ocultas del pigmento de lapislázuli. Hoy su obra se puede visitar en la sala Art Galleries Europe de París.

Cecilia Flaten ha dedicado toda su vida a crear y vivir en plenitud. Su primer amor fue la danza, aunque siempre tuvo lugar para incursionar en el teatro –donde llegó a trabajar con la Compañía Ictus–, la literatura y la plástica. La pintura se convirtió en su prioridad cuando ya contaba con cuarenta años, y siempre se inspiró en la cultura escandinava, legado noruego de su padre.

Hoy define su estilo como neo-impresionista y con un guiño contemporáneo. “Esta etapa, que se inicia alrededor del año 2000, se caracteriza por una ‘man-cha a la prima’, con un brush que me es muy propio. Además, utilizo pigmento de Lapislázuli, que es el oro azul de nuestro país”. Cuenta que el Lapislázuli le entrega una energía especial para crear, ya que “desbloquea las energías de los chakras, siendo especialmente útil para abrir el tercer ojo y desarrollar nues-tra intuición”. En la práctica, Cecilia mezcla el pigmento con óleos de tonos azules, verdes y ocres, provocando un efecto tal, que las luces y sobras de las obras cambian dependiendo de la hora del día.

Cecilia acaba de volver de París, donde exhibe en una sala del Art Galleries Eu-rope, “Voix de L’Artique” -Voces del Ártico-, muestra inspirada en el viaje que emprendió en 2011 a las tierras de sus ancestros, más allá del Círculo Polar Ártico. La muestra continuará en Londres, a partir de febrero próximo. Y su intensión es clara: “Yo invito al espectador a viajar a través de mis obras y que éste encuentre en ellas, y entre mis luces y sombras, algún sueño perdido”.www.arteallimite.com/ceciliaflatten

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PERFILARTE

Desde su niñez, Muriel Gallardo tuvo una relación muy cercana al arte. Siempre dibujó y asistió a exposiciones, por lo que elegir Artes Visuales como carrera profesional era la decisión obvia. Ya lleva siete años como artista consolidada, recorriendo diferentes estilos y técnicas.

“No sé si podría hablar de estilos en mi trabajo, más bien de técnicas y tendencias. Comencé con la pintura y el dibujo figurativo a partir de fotografías, y ahora es un híbrido” comenta la artista sobre su forma particular de crear. A través de la investigación ha madurado su camino, donde busca generar conexiones entre la naturaleza y el cuerpo.

En este último tiempo Muriel se ha enfocado en la utilización del cuero como soporte: “Es un material que se acerca a la piel y al mismo tiempo al intervenirlo, se transforma, provocando una tensión que me interesa abordar,” enfatiza. Todo el material orgánico es parte importante de la obra de Gallardo, ya que lo considera un uniforme infinito para investigar y su máxima fuente de inspiración.

Por el mismo lado, destaca el uso de lo monocromático con lo que la obra se enfoca en la materialidad, la forma y el concepto, sin distracciones.

Siendo siempre la naturaleza su principal inspiración, Muriel se proyecta en terminar su Magíster en la Universidad de Chile para seguir ahondando en su trabajo como artista visual.

• “Ciervo”, cuerina beige sobre cuerina blanca, dibujo con corte láser, 70 x 50 cm.

MURIEl GAllARdo

Por Valentina Acuña, periodista.

EN Lo oRGáNICo y SIN DISTRaCCIoNES

www.arteallimite.com/murielgallardo

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FerIaS mIamI

MIaMI SE EMPaPa DE aRTE EN DICIEMBRE

iciembre es el mes con mayor movimiento en cuanto a ferias de arte se refiere, siendo Miami uno de los escenarios que aloja algunas de las más importantes.

Hace más de 10 años que esta ciudad del sureste de Esta-dos Unidos se inunda de arte durante el último mes del año, convirtiéndose en punto de reunión de artistas de las más diversas disciplinas, galeristas, gestores culturales, críticos, curadores y coleccionistas que llegan de todos los rincones del mundo, incluyendo Chile.

La historia comenzó antes incluso, cuando hace unos 20 años, un grupo de inteligentes inversionistas de Nueva York detectaron que Miami reunía al menos tres cualidades úni-cas para desarrollar un mercado de arte importante: prime-

ro, un clima espectacular en el invierno del hemisferio norte, al que cualquiera que vive en una ciudad fría quiere huir; segundo, una posición geográfica privilegiada, cerca de Eu-ropa y de los enclaves de riqueza de la costa este de los Esta-dos Unidos, así como un nodo de conexión natural para toda América Latina, y tercero, un mercado de bienes raíces muy dinámico. La apuesta ha pegado con tubo.

Nadie que se considere parte de la escena cultural mundial, puede restarse de alguna de estas ferias. Es por esto que Arte al Límite estará presente en varias de ellas, como Art Basel, Nada y Art Miami, dando a conocer el trabajo de los creadores que han sido publi-cados en estas páginas dedicadas a la cultura; tanto de la revista como del periódico.

D

Por Yuriko Takahashi, periodista y Paulina Sepúlveda, licenciada en ArtesFotografías cortesía de Scope, www.miamibeach.artbasel.com, Lluís Barba, Salustiano y Ángela Lergo.

• Salustiano “Bus stop in the rain” (MarÍa con Coca Cola), pigmentos naturales y recina acrÍlica en lienzo, 202 x 154 cm.

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FerIaS mIamI

• Hugh Hayden, “American Hero #2” *VH1+SCOPE You Oughta Know artist. Scope.

El inmenso crecimiento que se suscitó en los últimos años en el mercado de Miami, un fenómeno que se ha instalado de forma repartida entre el Wynwood Art District, el Design District y la zona de Miami Beach ha generado un exceso de oferta, lo cual sólo por el hecho de la vieja ley de negociación, produce la consabida declinación del producto a mercadear.

De la colosal acumulación de ferias – imposible de conocerlas todas al mismo tiempo en la misma semana- las más intere-santes, por su contemporaneidad electrizante son:

Art Basel, Miami (6 al 9 de diciembre) es la feria más pres-tigiosa en América, donde participan más de 260 galerías desde Norteamérica, Europa, Latinoamérica, Asia y África, enseñando obras de más de dos mil artistas del siglo XX y XXI.

Las galerías expositoras se encuentran entre los art dealers más respetados del mundo, ofreciendo excepcionales piezas de artistas reconocidos y de la nueva generación. Además, hay secciones especiales para galerías jóvenes, performances, proyectos de arte público y videoarte. El espectáculo será un gran evento para los amantes del arte, lo que también les permitirá descubrir a los nuevos exponentes del arte contem-poráneo.

Simultáneamente, se llevará a cabo Scope (4 al 9 de diciembre), la cual este año se traslada nuevamente a Miami, a la puerta de en-trada del distrito de las artes. Con nueva ubicación y en un monu-mental pabellón, albergará una selección de 20 galerías junto con 85 expositores internacionales. Ésta será una de las más impor-tantes plataformas de lanzamiento del arte contemporáneo.

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• Lluís Barba, The Studio of the Painter, Pierre Subleyras, edición de 6, C-tipo de impresión, plexiglás montada, 187 x 181,1 cm. Galería Sicart / Context Art Miami, stand D2.

FerIaS mIamI

Por su parte Art Miami (4 al 9 de diciembre), con una rica historia, es una de las primeras ferias de arte contemporáneo, y aún con el paso de los años, sigue recibiendo elogios por la variedad de arte que ofrece. Dentro de esta feria encontraremos al artista Salustiano, quien, como viene haciendo en los últimos años, expondrá en ella; esta vez lo hace de la mano de la Galería Kavachnina Contemporary (stand D59), y con quien mostrará algunas obras de su última colec-ción “Black Collection”. Bajo el título “Bus Stop in the

Rain”, donde el artista nos muestra una serie de per-sonajes que, aun bajo una apariencia de amabil idad, nos sumergen en atmósferas desconcertantes.

Otra feria que podremos encontrar es Nada (5 al 9 de diciembre), inaugurada el 2002, es una colectiva de profesionales que trabajan con el arte contemporáneo y cuya misión es crear un flujo abierto de información, apoyo y colaboración, desarrollando un mayor sentido de comunidad. Así como Red Dot (5 al 9 de diciem-

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• Carlos Cruz-Diez, color aditivo ramblas 1963-2011, Tournabuoni.Art Basel.

FerIaS mIamI

bre), feria altamente exitosa que este año tiene una sección denominada “Solo Projects”, en la cual exhi-birá pequeños stands que albergarán proyectos de ar-tistas individuales.

Por su parte, Pulse (6 al 9 de diciembre), en su 8ª edición consagrada al arte internacional, tendrá un área dedicada a los proyectos, para que la audiencia se involucre en ellos y donde se podrán encontrar grandes esculturas, instala-ciones, videos y performances. De esta forma, continuarán

con la misión de vincular las principales galerías de arte contemporáneo y artistas internacionales con las institu-ciones culturales.

Y por último, pero no menos importante, se desar-rolla Art Asia (5 al 9 de diciembre), un escaparate de galerías muy selectas de todo el mundo y que por prim-era vez en sus cinco años de historia, presentará una sección especial dedicada al arte contemporáneo del continente asiático.

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Art baselLugar: Miami Beach Convention Center, Convention Center Drive,300 West 41st Street #214, Miami Beach, FL 33140Fecha: 6 al 9 de diciembrePágina web: www.miamibeach.artbasel.com

scopeLugar: SCOPE Miami Pavilion, 110 N.E. 36 St. Miami, Florida 33138Fecha: 4 al 9 de diciembrePágina web: www.scope-art.com

Art miamiLugar: Midtown Miami – Wynwood, 3101NE 1st Avenue. Miami, FL 33137Fecha: 5 al 9 de diciembrePágina web: www.art-miami.com

Red DotLugar: Wynwood Art District 3011 NE 1st Avenue al NE 31 st Street, Miami, FL 33137Fecha: 4 al 9 de diciembrePágina web: www.reddotfair.com

nadaLugar: The Deauville Beach Resort, 6701 Collins Ave. Miami Beach, FL 33141Fecha: 5 al 9 de diciembrePágina web: www.newartdealers.org

PulseLugar: The Ice Palace, 1400 North Miami Avenue, MiamiFecha: 6 al 9 de diciembrePágina web: www.pulse-art.com

Art AsiaLugar: 110 N.E. 36St. at Midtown Blvd. Miami, FLFecha: 5 al 9 de diciembrePágina web: www.artasiafair.com

Salustiano / Ángela LergoLugar: Art Miami / Context ArtGalería Cavachnina Contemporary, bouth d59 Context Pavilion Fecha: 5 al 9 diciembre 2012.

• Paulo Grassino, Travasi Sculpture, 2008, Eduardo Secci Contemporary. Scope.

• Ángela Lergo, “Incluso en las horas más oscuras”.Art Miami.

FerIaS mIamI

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