PINTURAS MÁS FAMOSAS DEL

MUNDO 3

Perteneciente a Francisco Víquez

EL HIJO DEL HOMBREANÁLISIS TÉCNICO Nombre: El hijo del hombre Autor: René Magritte Fecha: 1964 Técnica: Oleo sobre lienzo. Estilo: Surrealismo Tamaño: 116 cm x 89 cm Ubicación: Colección privada..

ANÁLISIS HISTÓRICO Es su obra más conocida. Magritte fue un pintor surrealista belga conocido

por sus ingeniosas y provocativas imágenes. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate. Su surrealismo también llamado “realismo mágico” retrata las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que estos denotan.

Esta obra ha sido parodiada múltiples veces.

SIMBOLISMO

La manzana significa la tentación creacionista. El hombre y el que su rostro esté oculto significa los prejuicios que nos hacemos de las personas antes de conocerlas.

LECCIÓN DE ANATOMÍAANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp Autor: Rembrandt Fecha: 1632 Técnica: Oleo sobre lienzo. Estilo: Barroco Tamaño: 169,5 x 216, 5 cm Ubicación: Museo Mauritshuis, Holanda.

ANÁLISIS HISTÓRICO Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt de

apenas 26 años de edad encargado por el gremio de médicos holandeses.

Muestra una lección de anatomía impartida por el doctor NicolaesTulp explicando la musculatura del brazo. El cadaver pertenece al criminal Aris Kindt.

La obra muestra una disección pública que era todo un acontecimiento en la época. Sólo se permitía una al año y de un criminal ejecutado en invierno para su mejor conservación. Por lo cual la gente pagaba y se realizaba en un teatro como todo un espectáculo.

El movimiento lineal de la obra centra la atención en el cadaver y la disección. Rembrandt a pesar de su juventud, hace uso magistralmente del claroscuro para atraer la atención y sacar 3 planos en el cuadro que le dan tridimensionalidad.

SIMBOLISMO

A pesar de que el tema principal era retratar a la élite de médicos holandeses de la época, Rembrandt escoge la lección que presenta el “movimiento” de la mano ya que por entonces, el tema era el movimiento del alma expuesto por Descartes radicado entonces en Holanda, el movimiento de los planetas expuesto por Galileo en Italia y también el movimiento del cuerpo.

LAS 3 GRACIASANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Las 3 gracias Autor: Peter Paul Rubens Fecha: 1636-1639 Técnica: Oleo sobre tabla Estilo: Barroco Tamaño: 221 x 181 cm. Ubicación: Museo del Prado, España.

ANÁLISIS HISTÓRICO El cuadro muestra las 3 hijas de Zeus que

simbolizan el amor, la fertilidad y la sexualidad. No fue un encargo sino una empresa personal de

Rubens por lo que nos expresa el estado de ánimo del pintor, principalmente después de su segundo matrimonio. Se cree que uno de los rostros es el de su segunda esposa (izquierda) y otro el de su primera. Para él encarnarían su ideal de sensualidad, vitalidad y alegría.

El propio rey de España compró la obra en junio de 1640 cuando murió el artista y su familia subastó todos sus bienes y pinturas. Fue una subasta muy popular en toda Europa.

Es una imitación del cuadro las 3 gracias de Rafael Sanzio pero al estilo de Rubens.

SIMBOLISMO

Simboliza el ideal de belleza, vitalidad y alegría.

Nº5, 1948ANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Nº5, 1948 Autor: Jackson Pollock Fecha: 1889 Técnica: Oleo en fibra vulcanizada, dripping Estilo: Expresionismo abstracto Tamaño: 1,3 x 2,6 m Ubicación: Colección privada.

ANÁLISIS HISTÓRICO Se llegó a vender en subasta en 140 millones de

dólares en 2006. Para ese entonces, la obra subastada más cara de la historia. Hoy es la tercera más cara vendida.

Se considera el primer estilo netamente estadounidense.

Pollock trató de ir en contra de toda técnica y todo estilo antes hecho. No usaba pinceles, espátulas o caballete. No le importaba dirección, contraste, proporción o formas en su composición. Colocaba el lienzo en el suelo y desde un andamio encima, derramaba pintura e iba esparciéndola de distintas maneras, incluso cortando el lienzo luego, técnica conocida como dripping. Que según él, seguía el propio impulso de sus manos, lo que la hacía más suya, una pintura más íntima.

SIMBOLISMO

Simboliza la intimidad del artista con su propio ser. La creatividad como ideal.

TARDE DE DOMINGOANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Tarde de Domingo en la isla de la Grande

Jatte Autor: Georges Pierre Seurat Fecha: 1884-1886 Técnica: Oleo sobre lienzo. Estilo: Puntillismo Tamaño: 207, 6 x 308 cm. Ubicación: Instituto de Arte de Chicago, EU.

ANÁLISIS HISTÓRICO Considerado por muchos, una de las pinturas más

relevantes del siglo XIX. Basado en el estudio de la teoría óptica del color,

contrastó puntos minúsculos de color que a través de su observación de manera global, forman una figura coherente en el ojo del observador. Él creía que esta forma haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas.

Estaba empeñado en demostrar que usando métodos científicos basados en la luz podía representar obras de arte como la música.

Su nueva forma de pintar produjo polémicas entre los críticos de arte y los neo impresionistas.

Murió a los 31 años

SIMBOLISMO

Simboliza la calma de lo cotidiano.

JARDÍN DE LAS DELICIASANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Jardín de las Delicias Autor: El Bosco Fecha: 1500-1505 Técnica: Oleo sobre tabla. Estilo: Renacentista Tamaño: 220 x 389 cm. Ubicación: Museo del Prado, España

ANÁLISIS HISTÓRICO Considerada una de las obras más fascinantes, misteriosas y

atrayentes de la historia del arte. Es un tríptico. 3 tablas que se cierran y forman otra pintura en

el reverso simbolizando la Tierra. Al abrirlo, se aprecia el mundo dividido en 3: El Paraíso escenificando la presentación de Eva a Adán; el del centro es el llamado, Jardín de las Delicias, un falso paraíso en el que la humanidad ya ha sucumbido al pecado y el último, el Infierno.

Adquirida por el rey de España, Felipe II en 1593, éste la mandó al monasterio del Escorial. Se dice que al momento de morir, el rey la tenía en su dormitorio y gritaba viendo el cuadro, tal vez creyendo que en él hallaría la salvación.

Se cuenta que El Bosco tuvo una infancia marcada por la violencia y el horror. Su pueblo se consumió en el fuego y lo que vio lo trató de expresar en esta pintura.

En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una imaginería onírica propia del hombre medieval llena de brujería, alquimia, magia, bestiarios, apocalípticos y la visión cristiana de culpar a la mujer de la entrada del pecado.

SIMBOLISMO

Si se mira de izquierda a derecha, quiere simbolizar el camino que lleva a la perdición. Si se mira de derecha a izquierda el camino al paraíso.

RETRATO DE ADELE BLOCH BAUER

ANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Retrato de Adele Bloch Bauer Autor: Gustav Klimt Fecha: 1907 Técnica: Oleo y oro sobre tela Estilo: Modernismo Tamaño: 138 x 138 cm. Ubicación: Neue Galerie, New York, EU.

ANÁLISIS HISTÓRICO Fue vendida en 135 millones al dueño de la Neue Galerie,

convirtiéndola en la segunda pintura más cara en ese entonces vendida.

Fue un encargo de un rico empresario de la industria azucarera a Klimt quien pintó 2 veces a la esposa de este, Adele.

Ella murió en 1925, su esposo años después. Sus testamentos indicaban destinos distintos para los cuadros de Klimt y así se inició una lucha judicial entre EU y Austria por este cuadro y 4 más en posesión de la pareja hasta que finalmente, quedaron en manos de una sobrina del empresario radicada en EU.

El dueño del museo, se refiere a ella como la MonaLisa de los judíos. E intenta conseguir todo el arte judío que robaron los nazis en la guerra.

Un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi que al ver el avance de las tropas enemigas y ver que estas obras se convertirían en botines de guerra, decidieron quemar el castillo con obras de Klimt.

SIMBOLISMO

Simboliza la belleza y sensualidad de la mujer.

LATA DE SOPA CAMPBELLANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Lata de Sopa Campbell Autor: Andy Warhol Fecha: 1962 Técnica: Pintura de polímero sintético sobre lienzo. Estilo: Arte Pop Tamaño: 50,8 x 40,6 cm. Ubicación: Museo de Arte Moderno de New York.ANÁLISIS HISTÓRICO Consiste en 32 lienzos cada una con una pintura de una

lata de sopa campbell que la marca de alimentos ofrecía en aquella época. El proceso era casi una serigrafía mecanizada. Warhol era ilustrador.

Los críticos se molestaron al inicio por considerar este movimiento una burla al expresionismo abstracto de antes de la guerra. Warhol expresaba que todo objeto del mundo actual era arte.

La ética como los méritos de trabajo de Warhol fueron temas de debate entre críticos, ya que empleaba mecanismos para pintar, no pintaba en sí. Se toma como un enfriamiento del arte. Un arte minimalista en el sentido de que intenta representar objetos en su forma más simple e inmediatamente reconocibles sin connotación alguna.

Esta polémica, atrajo la atención en Warhol y lo convirtió en el pintor estadounidense más famoso hasta su muerte en 1987.

SIMBOLISMO

Simboliza el pensamiento contemporáneo, el capitalismo y el consumismo popular.

CAMINANTE SOBRE EL MAR DE NUBES

ANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Caminante sobre un mar de nubes Autor: Caspar David Friedrich Fecha: 1818 Técnica: Oleo sobre tela Estilo: Romanticismo Tamaño: 74,8 x 94,8 cm. Ubicación: Kunsthalle de Hamburgo, Alemania.

ANÁLISIS HISTÓRICO La obra representa a un viajero, parece ser el mismo

pintor, que se encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes.

Esta obra está creada teniendo en cuenta las convenciones de género tanto del romanticismo como del paisaje. A Friedrich le encantaba pintar paisajes naturales que se vincularan a la idea de aislamiento físico y espiritual.

Se dice que el pintor se caracterizaba por colocar a menudo gente de espaldas por que no se le daba mucho dibujar los rostros. Otros dicen que era una forma de quitarle atención al individuo y permitir que el observador se ubique en su lugar en el extenso paisaje, el cual es el símbolo emocional del individuo.

SIMBOLISMO

Simboliza aislamiento y soledad.

INCREDULIDAD DE SANTO TOMÁSANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Incredulidad de Santo Tomás Autor: Caravaggio Fecha: 1602 Técnica: Oleo sobre lienzo. Estilo: Barroco Tamaño: 107 x 146 cm. Ubicación: Palacio de Sanssouci, Alemania.

ANÁLISIS HISTÓRICO Fue un encargo para la familia Giustiniani. Muestra a

Cristo resucitado ante sus discípulos con Tomás tocando la herida del Señor.

El uso magistral de la sombra y la luz de Caravaggio dotan de realismo al cuadro.

Es considerado el primer gran exponente del Barroco. Escogía a sus modelos de entre la gente del pueblo, e incluso se inclinaba por mendigos y prostitutas para interpretar personajes religiosos como la Virgen María y santos. Esto le atrajo el favor pero también detractores en la Iglesia de su época.

Por causa de estos conflictos, al parecer, mató a una persona y se vio envuelta en una riña, por la cual se le persiguió en Italia y su carrera decayó. No fue hasta el siglo XX con el estudio del barroco italiano que Caravaggio se le es reconocido su trabajo nuevamente.

SIMBOLISMO

Simboliza la belleza y la tranquilidad de la noche.

AMERICAN GOTHICANÁLISIS TÉCNICO Nombre: American Gothic Autor: Grant Wood Fecha: 1930 Técnica: Oleo sobre aglomerado de madera. Estilo: Regionalismo Tamaño: 74,3 x 62,4 cm. Ubicación: Instituto de Arte de Chicago

ANÁLISIS HISTÓRICO El cuadro muestra a un granjero sujetando una

horca y a una joven mujer, enfrente de una casa de estilo gótico rural. Es una de las imágenes más reconocidas del arte estadounidense del siglo XX.

El artista quería representar los roles tradicionales del hombre y la mujer. La mujer es su hermana, y el hombre el dentista de Wood. No querían ser reconocidos. Hoy son personajes famosos.

Es uno de los cuadros más reconocidos del arte estadounidense y más parodiados.

Wood lo vendió apenas por 300 dólares al Instituto de Arte de Chicago. Hoy, un cuadro de Wood se cotiza en 7 millones de dólares.

SIMBOLISMO

Simboliza el estilo estadounidense. La cultura estadounidense.

CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZANÁLISIS TÉCNICO Nombre: Cristo de San Juan de la Cruz Autor: Salvador Dalí Fecha: 1951 Técnica: Oleo sobre lienzo. Estilo: Surrealismo Tamaño: 205 x 116 cm. Ubicación: Museo Kelvingrove, Reino Unido.

ANÁLISIS HISTÓRICO La originalidad de la perspectiva y la habilidad

técnica a la hora de pintar el cuadro lo han hecho muy popular.

Muestra a Jesús crucificado, tomado en perspectiva y visto desde arriba, cuya cabeza, mirando hacia abajo, es el punto central de la obra. La obra simboliza al Cristo Redentor El fuerte claroscuro sirve para resaltar la figura de Jesús.

Es posiblemente la obra más humana y humilde que se ha pintado sobre la crucifixión de Cristo.

De acuerdo a Dalí, en los sueños le hablaban de pintarlo y pintarlo sin espinas, clavos ni sangre, su única preocupación era pintar a un Cristo bello como el mismo Dios que encarna.

SIMBOLISMO

Simboliza al Cristo Redentor, el Cristo Metafísico o ideal sufriendo por nosotros.