Publ icación mensual del Museo Naciona l de Arte …*LA CARTELERA CON TODOS NUESTROS EVENTOS LA...
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Se inaugura el mejor museo del país. Pág. 6 Publicación mensual del Museo Nacional de Arte • Número 6 • Julio 2012 • Distribución gratuita PERIÓDICO MUNAL ARTISTA DEL MES Frida Kahlo nació y murió en el mes de julio RAÚL ANGUIANO Mitos y leyendas en el pincel del artista jalisciense ¡FELIZ CUMPLEAÑOS! El Munal celebra 30 años con un creciente acervo www.munal.com.mx 8 11 7 UBÍCATE HEMEROTECA *BUSCA LOS MAPAS DE LA EXHIBICIÓN PERMANENTE Y DE LAS VISITAS AUTOGUIADAS EN LAS PÁGINAS 5 Y 22, RESPECTIVAMENTE *LA CARTELERA CON TODOS NUESTROS EVENTOS LA ENCUENTRAS EN LAS PÁGINAS 20 Y 21 LOS SUEÑOS DEL La realidad no es como la pintan. En 1924, el Manifiesto su- rrealista surgió para cuestionar el papel de la razón, y para incorporar al inconsciente como materia prima del arte. La exposición Surrealismo. Vasos comunicantes, llega al Mu- seo Nacional de Arte de la mano de los principales exponentes de esta corriente que revolucionó el pensamiento y el que- hacer artístico de principios del siglo xx. NO TE PIERDAS EL DOSSIER DESPRENDIBLE PÁGINAS 11-22
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Se inaugura el mejor museo del país. Pág. 6
Pub l i cac ión mensua l de l Museo Nac iona l de Arte • Número 6 • Ju l i o 2012 • D is t r i buc ión gratu i ta
PER
IÓD
ICO
MUNAL
ARTISTA DEL MESFrida Kahlo nació y murió en el mes de julio
RAÚL ANGUIANOMitos y leyendas en el pincel del artista jalisciense
¡FELIZ CUMPLEAÑOS!El Munal celebra 30 años con un creciente acervo
www.munal.com.mx 8
11
7
UBÍCATE
H E M E R O T E C A
*BUSCA LOS MAPAS DE LA EXHIBICIÓN PERMANENTE Y DE LAS VISITAS AUTOGUIADAS EN LAS PÁGINAS 5 Y 22, RESPECTIVAMENTE
*LA CARTELERA CON TODOS NUESTROS EVENTOS LA ENCUENTRAS EN LAS PÁGINAS 20 Y 21
LOS SUEÑOS DEL
La realidad no es como la pintan. En 1924, el Manifiesto su-rrealista surgió para cuestionar el papel de la razón, y para incorporar al inconsciente como materia prima del arte. La exposición Surrealismo. Vasos comunicantes, llega al Mu-seo Nacional de Arte de la mano de los principales exponentes de esta corriente que revolucionó el pensamiento y el que-hacer artístico de principios del siglo xx.
NO TE PIERDAS EL DOSSIER
DESPRENDIBLEPÁGINAS 11-22
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NÚM. 6 | JULIO | 2012
DIRECTORIO
consejo nacional para la cultura y las artesConsuelo Sáizar ⎬ Presidenta
instituto nacional de bellas artes y literaturaTeresa Vicencio ⎬ Directora GeneralAlejandra Peña ⎬ Subdirectora General del Patrimonio Artístico InmuebleMónica López Velarde ⎬ Coordinadora Nacional de Artes PlásticasMiguel Fernández Félix ⎬ Museo Nacional de Arte
patronato del museo nacional de arteRoberto Hernández ⎬ PresidenteMarcela Arregui ⎬ Coordinadora EjecutivaMaría Purón ⎬ Coordinadora Operativa
periódico munalDirector Editorial: Miguel Fernández FélixEditores: Pablo Martínez, Bernardo EsquincaConsejo Editorial: Evelyn Useda, Nina Shor, Ví ctor Mantilla, Andrea VillalbaCoordinador de Diseño: Carlos Morales Diseño y formación: Diana AlvaradoImagen de portada: Félix Labisse, Charlotte Corday au poisson, 1946. Colección Pérez Simón, México
Museo Nacional de Arte
Conmutador 51303400Fax 51303401 Ext.Miguel Fernández · Dirección 3411Sara Baz · Exhibición 3441Adolfo Mantilla · Investigación 3442Lluvia Sepúlveda · Curaduría 3424Ma. Elizabeth Herrera · Registro de Obra 3428Nina Shor · Comunicación Educativa 3459Mary Carmen Lozano · Relaciones Públicas 3414Pablo Martínez · Difusión 3468Andrea Villalba · Medios Electrónicos 3438Evelyn Useda · Coordinación Editorial 3415Fernando Corona · Biblioteca 287Carlos Morales · Desarrollo Institucional 3466Adrián Pérez · Sistemas 3464Salvador Sánchez · Museografía 3451Elvia Pérez · Arquitectura 3496Angélica Martínez · Administración 3472Agustín Montes de Oca · Seguridad 320María Purón · Patronato 3487Yunuen Morales · Tienda 3493
Queridos lectores,Los horizontes de la realidad han sido perturbados en muchas ocasiones y, ciertamente, la corriente surrealista no fue la primera en hacerlo. Pero si hay algo que distingue a los surrealis-tas fue su astucia, sobre todo posterior al auge del movimiento, para posicio-narse como los disidentes por antono-masia del susodicho horizonte de “lo real”. Parece paradójico que, a menos de un siglo de su fundación, el surrea-lismo se haya convertido en un imán comercial de poderes, valga la redun-dancia, suprarreales. La fuerza del in-consciente, el dominio de los sueños, los puntos de fuga de “lo real” son ahora explotados desde todos los fren-tes de la inagotable batalla mercantil.
El Museo Nacional de Arte, en co-laboración con instituciones como el Centre Georges Pompidou parisino, recibe a surrealistas europeos y otros nacidos en el continente americano con el fin de trazar puentes entre los impulsos que llevaron a creadores del viejo y el nuevo mundo a desafiar los imaginarios imperantes de un siglo convulso y vertiginoso como lo fue el xx. Yves Tanguy versus Roberto Matta, Luis Buñuel versus Rubén Gámez, Max Ernst versus Leonora Carrington, entre muchas otra provocaciones, vestirán la sala de exposiciones temporales a par-tir del 5 de julio.
Acompañando la exposición, el Mu-nal, en colaboración con Imcine pre-senta una temporada de cine surrea-lista. En ella se polemiza el alcance de la influencia surrealista en el género cinematográfico a partir de una cura-duría dividida entre Javier Espada, di-rector del Centro Buñuel de Calanda, España, y la coordinación de cine del Munal. La selección de películas inclu-ye cintas expresamente surrealistas y otras que no lo son del todo, lo an-terior con el fin de abrir la discusión con los asistentes sobre cuáles son los límites de “lo surrealista” y cómo éstos pueden identificarse en el cine.
El dossier especial de surrealismo no es lo único que encontrarán en esta sexta edición. Los invitamos a sumer-girse en esta versión expandida del Pe-riódico Munal, que crece a 32 planas para acercar al público mexicano e in-ternacional al horizonte de la plástica del país y su relación con la historia del arte universal.
e d i t o r i a l
Tacuba #8, Centro Histórico, Cuauhtémoc, México, D.F., 06010
Nos interesa tu opinión
Con la fuerza
Agradecimientos:
Ing. Sergio Autrey (RÉCORD)Claudia Verdugo Evans (Directora de Producción)Erik Flores Benítez (Coordinador de Producción)
Jaime Martínez Rivera (Coordinador de costos de producción)Marco A. Hernández de la Luz (Coordinador de producción)
Ivan González Pérez (Coordinador de producción)Preprensa Notmusa
www.munal.com.mxPágina 3: El escultor Manuel Vilar (1812-1860) ha cincelado la efigie del Tlahuicole a tamaño semicolosal. El general tlaxcalteca aparece con el rostro fruncido y en actitud combativa: levanta el brazo para golpear con la macana de madera (macuahuil); con el otro, parece cubrirse con un escudo (chimalli). Atado a la roca, el indígena ha aceptado el “sacrificio gladiatorio”, en vez de la libertad concedida por Moctezuma.
Dibujo de Alejandro Magallanes para el Periódico Munal. Le pre-guntamos: ¿qué es para ti Surrealismo? Y esto nos respondió...
Ya se acerca el inicio de la Promoción Nacional de Verano
La Promoción Nacional de Ve-rano 2012 está abierta a todo tipo de público, así que no sólo los pequeños podrán disfrutar de ella. La inauguración se lle-vará a cabo el próximo 15 de julio en la explanada de Bellas Artes, a las 12:00 horas. La buena noticia es que ya hay 29 estados de la República par-ticipando en este importante evento. ¡No faltes!
Para mas información ingresa a www.promociondeverano2012.bellasartes.gob.mx
Manuel Vilar, Tlahuicole, general tlaxcalteca, en el acto de combatir en el sacrificio gladeatorio, 1851.
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V I R R E I N A T OAsimilación de occidente. La pintura en la nueva España(1550-1821)Segunda piso, salas 1 a 14
El Museo Nacional de Arte está ubicado en el antiguo Palacio de Comunicaciones y Obras Públicas y es un ejemplo de la arquitectura realizada durante el por�riato. Diseñado y construido entre 1904 y 1911 por Manuel Marroquí y el arquitecto italiano Silvio Contri, está inspirado en los grandes palacios del renacimiento italiano y el clasicismo francés.
El antiguo Palacio de Comunicaciones y Obras Públicas sintetiza una época de modernización y progreso, materializada en la sede de la Secretaría que fuera responsable del desarrollo de correos, telégrafos, ferrocarriles, carreteras, calzadas, puentes, canales y vías marítimas, así como de la introducción de la radiotelegrafía al territorio nacional. También fue sede en 1973 del Archivo Gene-ral de la Nación. En 1987, este edi�cio fue declarado patrimonio artístico.
En 1982, se crea el Museo Nacional de Arte para albergar una panorámica del arte mexicano, desde 1550 hasta 1954. El Museo integra un acervo de 3,769 piezas entre pinturas, grá�ca, escultura, grabado, fotografía, plumaria, dibujo, manuscritos, mobiliario, estampa, material documental, arte popular y numismática. Esta colección incluye obras de los grandes artistas mexicanos.
Para comprender el papel que desempeñó el arte mexicano en los diferentes proyectos de nación, la colección se divide en tres periodos:
S I G L O X I XConstrucción de una nación(1810-1910)Segundo y primer piso, salas 15 a 26
S I G L O X XEstrategias plásticas para un México moderno(1900-1954)Primer piso, salas 27 a 33
UNA PANORÁMICA
P L A N T A B A J A Y V E S T Í B U L O
Salón de recepciones
Colecciones especiales
Gabinetes de estampa
Gabinetes de fotografía
Exposiciones temporales
Taller Arte en construcción
Tienda
Museo del telégrafo
Auditorio Adolfo Best Maugard
MAPA ubicacIÓn
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S E G U N D O P I S O (inicia recorrido)
P R I M E R P I S O (continúa recorrido)
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1883El 16 de julio murió en la Ciudad de México Manuel Gamio, antropólogo y arqueólogo, fundador de la antropología moderna mexicana y exponente de la vertiente nacionalista de tipo antropológico.
El Museo Nacional de Arte cumple tres décadas el 23 de julio. Y hay que decirlo con orgullo: es una de las instituciones museísticas más importantes de México y el mundo.
Adriana López Álvarez
P U E R T A S A D E N T R O
El 14 de julio de 1981 bajo el De-creto Presidencial publicado en
el Diario Oficial de la Federación, se estableció que el Palacio de Comuni-caciones y Obras Públicas albergara al Museo Nacional de Pintura, quedando inaugurado por el entonces Presiden-te de la República, el licenciado José López Portillo, el viernes 23 de julio de 1982. La nueva institución museística abrió sus puertas al público dos días después compartiendo el inmueble con Telégrafos Nacionales.
En su origen, el otrora llamado Museo Nacional de Pintura, hospeda-ba alrededor de 1,124 piezas repre-sentativas del arte mexicano, todas provenientes de diversos museos del inba, pero dando prioridad al arte de-cimonónico que no contaba con un espacio de exhibición digno.
Años después, en 1997, se plan-teó la renovación del museo y la am-pliación de las áreas de servicio den-tro del mismo recinto, bajo el Plan Maestro Munal 2000. Por esa razón el espacio cerró sus puertas durante todo 1999, para la restauración ar-quitectónica y el reacondicionamien-
to de salas, oficinas y espacios de atención pública. Los trabajos fue-ron financiados gracias al Conaculta, el Patronato del Museo Nacional de Arte y Telecomunicaciones.
El proyecto Munal 2000, también incluyó la reforma de la vocación del museo a Museo Nacional de Arte, lo-grando que se extendieran las funcio-nes de la institución y se ampliara el acervo a otras disciplinas, entre ellas, escultura, artes gráficas, dibujo, foto-grafía y artes populares. Gracias a un programa de adquisiciones, donacio-nes, adjudicaciones y comodatos se logró consolidar la colección y con-formar un guión integral, con mejor uso y adecuación de los espacios. También se planteó un nuevo recorri-do histórico-artístico permanente que abarca de 1550 a 1954, y un recorrido alterno en salas monotemáticas, salas hipertextuales, colecciones especia-les y salas de orientación.
El Museo Nacional de Arte reabrió sus puertas el 27 de noviembre de 2000 y desde entonces continúa reno-vando sus lenguajes y objetivos para dar la mejor atención a sus visitantes.
CARLOS PRIETOINTERMITENCIAS SONORAS DE LA MODERNIDAD
Lluvia Sepúlveda
La cuarta intervención de 100 y 30. Palacio y Museo se llevará a
cabo el 7 agosto en la sala de arte del siglo xx, con la participación del mexicano Carlos Prieto, quien ha realizado diversos proyectos sono-ros y de experimentación radiofóni-ca. Su intervención logrará un diá-logo entre el sonido y el arte visual, abordando el mito del progreso y la representación idealizada del cam-pesino o el obrero en la pintura de la centuria pasada.
Esta instalación de arte sonoro utilizará el sonido como vehículo de expresión dando al visitante una experiencia de carácter interdiscipli-nario mediante distintos lenguajes artísticos, pintura y sonorización, que se entrecruzan e interactúan dándole una dimensión temporal a la experiencia plástica, volviendo la visita sonorovisual.
Las piezas de Prieto funcionarán como poesías sonoras, acciones au-ditivas u obras conceptuales que ha-cen referencia al sonido para incidir en las sensopercepciones no visua-les del espectador.Rufino Tamayo (1899-1991). Reloj y teléfono. Óleo sobre tela. Acervo Munal José Clemente Orozco (1883-1949). Los desmembrados, 1947. Acervo Munal.
NUMERALIA
3,769 piezas constituyen
el Acervo del Munal
900obras están
en la Exhibición Permanente
113obras fueron restauradas
en 2011
350piezas están en
préstamo en otras sedes
1,505piezas del Fondo
Pérez Escamilla se integrarán al Acervo
del Munal
Diálogos contemporáneos
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El 9 de julio nació en Aguascalientes Saturnino Herrán, para algunos el antecedente del muralismo mexicano; en su obra refleja el arte popular y al México legendario, colonial y prehispánico.1887
A R T I S T A D E L M E S
Víctor T. Rodríguez Rangel
Nació en Coyoacán el 6 de julio de 1907 y falleció en la misma y pintoresca villa,
de la periferia de la Ciudad de Mé-xico, el 13 de julio de 1954. Hija del fotógrafo alemán Guillermo Kahlo, quien sobre ella en cierto momento expresó: “Frida es la más inteligente de mis hijas. Ella es la que más se parece a mí” (según Hayden Herrera, Frida. A Biography of Frida Kahlo).
Las palabras Frida Kahlo en nuestros días son entendidas como todo un concepto, de una celebri-dad post mortem, más que significar el nombre de una pintora mexicana
del siglo xx que ocupó, con su plás-tica, un lugar reconocido en el con-cierto de los extraordinarios artistas nacionales que, con sus múltiples lenguajes estéticos y sus genialida-des, marcaron una época dorada del arte mexicano posrevolucionario.
La imagen, la vida y la obra de Frida, como personalidad, leyenda y legado tangible, son un icono uni-versal del siglo xx, y es un símbolo consular de México y de lo mexica-no. Su trascendencia podemos de-cir que tiene ese orden de recono-cimiento entre el público mundial: la estampa idealizada de su figura, la dupla con su marido Diego Rive-ra, los avatares de su existencia en constante lucha física, ideológica y de género, así como el conteni-do de su producción pictórica. No se trata de que su obra se eclipse ante sus otras poderosas cartas de presentación, lo que ha ocurrido es
lizada, en particular la sección de las obras que hacen hincapié en los discursos plásticos sobre el proceso de desarrollo de la sociedad urbana y el paisaje citadino.
En la obra, unos desolados te-jados urbanos, geométricos y cúbi-cos, con matizados tonos pastel, se yuxtaponen con sus rítmicas chime-neas, de algunas calderas domés-ticas, al poste en encendido tono carmesí que conduce los cables de luz y telegrafía. El fondo es un cielo despejado con una vibrante y espe-ranzadora tonalidad azul. La estruen-dosa vida cotidiana de la ciudad es acallada en este dilatado y tranquilo paisaje urbano, desprovisto de per-sonas, pero con la sugerencia de la vida diaria en las azoteas. Se trata de una obra de su etapa juvenil, antes de conocer a Diego Rivera, pero que ya manifiesta un razonamiento plás-tico maduro y genuino.
que, como fenómeno sociológico, su historia ha rebasado las fronte-ras de lo plenamente artístico, in-gresando al rubro de lo novelesco y como estandarte de otras luchas.
La pintura de Frida tiene espon-taneidad, atributos natos y técnicos formativos; pasión, magia y, sobre todo, originalidad. Es difícil clasi-ficar su trabajo en el marco de las tendencias de las vanguardias inter-nacionales de la primera mitad del siglo pasado. No es surrealista, no es metafísica, futurista, expresionis-ta, ni mucho menos abstracta. No es neofigurativa, porque sus moti-vos pictóricos son veristas; pode-mos reconocer fácilmente la índole de sus figuras, pero tratadas con una intencionada ingenuidad. Son naíf, como pintarían los niños o los modestos artistas espontáneos de algún pueblecillo. Ante esto, se alineó a un claro movimiento o
rebelión de los artistas “cultos” de la época por las resoluciones aca-demicistas. Nada tiene que ver con sus contemporáneas destacadas, como María Izquierdo, Leonora Ca-rrington, Remedios Varo o con las fotógrafas surrealistas Tina Modotti y Katy Horna.
En las más reconocidas obras, Frida se autorretrata y se auto san-tifica como madona dolorosa por la tragedia y como mujer moderna que lucha contra las ataduras so-ciales; es una transfigurada Virgen de la cultura sincrética mexicana, que alude a los ídolos del mun-do prehispánico náhuatl. En sus composiciones hay frutas, flores, exóticos animales y villas rústicas mexicanas en la dicotomía entre la tradición y la urbanización. Sus cua-dros son deseados por muchos de los museos del mundo, por lo que el Munal se enorgullece de contar,
desde hace dos años, con una obra de Frida Kahlo en nuestro acervo y en la exhibición permanente de la sala 31: producto del Comité para la Adquisición de Obras con Valor Artístico del inba/2010, a través de la justificación del Munal por tener en sus colecciones un Frida.
En el recorrido del siglo xx, Es-trategias plásticas para un México Moderno (salas 27 a la 31), brillan algunas de las producciones pictó-ricas más famosas por artistas de la talla de Saturnino Herrán, Ángel Zárraga, Dr. Atl, Clausell, Montene-gro, Cano Manilla, Rivera, Orozco, Siqueiros y Tamayo, entre otros; esto es uno de los más grandes atractivos del Munal, a lo que se sumó la presencia de Frida Kahlo a través de la obra Paisaje urbano, con lo que se refuerza el periodo y se apuntala uno de los temas de la sala 31, La vanguardia naciona-
Ahora toca el turno a la enigmática Magdalena Carmen
Frida Kahlo Calderón, nuestra Frida, ya que en el mes de julio
se conmemoran su natalicio y su muerte. El Munal sumó
recientemente a su acervo un cuadro de esta pintora
inclasificable.
Frida Kahlo (México, D.F., 1907- 1954)Paisaje urbano, ca. 1925
Óleo sobre telaAcervo Munal
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ARTE EN LA PALMA DE TU
MANO
El 30 de julio nació en la Ciudad de México Leopoldo Méndez, grabador incesante, miembro de organizaciones de artistas de izquierda, como la LEAR y el TGP, que lanzaban proyectos de carácter propagandístico y antifascista.
1902
W E B
TWEETS SELECTOS
@MUNALMX
#ElVisitante Hola, qué tal. ¿Me quieren acompañar un rato? Justo en estos momentos me dispongo a deambular por el mundo del museo.
En el siglo XVII, la época que re-presenta la exposición albergada en el MUNAL, la escuela flamenca ya se había consolidado.
En este periodo se inscriben cuatro artistas que contribuyeron a hacer de Amberes un centro magnético de producción plástica.
Jan Brueghel el Viejo (1568-1625), hijo de Pieter Brueghel, buscó apartarse del estilo pater-no para dejar su propia huella.
Brueghel decidió transmitir en sus obras “las historias y las novelas de la vida que lo rodeaba”, según el escritor neerlandés Cees Nooteboom.
Peter Paul Rubens (1577-1640) se convertiría en sinónimo de arte flamenco. Su obra rebasa increí-blemente el millar de cuadros.
Anton van Dyck (1599-1641), cercano a las enseñanzas de Rubens, evidenció no obstante un temperamento mucho más melancólico.
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Ahora puedes disfrutar desde tu smartphone de tres piezas del acervo del Munal. La Realidad aumentada te ofrecerá una
experiencia muy similar a la de apreciar una obra en vivo.
Andrea Villalba
¿Cómo funciona? 1.- Descarga desde Appstore de Apple (iPhone o iPad 2 o 3) o desde Google play (smartpho-nes Android) la aplicación Mu-nal. Es totalmente gratuita.2.- Sé paciente, la aplicación tar-dará en descargar. Es necesario que estés conectado a internet vía WiFi.3.- Después de instalada, po-drás disfrutar de las tres seccio-nes de la aplicación: Modelado 3D, Recorrido en sala y Realidad aumentada.4.- Para ingresar a la Realidad aumentada, las tres fotografías de abajo son las que requerirás para apreciar y rotar las escultu-ras en vivo.• Recorta las fotos de las es-
culturas siguiendo la línea punteada
• Abre la aplicación del Mu-nal, dirígete a la sección de Realidad aumentada y enfoca la cámara de tu ce-lular o tablet a cualquier de las fotos.
• Disfruta de la realidad au-mentada.
Seguramente en alguna ocasión has experimentado la sensación
de inmersión dentro de un videojue-go, en el que tú eres el personaje principal que recorre diversos para-jes computarizados, o quizá simple-mente has disfrutado de películas to-talmente animadas por computadora en 3D. Tal vez ya has escuchado un poco sobre Realidad aumentada o incluso has visto cómo funciona.
El uso de estas tecnologías en el arte y en la educación es una reali-dad, y hoy se presentan en el Munal a través de una aplicación para dis-positivos móviles desarrollada por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y su Coordinación Nacional de Innovación y Calidad, gracias a la cual podrás tener acceso a tres piezas del recorrido histórico-artístico del mu-seo desde tu smartphone o tablet.
Esta aplicación –disponible para iOS o Android– fusiona tecnologías de modelado 3D como de Realidad aumentada, lo que permite que pue-das disfrutar de tres esculturas de la colección del Munal de forma inte-ractiva, y de las que podrás observar detalles que en una fotografía no ve-rías. A través de recreaciones en 3D se ofrece la experiencia muy similar de apreciar una pieza en vivo, pues el volumen, las sombras y el espacio son factores que determinan cómo se aprecia una escultura.
Lo interesante es que esta apli-cación permite rotar, acercar y mirar desde diferentes alturas las obras de arte modeladas. Este desarrollo tam-bién contempla un recorrido por una sala virtual en la que literalmente po-drás caminar entre las piezas, además de disfrutarlas en Realidad aumenta-da, lo que redunda en una experien-cia con el arte totalmente personaliza-da desde la palma de tu mano.
Agustín Ocampo, Despoir, 1900, talla en mármol. Pieza que retrata un cuer-po afligido y ensimismado, cuya postura expresa las preocupaciones existen-ciales del esteticismo de fin del siglo xx. La obra censura los ideales de paz y progreso del porfiriato. Despoir le valió a Agustín Ocampo una medalla de pla-ta durante la exposición Universal de 1900 en París. La escultura adornaba, junto con otras más, la Alameda Central, y posteriormente fue adjudicada al Munal a través del inba para su conservación, resguardo y exhibición.Arnulfo Rodríguez Bello, Aprés la gréve (Después de la huelga), ca. 1906, talla en piedra. Esta obra representa a un obrero sentado y cabizbajo con las manos vacías sobre una piedra de la que se ven eslabones de una ca-dena. Aprés la gréve refleja las inquietudes sociales de la época en un tono
SOBRE LAS OBRAS
reflexivo y dramático. Arnulfo Rodríguez Bello estudió en la Academia de San Carlos y fue becario de la Escuela Nacional de Bellas Artes en París, en dónde permaneció hasta 1909. La obra fue donada por el Gobierno de la Ciudad de México en 1992.Enrique Guerra, Volupté (Voluptuosidad), 1905, vacia-do en yeso con pátina. En Volupté se aprecia un nicho realizado en piedra, del cual emergen una pareja de amantes con los ojos entrecerrados. Ella, a la izquierda, es rodeada por él, quien le besa una mejilla. Esta obra fue descrita por Rubén Darío como “una admirable re-presentación del gozo amoroso, el triunfo del beso, la victoria de la carne relevada con soberbia sensualidad”. Guerra estudió en la Academia de San Carlos y fue be-cario en París, en donde fue acreedor de diferentes pre-mios por sus obras. Volupté ingresó a la colección del Munal en 1982.Ligas de descaraga de la aplicación
Itunes
Google Play
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NÚM. 6 | JULIO | 2012
El 30 de julio nació en la Ciudad de México Salvador Novo, poeta, escritor, crítico, publicista y editor; fue miembro del Teatro Ulises y de la revista homónima; asimismo, del grupo los
Contemporáneos, proyectos culturales patrocinados por Antonieta Rivas Mercado.1904
S A L Ó N D E J U E G O S
Los nacidos del 22 de junio al 22 de julio pertenecen a Cáncer, el signo de las personas inspiradas.
La Luna tiene un efecto poderoso en los nacidos bajo el signo de
Cáncer. Por lo mismo, suelen ser personas sensibles, emotivas, de po-derosa imaginación y… sí, hay que decirlo, un tanto lunáticas. Si a esto sumamos la prodigiosa memoria que poseen, y que gracias a ella son ca-paces de evocar de manera exacta y vívida todo tipo de recuerdos, te-nemos a los candidatos ideales para expresare mediante el arte. Sin em-bargo, enfrentan un serio contratiem-po si desean desarrollarse en dicho campo: son sumamente sensibles a la crítica, hecho con el que tendrán que lidiar durante toda su carrera.
Como decíamos, la Luna es el planeta que rige este sigo, y dicho astro representa la inspiración, la in-tuición, las ideas originales. Un Cán-cer que se dedique al arte lo hará con imaginación desbordada y entu-siasmo. Son perfectos para empren-
der nuevos proyectos, aunque su principal enemigo es la impaciencia. Si convives de cerca con una persona de este signo, no te desconciertes si de pronto lo ves cambiar de humor y sumergirse en profundas meditacio-nes. Son sus tormentas interiores, de las que saldrá tarde o temprano con alguna idea interesante.
Un cáncer que hizo historia fue el pintor José María Velasco (1840-1912), una de las “joyas de la corona” del Acervo del Munal. Se caracterizó por inmortalizar los paisajes del Valle de México en una época en que era común ver a los trenes pasear por sus alrededores y en la que los volcanes podían ser vistos desde cualquier punto. Su amor por la naturaleza y por la zona que consideraba su casa, quedó plasmado en diversos cuadros, que lo inmortalizaron como uno de los grandes paisajistas que ha tenido nuestro país.
zodiaco y ar te
En este autorretrato, José María Velasco captó las tribulaciones de los Cáncer en su mirada.
LOS EFECTOS DE LA LUNA
HORIZONTAL 1. Nota musical 2. Protrusiones o salidas de partes de
órganos3. Producto de la mente4. Pequeño instrumento musical de cuatro
cuerdas5. Sirve para escribir6. Teatro de ópera de Milán7. Ninfa marina8. Fase en el desarrollo de una acción 9. Región de Italia 10. Depósito de agua en Yucatán 11. Amante de Diego12. Induce al deseo13. Grito de la plaza de toros 14. Voz de la ópera15. Verdadero 16. Piedra17. De ésta manera18. Balance19. Capital de Noruega20. Neón o Helio21. Agencia del espacio 22. Miguel, autor de Los ángeles músicos23. El "rey" en la Nueva España24. "Pardo" en la "Pintura de Castas"25. Presta apoyo26. Nota Musical 27. _______ Kuan Do 28. No áspero 29. Ola gigante30. Metal blanco utilizado en la joyería31. Farol portátil32. Con las mismas características33. Del mundo tangible, contrario a
espiritual34. Serpientes del Amazonas35. URSS36. Preparar la tierra para plantar37. Actividad o producto creado por el
ser humano con finalidad estética o comunicativa
38. 32 vertical en Inglés 39. La suma final40. Extraños41. Grasa animal 42. El menor del ajedrez 43. Sin mezcla ni artificio 44. Usos en boga45. Manantial del desierto46. Condimento 47. Dos veces mil kilos
48. Mamífero café que vive en el bosque
VERTICAL
1. Plástico protector; mineral de los filo-silicatos
2. 100 x 10 3. ____ y vueltas4. Neurosis5. Atractivos "mágicos"6. Canonizado7. Extraordinario, de dimensiones grandiosas8. Viento9. ______ con Dios 10. Escuela Budista fundada en China y
difundida en Japón 11. Apropiado12. Laboratorio Arte Alameda (siglas) 13. Luz de un ángel14. Escrito breve15. Ducles de membrillo16. Duran para siempre17. Encendido en inglés18. Grupo de cantantes19. Dulce de las flores20. No tiene explicación 21. Pintura realizada sobre muro con recoque
de cal húmedo 22. Pigmentos23. Las partes más altas de las montañas24. Pájaro25. Movimientos circulares alrededor de
un punto26. Perteneciente a la realeza27. Hacen el esfuerzo de lograr algo28. Dibujo de la tierra29. Fruta del nopal 30. Representaciones gráficas 31. Conocido 32. Indica posición o lugar33. Vistazo34. Territorio dividido por fronteras35. Perteneciente al aire36. Estorbo, obstáculo, impedimento 37. Tiene aire, o gracia38. Árbol de madera dura, negra y lisa39. Partida en trozos40. Mujer hábil para engañar41. Empleos42. Femenina del artículo determinado43. Periodo de tiempo 44. Nota musical45. Muy pequeño46. Metal dorado utilizado en joyería47. De alemania48. Espectáculo texano49. Diosa egipcia esposa de Osiris, madre
de Horus.
CRUCIGRAMA AMIGOS DEL MUNALLas primeras cinco personas que contesten el crucigrama correctamente y envíen sus respuestas a [email protected] recibirán un catálogo del acervo del Museo Nacional de Arte.
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Respuesta al ahorcado del acervo del Munal del número pasado:Francisco Goitia, Paisaje de Zacatecas con ahorcadosGanadores: Guadalupe Pérez, Laura Pérez Castro Castillo, Rogelio Ernesto Recillas González, Mariana Champs, Ignacio Servín Gómez.
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Wolfgang PaalenEl Toisón de oro, 1937Óleo sobre telaMuseo Franz Mayer
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La muestra Surrealismo. Vasos comunicantes reúne en el Munal a los máximos exponentes de un movimiento que marcó al siglo xx. Dos lecturas –una histórica y otra psicoanalítica– fundamentan la curaduría de esta exposición que nos adentra en el fascinante mundo del inconsciente, con artistas como Max Ernst, Joan Miró, René Magritte, Salvador Dalí, Yves Tanguy, Luis Buñuel, Leonora Carrington y Remedios Varo.
Una Europa convulsa por la primera Guerra Mundial dio vida a dos movimientos de
vanguardia mundialmente reconoci-dos, el Dadá y el Surrealismo. Tras la ruptura que tuvo André Breton con el Dadá, se inspiró en las tera-pias psicoanalíticas para publicar el primer Manifiesto surrealista (1924),
vertiendo en él su creencia sobre la armonización entre el estado del sueño y la realidad.
En su origen, el movimiento es-tuvo integrado por poetas y filóso-fos y, tan sólo en un año, se inclinó hacia la búsqueda de una estética propia que representara el fluir del
inconsciente, la emergencia de una realidad alterna a la racional (que llevó a la situación política y social desastrada que culminó con las gue-rras mundiales) y que diera cuenta de todo lo que habita en una región de nuestra psique que a muchos nos da miedo explorar. La búsqueda se inició con la inauguración de la pri-
mera muestra de pintura surrealista, en la que expusieron artistas como Max Ernst, Joan Miró, André Mas-son y Jean Arp, que tuvo lugar en París en 1925.
En años posteriores la corrien-te tuvo una nueva ambición teórica, ya que el movimiento no sólo debía
tener como propósito cambiar la vida por conducto del arte, también debía transformar el mundo con una revolución internacional. Am-bas premisas se pudieron leer en algunos números de la Revolución surrealista y en el segundo Mani-fiesto surrealista (1929), redactado también por Breton.
OTROS MUNDOS
Debido a la presión atmosférica, dos o más contenedores unidos entre sí por un tubo que los vincule en la parte inferior, alcanzarán siempre el mismo nivel sin importar la adición de líquido y en qué recipiente se
Antonieta Bautista
Hasta el 15 de septiembre
realice esta adición. Este principio físico nos ha servido como metáfora para representar el proceso por el que dos o más continentes, unidos entre sí, siempre aspirarán a tener el mismo nivel de importancia en una enunciación de muchas voces. En la historiografía del arte, Amé-rica permanece como el continente relegado, que vive sintéticamen-te los procesos del arte europeo a destiempo y que nunca puede salir de su rezago. Ante los contactos de Breton y de otros surrealistas con un universo cultural distinto al suyo, ante la asimilación de los principios surrealistas elaborada por artistas latinoamericanos, planteamos que el surrealismo es el tubo que une a los continentes (entendidos en ambos sentidos: el geográfico y el físico) y, por tanto, la vanguardia que le permite a América adquirir el mismo nivel de enunciación plástica que Europa. Por ello, hablamos de que existió un diálogo.
Impulsado por la búsqueda de lo maravilloso y lo mágico, el grupo surrealista amplió el descubrimien-to no sólo al mundo de lo onírico y del inconsciente; también logró zar-par a puertos de países exóticos y “primitivos”, posibilitando el encuen-tro con otros mundos. Asombrados por el descubrimiento de lo que en su esfera histórica se considera-ba como “prácticas no racionales y poco convencionales”, los artistas surrealistas, como si fueran antro-pólogos maravillados, vieron en las manifestaciones artísticas primitivas el alimento necesario para mantener viva la corriente, dotándola de una peculiar fuerza internacional y, has-ta cierto punto, primigenia. Conte-nedores de lo maravilloso, ciudades como Tokio, Egipto, Perú, Santiago de Chile y México, al ser sedes de las exposiciones internacionales a partir de 1935, perpetuaron este in-tercambio mediante la divulgación del trabajo de artistas surrealistas. Desde luego que este intercambio también proliferó a la inversa, pues artistas ávidos por aprender los mé-todos plásticos de la vanguardia, se embarcaron a la aventura de cono-cer Europa, como Roberto Matta y el propio Diego Rivera.
¿SABÍAS QUÉ?
Tras el estallido de la segunda Guerra Mundial se refugiaron en nuestro país escritores y artistas pertenecientes al movimiento surrealista. Algunos de ellos se quedaron para siempre en México, como fue el caso de Leonora Carrington, Remedios Varo, Kati Horna y Wolfgang Paalen.
En 1936 llegó a la Ciudad de México el dramaturgo y poeta surrealista Antonin Artaud. Atraído por la magia de nuestro país, profundizó en la práctica de la ingesta del peyote en la Sierra Tarahumara.
André Breton llegó a México en 1938, y sólo permaneció cuatro meses, en casa de Diego Rivera y Frida Kahlo. Estableció un breve encuentro con León Trotsky, quien se hallaba en condición de asilado político.
Otro acontecimiento importan-te que logró unificar ambos lados del Atlántico se registró desde 1939, cuando al escapar de la guerra, al-gunos artistas surrealistas se refu-giaron en países como Estados Uni-dos y México.
Estos encuentros se plantean, dentro de la muestra del Munal, en su primer apartado, titulado “La re-vuelta creadora. Génesis del Surrea-
Roberto Matta. Tornado di sensazioni, 1971. Óleo sobre tela. Colección Pérez Simón, México. Fotografía: Arturo Piera.
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¿SABÍAS QUÉ?
NUMERALIA
12instituciones
y museos participantes
17obras proceden de colecciones
particulares de los Estados Unidos
17obras proceden
del Centre Georges Pompidou
de París
60artistas extranjeros
y mexicanos se exhiben en la
muestra
109obras en total, entre pintura, escultura, fotografía, dibujo y
grabado
26colecciones particulares nacionales e
internacionales
lismo”. Se ha constituido gracias a la oportunidad de contar con obras procedentes de la colección del Cen-tre Georges Pompidou, que aporta ejemplos de la creación de los artis-tas más representativos de la van-guardia, generadores de los códigos que caracterizan al Surrealismo. El último apartado de la exposición, llamado “Lo bello lo misterioso. Souvenir du Mexique”, da cuenta de los encuentros que lograron conec-tar exclusivamente a México y Euro-pa, a partir de una selección minu-ciosa de piezas que representan los registros visuales que encarnan el tejido de este diálogo, señalando las influencias de la estética surrealista en la plástica mexicana, en lo que se refiere a estilo, composición y temas. Estas influencias no sólo se dejaron sentir ni se asumieron al pie de la le-tra: se asimilaron culturalmente, se tamizaron y, una vez asentados per-fectamente sus sedimentos más sus-tanciosos, compusieron una estética propia. No podríamos decir que se trata de una estética generalizante, comprehensiva, como sí puede ser la de algunos surrealistas europeos: se trata de la materialización de la búsqueda personal de cada artista, producto de la síntesis de su tras-fondo cultural con las nuevas adqui-siciones heredadas del Surrealismo
DIÁLOGO ENTRE EL CONSCIENTE E INCONSCIENTE
Después de la publicación del se-gundo Manifiesto surrealista y si-guiendo la línea teórica de anhelar la conjugación de los estados del sueño y la vigilia, Breton escribió en 1932 Los vasos comunicantes, de-finiéndolos como la articulación de lo real y lo surreal, representando un mismo nivel comunicable, que logra vincular lo que se percibe en la vigilia y las realidades oníricas. Los estados mentales del artista, del espectador, el consciente y el in-consciente, son contenedores que reciben líquido (estímulos) indistin-tamente y que, en este acto de fluir, el puente de comunicación entre ambos recipientes permite que sus niveles sean idénticos: gracias a la obra e impacto del trabajo de Freud, por ejemplo, el inconsciente no será ya más un residuo vergonzante y re-legado, sino que su voz se escuchará con el mismo impacto que el pro-ducido por el discurso que se emite desde la realidad lógica de la vigilia.
El deseo de explorar el sub-mundo que el psicoanálisis reveló, permitió a los artistas el descubri-miento de territorios alternos, apa-
rentemente alejados de la realidad, que comunican y expresan a través de constantes iconográficas, como el caso de los ejercicios automáticos, las representaciones del sueño, el ojo y las deconstrucciones del cuer-po. Estos cuatro apartados se ubi-can dentro del segundo núcleo de la muestra, titulado “El reinado del sueño. El diván del artista”.
Con la intención de reproducir el juego comunicable entre el esta-do de la vigilia y el sueño y al for-mar parte esencial de la vanguardia surrealista, el cine toma una gran importancia en esta exhibición. Re-presentado mediante una serie de secuencias elegidas a partir de pe-lículas emblemáticas como El perro andaluz de Luis Buñuel, esta cura-duría fílmica se dispone a lo largo de los tres núcleos de la muestra, permitiendo al público darse un mo-mento dentro del recorrido para ex-perimentar la conexión entre lo real vivido y el inconsciente estimulado, entre lo histórico documentado y lo que el propio visitante va expe-rimentando a medida que descubre el ánimo de la muestra. Gracias a esta serie de inserciones fílmicas, el público podrá sentirse como quien se resguarda en la oscuridad de una cabina a ver una película prohibida, como quien husmea por la mirilla de una puerta hacia un interior privado, como quien contempla el resplandor de una imagen en la superficie del agua. Estos fragmentos fílmicos re-presentan el mundo interior.
Para que no te pierdas ninguna
de las actividades consulta los
programas en nuestra página de
internet www.munal.com.mx
Max Ernst. Torpid Town [Pueblo cansado], 1943. Óleo sobre tela. Museo Tamayo INBA – CONACULTA.
Gunther Gerzso. Aigle, 1947. Óleo sobre tela. Colección particular.
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¿QUIÉN ERES CUANDOENTRAS A UNA EXPOSICIÓN?
Hemos hablado en otros números sobre los diferentes tipos de público que recibimos. En esta reflexión abordamos el hecho de que nuestros intereses personales y las razones de nuestra visita hacen que la experiencia vivida en una exposición varíe significativamente en comparación con las de otras personas.
Eva Isis Sifuentes
En el caso de la exposición Su-rrealismo. Vasos comunicantes,
inaugurada a finales del pasado mes de junio en el Munal, las po-sibilidades a las que nos enfrenta la obra son inmensas y más si par-timos de la idea de André Breton según la cual, existe una necesidad de usar la imaginación sin límite al-guno. Es por esto que, en la mues-tra, se pueden encontrar guiños que apelan a diferentes tipos de público. El interés del museo radica en mos-trar las diversas maneras como se interpretó el principio de “vasos co-municantes”, mismo que puede ser entendido como lo que hace que dos o más contenedores, vincula-dos entre sí por un tubo en su parte inferior, siempre tendrán el mismo nivel de líquido, sin importar cuán-to se añada a cada uno. Esto es obra de la presión atmosférica.
Así pues, esta exposición meta-foriza a partir del citado principio y se refiere a diversas posibilidades de “tubo de comunicación”, una re-presentada por los artistas que via-jaron de un continente a otro; otra representada por la comunicación que el Surrealismo posibilita entre el interior y el exterior, entre la vi-gilia y el sueño, entre la consciencia y la inconsciencia. Este intercam-bio entre consciente e inconscien-
te implica lo que los surrealistas buscaban lograr en sus obras: la expresión de una nueva realidad o de aquello que restablece la identi-dad entre el mundo de la vigilia y el mundo del sueño.
El museo ha asumido el reto de buscar recursos que amplíen las posibilidades para que el público
En el Munal se conoce como Pro-yecto de interpretación a los ele-mentos alternos que son conside-rados dentro de una exposición y que buscan distintas maneras de transmitir, compartir y gene-rar experiencias con respecto a una muestra. Como productos de un proyecto de interpretación se pueden encontrar hojas de sala, información en los muros, inte-ractivos, videos y actividades que
promueven la participación activa del público, tales como escribir, dibujar o utilizar las redes socia-les. El proyecto de interpretación se va cocinando meses previos a la inauguración y en su desarrollo pueden estar involucradas cuatro o cinco áreas del museo. Estas discusiones en equipo, a veces arduas, buscan presentar alterna-tivas para que distintos tipos de público gocen de una exposición.
PROYECTO DE INTERPRETACIÓN
¿Vasos comunicantes?
Para público general
Explora cómo se comunican el consciente y el inconsciente, Eu-ropa y América Latina, los sueños y la realidad, en una visita en la que se explica cómo es que el Su-rrealismo implicó una revolución creativa y subversiva.
Diálogos entre el cons-ciente y el inconsciente. Con actividad para público general
La sala es el sueño, el exterior la realidad. Descubre cómo plas-maban los surrealistas su inte-rior y vincúlalo con tus propias experiencias, verbalmente o de cualquier manera. Encontrarás tu sensibilidad desfigurada, lírica y no reflexionada para construir un cadáver exquisito colectivo.
VISITAS GUIADAS
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plantee sus propias metáforas re-curriendo al principio de “vasos co-municantes”. Para algunos, sin em-bargo, establecer esta conexión tal vez no revista ningún interés. Las obras, en conjunto con todo lo que el museo propone, son una nove-
dad consideradas en su agrupación. Para otros bastará con observar las obras y la forma como dialogan en la sala, pues esta relación permite una experiencia estética. En parale-lo, existe información en los muros para quienes deseen ser seducidos por las ideas surrealistas y su histo-ria. Para otros más, la experiencia se puede combinar con las inserciones fílmicas ya que éstas se encuentran inmersas en ambientes que apelan
al morbo, al sueño y a lo irreal y ponen al público, por qué no, “en posición de diván”.
En sala hay también un espacio para quienes gusten plasmar sus ideas y escribir lo que el incons-ciente les dicte. Esto, junto con la posibilidad de ver su cuerpo como si estuviera en un punto intermedio entre el sueño y la vigilia, hará de un recurso interactivo una posibili-dad de concreción de los puentes estéticos tendidos entre la obra y el espectador.
Por otro lado, el museo ofrece dos tipos de visita guiada, una cen-trada en aspectos históricos y otra que incluye actividades prácticas y de juego “surrealista”, con lo que
la exposición, no obstante permite tantos tipos de visita como visitan-tes y ánimos existen, plantea que haya un recorrido lúdico en el que se destacan aspectos que tienden a vincular al espectador con las pre-misas del Surrealismo de un modo vivencial.
Sabemos, sin embargo, que se-ría imposible imaginar todas las experiencias que se viven durante el recorrido. Es por ello que, como museo, nos interesa escucharte. Si deseas expresar algo sobre tu expe-riencia en la sala, envíalo al correo [email protected].
Martes a viernes12:00 y 14:00 hrs., previa reservación
Sábado y domingo 12:00 y 14:00 hrs., sin reservación
Grupo mínimo de 10 personasReunión en el vestíbulo
Martes a viernes13:00 hrs., previa reservación
Sábado y domingo13:00 hrs., sin reservación
Cupo limitado a 15 personasReunión en el vestíbulo.
Informes: 5130-3400 Ext. [email protected]
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AUTOPSIA DE UN CADÁVER EXQUISITO:
MUERTE Y MILAGROS DEL SURREALISMO
LA CÁMARA MONSTRUO DE GÁMEZ: REINVENCIONES DE LA REALIDAD MEXICANA
Ahí estaba Rubén, su lente car-gado, el aro de fuego por ojo
y un cronómetro en la mano. La realidad no le bastaba. Entre las múltiples formas y los colores danzantes, convertía la luz en poe-sía, el sonido en provocación y el sueño, el sueño siempre su única brújula.
Y es que el cine de Rubén Gá-mez no solamente desafió la rea-lidad: propuso su reinvención a partir de una imagen auténtica. Lo siguieron hombres como Juan Rul-fo y Jaime Sabines, mujeres como María Rojo, bestias de mil voces como esta masa informe que so-mos los mortales mexicanos.
En el marco del ciclo de cine surrealista tendremos la función de La Fórmula Secreta, así como Ma-gueyes en una proyección especial sorpresa, destinada a las noches de museos. No pierdas la oportu-nidad de vivir los mundos de Gá-mez en pantalla grande como parte de nuestra temporada surrealista. Consulta cartelera.
Pablo Martínez Zárate
Oswaldo H. Truxillo
Dicen los lexicógrafos —esos se-res que luego de escribir diccio-
narios echan a andar por los cami-nos de la locura (Sir James Murray dixit)— que no hay nada más muer-to que una palabra cuando ha entra-do, finalmente, a formar parte de un diccionario. Es decir, el lenguaje es vivo e inasible mientras discurre por los labios de los hablantes y se vola-tiza por las calles; luego, el margen de su improvisación semántica se va reduciendo, hasta que se lexicaliza y, al fin, uno puede leer la entrada correspondiente en el diccionario como su dignísimo epitafio.
Desde esa óptica, es signifi-cativo que la voz surrealista haya tardado casi un siglo en figurar en los diccionarios convencionales (incluso hoy, el paquidérmico y an-quilosado DRAE no la registra y la ultracorrige por la de “superrealis-ta”). El Oxford English Dictionary, en cambio, define el adjetivo como
“perteneciente al surrealismo” y, en segundo lugar, agrega un intere-sante sinónimo: “bizarre”. Podemos perfectamente imaginarnos a un André Breton agraviado si se ente-rara de que su propuesta estética que no buscaba contradecir sino superar su realidad circundante, terminó por entenderse en nues-tro siglo como una simple “rareza”, como un “sinsentido”.
Pero ¿cómo ocurrió este proce-so? No pretendo dar una respuesta absoluta pero aventuro la siguiente: los artistas y sus públicos han aso-ciado consistentemente al surrealis-mo con cierto tipo de automatismo onírico. Además de sus propias defi-niciones en los manifiestos, eran fa-mosas las sesiones de interpretación de sueños dentro del grupo que des-de siempre se sintió atraído por el azar, por el absurdo, por la lógica imposible y borrosa de los sueños.
Precisamente un brumoso con-cepto de onirismo es lo que ha dis-culpado recientemente a productos artísticos de todo tipo amparados bajo el concepto de surrealismo. El cine, por ejemplo, ha vivido plaga-do de imitadores del sopor. En este punto conviene, sin embargo, recor-dar la opinión de Borges sobre el
sueño plasmado estéticamente. Se-gún el autor bonaerense nada hay de nebulosidad en lo que uno sue-ña, al contrario, las imágenes están siempre construidas por una limpi-dez y una lógica impecables. A su amigo Bioy le confesó: los franceses parecen no haber advertido que el surrealismo, valga lo que valga la teoría, impide, en la práctica la pro-ducción de páginas legibles.
Y de películas visibles, podría-mos agregar. Precisamente la ho-nestidad y la limpidez de la imagen cinematográfica distinguieron a autores que lograron 'esculpir' en la pantalla la materia de los sue-ños de una manera profunda. ¿Los llamaremos surrealistas? Si alguien insiste, que así sea. Resulta, de to-dos modos, evidente que Buñuel es más buñuelista que surrealis-ta, tal como es imposible llamar a Fellini de otra manera que no sea fellinista. Justamente otro genio del onirismo, Andréi Tarkovksy, escribió esta advertencia contra la tentación de la extravagancia y del sinsentido: “En cine la “opacidad” e “inefabilidad” no significan una imagen confusa, sino la impresión particular creada por la lógica del sueño: combinaciones y conflictos inesperados entre elementos com-pletamente reales. El cine debe, por su propia naturaleza, aclarar la rea-lidad, no oscurecerla.”
Es cierto que la voluntad de transformación del mundo del
movimiento vanguardista siempre pasó más por el ámbito de lo políti-co que de lo estético, pero ya que no quedan más artistas apuntando con un revolver frente a la multitud —ni cineastas apuntando con su cá-mara— quizá sea momento de re-plantear nuestras convicciones es-téticas. Las modas pasan y hoy que el surrealismo huele a cadáver, el Cineclub del Munal nos invita a re-flexionar sobre su sentido, e inclu-so su sinsentido. Consulta cartelera.
Fotogramas de Un perro andaluz, de Buñuel y Dali.
Fotogramas de Filmstudie, Hans Richter
Fotogramas de Vormittagsspuk, Hans Richter
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Esta sección se inaugura con una revisión a las exposiciones que se dedicaron anteriormente en nuestro país al Movimiento Surrealista, tanto en la Galería de Arte Moderno como en el Museo Nacional de Arte, en 1940 y 1986, respectivamente.
Junto con la llegada de los surrea-listas a México, el movimiento co-
menzó a sentise cómodo en nuestras tierras y a asumirse poco a poco como una manifestación de vanguar-dia. No sólo albergó en su círculo a exiliados de nacionalidades distintas como Kati y José Horna, Remedios Varo, Benjamín Péret, Wolfgang Paa-len, Alice Rahon, Eva Sulzer, Leono-ra Carrington y César Moro, (todos ellos radicados en México) sino que también abrió sus brazos a artistas mexicanos afines al pensamiento de Breton, tales como Gunther Gerzso, Diego Rivera, Frida Kahlo, Guiller-mo Meza y algunos otros que, sin considerarse surrealistas, participa-ron en la Exposición Internacional del Surrealismo de 1940.
Realizada en la Galería de Arte Mexicano, la Exposición Internacio-nal del Surrealismo fue organizada por los surrealistas Wolfgang Paalen, César Moro y André Breton desde París, quien ya había regresado des-pués de su estancia en nuestro país. Esta muestra presentó en total 109 piezas, algunas de ellas provenientes de lugares como Alemania, Austria, Francia, Chile, España, Inglaterra, México y Estados Unidos, por men-cionar algunos, incluyendo dibujos, arte mexicano antiguo y “arte salva-je”, llamando de este modo a másca-ras, vasos y estatuas provenientes de Nueva Guinea y México.
Algunos artistas mexicanos que participaron en la muestra fueron Agustín Lazo, Manuel Rodríguez Lo-zano, Carlos Mérida, Guillermo Meza, José Moreno Villa, Roberto Monte-negro, Antonio Ruiz “El Corcito” y Xavier Villaurrutia, todos con una o dos obras. Cabe mencionar que Ma-nuel Álvarez Bravo, Diego Rivera y Frida Kahlo fueron incluidos dentro del grupo de artistas internacionales con dos o más obras cada uno. En el día de la inauguración, un gran contingente compuesto por allega-dos, artistas y políticos invadió la Galería de Arte Mexicano. Ante la mirada atónita de los presentes, la noche dio inicio con la aparición de la Gran Esfinge Nocturna, que era Isabel Marín vestida de blanco, con una cabeza de mariposa y volando sobre los espectadores.
SURREALISMO REVISITADO
Después de haber recibido a los su-rrealistas en la exposición de 1940 y de abrir los brazos a aquéllos que decidieron quedarse, México fue tes-tigo de la formación de grupos de artistas afectos a este movimiento. Naturalmente, motivó críticas y tuvo detractores. Como es vocación de esta sección, se reflexionará ahora en la exposición que el Museo Na-cional de Arte preparó en 1986.
Pese al poco entusiasta recibi-miento que el Surrealismo tuvo en los primeros años de su naturaliza-
ción en México y, a pesar también de la acerba crítica por parte de algu-nas esferas de intelectuales y artistas, la corriente nunca dejó de existir en la obra de algunos artistas mexica-nos. Después de haber participado en la exposición de 1940, este gru-po se dispersó, algunos se unieron a los grupos que se formaron en tor-no a los surrealistas europeos que ya se habían establecido en México y otros sólo integraron a su icono-grafía algunos de los elementos del repertorio visual de la vanguardia.
Para hablar de la influencia su-rrealista en México y de su apropia-ción por parte de generaciones pos-teriores, es importante mencionar a los grupos formados en la ciudad, siendo el primero el de la calle Ga-bino Barreda, integrado por los su-rrealistas exiliados Remedios Varo,
Benjamin Peret, Kati y José Horna, Leonora Carrington, Esteban Fran-cés y el mexicano Gunther Gerzso. El segundo grupo fue fundado al sur de la ciudad, a raíz de la llegada de Wolfgang Paalen y su entonces es-posa Alice Rahon; convocaron a Eva Sulzer y a César Moro quienes, al lado de otros mexicanos, participa-ron en la publicación de la revista Dyn. Por último, está el grupo de su-rrealistas que más adelante se pon-dría en contacto con los dos grupos ya existentes, pero que, a diferencia de éstos, se caracterizó porque la es-tancia de algunos de sus miembros
fue breve. En este grupo podemos encontrar a Bona Mandiargues, Ed-ward James y Luis Buñuel, visitantes fugaces que dejarían el rastro de su influencia en algunos trabajos de ar-tistas y literatos mexicanos.
El ir y venir de estos artistas y su relación de amistad -que des-pués cristalizaría en lazos irrompi-bles de fraternidad- no sólo refiere a las historias protagonizadas por Pedro Friederberg, Xavier Esqueda, Octavio Paz, Alberto Gironella y Ju-lio Castellanos, entre muchos otros, sino también en los esfuerzos de la crítica por valorar o demeritar aque-llo que alguna vez se había confor-mado en torno a la evidente llegada del Surrealismo y sus exponentes. Si bien, el Surrealismo había desatado una gran revuelta en el mundo inte-lectual mexicano, no fue relegado al
olvido en años posteriores, pues era revivido por sus más acérrimos ene-migos o aliados a partir de comenta-rios en contra o a favor, aun pese al cambio de actitud que se registró en la comunidad artística e intelectual a partir de la década de 1950.
Se piense o no que el Surrealis-mo constituyó un parteaguas en la creación plástica mexicana, su pre-sencia motivó la reflexión de varios estudiosos, artistas e intelectuales, quienes reflexionaron largamente en la asimilación de las premisas de esta vanguardia. Algunos de ellos fueron Luis Mario Schneider, Ida
Rodríguez Prampolini, Juan Larrea, Juan Somolinos Palencia, Luis Car-doza y Aragón, Agustín Lazo, Octa-vio Paz y Lourdes Andrade, quien destaca como una de las investi-gadoras que más ha abundado en los intercambios plásticos entre el Surrealismo del viejo y del nuevo mundo.
Como deriva de aquellos tiem-pos (años 30-40), es posible en-contrar obra de artistas mexicanos que fueron considerados dentro de la temática afín al Surrealismo por la recurrencia a sus elementos ico-nográficos y que más tarde fueron integrados en la exposición que el Museo Nacional de Arte realizó en 1986, titulada Los surrealistas en México, muestra que proponía una revisión de los artistas surrealistas que integraron el grupo parisino, los
SURREALISMO: DE LA GAM AL MUNAL
exiliados en México y los jóvenes na-cionales y extranjeros que comple-mentaron su repertorio iconográfico con la influencia documentada en paisajes, poemas, cartas y esculturas que formaron parte de la exposición.
Esta exhibición del 86 fue orga-nizada por Luis Mario Schneider, Ida Rodríguez Prampolini y Juan Somo-linos Palencia quienes, además, es-cribieron en el catálogo un apartado titulado “Prólogos”, donde cada uno reflexiona en torno a la exposición y su importancia con ensayos que ver-san sobre el Surrealismo y la fantasía mexicana, el Surrealismo y la cien-cia y la presencia de los surrealis-tas en México. También se incluyen textos de Octavio Paz, un apéndice con el manifiesto Por una arte in-dependiente revolucionario y textos de Agustín Lazo, César Moro, André Breton, así como una entrevista que Heliodoro Valle hizo a Breton a su llegada a México.
Se contempló a un total de 53 artistas y de 200 obras entre óleos, esculturas, dibujos, cartas collage y objetos. Entre los artistas mexicanos que se incluyen podemos encontrar algunos que ya habían participado en la exposición de 1940 como Manuel Álvarez Bravo, Frida Kahlo, Guillermo Meza, Roberto Montenegro, Antonio Ruiz “El Corcito” y Manuel Rodríguez Lozano; entre los artistas que retoman elementos del Surrealismo en su obra contamos a Alberto Gironella, Juan O’Gorman, Mario Rangel, Rufino Ta-mayo, Juan Soriano, Francisco Toledo y Gunther Gerzso. En cuanto a los ar-tistas extranjeros y exiliados encontra-mos que algunos de ellos no fueron incluidos en la exposición de 1940, tal es el caso de Edward James, Leono-ra Carrington, Bridget Bade Tichenor, Leonor Fini, Kati y José Horna y Aube Elléaüet Breton.
Las dos muestras de las que aquí se ha hablado fueron, sin duda, dos de los hitos en lo que a la relación México y el Surrealismo se refiere. Por un lado, está la exposición del 40 que, además de colocar a los ar-tistas mexicanos participantes en el espectro de la plástica de vanguar-dia, posicionó a México ante la mi-rada atónita del resto de América como uno de los países surrealistas
“por naturaleza”. Por otro lado está la exposición del 86 que, además de te-ner el mérito de haber reunido una copiosa cantidad de obras de los su-rrealistas internacionales, incluyó en su discurso obras de artistas mexica-nos que, junto con un recuento lite-rario del surrealismo en México, es un balance de lo sucedido después de la exposición de 1940 en el terre-no artístico y literario.
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En el marco de la exposición Surrealismo. Vasos comunicantes, el Museo Nacional de Arte exhibe
simultáneamente la muestra Raúl Anguiano: dos realidades, 1934-1942, conformada por más de 45
obras basadas en los sueños del artista jalisciense.
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En 1934, procedente de su natal Jalisco, Raúl Anguiano llegó a
la Ciudad de México; inmediata-mente experimentó un cambio en su creación artística. Sin trabajo formal, aprovechó su primer año de estancia para prepararse teó-ricamente y para profundizar en temas propios de la Revolución Mexicana y de la Revolución Rusa, con lo que desarrolló un creciente interés por apoyar los movimien-tos obreros y campesinos.
En esa misma época, en con-cordancia con el programa educa-tivo impulsado por el cardenismo, el proyecto muralista como siste-ma de comunicación de las ideas estéticas y políticas del régimen fue adquiriendo más importan-cia; se pintaron murales por todo el país y el muralismo comenzó a representar una opción de vida y trabajo para numerosos artistas.
no dormirse se ponía a dibujar co-sas fantásticas como protesta ante su aburrimiento.
Esta temática tan escasamente reconocida en el artista, es motivo de análisis y reflexión, por ello el Museo Nacional de Arte, junto con la acuciosa colaboración de Brigita Anguiano, reúne una serie de más 45 de estas obras, dando forma y nombre a la exposición Raúl An-guiano: dos realidades, 1934-1942. Entre óleos, acuarelas, dibujos y grabados, esta curaduría da cuenta de la versatilidad del artista, pro-vocada por la necesidad de experi-mentar en diferentes estilos, temas y técnicas, constituyendo la simien-te para su posterior desarrollo ar-tístico y su pertenencia a la “Escue-la Mexicana de Pintura”.
El concepto curatorial de la muestra se desarrolla a partir de de dos núcleos, con los cuales se
logra apreciar la gran habilidad de Anguiano como dibujante, al plas-mar sus pensamientos con trazo firme y eficaz. En el primer aparta-do, “Espacios y sueños”, se pueden examinar dibujos producto de un dictado inconsciente o automático, que derivan en algunas represen-taciones cubistas y en figuraciones distorsionadas por trazos que ex-presan sentimientos de angustia, miedo y sufrimiento. “Deseos ins-tintivos”, da título al segundo apar-tado, el cual está compuesto por interpretaciones libres que ilustran mitos, leyendas e historias, así como extrañas escenas populares mexicanas, que son intervenidas por figuras fantásticas, que aunque brotan de la imaginación del artis-ta, pueden verse también como el registro de esa otra realidad que pocos artistas mexicanos se atre-vieron a encarar.
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Fue así como Anguiano comenzó a adiestrarse en la técnica del fresco, practicando en pequeños formatos con acuarela.
Poco a poco, con ayuda de sus amigos artistas, se integró a la realización de algunos murales. Además se incorporó a las filas de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (lear fundada en 1933), organización que centraba su apoyo en los ideales pos-revo-lucionarios y que difundía el tra-bajo de artistas como Fermín Re-vueltas, Pablo O’Higgins, Alfredo Zalce, Chávez Morado, entre otros. Debido al oportunismo de algunos de sus integrantes, lear se desinte-gró y Anguiano, junto con algunos compañeros, deciden fundar en 1937 el Taller de Gráfica Popular (tgp), claramente comprometida con las luchas populares, obreras y campesinas. Anguiano y sus inte-
grantes, produjeron un arte basado en las tradiciones populares mexi-canas, ponderando composiciones de alto contenido político.
Paralelo a los clásicos temas campesinos y proletarios que plas-maba en sus murales y grabados, Anguiano realizó en un periodo de ocho años, entre 1934-1942, una serie de dibujos y pinturas basada en sus sueños e imaginación.
Al mismo tiempo que aprendía la técnica del fresco, experimenta-ba con composiciones metafísicas que nos remiten a los paisajes de Giorgio de Chirico, pero con cierto aire mexicano.
Consciente de plasmar sus pro-pios sueños, Anguiano recuerda que muchos de los dibujos que pertenecen a esta época eran rea-lizados en las reuniones de la lear, en las cuales al cansarse de las dis-cusiones de sus asistentes o para
La llamada del instinto, 1942
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James OlesANGUIANOCOMPROMISO CON LA VICTORIACuando, en 1934, a sus dieci-
nueve años, Raúl Anguiano descendió del tren en la estación de Buenavista de la Ciudad de México, seguía los pasos de un grupo de ar-tistas jaliscienses —entre ellos José Clemente Orozco, Roberto Montene-gro, Luis Barragán, María Izquierdo y Jesús Guerrero Galván— que se alejaron del conservadurismo de la provincia en busca de nuevas opor-tunidades económicas, políticas o bohemias. A la llegada de Anguiano a la capital, los artistas mexicanos modernos estaban casi todos dedi-cados a lo figurativo: sin embargo, sus diferentes puntos de vista sobre el propósito del arte impedían que se hablara en cualquier sentido de una “Escuela Mexicana” uniforme. Anguiano debía elegir entre varias rutas posibles al dejar atrás sus días de estudiante y asumir el papel pú-blico del artista profesional.
Los tres principales muralistas estaban entonces trabajando fuera del país, en exilio voluntario, aun-
El presente texto es un fragmento del ensayo que el Historiador del Arte James Oles hizo para el cuadernillo que acompaña la exposi-ción del pintor jalisciense.
que quedaban en México algunos artistas radicales que expandían las fronteras de lo posible en los últi-mos meses del Maximato; uno de los acontecimientos más significa-tivos de 1934 fue la decoración de las escuelas primarias racionalistas de Juan O’Gorman por parte de equipos de artistas, muchos de ellos asociados con la izquierda. Aconte-cimientos económicos y políticos turbulentos, suscitados tanto en Mé-xico como en el extranjero, estaban obligando a varios artistas a asumir posturas cada vez más militantes contra el capitalismo y el fascismo. Pero otros, especialmente aquellos asociados con la revista Contempo-ráneos aun después de su cierre en 1931, se abstuvieron de referirse a los hechos del día salvo en términos metafóricos. En lugar de agruparse en asociaciones colectivas y favore-cer el arte público (desde murales hasta carteles), estos pintores se con-centraron en crear imágenes para su propia satisfacción personal o para
el naciente mercado del arte (la Ga-lería de Arte Mexicano, la primera galería comercial en México, apenas se fundó en 1935).
De hecho, cuando Anguiano lle-gó a la Ciudad de México, se libraba en la capital un violento debate en-tre dos estrategias muy distintas de producción artística. Ambos lados fueron caricaturizados con crueldad por Jesús Guerrero Galván, amigo de Anguiano desde Guadalajara, en un dibujo publicado en una revista de izquierda en 1934. La imagen de Guerrero Galván compara a un ama-nerado pintor de caballete —una ca-ricatura de Agustín Lazo, de quien se sabía que era pareja del poeta Xavier Villaurrutia— con un musculoso mu-ralista de la clase obrera. El dibujo privilegiaba claramente el “arte so-cial” de inspiración marxista, sobre lo que se conocía entonces como “arte puro”, o “el arte por el arte”, asociado de manera cínica con Cori-don, texto en el que André Gide de-fendía abiertamente la homosexua-
lidad. Los dos personajes aparecen dándose mutuamente la espalda, sin permitir ninguna posibilidad de diá-logo entre ellos, aunque en realidad varios artistas —entre ellos, Guerre-ro Galván y Anguiano— sí circularon fácilmente entre ambos extremos, y crearon imágenes que hubieran po-dido aparecer con facilidad sobre un lienzo o sobre un muro.
En la segunda mitad de los años treinta, la producción de Anguiano como artista incluía murales, graba-dos y carteles que delatan su com-promiso con la victoria revoluciona-ria y la protesta antifascista, todos ellos producidos en una serie de or-ganizaciones colectivas, algunas más duraderas que otras, como la Liga de Escritores y Artistas Revolucio-narios (LEAR, fundada en 1933), la Alianza de Trabajadores de las Artes Plásticas (ATAP, 1934), la Federación de Artistas y Escritores Proletarios (FEAP, 1935) y la más célebre, el Ta-ller de Gráfica Popular (TGP, funda-do en 1937, en un principio como
parte de la LEAR). Entre las obras de este periodo de Anguiano hallamos a varios obreros carnosos en una fundición, un cartel antifascista tem-prano para una exposición patroci-nada por la ATAP, un mural en el que se muestra a una poderosa Trinidad revolucionaria que se levanta sobre el globo terráqueo, hecha para un proyecto de la LEAR en Morelia, así como numerosas litografías y car-teles para el TGP. Organizaciones como la LEAR y el TGP agrupaban a una amplia gama de artistas e inte-lectuales mexicanos en un frente co-mún contra el fascismo durante los años treinta; por ello, no sorprende que el arte producido en estos co-lectivos fuera tan diverso estilística-mente, en contraste con el realismo socialista soviético, cada vez más es-tandarizado. Para finales de los trein-ta, de hecho, podemos ver a Anguia-no experimentando velozmente con varios lenguajes visuales diferentes del robusto “arte proletario”. Uno de ellos fue el surrealismo.
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El espacio y el sueño, 1934
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LOS DÍAS DE LA CALLE DE GABINO BARREDA
SURREALISMO EN LA PANTALLA GRANDE
Gunther Gerzso pintó Los días de la calle Gabino Barreda,
en 1944, en plena segunda Guerra Mundial. Lo pintó como ejercicio didáctico más que otra cosa y pen-só destruirlo después, pero la obra, rescatada por su amiga Kati Horna, ha quedado como testimonio del le-gado de Breton en México y del Su-rrealismo en el exilio. La obra toma su nombre de la calle de la Ciudad de México donde vivieron Benjamin Péret y Remedios Varo en una ve-cindad ruinosa infestada de ratas. Una vez a la semana se reunían allí los surrealistas exilados y otros amigos para compartir la botella de vino que sólo Gerzso podía pagar. Gerzso se quedó mudo el día que descubrió que las “bonitas copias” de dibujos clavados con alfileres en las paredes no eran sino origi-nales, regalados a Péret y Varo por sus amigos Brauner, Ernst, Tanguy y Picasso. Aunque faltase el dinero era impensable el venderlos.
Los días… es un meditado re-trato de grupo de artistas surrealis-tas huidos de Europa que espera-ban el final de la guerra para volver a sus casas. Gerzso era un surrea-lista mexicano, por lo que su repre-sentación de Leonora Carrington, Esteban Francés, Benjamin Péret, Remedios Varo y él mismo, tiene la virtud de estar hecho simultá-neamente desde dentro y desde fuera. Un estudio detenido del cua-dro devela aspectos íntimos y de la vida común del grupo. Se apoya en
El ojo y su narrativa. El cine surrealista desde México.
México-España, Munal-Imcine-Ediciones el Viso, 2012
La muestra cinematográfica de la exposición Surrealismo. Vasos
comunicantes, está acompañada de un catálogo que reúne a expertos y académicos del séptimo arte. Éste volumen refleja el ciclo, analizando el paso del surrealismo por la panta-lla grande: Javier Espada, del Centro Buñuel de Calanda y Volker Rivinius, escriben una introducción, el prime-ro sobre sus protagonistas (Man Ray, Antonin Artaud, Luis Buñuel), mien-tras Rivinius analiza el cine de van-guardia mostrando sus derroteros e intenciones.
Por su parte, Aurelio de los Re-yes, investigador y académico, hace un repaso puntual de la expresión fílmica surrealista mientras que Gus-tavo García y Carlos Bonfil, críticos de cine y estudiosos, nos muestran el impacto de la vanguardia, su trán-sito por el éxito y la censura, así como su desarrollo y evolución.
Desde el punto de vista plástico y vinculando la pintura con el cine, escriben Alicia Sánchez Mejorada y Olga Sáenz, trazandoel recorrido ar-tístico que va de una disciplina a otra.
El siguiente texto explica la imagen de portada del catálogo de la exposición Surrealismo. Vasos comunicantes. En él, Salomon Grimberg relata cómo esta extraordinaria pintura de Gunther Gerzso fue rescatada por Kati Horna.
Salomon Grimberg
dos obras de Max Ernst, Au Rendez-vous des amis (1922) y Le Miroir volé (1939): la primera es un retrato del grupo de los primeros surrealistas, la segunda un retrato de Leonora Ca-rrington en un paisaje totémico de Europa arrasada por la guerra. Gerz-so parodió ésta en la composición de Los días…
La escena del cuadro se sitúa en México, entre construcciones de adobe. La luz de una hora indefi-nida ilumina la escena con un tin-te verdiazul homogéneo. En primer plano a la izquierda, una Leonora Carrington escindida, en referencia a su incursión reciente a la locura, se eleva erguida sobe ella misma sentada: furias coralinas ascienden su cuerpo desnudo hacia su rostro oculto detrás de una máscara. En el fondo, Esteban Francés, velado de pies a cabeza, toca la guitarra ante cuatro mujeres desnudas retratadas en las hojas de un biombo. De un túnel oscuro situado bajo su asiento salen dos manos unidas: Francés su-plica en vano respuesta a sus avan-ces amorosos. A la derecha está Ben-jamin Péret de espaldas, con su calva característica -que le ganó el sobre-nombre de “El Padre Hidalgo”, por el parecido con el clérigo libertador de México- y los brazos, abiertos y le-vantados hacia el cosmos, formando un embudo para recibir inspiración. Sobre su espalda campea un huevo estrellado. La cerveza que una mano invisible vierte en un tarro alude a un poema que Perét dedicó a Jac-
ques Prévert: Mamaindans la bière. Remedios Varo descansa en el suelo recostada sobre el lado izquierdo, cubierta con una manta; un antifaz le enmarca los ojos, a juego con los tres gatos que la acompañan. Varo se hizo el antifaz para ir a un baile de disfraces con aire misterioso, como los personajes encantados que tiene detrás. La escena parece de cuento de hadas, como aquellas que Varo pintaría diez años más tarde y que le darían fama. Por último, en un cubo, modestamente apartada del centro, se ve la cabeza decapitada de Gerz-so. “El cuerpo esta enterrado”, ex-plica él mismo. La imagen presagia la iconografía futura de partes del cuerpo desgajadas. En el punto de fuga del paisaje, al otro lado del mar, llamas agitadas por el viento y humo se elevan ominosamente al cielo: Eu-ropa arde.
UN LIBRO DE ENSUEÑO
El catálogo de la exposición ofrece una perspectiva histó-rica y teórica del movimien-to surrealista desde una mirada europea a cargo de Serge Fauchereau, Didier Ottinger y Juan Manuel Bo-net. Miradas psicoanalíticas alimentan también desde esta disciplina el volumen y muestran en las creacio-nes y su teoría, la presencia ineludible de la revolución iniciada por Freud: Mónica López Velarde, Helí Morales y Nestor Braunstein. Philippe Ollé-Laprune presenta la lec-tura europea desde México, el punto de enlace; mien-tras que Fabienne Bradu y Salomon Grimberg escriben sobre las repercusiones del surrealismo en México y las creaciones nacionales que se inscribieron en esta ten-dencia mundial.
Surrealismo. Vasos comu-nicantes. México-España, Museo Nacional de Arte-Ediciones el Viso, 2012, 315 pág.
NÚM. 6 | JULIO | 2012
El 14 de julio nació en la Ciudad de México Enrique Echeverría, pintor abstracto figurativo, integrante de la llamada generación de la “Ruptura” en la década de 1950. 1923
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P U E R T A S A D E N T R O
En esta sección recurriremos a expertos y profesionales vinculados al ámbito de los museos, a fin de conocer su perspectiva sobre el Museo Nacional de Arte y su opinión sobre las funciones que esta institución desempeña. Una serie de reflexiones para celebrar los 30 años de vida del Munal.
VISIONES, PREJUICIOS Y PROSPECTOSEL MUNAL VISTO POR LOS PROFESIONALES DEL ARTE
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VISIÓN¿Cómo asume la misión del museo, conformado por acervos patrimo-niales del siglo XVI al XX, conside-rando las circunstancias del país y del entorno internacional?Considero que debe ser un proyec-to en constante actualización, que a la vez se dedica a la colección, pre-servación y difusión de los compo-nentes canónicos de la historia del
arte en México (incluyendo las ex-pansiones del canon con nuevas in-vestigaciones), refleje el estado de la cuestión constantemente cambiante de las diversas reinterpretaciones y relecturas sobre este acervo, y pro-ponga investigaciones propias a tra-vés de sus exposiciones, actividades y publicaciones.
PREJUICIO¿Cómo se ha replanteado la categoría “arte mexicano” en nuestros días?Cada vez se toma más en cuenta que el concepto de “arte mexicano” nos remite a la diversidad y la diferen-cia, no sólo a la unidad, continuidad y homogeneidad, y en esa medida plantea retos éticos, políticos, psico-lógicos y estéticos, entre otros.
PROSPECTO¿Cuál es su visión del Munal den-tro de 20 años?Si la pregunta se refiere a lo que me gustaría (no sé si se darán las condiciones de posibilidad respec-tivas), me encantaría que: 1) volvie-ra a tener un nivel propositivo en la investigación histórico-artístico y museológico, como tuvo en mo-mentos pasados; por supuesto, en función de las condiciones dentro de 20 años; 2) incorporara al género sexual como criterio crítico para la investigación y reconfiguración de las narrativas de la colección perma-nente y las exposiciones temporales; 3) sirviera como un dispositivo para el pensamiento crítico y analítico a todos los niveles de la sociedad.
CIERRE DE CICLO: IMPERIOS LUMINOSOS
MUNAL E INSTITUTO GOETHE INVITAN AL CICLO 80 AÑOS DE ANIMACIÓN ALEMANA
Una amplia retrospectiva con material desde la vanguardia
de los años 20 del siglo pasado has-ta las mas recientes producciones de la actualidad
En casi ningún otro género fíl-mico se reflejan con mayor claridad la diversidad y las contradicciones existentes en la producción cinema-tográfica alemana como en el cine de animación. Ya desde sus fases tempranas, la película de animación realizada en Alemania se ubicó en un área de alta tensión, entre individua-lidad artística e intereses económicos y políticos. Con frecuencia se le sim-plifica como mero género infantil o se enfocan demasiado sus elementos fantásticos, sin embargo el desarrollo del cine de animación en Alemania constituye una parte de la historia del país. Ahí se entrelazan cultura visual e historia, aspectos que pueden des-cifrarse a partir del modo de produc-ción de la animación, así como de su factura y las condiciones de su distri-bución. Todos los domingos de julio al campanazo del medio día.Consulta cartelera.
Los paisajes de Ezequiel Negrete Lira reflejan una mirada transpa-
rente, donde la paleta cromática y las formas se desdoblan bajo geome-trías irregulares, casi en movimiento, como si fueran parte de una secuen-cia fílmica de animación. Partiendo de sus escenarios rurales, seleccio-namos obras mexicanas y una cinta italiana, construyendo así vínculos
entre los pasajes plásticos de Negre-te Lira e imágenes en movimiento a fin de ampliar los horizontes que se extienden más allá de los marcos de los óleos ahora expuestos en el Museo Nacional de Arte. Con este ci-clo cerramos la tercia dedicada a la exposición Imperios Luminosos. Las funciones serán todos los sábados al medio día. Consulta cartelera.
Ezequiel Negrete Lira, La cosecha del maíz, 1958. Óleo sobre tela
CINE
¿Vasos comunicantes?
Actividad gratuita con tu boleto de admisión al museo
Martes a viernes 12:00 y 14:00 hrs. Previa reservación
Sábado y domingo 12:00 y 14:00 hrs. Sin reservación
Diálogos entre el consciente y el inconscienteCon actividad para público general
Actividad gratuita con tu boleto de admisión al museo
Martes a viernes 13:00 hrs. Previa reservación
Sábado y domingo 13:00 hrs. Sin reservación
Todos los días hasta el 19 de agosto
Alba de oleo, color de piedraRoberto Parodi
Salas Monotemáticas
Todos los días hasta el 29 de julio
Imperios luminososEscuela de pintura al aire libre
Salas 32, 33 y 33a del recorrido permanente
Todos los días hasta el 23 de septiembre
Leo MatizMicrocosmos de una victoria
Gabinete de fotografía Siglo XX
DEMIÁN FLORES
Todos los días hasta octubre
De/construcción de una naciónDemián Flores
Salas 20 y 21Todos los días hasta octubre
Variaciones luminicas para la contemplacion del tiempoMarcelo Balzaretti
Sala 10
DIÁLOGOS CONTEMPORÁNEOS
SALA DE EXPOSICIONES TEMPORALESJULIO 5 SEPTIEMBRE 15
Sala de colecciones especiales
EXPOSICIONES TEMPORALES 2012 VISITAS GUIADAS
Informes en Comunicación Educativa, teléfono 51 30 34 00, Ext. [email protected]
Público juvenil y adulto
Todo público
Adultos en plenitud
Martes a domingo 12:00 y 14:00 horas, sin reservación. Mínimo 10 personas
Martes a viernes con previa reservación
Todos los jueves del año con previa reservación
Miércoles 12:00 horas, con previa reservación
Martes a viernes con previa reservación
Visitas guiadas y talleres
Actividades en torno a la exposición Surrealismo. Vasos comunicantes
MUSEO NACIONAL DE ARTE
Todos los días, todos los meses. Visita guiada a tu medida por la exposición permanente
Tema del mes: Animalia
La mujer en el arte
Una cana al arte. Cada visita una obra distinta
Talleres y visitas guiadas desde preescolar
Público escolar
VISITA NUESTRAS EXPOSICIONES VIRTUALES:www.expresoartemexicano.com www.googleartproject.com www.munal.com.mx
Munal e Instituto Goethe: Historia del cine de animación alemán
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
Cortometrajes. Programa 1: Vanguardia animada
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Preludio Surrealista
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Spellbound (1945) Alfred Hitchcock
Miércoles Sábado
Domingo: entrada libre
Domingo: entrada libre
Domingo: entrada libre
Domingo: entrada libre
André Breton, Wifredo Lam y Pierre Mabille en Haití
Auditorio Adolfo Best Maugard 17:00 horas
Conferencia Sergio Méndez Moissen
Los años que vivimos en Paris
Auditorio Adolfo Best Maugard 17:00 horas
Conferencia Adolfo Cantú Elizarrarás
Jueves
Geometría sonora, Música en el MUNALMaría Luisa Tamez Mezzosoprano
Héctor Sosa Contratenor
Carlos Alberto Pecero Piano
Salón de recepciones 12:00 horas
Munal e Instituto Goethe: Historia del cine de animación alemán
Cortometrajes. Programa 2: Conquistando el espacio
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
Temporada de cine surrealista
La sangre de un poeta (1930) Dir. Jean Cocteau
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Geometría sonora, Música en el MUNALJosé Alfonso Álvarez Piano
Salón de recepciones 12:00 horas
Ciclo Imperios Luminosos- Ezequiel Negrete Lira
El hombre de los hongos (1976) Dir. Roberto Gavaldón
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
Mira Lee. Antiguo testamento: Génesis
Participante: Guillermo Vega Zaragoza Obra: Adán y Abel
Sala 16 13:00 horas
Temporada de cine surrealista Un perro andaluz (1929) Dir. Luis Buñuel
La edad de oro (1930) Dir. Luis Buñuel
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Geometría sonora, Música en el MUNAL
Salón de recepciones 12:00 horas
Ciclo Imperios Luminosos- Ezequiel Negrete Lira
La orilla de la tierra (1994) Dir. Ignacio Ortiz
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
Mira Lee. Moctezuma II y la Conquista
Participante: Alberto Chimal Obra: Moctezuma II, emperador
Sala 17 13:00 horas
Sergio Meneses Bajo
Raquel Waller Piano
Temporada de cine surrealista
Orfeo (1950) Dir. Jean Cocteau
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Geometría sonora, Música en el MUNAL
Salón de recepciones 12:00 horas
Ciclo Imperios Luminosos- Ezequiel Negrete Lira
Las cuatro veces (2010) Dir. Michelangelo Frammartino
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
Mira Lee. Academia y liberalismo
Participante: Fernando Corona Obra: Busto de Manuel Carpio
Sala 18 13:00 horas
Mauricio Rábago Tenor
Ricardo Peñalver Piano
Temporada de cine surrealista
El año pasado en Marienbad (1961) Dir. Alain Resnais
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Geometría sonora, Música en el MUNAL
Salón de recepciones 12:00 horas
Ciclo Imperios Luminosos- Ezequiel Negrete Lira
A tiro de piedra (2010) Dir. Sebastián Hiriart
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
Mira Lee. Amor: tragedia y mito
Participante: Cielo Donís Obra: Travesuras del amor
Sala 19 13:00 horas
Manuel Ramos Violín
Oscar Buriek Piano
Temporada de cine surrealista
El fantasma de la libertad (1974) Dir. Luis Buñuel
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Geometría sonora, Música en el MUNALLidia Guerberof Hann Piano
Salón de recepciones 12:00 horas
Munal e Instituto Goethe: Historia del cine de animación alemán
Cortometrajes. Programa 3: Crítica y subversión en el cine de animación de Alemania Oriental y Occidental
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
Temporada de cine surrealista La fórmula secreta (1965) Dir. Rubén Gámez
Poetas campesinos (1980) Dir. Nicolás Echevarría
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Geometría sonora, Música en el MUNAL
Salón de recepciones 12:00 horas
Rafael Negrete Tenor
Sergio Vázquez Piano
Munal e Instituto Goethe: Historia del cine de animación alemán
Cortometrajes. Programa 4: Sátira y reflexión
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
Temporada de cine surrealista En encanto discreto de la burguesía (1972) Dir.Luis Buñuel
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Geometría sonora, Música en el MUNALConsorcio Virreinal de Metales
Salón de recepciones 12:00 horas
Coro del Colegio de Infantes de la Catedral Metropolitana de México
Temporada de cine surrealista
Ese oscuro objeto del deseo (1977) Dir.Luis Buñuel
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Cuéntame una obra
El pintor azul novohispano Cada mes un tema distinto
Reunión en el vestíbulo 13:00 horas
Munal e Instituto Goethe: Historia del cine de animación alemán
Cortometrajes. Muestra selecta de los 4 programas anteriores
Auditorio Adolfo Best Maugard 12:00 horas
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8Noche de museos
Sala de exposiciones temporales 19:00 horas
Visita guiada Surrealismo. Vasos Comunicantes
Noche de museos
Salón de recepciones 20:00 horas
Presentación de disco y concierto Canta corazón
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Domingo
Temporada de cine surrealista
Auditorio Adolfo Best Maugard 16:00 horas
Inauguración Javier Espada y Pablo Martínez
Los días de la calle de Gabino Barreda
Auditorio Adolfo Best Maugard 18:00 horas
Conferencia Salomon Grimberg
Presentación de Libro
Auditorio Adolfo Best Maugard 19:00 horas
A mano alzada. Apuntes de Raúl Anguiano compilación de Jorge Asbun
Domingo: entrada libre
CARTELERA JULIOExposiciones
Visitas guiadas
Conferencias
Cine
Conciertos
Mira Lee
Noche de museos
Cuéntame una obra
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NÚM. 4 | MAYO | 2012V I S I T A S A U T O G U I A D A S
NÚM. 5 | JUNIO | 2012NÚM. 5 | JUNIO | 2012L A P Á G I N A D E L P Ú B L I C O
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CON SABOR DEL XIXEn esta ocasión le preguntamos al públi-co visitante sobre el recorrido del siglo xix de la Colección Permanente del Munal. Le pedimos a la gente que nos diera su impresión en una sola palabra, y decidi-mos presentar estos testimonios en un collage de frases y rostros...
NÚM. 6 | JULIO | 2012
Los talleres son principalmente para niños y jóvenes y ofrecen oportunidades para crear piezas que se relacionan con las temporales.1942
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El 14 de julio nació en la Ciudad de México Enrique Echeverría, pintor abstracto figurativo, integrante de la llamada generación de la “Ruptura” en la década de 1950.1923
NÚM. 6 | JULIO | 2012R E T R A T O S H A B L A D O S
Poeta y pintora que descubrió sus pasiones artísticas durante su infancia, Carmen Mondragón fue rebautizada como Nahui Ollin por el Dr. Atl, quien inmortalizó su belleza en un retrato que pertenece al acervo del Munal.
Mauricio Montiel Figueiras @Elhombredetweed(1
893
-197
8)
Me ocurre con frecuencia: oigo nombrar a Carmen Mondragón y tardo un
poco en enfocar a Nahui Ollin. En la mitología azteca, Nahui Ollin es el quinto y último sol: el astro que rige la época actual y preludia el fin del mundo. Apocalipsis o reno-vación del cosmos: en los famosos ojos verdes de María del Carmen Mondragón Valseca convivieron los extremos desde temprana edad. A los diez años llegó a escribir, con precocidad insólita: “Ahora que siento que sufro y que soy sensible a todo, tengo sed de todo lo que es bello, grande y cautivador. Con un ardor extremado, una ilusión loca de juventud y de vida, quiero hacer vibrar mi cuerpo, mi espíritu, hasta sus últimos sonidos”.
Poeta y pintora que descubrió sus pasiones artísticas durante su infancia en París, Carmen fue re-bautizada como Nahui Ollin por el brillante Gerardo Murillo (1875-1964), mejor conocido como Dr. Atl, uno de los múltiples artistas que in-mortalizaron la belleza de la joven; desde uno de los retratos firmados por Atl, perteneciente al acervo del Munal, los ojos verdes de Na-hui Ollin nos escrutan a través del tiempo. Antes de que Atl entrara en su vida, sin embargo, Nahui Ollin posó su mirada marítima en un ca-dete del Colegio Militar llamado Ma-nuel Rodríguez Lozano (1896-1971), a quien vio en un baile y de quien quedó prendada de forma inmedia-ta. Hija del general huertista Manuel Mondragón, Nahui Ollin gozaba no obstante de una libertad que le per-mitió casarse con un hombre más joven: cuando contrajeron matrimo-nio, ella tenía veinte años y Rodrí-guez Lozano, dieciocho.
En 1914, al inicio de la Primera Guerra Mundial, la pareja se des-
plazó a Europa impulsada por tres detonadores: la caída de Victoriano Huerta, el entusiasmo artístico y la juventud. Establecidos primero en San Sebastián y luego en París, Na-hui Ollin y Rodríguez Lozano se dejaron seducir por el encanto euro-peo. El descubrimiento del cubismo y sobre todo de Pablo Picasso, cuyo taller solía visitar junto con su mu-jer, avivó la flama pictórica en Ro-dríguez Lozano. Por desgracia, la experiencia europea trajo también las primeras grietas maritales: difí-cil contener un sismo carnal como Nahui Ollin. Esas grietas crecieron a raíz de un episodio que no acaba de aclararse: la muerte del hijo de Na-hui Ollin y Rodríguez Lozano. Ella decía que el niño se había ahogado accidentalmente, pero él aseguraba que ella lo había matado. Al paso de las décadas continúan quedando las sombras.
Como haya sido, el hecho es que el matrimonio se rompió al cabo de ocho años; la pareja volvió por sepa-rado a México en 1921. A partir de su regreso, Nahui Ollin y Manuel Rodríguez Lozano se evitaron; si por casualidad se cruzaban en la calle, no se saludaban. Recién llegada de Europa, Nahui Ollin comenzó a fre-cuentar los círculos artísticos capita-linos y entró en contacto con el Dr. Atl, con quien fincó una relación que se extendió cinco años y que ella re-gistró en una nutrida corresponden-cia amorosa que rebasa las doscien-tas cartas. Así nació la leyenda de Nahui Ollin: un relámpago que surcó la historia del arte mexicano para ex-tinguirse en la decrepitud. Rodeada de gatos en la casa de Tacubaya que sus padres le heredaron, Nahui Ollin se convirtió en una anciana que pe-día limosna y decía poder sostener la mirada del sol. Quería honrar su seudónimo.
El retrato de Nahui Ollin del Dr. Atl captura la enigmática belleza de esta musa mexicana.
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¿DÓNDE ENCONTRARLO?
En la Ciudad de México se encuentran sus siguientes obras: el Monumento a la Pa-tria (1922), en el Castillo de Chapultepec; los monumen-tos a Amado Nervo, Sor Juana Inés de la Cruz, Justo Sierra y Gabriela Mistral, en la Se-cretaría de Educación Públi-ca; el Monumento al Trabajo (1937); el Monumento a Za-pata (1952), en la Calzada de Tlalpan; la estatua de Miguel Alemán (1954), en Ciudad Universitaria y los monumen-tos al Héroe de Nacozari, a Venustiano Carranza, a Primo Verdad y al Soldado. Su obra de mayor relevancia es el Mo-numento a Álvaro Obregón (1934), ubicado en el parque de La Bombilla, en San Ángel
17El 28 de julio nació en la Ciudad de México, Helen Escobedo, escultora ambiental y promotora del arte mexicano contemporáneo; fue directora del Museo de Arte Moderno de la capital entre 1982y 1984. 1934
P U E R T A S A F U E R A
El emblemático edificio de la Secretaría de Educación Pública cumple 90 años. Para celebrarlo, se ha preparado una exposición con obras de Ignacio Asúnsolo, considerado el precursor de la Escuela de Escultura Moderna de México. La muestra contará con piezas del acervo del Munal y podrá apreciarse de julio a octubre de 2012. El presente texto recupera la historia personal y la trayectoria de un artista imprescindible.
Ignacio Asúnsolo nace el 15 de marzo de 1890 en la Hacienda de San Juan Bautista, Durango.
Hijo de Fernando Asúnsolo y Car-men Mason Bustamante. Su familia se traslada a Hidalgo de Parral, Chi-huahua, y desde los seis años de edad comienza a modelar en barro, imitando a su madre. En 1904, estu-dia en el Instituto Científico y Lite-rario de Chihuahua donde Pellegrini es su maestro de escultura. En 1906, toma un curso de topografía por co-rrespondencia. En 1908 ingresa a la Escuela Nacional de Bellas Artes de México (ENBA) y en 1913 gana, por oposición, su primera cátedra de di-bujo en la misma escuela, así como la primera medalla de escultura en la Exposición de Labores Escolares y Bellas Artes con la obra El ídolo roto.
En 1912, año en que termina la huelga de la ENBA, Asúnsolo se incorpora a la Unión de Alumnos Pintores y Escultores para apoyar su reorganización y la lucha en pro de la división de secciones, en la cual el primer logro es el nombramiento
María Estela Duarte
de Arnulfo Domínguez Bello como director de la sección de escultura. De 1913 a 1917, participa en el mo-vimiento de la Revolución mexicana, periodo en el que ejecuta obras con esa temática. En 1915, debido al cie-rre temporal de la Escuela Nacional de Bellas Artes, regresa a Chihuahua donde instala su estudio de escultor que comparte con dos amigos y co-mienza a dar clases de escultura en el Instituto Científico y Literario. En 1918 se reincorpora a la Academia en la ciudad de México.
De 1919 a 1921 recibe una beca para ir a Europa y perfeccionar sus estudios en España y Francia, país donde conoce a una joven francesa de 16 años llamada Mireille Marthe Barany, con quien se casa el 23 de junio 1921. A su regreso a México, José Vasconcelos, secretario de Edu-cación Pública, lo invita a formar parte de su proyecto cultural, en el cual realiza sus primeras esculturas de gran formato para el patio central de la Secretaría.
En 1922, se hace cargo de la
cátedra de escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes y gana el concurso para el proyecto del Mo-numento a la Patria, en el Jardín de Pérgolas del Castillo de Chapultepec. En este mismo año junto con Die-go Rivera —su entrañable amigo—, Siqueiros, el Dr. Atl, Jean Charlot, Fermín Revueltas, Leopoldo Méndez, Fernando Leal, Rufino Tamayo, Fi-dias Elizondo, Guillermo Ruiz, Car-los Bracho y Miguel Covarrubias, en-tre otros, participa en la Exposición de los Independientes. Para 1924, el matrimonio Asúnsolo Barany recibe con alegría el nacimiento de su pri-mer y único hijo Enrique.
De 1923 a 1927 realiza una gran producción de obras de pequeño formato y a partir de 1928 comienza a edificar un sinnúmero de monu-mentos en varias ciudades del país y en el extranjero hasta 1963, dos años antes de su deceso. Junto con José María Fernández Urbina toman la mascarilla al cadáver de Álvaro Obregón, asesinado el 17 de julio de 1928; en abril del año siguiente, por interés particular, concluye una figu-ra de cuerpo entero de tres metros de altura del general Obregón. Viaja a Francia e Italia en 1937, donde es reconocido por sus obras.
Asúnsolo y su madre sufren un accidente automovilístico en 1938. Du-rante la convalecencia, doña Carmen le pide un poco de arcilla y con una sola mano modela tres figuritas para obse-quiárselas a su hijo. Ella muere el 11 de enero de 1940, a los 86 años de edad. Su hijo Enrique se casa con Ana Elena Barroso Villegas en 1954.
Cuando su gran amigo Diego Ri-vera muere el 24 de noviembre en 1957, Asúnsolo saca la mascarilla de su rostro y compone un corrido al pintor, el cual es entonado con la música de “El hijo desobediente”.
De 1949 a 1953 es director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Cinco años más tarde, se reúne con varios escultores mexi-canos, entre ellos, Francisco Marín, Luis Albarrán y Pliego, Federico Ca-nessi y Ernesto Tamariz, con el ob-jetivo de formar una sociedad que defendiera los intereses de los escul-tores mexicanos, sin menoscabar los auténticos valores extranjeros que aportaban a la cultura nacional los trabajos de Francisco Zúñiga y Ro-drigo Arenas Betancourt. La Asocia-ción Civil de Escultores Mexicanos se crea en febrero, en la cual Asún-solo es nombrado secretario general.
El Museo Nacional de Arte Mo-derno, entonces en el Palacio de Bellas Artes, organiza la exposición retrospectiva Esculturas de Ignacio Asúnsolo, del 4 de marzo al 15 de
abril de 1960, en la cual se exhibie-ron 75 piezas, desde su obra El ídolo roto, de 1914, hasta La cabeza de adolescente, de 1959. La muerte re-pentina de su hijo Enrique en un ac-cidente de aviación, en 1961, lo aleja momentáneamente de la producción artística. De 1962 en adelante conti-núa trabajando en varias esculturas monumentales.
En 1965 el H. Consejo Universi-tario lo nombra “Profesor Emérito de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, de la Universidad Nacional Autóno-ma de México”, atendiendo la solici-tud del Consejo Técnico de la ENAP.
El 22 de diciembre de 1965, a las 10:30 horas, muere Ignacio Asúnsolo de un infarto al miocardio e insufi-ciencia coronaria. En su funeral desfi-laron amigos suyos como David Alfa-ro Siqueiros, Rufino Tamayo, Miguel Alemán, Justino Fernández, Guadalu-pe Rivera Marín y muchos más.
El maestro Asúnsolo recibió va-rios reconocimientos y premios a lo largo de su vida. En 1985, el Museo Nacional de Arte organizó una ex-posición antológica de su obra. Esta muestra ha sido la más grande que brinda homenaje póstumo al escul-tor. El museo conserva varios mo-delos de sus piezas donadas por la familia del artista, para formar parte del patrimonio cultural de México. Asúnsolo es considerado uno de los precursores de la Escuela de Es-cultura Moderna de México por su labor artística y por haber formado varias generaciones de escultores.
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IAS En su obra escultórica se aprecian
influencias estilísticas del arte clásico y de sus maestros Maillol, Mariano Benlliure, Mateo Inurria, Auguste Rodin, Arnulfo Domínguez Bello y Enrique Guerra, entre otros, las que adquiere durante su es-tancia en Europa. No tuvo miedo
al formalismo, tan condenado por los pintores contemporáneos, y su quehacer plástico lo encamina por conseguir valores de volumen, de línea, de movimiento y de equilibrio de masas. Su obra es muy exten-sa y de espíritu clásico. A partir de 1922, Asúnsolo inicia, por encargo,
su obra pública con un gran núme-ro de monumentos civiles, históri-cos, culturales y conmemorativos, realizados para la Ciudad de Mé-xico y otras entidades federativas, como Sonora, Chihuahua, Saltillo, Nuevo León, Veracruz, Michoacán y Estado de México, entre otras.
Ignacio Asúnsolo.
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El 6 de julio nació en Tepic, Nayarit, Rocío Maldonado, pintora y dibujante de vena posmoderna; hizo sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”.1951
M I R A . . . L E E
Al respecto del ámbito de las vanguardias y el contexto que las acompaña, ¿con qué ojo, con qué óptica siente Óscar de la Borbolla un impacto más directo con estas experiencias: el ojo filosófico, el ojo literario, el recuento de ambos?Mira, regularmente frente a todas las piezas de un museo me planto con mi mayor ingenuidad, igual que cuando leo un libro, lo leo como un lector común y corriente, porque creo que ése es el ojo desde el que se aprecia mejor al artista. Ya cuando me invitan a presentar un libro o tengo que dar clases de un libro en la carrera de literatura, adopto una distancia y, cuando me invitan a hablar de unas obras que disfruté en su momento y tengo que conceptualizar, el objeto se me vuelve ya un objeto de análisis intelectual, pero creo que lo que me da un dato mucho más auténtico de mi experiencia frente a la obra es plantarme ante ella y ver: “¡ay, qué raro!” o “¡ay, qué bonito!” Este tipo de expresiones sencillísimas me salen y son las que me gusta que me provoquen; ya después me pongo inteligente, y me pongo inteligente porque me contratan para ponerme inteligente.Estando frente al experto en las
“ucronías” y en el humor –que no es igual que la comicidad, pues requiere todo un sesgo un tanto
siniestro, una mirada aguda–, ¿qué papel juega el ingrediente del humor, la ironía, el sarcasmo, en todo esto?Yo creo que está presente. Hay una mirada de humor. En la zona del agua de Una semana de bondad de Max Ernst, por ejemplo –creo que es el lunes–, donde está la mujer como protagonista, todas las mujeres que aparecen ahí están bien y todos los hombres que aparecen están muertos; hay como una especie de mensaje velado de que las mujeres son perversas, hay ese mensaje oculto. Y sí noto un gusto provocador: encauzar, no espanto –por acá hay uno de una gaveta que se abre y hay uno como cadáver, pero el contexto no me termina de parecer siniestro–, sino más bien como una broma. Y tienes razón: una cosa es lo cómico y otra cosa es lo siniestro o el humorismo, y el humor nace de un desencanto; y yo creo que en el fondo cualquier artista auténtico, al intentar suplantar las cosas que hay con otras, es porque esto que hay no le gusta y está medio desencantado en una cierta continuidad.¿Qué tanto es necesario –como lo expresó en su momento Alfonso Reyes, hablando “Contra el museo estático”–, experiencias de este tipo que desacralicen un poco la idea de que a los museos se va como a los templos antiguos?
Yo estoy totalmente convencido. La peor actitud que puede uno tener ante el arte es la de la admiración que sacraliza, porque entonces se lanza al artista a un Olimpo y hace que el espectador, en lugar de quedar invitado a seguir por esa línea, se quede inhibido y pensando que forma parte de un subgénero de seres humanos incapaces de eso. Cualquier puente que haga que una manifestación artística se acerque más a la gente, yo creo que es de aplaudir, porque estoy casi convencido de que se aprende mejor o se despierta mejor el gusto por leer cuando se escribe; no se le agarra amor a la lectura cuando se lee, sino se le agarra amor a la lectura cuando se escribe, cuando uno desde el lado del que escribe se da cuenta de lo que representa la literatura; se entiende mucho mejor una muestra pictórica cuando se hace un dibujo y entonces sí se aprecia mejor, y cuando se pone un mediador como en este caso, como otras pláticas, que dé una apreciación de lo que para él representa la muestra, los que vienen de espectadores creo que se dan cuenta de que ellos también tienen su impresión, entonces como que se rompe este foso de respeto sacrosanto. No hay que tocarlas, eso sí, porque se gastan, pero verlas de distintos ángulos, darse las vueltas, que pongan sillas así como para proyectar, el hecho de que saquen la muestra a través del internet y que pongan un portal y se pueda ver me parece magnífico. Incluso la sala que está por allá, donde pasan el video, me parece también espléndido, porque son maneras de ver más cómodo. Yo hasta me compré mi libro para estar sentado viendo; claro, no es lo mismo que verlas en persona, pero la idea de pensarle un poco, darle vueltas, tenía que estar obviada, botarlo ahí, olvidarme de él un rato y luego leerlo, o sea, lo que debía de despertarse es un hábito por frecuentar el museo, y además frecuentarlo como si fuera una extensión de mi casa, un servicio público que termina dándome tanto como una cancha en un parque o como un restorán, un café: entrar aquí y ver los cuadros de acuerdo con el menú personal, los que me gustaron y volver a verlos.
Con los momentos más crudos del inicio del filme Goya’s Ghosts (Los
fantasmas de Goya, o bien Goya y la Inquisición), de Milos Forman (2006), dio inicio el 2 de junio la sesión que abriera el mes en el programa Mira… lee, al interior de la sala 12 y en alu-sión a la obra plástica de un anónimo mexicano intitulada Un auto de fe en el pueblo de San Bartolomé Otzolote-pec, “cuadro único en todo el territo-rio hispanoamericano por su temáti-ca”, como lo describe la Guía: Museo Nacional de Arte en el comentario correspondiente (p. 12). En ese mar-co, la Subdirectora de Investigación de Acervos en la Cineteca Nacional, Catherine Bloch, historiadora y en-sayista en temas de cine, seguridad social, política e historia de México, abrió un escenario provocador, crítico y emotivo llevando las pantallas cine-matográficas al diálogo con la pintu-ra. El santo oficio, de Arturo Ripstein (1973), y La pasión de Juana de Arco, de Carl Theodor Dreyer (1928), hicie-ron que la sala se convirtiera en sala de expectación y de debate en torno de la fe y sus incidencias.
Posteriormente, el sábado 9, el artista multidisciplinario Docktor Mo-rris, quien cuenta con más de veinte exposiciones colectivas e individua-les en México, España y Francia, en-tre otros países, hizo de la sala 13 del Museo Nacional de Arte un espacio donde, enmarcado por La Purísima Concepción, de Isidro Carnicero, hizo posible entresacar de lo religioso y evangélico –en el contexto católico– la figura de la Virgen para develarla como la Gran Madre: la mujer por antonomasia, la madre y la matrona, Tonatzin y Afrodita, Venus romana y Venus de Willendorf, la mujer común y la mujer del arte, terreno donde también se sacraliza y donde cobra dimensiones divinas.
También con mujeres se forjan monumentos ideales y continentales, como es el caso de las esculturas de Pedro Patiño Ixtolinque: La Libertad y América, elementos fundamentales para que el escritor y orador Gerardo Solano abriera un escenario retórico,
poético y musical enmarcado por ambas columnas pétreas y femeninas. El espectador recibió de Solano no sólo un recuento de la vida y obra del escultor, sino la posibilidad de ver surgir de ambas formas, como de un manantial, las múltiples posibilidades que el fin de siglo xviii y el inicio del xix vivenciaron: heroísmo, arrojo, har-tazgo, entrega y, sobre todo, emanci-pación del alma.
Es éste el marco también que abordara el poeta y ensayista Obed González, autor del libro de ensayo El cine mexicano del siglo XX, es-tampas de una negación nacional. Mediante su línea creativa relaciona-da con la poiesis como detonante de la creatividad y el cine como reflejo del proceso social, llevó a los asis-tentes al Museo Nacional de Arte ha-cia la comprensión de la alegoría pa-triótica que inició con el movimiento independentista, pero que nutrió el espíritu de lo mexicano en búsque-da de una identidad que, en el fondo, no era sino siempre y fielmente una mixtura, un sincretismo que peleó consigo mismo para reencontrarse y comprenderse.
Finalmente, la poeta Angélica Santaolaya, egresada de la licencia-tura en comunicación de la Univer-sidad Nacional Autónoma de México, así como maestra en historia y etno-historia por la Escuela Nacional de Antropología e Historia, hizo transi-tar al público a través del mundo de las letras realizando engarces con la historia como un lenguaje que co-munica con ese lado oscuro, donde todos los seres humanos alguna vez hemos habitado, para manifestarnos las dos caras del mundo. Justamen-te, a través de la escultura Mercurio adormeciendo a Argos, de Felipe Sojo, Santaolaya hizo posible llevar la mente de los escuchas al otro terreno sagrado de las artes: el del mito, el de Mercurio adormeciendo al monstruo no precisamente lle-no de ojos, sino –como puntualizó Jorge Luis Borges– hecho de ojos (“como si esos ojos fueran su tejido orgánico”).
Entrevista porFernando Corona
Reseña Mira...lee junio 2012
CONTRA EL MUSEO ESTÁTICO
DE LA FE A LA MITOLOGÍA: de lo divino a lo patriótico
Conversación con el escritor Óscar de la Borbolla, a partir del programa “Jueves de Arte y Literatura”, y de la exposición Una semana de bondad, de Max Ernst. 28 de octubre de 2010.
Oscar de la Borbolla, escritor y filósofo de las "ucronías".
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El 5 de julio nació en la Ciudad de México Francisco Castro Leñero, formado en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. 1954
¿ Q U É H A C E R E N O T R O S M U S E O S ?
Foto
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LA INSTITUCIÓN REDENTORA
La Sala de Arte Publico Siquei-ros, en colaboración con la Tate
Modern, la Fundación Colección Jumex y la galería Hauser and Wir-th, de Nueva York, presentan esta exposición colectiva de artistas na-cionales e internacionales, que por medio de la instalación y el ready made dejan entrever su particular punto de vista con respecto a si-tuaciones sociales, económicas y culturales que definen sus prácti-cas artísticas.
Las piezas que aquí se exhi-ben tratan de alguna manera de involucrar al público, de hacerlo participar, reflexionar y entender los diferentes mensajes que los artistas desean transmitir, ya que cada una de las obras tiene un va-lor estético, el cual tiende a cues-tionar el concepto de arte con-temporáneo. Sin duda alguna una excelente propuesta visual.
SALA DE ARTE PÚBLICO SIQUEIROSTres Picos 29, Polanco.
Horarios: martes a domingo ,de 10:00 a 18:00 hrs.Admisión: 10 pesos. Domingo entrada libre
CINETISMO: MOVIMIENTO Y TRANSFORMACIÓN EN EL ARTE DE LOS 70 Y 60
Desde sus inicios, el llamado "arte cinético" ha tenido una estrecha
relación entre las prácticas artísticas que buscaban nuevas formas de trans-formación, basadas en una manera sensorial de comunicar emociones al espectador. Un fenómeno relaciona-do con el uso de nuevas tecnologías y materiales. Tuvo un gran auge en Mé-xico durante las décadas de los años sesenta y setenta. "Cinético" se des-prende del griego "kino", que significa movimiento.
MUSEO DE ARTE MODERNOPaseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec.
Horarios: martes a domingo, de 10:15 a 17:30 hrs.Admisión: 25 pesos. Domingo entrada libre
En esta exposición se pueden apreciar diferentes obras como pin-turas, arte objeto, instalación y escul-tura de diversos artistas que lograron traducir a través de sus obras un refe-rente del arte cinético que se producía en este periodo en nuestro país. Estas primeras prácticas que se hicieron, tuvieron una gran aceptación entre el público, ya que se hacían trabajos de calidad y maestría de artistas mexica-nos que decidieron incursionar en este movimiento artístico.
OLIVERIO MARTÍNEZ:MODERNIDAD Y REVOLUCIÓN
Sin duda la Revolución mexicana fue un parteaguas de la historia de
nuestro país, la cual significo un logro importante en muchos aspectos. Dicho movimiento fue traducido por diferen-tes creadores al lenguaje del arte para dar testimonio de él. Oliverio Martínez fue uno de sus más importantes expo-nentes, con un gran reconocimiento en cuanto a su obra se refiere.
En el marco de esta retrospectiva se aprecian trabajos de su grande y prolífica carrera como artista. En esta muestra se pueden observar objetos de arte, fotografías, planos arquitectó-nicos y esculturas de un gran maestro que formo parte importante del México postrevolucionario.
MUSEO NACIONAL DE LA REVOLUCIÓNPlaza de la Republica s/n.Horarios: martes a domingo, de 9:00 a 17:00 hrs.Admisión: 24 pesos, descuento a estudiantes y maestros con credencial vigente.
Reseña Mira...lee junio 2012
DE LA FE A LA MITOLOGÍA: de lo divino a lo patriótico
