ARQUITECTURA - DISEÑO GRÁFICO - PINTURA

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SECCIONES

Editorial

Contenido

Constructor

Genio

Kratos

Panorama

EDITOR:Ma. Andrea Gutiérrez Díaz

DISEÑADOR:Ma. Andrea Gutiérrez Díaz

DIR. PUBLICITARIO:Vanessa Alceda Crispín

COLABORADORES:Jorge Hernández Castillo

FOTOGRAFÍAJ. Octavio Limón

Ana Cecilia RomeroMariana Makita

VENTASMa. Andrea Gutiérrez

DíazDIRECCION:

Mariano Arista

esq.Za-ra-go-za. Ve-

racruz, Ver.

TELEFONO:2291150069CORREO:

andreagtzd@hotmail.com

RENACIMIENTO, XI, AÑO XICopyright by RENACIMIENTO.

Reservados todos los derechos. Ninguna parte de esta publicación puede ser reproducida, transmitida en ninguna forma o medio alguno, electrónico o mecánico, incluyendo las fotocopias, grabaciones o cual-quier sistema de recuperación de alamacenaje de información, sin autorización por escrito del titu-

lardel Copyright.

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CONTENIDO

Editorial.....................3

Contenido.................4

CONSTRUCTORDe lo particular a lo general...............5

GENIORETOMANDO A LOSGRANDES................21Alejandro MagallanesCarlos PalleiroJosé M. MorelosMeaveSantiago PolTakashi AkiyamaShigeo FukudaJavier Mariscal

PANORAMALUCES.....................41Johannes Veemer

KRATOS...................51

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De

loParticular

GENERAL

a

lo

De lo particular A lo general

Por Jorge Hernández Castillo

La arquitectura abarca la consideración de todo el ambiente físico que rodea la vida humana: no podemos sustraer-nos a ella mientras formemos parte de la civilización, porque la arquitectura es el conjunto de modificaciones y altera-ciones introducidas en la superficie terrestre con objeto de satisfacer las necesidades humanas, exceptuando sólo el

puro desierto.ocialism, Londres, 1947.

Tradicionalmente, la arquitectura ha sido con-siderada una de las siete Bellas Artes. Deter-minados edificios u otras construcciones son obras de arte ya que pueden ser considerados primariamente en función de su forma o estruc-tura sensible o de su estética. Desde este punto de vista, aunque los medios de la arquitectura puedan consistir en muros, columnas, forjados, techos y demás elementos constructivos, su fin es crear espacios con sentido donde los seres humanos puedan desarrollar todo tipo de acti-vidades. Es en este “tener sentido” en que pue-de distinguirse la arquitectura (como arte) de la mera construcción. Así es como ésta es capaz de condicionar el comportamiento del hombre en el espacio, tanto física como emocionalmen-te. Aunque en la actualidad suele considerarse que la principal actividad de la arquitectura va dirigida al diseño de espacios para el refugio y la habitación (las viviendas), sólo a partir del siglo XIX comenzaron los arquitectos a preocuparse por el problema del alojamiento, la habitabilidad y la higiene de las viviendas, y a ampliar su ám-bito de actuación más allá de los monumentos y edificios representativos.

La evolución a la especialización y la separación de ámbitos laborales es similar a la de otras pro-fesiones. En los siglos pasados los arquitectos no solo se ocupaban de diseñar los edificios sino también de asuntos que hoy competen a otras profesiones diversas. Diseñaban plazas, alamedas y parques, especialización que hoy se conoce como exteriorismo o paisajismo.

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La especialización de los arquitectos en la crea-ción de objetos de uso en las edificaciones, como los muebles, ha dado como resultado el nacimiento de la profesión de diseño industrial. Hoy, los profesionales que proyectan y planifi-can el desarrollo de los sistemas urbanos son los urbanistas. Esta última profesión tiene estu-dios separados en algunos países, mientras que en otros sus atribuciones son desarrolladas por arquitectos e ingenieros civiles, de forma con-junta o independiente.

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Según el tópico popular, en el tratado más an-tiguo que se conserva sobre la materia, De Ar-chitectura, de Vitruvio, Siglo I a. C., se dice que la arquitectura descansa en tres principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza (Firmitas) y la Uti-lidad (Utilitas). La arquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre estos tres elementos, sin sobrepasar ninguno a los otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la arquitectura sin aceptar estos tres aspec-tos.

Sin embargo, basta con leer el tratado para per-catarse de que Vitruvio exigía estas caracterís-ticas para algunos edificios públicos muy parti-culares. De hecho, cuando Vitruvio se atreve a intentar un análisis del arte sobre el que escribe, propone entender la arquitectura como com-puesta de cuatro elementos: orden arquitectó-nico (relación de cada parte con su uso), dis-posición (“Las especies de disposición [...] son el trazado en planta, en alzado y en perspecti-va”), proporción (“Concordancia uniforme entre la obra entera y sus miembros”) y distribución (en griego oikonomía, consiste “en el debido y mejor uso posible de los materiales y de los te-rrenos, y en procurar el menor coste de la obra conseguido de un modo racional y ponderado”). Sus dudas al respecto son bastante intensas, pues cuatro páginas más adelante divide la ar-quitectura en tres partes: Construcción, Gnómi-ca y Mecánica. Por interesante y sugerente que sea, no debe olvidarse que este tratado es el único tratado clásico que nos ha llegado, y la probabilidad de que sea lo mejor de su época es pequeña.

La historia de las diversas versiones del tratado de Vitruvio resume bien el conflicto a la hora de definir la arquitectura. En 1674 Claude Perrault, médico fisiólogo especializado en disección de cadáveres y buen dibujante, publica su traduc-ción resumida del tratado de Vitruvio, que queda totalmente reorganizado. El resumen de Perrault es el medio por el que se conoció Vitruvio y que desde entonces influyó en los tratados y teorías de los siglos siguientes.

En el ámbito académico el proceso producción arquitectónica, o de proyecto, involucra la sensi-bilidad como medio de recorte de las diferentes disciplinas asociadas, y aún cuando en épocas pasadas se escribieran extensos tratados, hoy en día lo legal y lo técnico dictan las normas, pero no los modos. Es entonces la arquitectu-ra —desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos tecnológicos— un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden, síntesis, semiología, materia, pero aún más importante que aquello, es un trabajo creativo, innovativo, inédito, siempre que se excluya la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria.

Este constante cambio en las necesidades y usos asociados a la edificación permite expli-car otra de las características de la Arquitectura moderna. Este constante replanteo de concep-tos, que se remonta hasta la Ilustración, se han desarrollado distintos y numerosos estilos ar-quitectónicos con el afán de dar una respuesta a esta interrogante; en el siglo XIX, se produce el abandono de la ortodoxia neoclásica en favor de un eclecticismo estilístico de carácter histo-ricista, dando lugar al neogótico, neorrománico, neomudéjar... Sólo con la llegada del siglo XX surgen estilos realmente originales, como el Arts and Crafts, el Art Nouveau, el Modernismo, el Bauhaus, el Estilo Internacional, el Post-Moder-nismo, etc.

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ARQUITECTURA MODERNISTAPor Jorge Hernández Castillo

El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencial-mente decorativa, aunque posee soluciones ar-quitectónicas originales. Se desarrolla entre los siglos XIX y XX.

Este movimiento utiliza las soluciones que la re-volución del hierro y del cristal aportan a la ar-quitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc.. Sus formas son blandas y redon-deadas, aunque no es esto lo único caracterís-tico del modernismo sino la profusión de moti-vos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitec-tura actual.

El modernismo arquitectónico nace en Bélgica (donde se le dará el nombre de art nouveau) con la obra de Henry van de Velde y Victor Horta. La ondulación de los tejados y fachadas, la apli-cación de materiales como el hierro forjado, los motivos de vegetación natural y el cuidado dise-ño de la decoración y de cada elemento arqui-tectónico y de mobiliario del interior son carac-terísticas de sus obras: de Van de Velde la casa Bloemenwerf; y de Horta los kioscos y bocas de metro, la escalera de la calle Paul-Emile Jan-son y el Hotel Solvay (especialmente su carac-terístico interior de diseño muy recargado, con lámparas, papel pintado, vidrieras, etc.), el Hotel Tassel, la Casa del Pueblo y el Palacio de Bellas Artes; todo ello en Bruselas, y el Gran Bazar de Fráncfort.

http://www.arteespana.com/arquitecturamo-dernista.htm

http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://www.ojodigital.com/foro/attachments/urbanas-arquitectura-in-teriores-y-escultura/34298d1226962913-ar-quitectura-modernista-tres-fotos-imgp0409.jpg&imgrefurl=http://www.ojodigital.com/foro/urbanas-arquitectura-interiores-y-escultura/233474-arquitectura-modernista-tres-fotos.html&usg=__886N6_k6MKeiwS_1uC8pS9F1DYU=&h=920&w=650&sz=221&hl=es&start=11&zoom=1&tbnid=iuv6KFyQG_M2oM:&tbnh=147&tbnw=104&ei=WA7UTu-VFqGesQL04qH5Dg&prev=/search%3Fq%3Darquitectura%2BMODERNISTA%26um%3D1%26hl%3Des%26safe%3Doff%26sa%3DX%26gbv%3D2%26tbm%3Disch&um=1&itbs=1

El modernismo es un estilo estético típicamente urbano. Busca unas formas más refinadas que las ofrecidas por la producción industrial, com-paginando funcionalidad y belleza en un intento de crear una ciudad agradable, elegante, mo-derna y alegre. Es una manifestación burguesa con un fuerte componente ornamental inspirado en la naturaleza, la flora y la fauna.

Rechazan los esquemas simétricos en pro de lo ondulado, que transmite vitalidad, fuerza, asi-metría e irregularidad. Se intenta expresar un componente de optimismo, que corresponde al estado psicológico de la clase social. Adquiere gran importancia el diseño y el deseo de inte-gración de todas las artes, lo que convierte a los edificios de arquitectura modernista en obras muy atractivas.

En cuanto a los planteamientos arquitectónicos se trata de utilizar los nuevos materiales hasta las últimas consecuencias, no sólo por su uti-lidad espacial sino también por sus posibilida-des expresivas. En lugar de copiar las formas clásicas (columnas, frontones, etc.) se busca la inspiración en los procesos y las formas de la naturaleza. Esta admiración por la naturaleza no se limita a la decoración sino también a la planta y a la estructura del edificio, concebido como un organismo vivo coherente en todas sus partes.

Auqnue el modernismo tiene a sus principales exponentes espaciados en distintos puntos del globo terraqueo, principalmente en el continente Europeo, nos delimitaremos a hablar de Antoni Gaudi, màximo representante del Modernismo Catalán.

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ANTONI

GAUDINombre: Antoni Gaudí i Cornet

Nacimiento y muerte: Riudoms o Reus,1 25 de junio de 1852 – Barcelona, 10 de junio de 1926.Ocupación: fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán.

Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería re-crearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer.

Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estu-diaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho.Después de unos inicios influencia-do por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí desembocó en el mo-dernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide.

La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culmi-nará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pa-siones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña.

”La belleza es el resplandor de la verdad, y como que el arte es belleza, sin verdad no hay arte”.

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La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcur-so del tiempo una amplia difusión internacional, siendo innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura. Hoy día es admirado tanto por profesionales como por el público en general: la Sagrada Familia es ac-tualmente uno de los monumentos más visita-dos de España.3 Entre 1984 y 2005 siete de sus obras han sido consideradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

EstiloLa trayectoria profesional del arquitecto tuvo una evolución sui generis, debido a su constante in-vestigación en el campo de la estructura mecá-nica de las obras. En sus inicios, Gaudí recibió cierta influencia del arte oriental (India, Persia, Japón), a través del estudio de los teóricos de la arquitectura historicista, Walter Pater, John Ruskin y William Morris. Vemos esta corriente orientalizante en obras como el Capricho de Comillas, el Palacio Güell, los Pabellones Güell o la Casa Vicens. Más tarde, sigue la corriente neogótica de moda en el momento, siguiendo los dictámenes del arquitecto francés Viollet-le-Duc. Se puede percibir en el Colegio de las Teresianas, el Palacio Episcopal de Astorga, la Casa Botines y la Casa Bellesguard, así como en la cripta y el ábside de la Sagrada Familia. Finalmente, desemboca en su etapa más perso-nal, con un estilo naturalista, individual, orgáni-co, inspirado en la naturaleza, en el que realizará sus obras maestras.

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Gaudí suele ser considerado el gran maestro del modernismo catalán, pero su obra va más allá de cualquier estilo o intento de clasificación. Es una obra personal e imaginativa que encuentra su principal inspiración en la naturaleza. Gaudí estudió con profundidad las formas orgánicas y anárquicamente geométricas de la naturale-za, buscando un lenguaje para poder plasmar esas formas en la arquitectura. Algunas de sus mayores inspiraciones vendrán de la montaña de Montserrat, las cuevas de Mallorca, la Cueva del Salnitre (Collbató), los riscos de Fra Guerau en la sierra de Prades cerca de Reus, la monta-ña de Pareis al norte de Mallorca o Sant Miquel del Fai en Bigues i Riells, todos ellos lugares vi-sitados por Gaudí.

Gaudí también fue un innovador en el terreno de los oficios artesanales, ideando nuevas solucio-nes técnicas o decorativas con los materiales que utilizaba, como por ejemplo su forma de di-señar aplacados en cerámica hecha con piezas de desecho (“trencadís”), en combinaciones ori-ginales y fantasiosas.

Todo ello se debió a la visión global que Gau-dí tenía de la arquitectura como obra de diseño multifuncional, en la que debía elaborarse hasta el más mínimo detalle en un conjunto compene-trado, proporcionado.

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:SF_-_interior.jpg

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Obras

Estos conocimientos le permitieron no sólo de-dicarse a sus proyectos arquitectónicos, sino diseñar igualmente todos los elementos de las obras que creaba, desde el mobiliario hasta la iluminación o los acabados en forja de hierro.

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Finca_Guell.jpg

La obra de Gaudí es de difícil clasificación. Ins-crito en el modernismo, pertenece sin duda a esta corriente por su afán de renovación –sin romper por ello con la tradición–, la búsqueda de la modernidad, el sentido ornamental aplicado a su obra y el carácter multidisciplinar otorgado a sus realizaciones, donde tienen un papel fun-damental los trabajos artesanales. A estas pre-misas Gaudí añade ciertas dosis de barroquis-mo, la inclusión de los adelantos tecnológicos y el mantenimiento de lenguajes arquitectónicos tradicionales, que junto a la inspiración en la na-turaleza y el toque de originalidad que otorga a sus realizaciones constituyen la amalgama que proporciona al conjunto de su obra un sello per-sonal y único en la historia de la arquitectura.

Cronológicamente, es difícil establecer unas pautas que determinen de forma veraz la evolu-ción de su estilo. Si bien parte de unos postula-dos claramente historicistas para enmarcarse de lleno en el modernismo que surgía con fuerza en el último tercio del siglo XIX en Cataluña y llegar por fin a la resolución final de su estilo perso-nal y orgánico, esta evolución no presenta unas etapas precisas con rupturas entre unas y otras, sino que en todas hay reflejos de las primeras, a medida que las va asimilando y superando.

Las primeras realizaciones, tanto durante su etapa de estudiante como las primeras ejecu-tadas al obtener el título, destacan por la gran precisión de los detalles, la utilización de la geo-metría superior y la preponderancia de las con-sideraciones mecánicas en el cálculo de estruc-turas.

En la etapa oritalista Gaudí realiza una serie de obras de marcado gusto oriental, inspiradas en el arte del Próximo y Lejano Oriente (India, Per-sia, Japón), así como en el arte islámico hispá-nico, principalmente el mudéjar y nazarí. Gau-dí emplea con gran profusión la decoración en azulejo cerámico, así como los arcos mitrales, cartelas de ladrillo visto y remates en forma de templete o cúpula.

En el periodo neogótico Gaudí se inspiró sobre todo en el arte gótico medieval, el cual asume de forma libre, personal, intentando mejorar sus soluciones estructurales. El neogótico fue en aquella época uno de los estilos historicistas de mayor éxito, sobre todo a raíz de los estudios teóricos de Viollet-le-Duc. Gaudí estudió con profundidad el gótico catalán, balear y rosello-nés, así como el leonés y el castellano en sus estancias en León y Burgos, llegando al con-vencimiento de que era un estilo imperfecto, a medio resolver. En sus obras elimina la nece-sidad de contrafuertes mediante el empleo de superficies regladas, y suprime cresterías y ca-lados excesivos.

En la etapa naturalista Gaudí perfecciona su estilo personal, inspirándose en las formas or-gánicas de la naturaleza, poniendo en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructu-rales originadas en los profundos análisis efec-tuados por Gaudí de la geometría reglada. A ello añade el arquitecto una gran libertad creativa y una imaginativa creación ornamental. Partiendo de cierto barroquismo sus obras adquieren gran riqueza estructural, de formas y volúmenes des-provistos de rigidez racionalista o de cualquier premisa clásica. En los últimos años de su ca-rrera, dedicados casi en exclusiva a la Sagrada Familia, Gaudí llega a la culminación de su estilo naturalista, haciendo una síntesis de todas las soluciones y estilos probados hasta aquel en-tonces. Gaudí logra una perfecta armonía en la integración de todas las artes en un todo estruc-turado y lógico.

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Puerta Cementerio, 1875

Embarcadero, 1876

Puente Plaza Catauña, 1877

Paraninfo, 1877

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Fachada para la catedral de Barcelona, 1877

Casa Vicens, 1883- 1888

“El capricho”

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Pabellones Güell

Fachada Palacio Güellvv

Colegio de las Teresianas

Pabellon de la compañía trasatlántica, 1888

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Palacio episcopal de Astorga

Casa Botines

Bodegas Güell

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Casa Calvet

Puerta de la Finca Miralles

Parque Güell

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Casa Baltllo

Jardines de Can Artigas

Casa Mila

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Templo expiatorio la Sagrada Familia

Cripta de la Colonia Güell

Cripta de la Colonia Güell

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Retomando

GRANDES

a

los

Alejandro Magallanes

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y eligió trabajar para las áreas culturales y so-ciales.

Su trabajo como diseñador ha sido publicado en libros especializados en diseño gráfico, como Graphic Agitation II (Phaidon), A concise history of graphic design (Thames & Hudson), All man are

brothers (Hesign), Graphic design since 1950 (Thames & Hudson), 401 Design Meditations:Wisdom, Insights, and Intriguing Thoughts from 150 Leading Designers y en numerosas revistas

internacionales.

Se han editado cuatro monografías/libros de su trabajo en China, Francia, España y Alemania y su trabajo ha sido objeto de exposiciones en varios países.

Profesor invitado en diferentes universidades como la Universidad de Alberta (Edmonton, Canadá), en la UQUAM (Quebec, Canadá) o el Intuit Lab (París, Francia), es asiduo conferencista en Japón,

Francia, España, Canadá, Cuba, Irán, Bélgica y en México.

Ha recibido premios internacionales como: Medalla Jozef Mozrack en la XV Bienal Internacional de al), en la Bienal de diseño gráfico en Rusia, Medalla de Bronce en la Bienal 4th Block de carteles por la ecología en Ucrania, Medalla Icograda en la Bienal internacional de Cartel en México, Primer lugar en la Primera Bienal Latinoamericana de Cartel en Bolivia, Primer lugar en la Trienal de Cartel Político en Mons, Bélgica (2004), medalla de plata en la Bienal Internacional de Cartel en Varsovia (2004), premio CANIEM por su libro Tigres de la otra noche (FCE, México) , y recientemente una mención especial en la Feria del libro de Bologna, por el libro que escribió e ilustró Ven hada (SM,

México).

Desde 2004 es miembro de Alianza Gráfica Internacional (AGI).

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Carlos Palleiro

1945 - Nace en Montevideo - Uruguay

Diseñador gráfico nacido en Montevideo, Uruguay, el 29 de septiembre de 1945. En Uruguay dise-ñó para: la imprenta AS, participó en la campaña electoral del Frente Amplio en 1971, el Club de Teatro de Montevideo, Arca Editorial, Ediciones Pueblos Unidos, el Centro de Navegación Tran-satlántica, Ediciones de la Banda Oriental, Calicanto Editorial, realiza el logotipo del Canal 12 de

Montevideo. Fue fundador y propagandista de la revista de humor Misia Dura.

En Argentina diseñó para: Marymar Editorial, el sello Indio de Luis Landriscina.

En México trabajó para la Universidad Autónoma de México Xochimilco, el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Centro Cultural San Angel, el Instituto Mora, el Fondo de Cultura Económica, la edi-torial Armonía (Kena), Editorial Pangea, Discos Fotón, Discos Pueblo, Discos Pentagrama, Editorial CIDCLI, Editorial Obsidiana, editorial Comunicaciones Técnicas Mexicanas, Instituto Nacional de Ecología, El Colegio de México, Filmoteca de la UNAM, Tribuna de la Juventud, PROCINEMEX, Universidad Autónoma de Puebla, Sociedad Mexicana de Ciencias Fisiológicas, Editorial El Ermi-taño, Redacta Servicios Editoriales, Instituto Nacional de Salud Pública, Ediciones ERA, Aguilar Mexicana de Ediciones, NAFINSA, SEDUE, SEDESOL, las revistas Arte, Sociedad e Ideología, Dicine, Zona Sur, Latinoamérica Hora Cero, Cuadernos Americanos. Fue director artístico de los libros de texto gratuitos de la Secretaría de Educación Pública; fue cartelista del Teatro El Galpón de Uruguay; portadista de: Ediciones de Cultura Popular; Siglo XXI Editores; editorial Planeta; dise-ñador de la OCDE México; fue diseñador gráfico de planta de la Dirección de Comunicación Social del Gobierno del Distrito Federal; fue Director de Arte de ediciones SM México; realizó la campaña de Las Jornadas de la Cultura Uruguaya en el Exilio en 1977. Participó en numerosas exposiciones del país y del extranjero. Ha sido maestro de diseño gráfico, e impartido cursos, talleres y confe-rencias sobre diseño gráfico. Ha recibido primeros lugares en diversos concursos de cartel e ilus-tración. Fue Presidente del jurado internacional de la 8ª. Bienal de cartel en México. Actualmente

es maestro en la Universidad Iberoamericana Puebla, Puebla, México.

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Nació en Cuernavaca, Morelos, 1970.

Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas-diseño gráfico, Universidad Veracruzana, Xalapa, Ver. Maestría en Publicidad, Centro Avanzado de Comunicación Eulalio Ferrer, México, D.F.

Maestría en Comunicación Política, Centro Avanzado de Comunicación Eulalio Ferrer, México, D.F.

Profesor Investigador del Instituto de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana, Xalapa, Ver.

Dentro del ámbito del diseño gráfico se ha desempeñado en el cartel cultural, participando en dife-rentes exposiciones colectivas tanto en la república mexicana así como en el extranjero.

Individualmente su trabajo ha sido expuesto en Italia, Cuba, Argentina, Venezuela y Canadá. Se-leccionado en las bienales y trienales internacionales mas importantes de cartel. 2004 “Premio

Carlos Lozano” Octava Bienal Internacional del Cartel de México, México, D.F.

José Manuel Morelos

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Gabriel García Meave

Diseñador gráfico, ilustrador, y calígrafo mexicano. Egresado de la Universidad Iberoamericana, aunque su formación es esencialmente autodidacta.

Dirige una firma de diseño gráfico llamada “Kimera” donde se hacen proyectos de identidad cor-porativa, diseño editorial e ilustración así como tipografía original.

Además del trabajo de su estudio, trata de encontrar tiempo para perpetrar proyectos personales y escribir textos injustificados.

Ha recibido diverosos reconocimientos de diseñador en México, Estados Unidos y otros países. Su trabajo ha sido reseñado en publicaciones como How, Step, Communication Arts, Novum, Étapes, Visual, Page, Matiz, a! Diseño y TPG; y ha sido exhibido en eventos nacionales e internacionales.

Con cierta frecuencia imparte talleres y conferencias en México y en el extranjero. Da clases en la Universidad Anáhual.

Irremediablemente influido por la música, los libros y los amigos que le han enseñado todo lo que sabe.

Algunos de los trabajos aparecen en libros internacionales como Area_2 (Phaidon Books), Typography 21, 22, 26 y 29 (Type Directors Club), Language Culture Type (Graphis), Tres Logos y Play Lou (Die Gestalten Verlag) Diseño Gráfico en México100 años (Artes de México), Marcas MEX (Gustavo Gili), así como muchas otras publicaciones y volúmenes de preferencia en diseño gráfico, tipografía e ilustración.

Trabaja y vive en México Tenochtitlán <<el ombligo del mundo>>.

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Santiago Pol

Santiago Pol nació en Barcelona, España, el 19 de Enero de 1946.

Llevó a cabo sus estudios en Bellas Artes en la Escuela de Artes Plásticas “Cristóbal Rojas” de Caracas y en la Escuela Superior de Bellas Artes de París.

Pol es una de las figuras más destacadas del panorama gráfico venezolano, el cual ha recibido mu-chas distinciones y premios nacionales e internacionales y que fue seleccionado para representar a Venezuela en la 51 Bienal de Venecia en el 2005.

Entre sus trabajos más destacados se encuentra el diseño con Leufert, Nedo y Sotillo en 1978 de “La nueva estampilla de Venezuela”, el plano del metro de Caracas en 1982, el logotipo del Con-sejo Nacional Electoral y la Misión Sucre y un cartel para las Olimpiadas de Beijing 2008. También ha trabajado para el Consejo Nacional de la Cultura, periódicos como El Universal o el Diario de Caracas, Petróleos de Venezuela, Industria Gráfica Venezolana, Coca-Cola, Fundación Polar, entre otros.

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Takashi Akiyama

Takashi Akiyama nació en el estado de Nagaoka, Japón, en 1952. Se graduó en la Universidad Tama de Artes Plásticas, y obtuvo su maestría en la Universidad de Artes de Tokio.

La mayoría de sus obras contienen motivos de aves y abordan temas ecológicos, los cuales trata de manera humorista e irónica. Sus actividades se enfocan a la protección de las aves y la natu-raleza.

En 1991, la Secretaría de Desarrollo de Japón le pidió algunos carteles para la Semana Eco-lógica, trabajo que fue altamente reconocido.

En 1992, incluye como tema principal en sus obras el SIDA, a partir de lo cual adquiere una pres-tigiada reputación en su carrera.

Le han sido otorgados varios premios, entre otros: el premio de la Embajada de Túnez, el premio de oro en la 11a Bienal del Cartel en Polonia, el premio en la 12a Bienal Internacional de Diseño Gráfico en la República Checa, el premio especial en la 2a Bienal Internacional del Cartel en Méxi-co y el premio al mérito distintivo en la 7a Exposición Internacional del Club de Directores de Arte de Nueva York, EE. UU.; asimismo, obtuvo un premio en el concurso de carteles en pro de la pro-tección ambiental en África.

Dentro de sus publicaciones se encuentra Takashi Akiyama y las palabras de la mano izquierda y el libro Amor y SIDA.

Actualmente, es profesor de la Universidad Tama de Artes Plásticas.

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Nació en Japón en 1932. En 1956 se recibe como diseñador en la Universidad de Arte y Música de Tokio.

Brilla por primera vez en 1967 cuando fue seleccionado su cartel para que fuera el Cartel Oficial de la Exposición de Japón 70.

Para 1972 en Varsovia le dan el máximo galardón por su cartel en la Bienal Internacional de Var-sovia, a lo largo de su carrera obtuvo también los siguientes premios: 1979 - premio de plata en el Concurso Internacional de Diseño de Cartel de Colorado, 1980 - premio de plata en la Bienal Internacional de Diseño Gráfico de Brno, 1983 - premio de plata en el Concurso Internacional de Diseño de Cartel de Lahti, 1985 - primer premio en la Bienal Internacional de Cartel de Moscú, 1987 - Galardonado en el New York ADC: Hall of Fame. En 1992 realizó una exposición personal de 150 Carteles en el Museo del Cartel en Wilanow, Polonia, ese mismo año en Helsinki le otorgan el Gran Premio de la Bienal Internacional de Cartel, también el Gran Premio Savignac en la Expo-sición Internacional del Cartel en París.

Para 1996 seleccionan su cartel para la expo de Lisboa‘98 Pictogramas Ofeical y Signos. En 1997 realiza una exposición personal llamada “Un artista de ingenio visual” en el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, en 1999 realiza una exposición con el título “Bromista Visual: Shigeo Fukuda” en la Fundación de Japón en Toronto, Canadá. En 2000 realiza la exposición personal “Magicien de I’affiche”, TIRE de design de I’UQAM en Montreal, Canadá. En 2001 la exposición personal “La serie maestra” en el Museo de Arte Visual de Nueva York, EE.UU. Fue presidente de la Japan Graphic Designers Association, vicepresidente de ICOGRADA. Fue miembro de AGI, RPI, TADC y profesor invitado en la Universidad del Sur de Yanqtze, China.

El Museo de Arte Visual de New York realiza una muestra retrospectiva para el 2001.

El gran maestro de la cartelería falleció el 11 enero de 2009 en Japón

Shigeo Fukuda

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Javier Mariscal

Javier Errando Mariscal nació en Valencia en 1950. Hijo de un médico y un ama de casa con tres hijos, asistenta y niñera, creció en el seno de una familia acomodada y un estilo de vida poco fre-cuente en una España gris, pobre y católica con un reciente recuerdo de la Guerra Civil.

Es, sin duda, uno de los diseñadores españoles más conocido mundialmente. Cultiva distintos campos artísticos como la ilustración, el grafismo, los estampados textiles, la cerámica, el diseño objetual y de mobiliario, el audiovisual, el interiorismo, la pintura y la escultura, con un origen ins-pirado en el cómic y la cultura pop pero aplicada desde el diseño del s. XX y XXI.

Él mismo define el diseño como una herramienta de comunicación, un lenguaje visual que, a la vez, es moderno, actual, clásico, provocativo, popular..., algo vivo que hay que adaptar a la evolución de la sociedad, sin perder el punto crítico y reivindicativo que denotan sus diseños.

Cree firmemente en la comunicación entre los humanos, en la multidiversidad, en un mundo me-jor... Lo cual queda reflejado en la casi totalidad de sus obras desarrolladas a través de infinidad de soportes y disciplinas diferentes.

Aunque desde niño Mariscal ya dibujaba y realizaba ilustraciones de todo lo que le rodeaba, su pri-mera incursión en el mundo del diseño gráfico la hizo con la publicación de “ El Señor del Caballito “, como una colaboración con la revista de inspiración cristiana “ El Ciervo “ , en 1971.

La trayectoria de Javier Mariscal destaca por su amplia producción en el mundo del diseño de in-teriores, objetual y de mobiliario en el que realiza numerosos proyectos a nivel internacional.

Ha creado esculturas y objetos de uso cotidiano donde trasladaba la línea y el diseño de sus có-mics mediante la trimensionalidad del volumen y las formas.

Javier Mariscal se define a sí mismo como un “Art-director”, alguien que trabaja con grandes es-pecialistas y materializa todo aquello que pasa por su mente.

Nunca ha abandonado el aspecto más artístico de su carrera, ni la rebeldía y el espíritu alegre que caracterizan sus creaciones, desde la vanguardia y el diseño ha sabido expresar un sentimiento generalizado de la sociedad aportando arte y creación desde distintas disciplinas.

Por tanto sus obras, que carecen de individualidad, intentan mostrar el aspecto más humano e internacional del arte, han sido expuestas en exposiciones individuales y colectivas a lo largo de su trayectoria profesional.38

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LUCES

Johannes Veemer

Johannes Vermeer van Delft (bautizado en Delft, el 31 de octubre de 1632 - id. 15 de diciem-bre de 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e in-cluso Jan ver Meer, es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Ba-jos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.

La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente se conocen 33 a 35 cuadros. Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas.

Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbris-tamuchas veces considerada de género, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La joven de la perla.

En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos.

Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Ver-meer tuvo un amplio reconocimiento. William Thoré-Bürger contribuyó a la consagración de Ver-meer con unos artículos periodísticos muy elogiosos. Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de los Países Bajos. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz.

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Está realizada al óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintada hacia 1665. Mide 42 cm de alto y 35,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington DC, Estados

Unidos.

Detalle de la musa Clío de Alegoría a la pintura, hacia 1666.

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Dama con dos caballeros o Muchacha con copa de vino, hacia 1659-1660 (Herzog Anton

Ulrich-Museum, Brunswick).

En Dama al virginal, hacia 1667–1669, hay una transición de estilo buscando una estilización. Abandonó las transiciones de color y empleó la yuxtaposición de colores. Se aprecia bien en el

marco dorado de la pared.

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En La encajera, hacia 1669, mejoró su nueva técnica de estilización. Representó la concentra-ción en el trabajo cuidando el rostro y las manos y prescindiendo de detalles que desvíen la aten-ción. Dalí, que tenía admiración por este cua-dro, realizó una copia y una versión surrealista

del mismo.

The Art of Paintingcerca de 1666120 × 100 cmÓleo sobre tela

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Cristo en casa de Marta y María, hacia 1654-55 (Galería Nacional de Escocia, Edimburgo).

La joven de la perla, hacia 1665. Corresponde al momento cumbre de su pintura. La mirada es la gran protagonista y se complementa con un gran modelado del rostro, donde los labios son

un segundo centro de atención.

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Militar y muchacha riendo(De soldaat en het lachende meisje)

hacia 1658óleo sobre tabla • Barroco

49,2 × 44,4Colección Frick, Nueva York, Estados Unidos

‘’’Muchacha dormida’’’hacia 1657

óleo sobre lienzo • Barroco87,6 × 76,5

Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Es-tados Unidos

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Mujer con una jarra de agua, hacia 1662, Ver-meer evolucionó su técnica hacia un modelado más sutil, evitando contrastes pronunciados y usando una iluminación tenue. El refinamiento es

cada vez más complejo.

Mujer sentada tocando la espineta, hacia 1675. Se aprecia la decadencia de su fuerza creadora tanto en la composición, como en la luz y los

detalles.

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Mujer tocando la guitarra, hacia 1672. El estilo tardío se extrema, algunos detalles son trata-dos esquemáticamente. Abandona su ideal de figuras inmóviles haciendo reír y moverse a esta

mujer.

El geógrafo, hacia 1668-1669Altura: 53 cm. Anchura: 46.6 cm.

Óleo sobre tela (Instituto Städel, Fráncfort del Meno).

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La callejuela hacia 1657-1658. Inspirado por las fachadas urbanas de Hooch ensayó aquí por primera vez la pintura de exteriores. Usó un co-lorido claro y un modelado preciso mediante una técnica especial que empleaba, denominada

punteado.

La lección de música(De muziekles)

hacia 1660Óleo sobre tela • Barroco

73,5 cm × 64,1 cmPalacio de Buckingham, Londres, Reino Unido

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KRATOS

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http://nfgraphics.com/nuevo-diccionario-para-disenadores-graficos/

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Eventos &

Convocatorias

EL GOBIERNO DEL ESTADO DE VERACRUZ,A TRAVÉS DEL INSTITUTO VERACRUZANO DE LA CULTURA, CON EL APOYO DEL CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES, CONVOCAN A LA :

PRIMERA BIENAL DE ARTE VERACRUZ 2011

Para mayores informes dirigirse a:

Xalapa:Comité Organizador de la BienalPinacoteca Diego RiveraJ.J. Herrera No. 5, Col. Centro, C.P. 91000Xalapa, Ver. Tel (01228) 8 18 18 19At´n: Sergio Rosete y /o Lic. Leticia Jiménez

Orizaba:Museo de Arte del Estado de VeracruzOriente 4 S/N, Esq. sur 25, Col. CentroTel. 01 272 72 432 00C.P. 94300. Orizaba, Ver.At´n: Mtra. Milena Koprivitza

Veracruz: Ex Convento Betlehemita, Edificio Sede del IVECFrancisco Canal S/N, Esq. Zaragoza, Col. Cen-troC.P. 91700, Veracruz, Ver.01 229 9 32 43 76 / Ext. 115At´n. Lic. Cesar Segura

Bienal de Berlín, 7: Convocatoria abierta para artistasBienal de Berlín- Convocatoria -KW Institute for Contemporary ArtAuguststrasse 6910117 Berlin / Alemania

E-mail: call@berlinbiennale.deFax: +49. 30. 24 34 59 88http://www.berlinconmuchoarte.com/bienal-de-berlin-convocatoria-abierta-para-artistas-671

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