Revista de cine
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1 1 CINE EN EL TIEMPO
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CINE EN EL TIEMPO
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“En el principio era el Verbo.
¿Por qué, papá?”
…Estracto de la
pelicula Offret…
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STRANGER THAN
PARADISE
ADAPTATION
OLYMPIA
EL ABRAZO DE LA
SERPIENTO
LA MEMORIA DEL AGUA
THE SANDMAN
SACRIFICIO
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El tiempo y el arte van de la mano sobre los cambios de la
sociedad. Es inherente al hombre evolucionar, como cualquier
especie sobre la tierra. Pero sus cambios con el tiempo se han
vuelto sintéticos y tecnológicos. El arte dentro de la mecánica
moderna, es tan solo una reminiscencia de la naturaleza
humana, casi un vestigio de épocas pasadas. A través de él nos
vemos evolucionar, dentro de un ecosistema artificial, donde
la naturaleza se ha marginado. El propósito de esta entrega,
como lo ha sido en gran parte de las revistas de Arte, es
recordar ese paso del tiempo, profundizar someramente las
obras de arte. Las modernas y las arcanas, ya inmortalizadas
en la historia
-Sebastián Galaz-
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Offret (Sacrificio en español) es una
película de Andrei Tarkovsky, dirigida
en 1986, en Suecia. La película cuenta
con la ayuda de los colaboradores
habituales de Ingmar Bergman,
destacando la fotografía de Sven
Nykvist. Ganadora de varios premios
internacionales, tales como el gran
premio del jurado de Cannes, fue
filmada por Tarkovsky en su auto
exilio de la Unión Soviética. Sería su
última película antes de morir a una
temprana edad por los estragos del
cáncer.
A grandes rasgos y siendo somero con el
argumento, la película relata, en un ciclo
aristotélico, el infortunio de Alexander,
profesor de estética del arte, quién
durante el día de su cumpleaños y bajo el
contexto de un Armagedón nuclear, debe
tomar la desesperada decisión de perder
su familia, su hogar y su cordura para
recuperar el statu quo que reinaba antes
del inminente apocalipsis. Debe realizar
un sacrificio para recuperar la vida que de
todas maneras no podrá volver a tener.
SACRIFICIO
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Es imposible hablar sobre la
película sin referirse al
contexto por el cual el director
estaba pasando. Tarkovky por
entonces había escapado con
su familia de la URSS luego del
rodaje de la película
"Nostalgia". La mera idea de
realizar otra película se veía
nebulosa debido al cáncer que
estaba desarrollando. Sin
embargo, su compromiso con
el cine y su filosofía, lo
empujaron hacia la realización
de Offret.
El film es una apología a su vida.
Alexander es el mismísimo Tarkovsky
realizando su último Sacrificio,
entregando todo lo que le rodea por el
cine y su mensaje. Es manifiesto el
compromiso del Director con la película.
El detallismo de cada movimiento, la
milimétrica precisión de cada plano, la
atención a la degradación del color en
cada secuencia, solo hablan de un genio
absoluto dando su último respiro.
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La prueba de ello está en el largo plano de secuencia de la casa en llamas. En plena filmación de un plano de
secuencia de un incendio la grúa en la que estaba montada la cámara se
tranco. Debido a la importancia de esta escena,
el director mandó a construir una réplica exacta de la casa en el
mismo lugar donde estaba la anterior, para luego
quemarla y hacer nuevamente la toma desde
el principio.
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ADAPTATION
A pesar del éxito logrado con el primer guion que
produjo, "Como ser John Malkovich", Charlie
Kaufman está plagado de inseguridades y complejos
personales. Ahora ha sido contratado para adaptar a
la pantalla grande El ladrón de orquídeas un libro
escrito por la novelista Susan Orlean acerca de las
aventuras de un intrépido coleccionista y
comerciante de flores y fanático injertador de
orquídeas. Debido a que el libro carece de una
estructura dramática capaz de ser transpuesta al
medio cinematográfico, Charlie sufre un severo
bloqueo creativo quedando perplejo ante la historia.
Al mismo tiempo el hermano gemelo de Kaufman,
Donald se muda a su casa con el firme propósito de
aprender a escribir un guion con la ayuda de su
hermano. Mientras Charlie se concentra en hallar la
forma más adecuada de desarrollar su trabajo, el
segundo triunfa con un guion bastante convencional
sobre un asesino en serie.
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Una película que trata acerca del
proceso de Adaptación de un Guion, el
cual habla acerca de una investigación
científica, que luego comienza a tratar
sobre la vida del guionista escribiendo
el guion de la película que estamos
viendo. Si Inception fue visualmente y
argumentalmente compleja, Adaptation
es superlativa. Charlie Kaufman
(Guionista de peliculas como Quien
quiere ser John Malkovich y Eterno
resplandor de una mente sin recuerdos)
nos presenta una argumento
protagonizado por el, y su gemelo
ficticio Donald, que habla de las
angustias e inseguridades existenciales
en un proceso de adaptación, en este
caso el ladrón de Orquídeas. La frágil e
insegura imagen de Kaufman, durante
el rodaje de Quien quiere ser John
Malkovich, pueden poseer cierta
futilidad, pero encarnan al genio
ignorado. La tremenda complejidad que
deja ver el traspaso de una novela a un
libro, remarca la inherente obligación
de un Guionista para con la obra, y esto
no se deja atrás en Adaptation, Kaufman
sufre la obra, sin siquiera comprenderla
en su totalidad. Una película que más
allá de sus geniales transliteraciones, lo
principal que deja, son las
inseguridades y angustias humanas, el
miedo al fracaso, a mostrarse mucho o a
simplemente mostrarse muy poco
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STRANGER THAN
PARADISE
La película tiene un
argumento minimalista en el
cual el personaje principal,
Willie, tiene una prima de
Hungría, Eva, que se queda
con él durante diez días
antes de irse a Cleveland. Las
inocuas peripecias que van
viviendo a lo largo de la
película se van coronando
por un sutil sentido del
humor, lo que hacen de esta
película un reencuentro
mordaz con la simpleza de la
vida, de las que el cine
hollywoodense nos ha
distanciado en más de una
vez.
Es un recuento de las escenas que el Star-
System tiende a olvidar, amoldadas en un arco
narrativo, en el cual una simple y trivial
conversación durante la once toma un
destacable protagonismo
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El día de su estreno en Sundence, hace ya más de 32 años, sus
espectadores vieron el nacimiento de unas de las carreras más
remarcables del cine de hoy en día.
Stranger Than Paradise es la
segunda película que dirigió
el destacado director Jim
Jarmusch, conocido por su
estilizado uso de la estética
del bajo mundo, su narrativa
poco convencional y su
humor seco. Stranger Than
Paradise fue un suceso para
el cine independiente
estadounidense, impulsando
una tropa de nuevos
realizadores, deseosos por
encontrar un estilo propio.
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Documental sobre los Juegos Olímpicos
celebrados en la ciudad de Berlín en
1936 durante el periodo de mayor
esplendor Nazi. Dividida en dos partes
de 118 y 107 minutos,
respectivamente, el atletismo ocupa
buena parte de su metraje, incluida la
primera parte en su integridad. La
segunda incluye imágenes de gimnasia,
vela, pentatlón, decatlón, hockey sobre
hierba, polo, fútbol, ciclismo, hípica,
remo, salto y natación. Todo esto en un
resultado magistral y preciosista, una
oda al cuerpo humano.
Dicen que, para Hitler, Leni
Riefenstahl representó la mujer ideal.
Sin lugar a duda representaba los
valores del Nacional socialismo. Fue
una trabajadora incansable que no
sólo interpretaba y dirigía, sino que
también escribía los guiones y
cortaba y montaba la cinta. Tenía
fama de ser meticulosa hasta
extremos imposibles. Cuentan que
era capaz de estar cambiando de
lugar los árboles de un decorado
durante días enteros hasta lograr el
encuadre adecuado.
OLYMPIA
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En Olimpiada con 35 cámaras y
numerosos teleobjetivos, captó
los pequeños detalles de cada
competición. Tuvo a 60
operadores trabajando a sus
órdenes y experimentó con
métodos revolucionarios para la
época, colocó ruedas bajo las
cámaras para poder seguir la
marcha de los atletas y cavar
fosos en el estadio para captar
los saltos desde una perspectiva
aérea. Se valió de un objetivo de
600 mm, el de más largo alcance
y de una cámara subacuática,
ideada especialmente por uno de
sus colaboradores para los saltos
de trampolín.
El resultado fueron más de
400.000 metros de película,
que redujo a 100.000. El
trabajo de montaje duró casi
dos años con un afán y un
rigor que ponía nervioso a
Josef Goebbels, responsable
de Propaganda del régimen
nazi.
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EL ABRAZO DE LA
SERPIENTO
Karamakate fue en su día un poderoso
chamán del Amazonas; es el último
superviviente de su pueblo y vive en lo
más profundo de la selva. Lleva años en
total soledad, que lo han convertido en
"chullachaqui", una cáscara vacía de
hombre, privado de emociones y
recuerdos. Pero su solitaria vida da un
vuelco el día en que a su remota guarida
llega Evan, un etnobotánico
norteamericano en busca de la yakruna,
una poderosa planta oculta, capaz de
enseñar a soñar. Karamakate accede a
acompañar a Evan en su búsqueda y juntos
emprenden un viaje al corazón de la selva
en el que el pasado, presente y futuro se
confunden, y en el que el chamán irá
recuperando sus recuerdos perdidos.
Karamakate fue en su día un poderoso
chamán del Amazonas; es el último
superviviente de su pueblo y vive en lo más
profundo de la selva. Lleva años en total
soledad, que lo han convertido en
"chullachaqui", una cáscara vacía de hombre,
privado de emociones y recuerdos. Pero su
solitaria vida da un vuelco el día en que a su
remota guarida llega Evan, un etnobotánico
norteamericano en busca de la yakruna, una
poderosa planta oculta, capaz de enseñar a
soñar. Karamakate accede a acompañar a
Evan en su búsqueda y juntos emprenden un
viaje al corazón de la selva en el que el pasado, presente y futuro se confunden, y en
el que el chamán irá recuperando sus
recuerdos perdidos
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No han sido pocas las obras
maestras con las que ha sido
comparada «El abrazo de la
serpiente». La comparación más
escuchada es la que la relaciona con
la«Apocalypse Now» de Francis
Ford Coppola, a la cual recuerda por
sus largas travesías por el río a
través de la inhóspita selva, y
aunque la referencia más clara es la
de Herzog, el viaje espiritual que al
que se someten los protagonistas y
el misticismo que desprende me
trae el recuerdo de la magnética y
mágica «Dead Man» de Jim
Jarmusch.
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LA MEMORIA DEL AGUA
Amanda y Javier se separan tras la muerte de su hijo. Cada uno a su modo tratará de
reconstruir su vida, una desde el dolor, el otro desde la evasión. Juntos emprenderán un
viaje que podría volver a reunirlos como pareja, pero que también les hará comprender
que el amor no basta para sobreponerse a la tragedia que les ha tocado vivir.
La cinta comienza en el instante mismo de la
separación entre Javier (Vicuña) y Amanda
(Anaya), a causa de un despojo, trágico e
irreparable, que les ha sacudido la existencia
que llevaban en común. Ese quiebre, lo utiliza
Bize, para empezar a relatar (a través de la
cámara), la vida íntima, después de esa
ruptura, tanto de él, como de ella, pero
centrado un poco más en la soledad, en la
tristeza y en la desorientación, del integrante
masculino de ese extinto vínculo amoroso.
Estamos situados en Santiago de Chile, aunque
podríamos encontrarnos en cualquier otra
ciudad moderna y populosa, donde se hable
mayoritariamente el castellano, y los
vehículos transitan en espectaculares
autopistas.
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En ese contexto dramático, el director empieza a desarrollar su pensamiento estético y
cinematográfico: primeros y primerísimos planos, ángulos fotográficos cerrados (con
una que otra concesión, por supuesto), y una cámara que se mueve con la realidad y la
“imprecisión”, en ocasiones, de un foco y un lente, portados en mano. Otro detalle
audiovisual digno de anotar, es que para efectos espaciales y ambientales, el tiempo
narrativo de la cinta, se extiende entre el otoño, y lo que parece ser la primavera de una
misma temporada; con el posible estímulo afectivo y sensorial que esa situación
representa tanto para los personajes, como sobre la visión que se hagan del asunto, los
espectadores instalados en la butaca de una sala de cine.
La elección de Matías Bize por esta forma de
expresar audiovisualmente sus
motivaciones artísticas y temáticas (los
rostros de los personajes, abarcan y
prevalecen en casi la totalidad del
encuadre), equivalen a un recurso de crear
una puesta en escena, ya detectable en el
realizador chileno desde su ópera
prima:Sábado (2003), y reiterada en títulos
como En la cama (2005), Lo bueno de
llorar(2006), este último uno de sus créditos
más audaces, creativamente hablando; y
enLa vida de los peces (2010), ganadora de
un premio Goya a la Mejor Película
Hispanoamericana, hace más de cuatro años
(2011)
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THE SANDMAN
Inspirado en un relato del alemán E.T.A. Hoffman (“Der
Sandmann”), narra la historia de un niño que se va a
dormir pero es incapaz de coger el sueño. "El hombre
de arena" o Sadman es una criatura del folklore
occidental que se dedica a echar arena mágica en los
ojos de los niños para que tengan buenos sueños. En
este cortometraje de Paul Berry, la historia que se nos
cuenta se basa en la reimaginación macabra y sádica
del personaje que escribió E.T.A. Hoffman en su
historia corta "Der Sandman" (1816).
Afortunadamente, he de decir. Paul Berry, director de
esta pequeña maravilla, falleció prematuramente en
2001. Pero su mano puede verse en casi toda la obra de
Henry Sellick, donde trabajó como animador en
"Pesadilla Antes de Navidad", "James y el Melocotón
Gigante" e incluso "Monkey Bone". De hecho, el ya
clásico film "de Tim Burton" (vamos, Pesadilla), toma
claramente prestados elementos de este cortometraje
nominado al Oscar, tanto visuales como temáticos, una
inspiración tan evidente como agradecible, de la misma
forma que Berry recurre al expresionismo alemán para
dotar a los escenarios de vida propia u otros films
como "Vincent" (1984) del propio Tim Burton, en cierta
escena en la que el protagonista sube unas escaleras , o
"Krysar" (1985) en el uso de la iluminación.
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Animada en stop motion, como todos los trabajos previamente citados,
"The Sandman" cuenta la historia de un niño que se va a dormir y de una
criatura, el Sandman, que busca su próxima presa. Decir algo más sería
estropear la macabra sorpresa que se esconde en un guión
milimétricamente planificado, en el que no falta absolutamente nada:
intriga, suspense, terror e incluso gore. Berry murió demasiado pronto y
no pudo seguir explotando su magnífico talento, pero su legado es
importante: a "Pesadilla Antes de Navidad" se le une "The Sandman". A
ver cuantos animadores pueden presumir de haber formado parte -total
o parcial- de dos clásicos del género y, sin duda, los mejores exponentes
del terror animado de la década de los 90, junto a otras joyitas como
"Felidae" (1994). Para mí, una auténtica joya injustamente olvidada.
