Las artes visuales: función y mensaje

El proceso de composición es el paso más importante en la resolución del problema visual y consiste en la utilización de los elementos básicos del diseño que hemos comentado en clase, con el objetivo de comunicar un mensaje al público. Componer en las artes visuales consiste en distribuir y ordenar intencionadamente los elementos básicos del diseño (líneas, colores, formas y texturas). Los resultados de las decisiones compositivas marcan el propósito y el significado de la declaración visual y tienen fuertes implicaciones sobre lo que recibe el público. En esta etapa vital del proceso creativo, es donde el comunicador visual ejerce el control más fuerte sobre su trabajo y donde tiene la mayor oportunidad para expresar el estado de ánimo total que se quiere transmita el diseño.

La comunicación visual se lleva a cabo por medio del lenguaje visual, la sintaxis son la disposición ordenada de palabras en una forma y una ordenación apropiadas. Se definen unas reglas (las que estamos aprendiendo estos días) y lo único que hemos de hacer es aprenderlas y usarlas inteligentemente.

Hay muchos criterios para la comprensión del significado de la forma visual, del potencial sintáctico de la estructura en la alfabetidad visual, surgen de investigar el proceso de la percepción humana.

Líneas, colores, formas, texturas

La composición va unida a toda labor creativa. Así, desde el arte primitivo hasta los diseños gráficos de nuestros días, conceptos ligados a la composición como el ritmo, el equilibrio o la simetría, han tenido gran importancia en el arte visual de la humanidad.

Percepción de las imágenes y comunicación visual

En la confección de mensajes visuales, el significado no estriba sólo en los efectos acumulativos de la disposición de los elementos básicos que hemos estudiado en clase sino también en el mecanismo perceptivo que comparte universalmente el organismo humano.

Tipos de comunicación visual

1. Intencional: con intencionalidad2. Casual: sin intencionalidad

Elementos que componen el lenguaje visual

1. Nivel formal o de significante: Denotación (enumeración de todos los elementos sin emitir ningún juicio personal. Lo que físicamente se vea. Es el nivel de objetividad) del tamaño, formato, forma, color, iluminación, textura. Sintaxis: Composición.

2. Nivel semántico o de significado: Connotación (es la significación, el significado que se atribuye por parte del espectador a ese signo. El observador interpreta los elementos de la imagen _lo denotativo_ y le atribuye una significación subjetiva) del tamaño, formato, forma, color, iluminación, textura. Sintaxis: Retórica.

Para que una comunicación visual sea posible es necesaria la representación, que lleva implícita una interpretación. Pero... ¿En qué consiste representar?, en sustituir la realidad por signos icónicos, escritos o sonoros. Una imagen no es la realidad, una imagen es la representación de la realidad. Tipos de representación de la realidad:

1. Realidad bidimensional estática (imagen única o secuencial: pintura, grabado, dibujo, fotografía).

2. Realidad bidimensional en movimiento (arte, diseño, video).

3. Realidad tridimensional estática (escultura).

4. Realidad virtual (ordenador).

5. Recontextualización (ready-made): Objetos hechos que se sacan de su contexto habitual.

Estructuras compositivasLas estructuras compositivas son una serie de formas simples y líneas imaginarias que enmarcan los elementos de una imagen.El artista-diseñador es consciente de estas formas elementales desde el momento que concibe la obra, y las usa para componer de manera estructurada los objetos  que pretende representar, además de establecer los recorridos visuales de la imagen.El público, por su parte, puede imaginar estas formas y líneas al recorrer visualmente la imagen.

1. Estructuras cerradasLas estructuras cerradas son formas geométricas sencillas (triángulo, cuadrado, círculo, elipse...).

2. Estructuras abiertasLas estructuras abiertas son líneas de dirección curvas o rectas (en "c" en "L", en "x" …), diagonales, horizontales o verticales.

Planos compositivosLos planos de composición son una estructuración del espacio en distintas capas de profundidad, de modo que los distintos elementos de una imagen se disponen creando la ilusión de que existen tres dimensiones en la superficie plana de la imagen.En las obras figurativas la estructuración en planos busca imitar a la realidad (superposición)

Pero incluso en algunas obras abstractas se puede apreciar este modo de componer por planos.

Ritmo visualEl ritmo visual es la repetición intencionada de los elementos básicos del diseño (punto, líneas, formas, colores, texturas...) a lo largo de la superficie de la imagen. El ritmo visual, como el musical es un acontecimiento que atrae desde siempre al hombre. Tras observarlo y apreciarlo en multitud de ejemplos en la naturaleza, los ha adaptado a su modo de expresión y a sus producciones artesanales, artísticas y diseños.

Por decirlo con palabras más sencillas: creamos un diseño a partir de muchos colores, contornos, ritmos, texturas, tonos y proporciones relativas. Interrelacionamos activamente esos elementos; y pretendemos un significado. El resultado es la composición, la intención del artista-diseñador.

Ver es otro paso distinto de la comunicación visual. Es el proceso de absorber información dentro del sistema nervioso a través de los ojos, del sentido de la vista. Este proceso y esta capacidad es común a todas las personas en mayor o menor grado, y encuentra su significancia en el significado compartido. Los dos pasos, el ver y el diseñar son interdependientes tanto para el significado en sentido general como para el mensaje en el caso de que se intente responder a una comunicación específica.

Entre el significado general, estado de ánimo o ambiente de la información visual y un mensaje específico y definido se interpone todavía otro campo del significado visual, la funcionalidad en aquellos objetos que son diseñados, realizados y manufacturados para servir a un propósito. Aunque pueda parecer que el mensaje de estas obras es secundario respecto a su viabilidad, los hechos prueban lo contrario. Las ropas, las casas, los edificios públicos e incluso las tallas y decoraciones del artesano aficionado nos dicen muchas cosas de las personas que los diseñaron y los eligieron. Además, nuestra comprensión de una cultura depende del estudio del mundo que sus miembros construyeron y de las herramientas, artefactos y obras de arte-diseño que crearon.

Además, el acto de ver implica una respuesta a la luz. En otras palabras, el elemento más importante y necesario de la experiencia visual es de carácter tonal. Todos los demás elementos visuales se nos revelan mediante la luz, pero resultan secundarios respecto al elemento tono que es, de hecho, luz o ausencia de luz. Lo que nos revela y ofrece la luz es la sustancia mediante la cual el hombre da forma e imagina lo que reconoce e identifica en el entorno, es decir, todos los demás elementos visuales: línea, color, contorno, dírección, textura, escala, dimensión, movimíento.

Qué elementos dominan en qué declaraciones visuales es algo que está determinado por la índole de lo que se diseña o, en el caso de la naturaleza, de lo que existe. Pero cuando definimos elementalmente la pintura diciendo que es tonal, que tiene una referencia de contorno y en consecuencia una dirección, una textura y un tono de color, posiblemente una referencia de escala y desde luego ni dimensión ni movimiento salvo por implicación, en realidad, ni siquiera estamos empezando a definir el potencial visual de la pintura. Las posibles variantes de una declaración visual que se ajuste exactamente a esta descripción son literalmente infinitas. Esas variaciones dependen de la subjetividad del artista-diseñador al poner más énfasis en unos elementos que en otros y la elección estratégica de técnicas.

El resultado final es la verdadera declaración del artista-diseñador. Pero el significado depende asimismo de la respuesta del público. Este también modifica e interpreta a través de sus propios criterios subjetivos y su experiencia de la realidad.

Tipos de productos visuales

Podemos encontrar distintos tipos de de representación de la realidad, como hemos visto anteriormente, también se clasificaran por el tipo de función que representan:

1. Los informativos: su objetivo es el traspaso de información emisor-receptor. Estos pueden ser:1.1 Epistémicos: si representan la realidad lo más fidedignamente posible.1.2 Simbólicos si representan la realidad de forma más abstracta.

2. Los comerciales: su objetivo es producir la compra de un producto-servicio. Estos pueden ser:2.1 Dirigidos a la comunicación de marcas (productos, servicios, empresas).2.2 Dirigidos a la venta directa de productos y servicios de consumo. Es la publicidad exterior o del medio como los anuncios de prensa y televisión.2.3 Dirigidos a la venta de productos y servicios de consumo y servicios de entretenimiento (como cine, películas…).

3. Y los artísticos: sistema de representación/interpretación de la realidad donde se emite un mensaje con el objetivo de producir sensaciones en el espectador tanto a través de la forma como del contenido de dicho mensaje. El arte-diseño es una forma de conocimiento de la realidad a través de los sentidos. Se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginario con recursos plásticos, lingüísticos y sonoros: verlos, reflexionar, admitir.

Si en la actualidad queremos que un producto visual sea catalogado como artes visuales, será necesario tener en cuenta:

_La intención de crear un conocimiento: intencionalidad del artista._La creación de un código: comunicación visual e interpretación por parte del público. ¿Esto ha sido siempre así?: las Artes visuales son una convención cultural dependiente siempre de los cambios y modificaciones de los contextos culturales en los que se inscribe. Es cambiante en el espacio (entorno y sociedad) & tiempo.

4. Otros tipos de productos visuales:4.1 Místicos: generan un sentimiento religioso en el espectador. 4.2 Didácticos: tienen como objetivo desarrollar el aprendizaje del receptor.

4.3 Lúdicos: entretienen al receptor (y/o crean ideología).4.4 Expresivos: liberan la carga expresiva del emisor. Pinturas de pacientes de instituciones mentales, Ej.: Graffiti.4.5 Propagandísticos: afiliar al emisor.4.6 Decorativos: ser agradables a la vista.

Todos los productos visuales cumplen alguna función. Un producto visual puede cumplir varias funciones a la vez. Dependiendo del contexto del observador, un producto visual puede cambiar de función.

Nuevos códigos de lectura

_Hoy hemos dejado el arte “tradicional” para dar paso a una nueva lectura del arte-diseño en donde las obras tendrán múltiples interpretaciones._El público hace preguntas en vez de esperarlas. Estará obligado a permanecer atento y alerta. Pasará de la contemplación al análisis._Es una nueva lectura del arte-diseño, en donde el público necesita una alfabetización visual._En el arte-diseño contemporáneo no se habla de la obra, sino del hecho artístico que varía dependiendo de:

1. Contexto donde se enmarque.2. Momento en que se presenta.3. Público que la contempla.

En la actualidad, las artes visuales se pueden definir de varias maneras:

1. Manera de específica de institucionalización de criterios, productos visuales para un criterio concreto: intencionalidad. Ética & moral.2. Sistema de reflexión de la realidad a través del lenguaje visual: ideología (política, social, económica, cultural _ecológico_).3. Ejercicio de capacidad crítica a través de la retórica visual: visión es del mundo.

El equilibrio

La influencia psicológica y física más importante sobre la percepción humana es la necesidad de equilibrio del hombre, la necesidad de tener sus dos pies firmemente asentados sobre el suelo y saber que ha de permanecer vertical en cualquier circunstancia, en cualquier actitud, con un grado razonable de certidumbre (placer). El equilibrio depende de la posición de los elementos, su contraste y los espacios negativos, constituyendo así la referencia visual más fuerte y firme del hombre, su base consciente e inconsciente para la formulación de juicios visuales. Lo extraordinario es que, aunque todos los diseños visuales tienen un centro de gravedad técnicamente calculable, no hay un método de cálculo tan rápido, exacto y automático como la sensación intuitiva de equilibrio que es inherente a las percepciones del hombre.

El concepto de equilibrio visual se puede explicar de modo similar al equilibro físico del que todos tenemos alguna experiencia.

El equilibrio es tan fundamental en el hombre como en la naturaleza. Es el estado opuesto al colapso, desequilibrio. En la expresión o interpretación visual este proceso de estabilización impone a todas las cosas vistas y planeadas un «eje» vertical con un referente secundario horizontal; entre los dos establecen los factores estructurales que miden el equilibrio. Este eje visual se denomina también eje sentido, lo cual expresa mejor la presencia no vista, pero dominadora del eje en el acto de ver. Es una constante inconsciente.

Existen dos modos generales de crear equilibrios: los estáticos, cuyo mejor ejemplo son las simetrías; y los dinámicos, mucho más variados y que usan los llamados centros de interés para estructurar en torno a ellos el resto de la imagen. 1. Equilibrio estático (simetrías)Las simetrías son una manera de componer de manera que, a partir de un elemento generador de esa simetría (punto, recta o rectas), se establecen relaciones entre las partes de una imagen. Si el elemento generador de la simetría es un punto, tenemos una simetría central. Si el elemento generador de la simetría es una recta, tenemos una simetría axial:

Si el elemento generador de la simetría es un haz de rectas, tenemos una simetría radial.

Estas simetrías se dan en la naturaleza de manera muy común, y el hombre ha aprendido a apreciar la belleza de estos equilibrios visuales perfectos y los ha aplicado desde muy antiguo a sus producciones artísticas y diseños.Las obras de arte y/o diseños que usan las simetrías resultan tener un equilibrio perfecto, pero tiene el inconveniente de resultar estático o rígido y, por tanto algo inexpresivas.

2. Equilibrio dinámicoLos equilibrios dinámicos proporcionan a las imágenes mayor movimiento y variedad que las simetrías. El ojo humano percibe un equilibrio basado en la compensación de los llamados "pesos visuales". Las formas de diferentes tamaños y los colores más o menos llamativos se contrarrestan y estabilizan mutuamente.

La tensión

Muchas cosas del entorno no parecen tener estabilidad. El círculo es un buen ejemplo de ello. Por mucho que lo miremos esta sensación permanece, pero en el acto de verlo suplimos esa carencia de estabilidad imponiéndole el eje vertical que analiza y determina su equilibrio en cuanto forma y añadiendo después la base horizontal como referencia que completa la sensación de estabilidad.

Proyectar los factores estructurales ocultos (o sentidos) sobre formas regulares como el círculo, el cuadrado o el triángulo equilátero es relativamente sencillo y fácil de comprender, pero cuando una forma es irregular, el análisis y el establecimiento del equilibrio resulta más complejo. Este proceso de estabilización se puede poner de manifiesto con más claridad recurriendo a una secuencia de ligeros cambios en los ejemplos y las respuestas a la posición del eje sentido ante el estado cambiante de equilibrio.

Este proceso de ordenación, de reconocimiento intuitivo de la regularidad o de la falta de ella, es inconsciente y no requiere explicación ni verbalización. Tanto para el emisor como para el receptor de la información visual, la falta de equilibrio y regularidad es un factor desorientador. En otras palabras, es el medio visual más eficaz para crear un efecto en respuesta al propósito del mensaje, efecto que tiene un potencial económico y directo en la transmisión de la información visual. Las opciones visuales son polaridades, de regularidad y sencillez por un lado, de complejidad y variación inesperada por otro. La elección entre estas opciones rige la respuesta relativa que va del reposo y la relajación a la tensión (stress).

La conexión entre la tensión relativa y el equilibrio relativo se pone sencillamente de manifiesto en cualquier forma regular. Por ejemplo, la representación de un radio en el círculo provoca una mayor tensión visual porque ese radio no se ajusta al «eje visual» no visto y, por tanto, deshace el equilibrio. El elemento visible, el radio, queda modificado por el elemento invisible, el eje sentido, así como por su relación con la base horizontal estabilizadora.

En términos de diseño, de plan o propósito, si tenemos un círculo junto a otro, la atención de la mayoría de los observadores será atraída por aquel cuyo radio se aparte más del eje.

Su valor para la teoría de la percepción está en cómo se use en la comunicación visual, es decir, en cómo refuerce el significado, el propósito, la intención y, además, en cómo pueda usarse como base para la interpretación y la comprensión. La tensión o la ausencia de tensión es el primer factor compositivo que podemos usar sintácticamente en nuestra búsqueda de la alfabetidad visual.Hay muchos aspectos de la tensión que deberían ampliarse, pero consideraremos en primer lugar el caso en que la tensión (lo inesperado, lo más irregular, lo complejo, lo inestable) no es lo único que domina al ojo. En la secuencia de la visión hay otros factores que contribuyen al predominio compositivo y a atraer la atención. El proceso de establecimiento del eje vertical y de la base horizontal atrae la mirada con mucha más intensidad hacia ambas áreas visuales, dándoles automáticamente una importancia compositiva mayor. Es fácil localizar estas áreas cuando se trata de contornos regulares.

En contornos irregulares, naturalmente es más difícil establecer el eje sentido, pero el proceso sigue conservando su importancia compositiva. Son estos sencillos ejemplos de un fenómeno que sigue siendo cierto, no sólo en los contornos complejos, sino también en las composiciones complicadas.

La tensión compositiva puede considerarse como lo opuesto al equilibrio desde el punto de vista estructural de un diseño. Constituye la fuerza de un diseño y es lo que consigue inferir movimiento y dinamismo a una composición. Tiene como finalidad dirigir la mirada y conseguir fijar la atención del observador.

La tensión se puede conseguir con la combinación de líneas y formas agudas e irregulares. Podemos utilizar distintas técnicas para provocarla, todas ellas basadas en los recursos de percepción que ponemos en marcha cuando activamos nuestros mecanismos de captación de información visual. Las principales técnicas son:

1. Técnica sugestiva: Consiste en dirigir intencionadamente, a través de otros elementos, la atención aun punto determinado. Por ejemplo, muchas líneas confluyen en un mismo punto o muchos personajes dirigen en la fotografía su atención hacia el mismo sitio. 2. Técnica rítmica: Basada en la tendencia innata del ojo humano a completar secuencias de elementos aportando parte de sus propios conocimientos previamente adquiridos y a percibir elementos semejantes como un todo tendiendo a agruparlos. Cuando contemplamos determinada secuencia de elementos (ya sean números, formas, figuras geométricas o colores), tendemos a agrupar aquellos que poseen formas semejantes. 3. Técnica mecánica: Consiste en guiar de manera imperativa la atención del observador. Puede llegar a ser menos efectivo que las técnicas anteriormente señaladas, ya que se produce coacción visual sobre el observador.

Una composición gráfica puede estar formada por muchos o pocos elementos. Puede componerse exclusivamente de la presencia de texto o sólo de imágenes; puede poseer grandes espacios vacíos o constituir una combinación equilibrada de elementos gráficos. Como indicábamos, cada trabajo de diseño posee unas exigencias diferentes.En cada momento, el diseñador debe contar con la información necesaria para que ningún elemento aparezca de más en su composición o se eche de menos. Hemos de preguntarnos constantemente cuáles son los elementos prioritarios y cuáles ocupan un lugar secundario dentro del conjunto.La decisión de qué elementos deben figurar en nuestra composición, cómo debemos distribuirlos y dónde deben ir ubicados, y en definitiva, cómo ir elaborando la información que queremos comunicar, constituye el proceso creativo en sí mismo, y el día a día de todo trabajo de un diseñador. Es una tarea que requiere planificación con el objeto de lograr una correcta armonía entre todas las partes a fin de que el resultado final posea una efectividad comunicativa máxima. De nada nos sirve conseguir un diseño estéticamente confortable si no está cumpliendo con su misión principal, que es transmitir lo más económica y efectivamente posible un mensaje. Del mismo modo, tampoco cumpliríamos con nuestra tarea si sacrificamos principios estéticos de máxima importancia como son la armonía, la proporción y el equilibrio entre elementos a fin de conseguir transmitir toda la información que se nos ha proporcionado en primera instancia.

TALLER 3: Transitar, descubrir... comunicándose

El hombre adquiere conciencia de sí mismo y del mundo que le rodea por medio de sus sentidos: vista (mandala), olfacto (esencias), tacto (texturas). A partir de los estímulos recogidos por los sentidos el hombre descubre, organiza y recrea la realidad, adquiriendo conciencia de ella por medio de la percepción. Pero conviene dejar sentado desde el principio la fácil confusión existente entre estímulo y percepción.

El estímulo pertenece al mundo exterior (objetivo) y produce un primer efecto o sensación en la cadena del conocimiento; es de orden cualitativo como el frío, el calor, lo duro, lo gelatinoso, lo rojo, lo blanco... Es toda energía física, mecánica, térmica, química o electromagnética que excita o activa a un receptor sensorial. La percepción pertenece al mundo individual interior (subjetivo), al proceso psicológico de la interpretación y al conocimiento de las cosas y los hechos.

Identificar la realidad por las impresiones que se producen en nuestros sentidos es una de las más firmes evidencias de la misteriosa perfección de la mente humana.

La diferencia entre las sensaciones recibidas y la realidad del mundo físico que nos rodea, la explica la psicología, aunque están implicadas otras muchas ciencias, como la geometría, la física, la biología y el diseño gráfico.Este tema es tan fundamental para el diseño que constituye su propia esencia, pues no cabe duda que se hace para ser visto. El análisis de esta visión normalmente se realiza sobre un plano, donde caben representadas las formas de un mundo material o imaginado, de otras dimensiones que las propias de la superficie que las contiene. Este fenómeno, que presenta un continente menor que el contenido, es un permanente desafío que aborda resueltamente el diseñador de todos los tiempos. En este sentido se producen los más tensos conflictos, ya que su actividad se extiende no sólo a la percepción de las formas del espacio sino que ha de representarlas mediante códigos convincentes sobre el plano. Se mueve en el continuo dilema del conocimiento racional de los objetos y la captación visual de los mismos; entre representar las cosas "como son" o como "se ven", entre la presentación de estímulos y sensaciones, y los resultados obtenidos por la percepción. Las formas físicas de los objetos pugnan con las formas proyectivas de la representación de los mismos; así, los objetos circulares como ruedas, platos, vasos..., rara vez se ven como círculos y casi siempre como eclipses cambiantes con las que se identifican fácilmente.

Aunque los fenómenos que estamos estudiando estos días se producen en el plano y con elementos geométricos simples, casi siempre en blanco y negro, también se extienden las ilusiones ópticas a las tres dimensiones de formas y objetos reconocibles, así como a efectos cromáticos, que los empezaremos a estudiar de ahora en adelante. El haberlo estudiado primero en sus formas simples y geométricas es para aislarlos de los fenómenos de asociación y representación de formas reconocibles que los influirían por el conocimiento previo.

Desarrollo Taller: (Vídeo)

1. Música naturaleza.2. Hacer parejas de 2: Ciego & lazarillo. Descalzarse.3. Desorientar y llevarlos a transitar sobre las texturas.4. Con ojos cerrados dibujar mentalmente el territorio transitado que se ha percibido.5. Escribir un SMS relacionado con las percepciones que han cruzado por vuestro cuerpo y mente, mientras habéis sido acompañados-acompañantes.6. Elaboración de un Crop Art con texturas orgánicas a buscar por Edcom-Espol.

Crop Art: Diseños sobre campos de cultivo (crop)

Líneas de Nazca: líneas rectas, en zig-zag, radiación concéntrica, figuras geométricas, animales, plantas y personas.

La cultura Hopewell (Bosques orientales E Canadá-EEUU, desde New York al Golfo de méxico entre aprox. 100 a. C.-500 a. C.) construyó enormes

túmulos funerarios y/o montículos-efigie artificiales con forma de aves, osos, serpientes, hombres, etc. parecidos a los vistos en la exposición del MAAC

(tatuajes) y a las líneas Nazca Perú (Crop Art).

La serpiente era considerada un espíritu guardián para muchos de estos pueblos. Uno de los significados del Montículo de la Serpiente (300m long.) podría ser la representación de un eclipse solar, en el cual el sol (el óvalo) es atacado por el animal. Esta hipótesis toma fuerza debido al hecho de que es común en los pueblos nativos la leyenda de un monstruo defensor que devora al sol. Se cree que podría tener un significado astronómico pues la cabeza de la serpiente está alineada con la puesta de sol en el solsticio de verano, y la cola con la salida de sol en el solsticio de invierno.

Mapa Serpent Mount (avance S6 Parcial II Tipografías Paula Sher sobre mapas).

Google Maps, Google Earth

“Botica (2007-8)” Juana Córdova

Botica (2007-8) de Juana Córdova es un exquisito micro paisaje, un jardín terapéutico. Este frágil trabajo, en su espectral representación de un huerto de especies medicinales, traza conexiones históricas que invocan épocas pasadas e imaginarios activados por los sitios en los cuales se ha presentado. Originalmente instalada en el Museo de la Ciudad en Quito (construcción que en épocas coloniales funcionaba como hospital, y en cuyos predios se mantenía un jardín de similares características), y luego en el Museo de la Conceptas de Cuenca (cuyo edificio fungió alguna vez como enfermería de las monjas), la instalación nos remite no sólo a los antiguos herbolarios y su empleo como fuente farmacéutica, sino al devenir –interrumpido o amenazado- de la sabiduría heredada detrás de ellos. Su delicada y laboriosa manufactura en papel maché & morocho blanco (texturas-color) puede entenderse -si enfocamos las manualidades como tradiciones transmitidas secuencialmente entre generaciones-, como una alusión a aquellos saberes curativos perdidos, impostados y suplantados por otras prácticas de sanación que, si bien lucen acordes a las demandas de vértigo de la vida contemporánea, se perciben menos humanizadas y artificiales. Al mismo tiempo me parece que la obra, por asociación, aborda las “raíces” culturales, ese puñado de extensiones del pasado que fantasmagóricamente puebla las nociones de identidad local.

Este trabajo que tan poéticamente habla del ayer puede así mismo comentar elocuentemente el presente, si tan sólo consideramos las patentes comerciales que la industria farmacéutica actual pretende imponer sobre especies como aquellas. La meticulosa reproducción de cada especie y sus detalles, la ordenada taxonomía que ha logrado la artista en su clasificación (la cual nos remite además a las expediciones botánicas españolas del s. XVIII destinadas a inventariar los recursos vegetales de sus posesiones en ultramar) denotan además un impulso archivista, en uno de los sentidos de archivo articulado por Derrida:

“(...) un deseo incontenible de volver al origen, una nostalgia por el hogar, una nostalgia para la vuelta al lugar más arcaico del comienzo absoluto”.

FIN PRIMER PARCIAL

Pero... el camino continuará...