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Doris Salcedo: Un recuerdo Almidonado (1989‐1990) 

Por Paula Builes (29/03/2012) 

Resumen En el presente artículo, la obra de camisas almidonadas (Sin Título,1989-1990) de Doris Salcedo se analiza y compara con otras obras de la artista en términos del lenguaje visual utilizado, su posición personal ante el conflicto y la relación con diferentes situaciones sociopolíticas que evocan la violencia moderna no sólo de Colombia, sino también dentro del ámbito internacional. Salcedo propone un discurso alternativo que permite interpretar y asumir la realidad social y política a través de un lenguaje metafórico. El análisis y comparación entre sus obras permite reconocer que la artista hace un llamado de atención a la violencia, que se expande a través de las fronteras por medio de diferentes manifestaciones pero que afecta a todos los seres humanos. Salcedo invita al espectador a observar y reflexionar no solo sobre su arte sino también sobre el apremio de las personas a las que sus obras aluden. * Palabras claves: Arte, violencia, política, memoria.

Abstract In this article, the artwork of starched shirts (Untitled, 1989-1990) by Doris Salcedo is analysed and compared with other works by the artist in terms of their visual language, Salcedo’s personal position in the conflict and the relationship with different socio-political situations that evoke modern violence not only in Colombia but also in the international arena. This artist proposes an alternative approach to address the interpretation of the social and political reality through a metaphorical language. The analysis and comparison between the works of Salcedo allow recognizing the artist’s wake up call to a violence that has spread across borders as well as through various manifestations but that affects all human beings. Doris Salcedo invites the spectator to observe and think over both of her art as well as the struggle of the people that these works refer to. * Key words: Art, violence, politics, memory.

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Un Recuerdo Almidonado (A Starched Memory) Doris Salcedo (1958) realiza esculturas e instalaciones que funcionan como arqueología política y mental, utilizando materiales domésticos cargados de significado e impregnados con recuerdos acumulados a lo largo de años con el uso en la vida cotidiana. Salcedo toma a menudo acontecimientos históricos específicos como punto de partida para transmitir el agobio y el conflicto. (Basado en White Cube, 2012) La artista colombiana estudió Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá y amplió después su formación con un Máster en Artes en la Universidad de Nueva York. Sus obras han sido expuestas en museos como el MoMA de Nueva York, el Pompidou de París, el Art Institute de Chicago, el Reina Sofía de Madrid, el MUAC de México, el Castello Rivole en Turín y la Tate Modern de Londres. Además ha participado en las bienales de Sao Paulo (1998) y Estambul (2003), Documenta XI (2002) y T1 Trienal de Arte Contemporáneo en Turín (2005). Vive y trabaja en Bogotá (White Cube, PBS & Arte Selección, 2012) Colombia ha sido un país azotado por la violencia. Términos para referirse a ella son esclavitud, conflictos bipartidistas, La Guerra de los Mil Días, El Bogotazo, el paramilitarismo y las guerrillas (FARC, ELN, M19, EPL), narcotráfico, conflictos armados, La Toma del Palacio de Justicia, conflictos por erradicación de cultivos de drogas, Los Desplazados, y desafortunadamente son muchas más las que se podrían citar. Para dirigirnos específicamente a la obra Sin Título1 (1989-1990) de Doris Salcedo es necesario conocer una de las tantas violencias, que en esta ocasión se asocia directamente al cultivo del banano y que se remonta a la época en que la United Fruit Company administraba las plantaciones (la Matanza de las Bananeras a la que hace referencia García Márquez en Cien Años De Soledad) hasta la situación actual de la región bananera de Urabá (Roca, 2001) en donde miles de personas fueron asesinadas de manera indiscriminada: ancianos, mujeres, niños, sindicalistas, terratenientes adinerados y trabajadores de las plantaciones. Las masacres se presentaron de manera muy atroz, desde desmembramientos, secuestros, desapariciones forzadas y asesinatos selectivos y colectivos. Fueron ejecuciones muy planificadas y puntuales para afinar el poder que ejercían en la región y que involucraron a los grupos paramilitares, quienes comenzaron como grupos armados ilegales con el objetivo de proteger a las personas de la zona de las atrocidades de la guerrilla, pero que luego se convirtieron en criminales involucrados en narcotráfico, corrupción y en estos asesinatos. En las masacres también se vieron implicadas compañías bananeras internacionales, como Chiquita Brands, y personajes de la vida nacional desde políticos y notarios hasta militares de altos rangos del Ejército Nacional. El tema de la violencia se ha tratado de manera aislada en el arte colombiano desde los años sesenta, pero el discurso revisionista con el que lo trata Doris Salcedo es por medio de una aproximación más sutil, simbólica y aún así, estética. La principal influencia para su actitud artística le sería provista por Joseph Beuys, quien vendría a significar para ella una posibilidad de confrontación de una experiencia de trauma en términos históricos. “Desde estas primeras piezas comenzaría a dimensionarse en su trabajo una

1 Doris Salcedo, Detalle de Sin Título, 1989-1990. Camisas de algodón, yeso, acero. Dimensiones variables.

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búsqueda por exponer imágenes y hechos ante los cuales la historia oficial guarda silencio” (Cerón, citado por Garzón, 2011): “Yo creo que las mayores posibilidades del arte no están en mostrar el espectáculo de la violencia sino en esconderla…es la proximidad, la latencia de la violencia, lo que me interesa”, dice Doris Salcedo en el libro que la editorial Phaidon dedica a su trabajo. Así, la artista en sus constantes visitas a familiares de desaparecidos, producto de las masacres en las bananeras, observa cómo esas personas que siguen vivas se han convertido en segundas víctimas y cómo a través de rituales privados, intentan mantener la presencia del que ya no está, como lavar y planchar las camisas de los que desaparecieron. Sin título (1989-1990) consiste en una serie de camisas apiladas perfectamente dobladas pero atravesadas por varas de acero que aluden al dolor, a la ausencia de quienes un día las vistieron. La artista transforma estas prendas en objetos inútiles, como metáfora de los efectos de la violencia en la vida de las personas. (Malagón-Kurka, 2008) Una historia comparada de las producciones de esta artista colombiana, arroja un balance similar en el que impera la iniciativa desafiante de cuestionar la forma en que los medios de comunicación divulgan la información. Así, Salcedo propone un discurso alternativo con carácter de denuncia que permita al espectador interpretar y asumir la realidad social y política que lo rodea pero teniendo en cuenta el dolor y la tragedia que a menudo se esconde o se omite. La artista recibió́ el primer premio en el XXXI Salón Nacional de Artistas en 1987, por su obra Sin título (1987) realizada con partes de camas de hospital desechadas, sugiriendo los enfermos que eran tratados en un hospital. En una entrevista concedida en el momento de la exposición en 1990, Salcedo afirmó que aunque estaba preocupada por los hechos violentos que ocurrían en Colombia, ella estaba especialmente interesada en “las huellas” dejadas por esos hechos (García, 1990). Otra de sus primeras esculturas e instalaciones, como La Casa Viuda (1992-1995) que consiste en muebles domésticos combinados con textiles y ropa, también son vinculados a la tragedia personal y política del país y derivados de las investigaciones que la artista realizaba con los seres queridos de las personas afectadas. (White Cube, 2012) Una de las obras más representativas y polémicas de Doris Salcedo se empieza a concebir cuando vuelve de estudiar en Nueva York a Bogotá́ en 1985, fecha en que sucedió́ la masacre del Palacio de Justicia. Ella recuerda: “Fue algo de lo que yo misma fui testigo. No me queda solo una memoria visual, sino un recuerdo terrible del olor del edificio en llamas con seres humano dentro... eso me dejó marcada”. (Tomado de Garzón, 2011) Ese recuerdo no ha dejado de obsesionarla desde entonces, como la obsesionaba también la impresión de que a casi nadie pareciera importarle, de que casi nadie pareciera recordar, de que casi nada se ha investigado ni que a nadie pareciera habérsele imputado responsabilidades. Con estas impresiones surge Noviembre 6 y 7 (2002), una conmemoración del decimoséptimo aniversario de la toma por parte del grupo terrorista M19 al Palacio durante los días 6 y 7 de noviembre de 1985. Salcedo situó la obra en el nuevo Palacio de Justicia, en donde 280 sillas de madera fueron bajadas lentamente por la fachada del edificio desde diferentes puntos del techo para que se recordara lo que en ese momento había sucedido y que muchos parecieron haber olvidado.

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En su entrevista en el catálogo Cantos/Cuentos Colombianos, Salcedo dice: “Me interesa establecer conexiones, ver el fenómeno de la violencia en general, porque creo que todos los seres humanos somos iguales, más allá de las diferencias raciales, culturales o religiosas. Me interesa encontrar lo puramente humano, lo que es común a todos los hombres y evidenciarlo. Este aspecto común en todo ser humano es precisamente nuestra gran vulnerabilidad, somos seres infinitos y por lo tanto vulnerables. Claro, algunos vivimos en condiciones que exacerban esa vulnerabilidad” Con estas palabras se presencia cómo Doris Salcedo traspasa las fronteras con su obra, que con los años empieza a tener un tinte más de instalación que de escultura al utilizar espacios dentro de galerías y museos o lugares inusuales para crear ambientes efímeros pero que devuelven o activan recuerdos y sensibilidad al espectador, invitándolo a indagar sobre lo que está tras el telón de su obra, que no es más que la misma historia que muchos han dejado atrás. Ejemplos de su “internacionalización” se aprecian en el 2003, año en donde participa en la Bienal de Estambul con una instalación2 que ocupa el espacio entre dos edificios con 1.600 sillas de madera apiladas precariamente. En una entrevista, Doris Salcedo explica su obra: “Relacionado a un acontecimiento histórico, yo quería hacer una topografía de la guerra que está tan inscrita en el día a día a pesar de que no se esté refiriendo a una experiencia extrema. El punto en el que el día a día y la guerra se entrelazan, creo que es la forma en cómo la guerra se percibe, en lugares que duran muchos, muchos años… El evento que tuvo lugar hace muchos años es algo dudoso y no tengo ninguna intención de presentar el evento exactamente como sucedió. Lo que estoy tratando de obtener de estas piezas es el elemento común a todos nosotros, experimentado como víctima o como agresor. No creo que es importante conocer el evento, no estoy narrando una historia en particular, sólo estoy ofreciendo experiencias” Experiencias que también suscita en el espectador en el 2005 en el Castello di Rivoli, Turín. Allí, Salcedo reinventa una de las salas más importantes de la institución mediante la ampliación del existente del techo majestuoso, abovedado de ladrillo de la galería, transformando el espacio existente, evocando pensamientos de encarcelamiento y sepultura. (Basado en White Cube, 2012) Doris Salcedo no conformó con transformar este castillo. En 2007, Shibboleth3, una dramática grieta de 167 m de longitud recorre el suelo de la Tate Modern, invitando a la reflexión sobre el lugar y las experiencias de los inmigrantes. (King, 2010) En la grieta, una malla de acero alude a las vallas como símbolo de exclusión social. Una vez rellena la grieta, quedará un “fantasma” de la obra. Con Shibboleth, Salcedo trasciende la historia de la modernidad en donde esta vez le muestra a Europa a Europa qué es, qué ha hecho, cómo vive el inmigrante, cómo vive el Tercer Mundo (González, 2010). Con Shibboleth la artista señala las diferencias que existen y que no se pueden negar, por más que se trate. La última obra a colación para comparar las camisas almidonadas de Doris Salcedo es su Plegaria Muda4 (2011) que vuelve a recordar la tragedia de su país natal con una instalación

2 Doris Salcedo, Istanbul Project, 2003, instalación en la VIII Bienal Internacional de Estambul (Turquía). 3 Doris Salcedo, Shibboleth, 2007. 4 Doris Salcedo, Plegaria Muda, 2008-2010.

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comisionada por la Fundación Calouste Gulbenkian (Lisboa) y el Museo de Arte Moderno de Malmö (Suecia) que, consiste en 166 unidades del tamaño de un ataúd estándar que llevan a pensar en esas personas que ahora no están por causa del conflicto interno colombiano. “Uno ve las sillas colgadas sobre el Palacio, los armarios llenos de hormigón (Untitled, 1989-95), las puertas condenadas de La casa viuda (1992- 94) o los zapatos emparedados de Atrabiliarios (1993), y siente que hay ahí ́algo inquietante que está apenas apuntado”. (De Ory, 2002) Ya sea en Inglaterra, Estados Unidos, Estambul, Suecia, México, Italia o Colombia, Doris Salcedo investiga la tragedia, el dolor y el duelo de los seres humanos, que luego lleva a sus obras por medio de objetos que funcionan como vectores de enlace hacia la reflexión del espectador, como unas camisas impecablemente blancas. Doris Salcedo no las tiñe de rojo sangre, a ella no le interesa mostrar la imagen de una escena determinada de violencia, de impactar por medio de escenas de horror; ella en cambio, apila las camisas ordenadamente, estéticamente para que el espectador observe. El solo hecho de mirar una a una las camisas atravesadas por el acero, hace que el espectador indague. Surgen preguntas de lo que está viendo, de lo que pasó y con ello, la artista logra su objetivo de mantener vivos los seres humanos que ya no están, por medio de la memoria. Doris Salcedo dice que los muertos son anónimos y sus duelos inexistentes (Tomado de su discurso del Malmö, 2011) El duelo interpreta un rol de memoria y las rutina de seguir planchando y almidonando esas camisas es una forma de hacer ese duelo, de honorar a los que ya están ausentes. La RAE define la palabra almidonar como mojar la ropa blanca en almidón desleído en agua, para ponerla blanca y tiesa: Doris Salcedo moja los recuerdos en la memoria histórica pero no para que los pensamientos queden en blanco sino tiesos. La memoria no tiene un estado de quietud, pero Doris Salcedo “almidona” y paraliza estos recuerdos para reinterpretar la historia: “No es un documento ni una reliquia, es un vínculo que une pasado y presente al futuro. Es repensar momentos del pasado que impacten el presente y redefinan el futuro” (Ibíd., 2011) Con sus obras, Doris Salcedo nos hace recordar no solo los acontecimientos y las personas sino también la fragilidad de nuestra propia existencia.

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Anexo Ficha técnica Artista: Doris Salcedo Titulo: Sin Título Técnica: Camisas de algodón, yeso, acero Medidas: (170 x 25 x 38cm.) Año: 1989-1990

Vendido por: Christie’s Nueva York: 8 Diciembre 2011

[Lot 10] Art Impressionniste & Moderne

Estimación: 1,000,000 - 1,500,000 EUR (USD 1,332,267 - 1,998,401) Remate: 1,800,750 EUR

Procedencia: Colección Banco de la República de Colombia

Galeria Camargo Vilaça, Sa Paulo

Exposiciones: Caracas, Museo Alejandro Otero, Sin Fronteras Arte Latinoamericano Actual, Nov. 1996-March, 1997, n. 66 Venice, XLV Venice Biennale, Aperto 93, 1993, n.n.

Bibliografía: Garzón, D. 2011. De lo que somos. Bogotá: Editorial Planeta, pp. 74 Malagón-Kurka, M.M., 2008. Revista de Estudios Sociales No. 31. rev.estud.soc. Pp. 208. ISSN 0123-885X Bogotá, p 29