No 3 Enero 20Super 8

El sexo, el amor, el placer son todos términos que se encuentran sujetos a los

convencionalismos sociales. Sin embargo, las dis-tintas formas de expresión de éstos no se sujetan a ninguna ley previamente establecida. Cada persona

cuenta con su forma propia de vivirlas y representar-las bajo sus propias concepciones y parámetros que muchas veces escapan de lo común, y debido a ello son criticadas y mal vistas por la generalidad de la

población.

Pero en cuanto al arte se refiere existen escritores, pintores y claro, directores de cine que desafían lo establecido y plasman de manera contundente sus concepciones, que por más burdas o violentas que nos puedan parecer, no por ello son menos reales.

Lo cierto es que estas expresiones logran una identi-ficación tan amplia con el público que se convierten en referentes para toda una cultura, ello demuestra

que no siempre lo convencional o establecido es realmente lo que pensamos o se refleja en la man-era en la que actuamos. En este número de Super 8

hablaremos de ese tipo de artistas, que con su visión diferente y quizá escandalizadora de la vida, extraen

la forma más natural del pensamiento humano que es a su vez la que más pudor y reticen-

cia nos provoca.

Contenido En portada: Pedro Almodóvar

El cine también se escucha: Alejandro Amenábar 2

Del papel a la pantalla: El amor en los tiempos del cólera 5

Tesoros fílmicos: Matador 8

La mente maestra: Pedro Almodóvar 12

Maestros del terror: Tesis 16

Top Five: Los mejores actores western 25

El remake: Lolita 19

Había una vez: Cine directo 22

En cartelera 28

Super 8 Número 3

Editor: Azucena Mecalco

Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco

Redactores: Evelin Montiel, Azucena Mecalco, @Amaury1984

Diseño Web: Evelin Montiel

México Distrito Federal 20 de enero de 2013

Editorial

Alejandro Amenábar, el todólogo del cine

Por Evelin Montiel

Pocas veces pueden verse personalidades en el mundo del cine que se desempeñen

desde sus inicios en más de una tarea. La mayoría se inicia como actor y, de acuerdo a las oportu-nidades que se presenten, saltan como productores o directores. Sin embargo hay ocasiones en que aparecen personas como Ale-jandro Amenábar que derrocha talento y conocimiento, permi-tiéndole desempeñar varios roles en sus trabajos cinematográficos.

Este actor, director, productor y además guionista español, en su corta carrera ha cosechado gran-des triunfos gracias a cintas como Tesis (1996), Abre los ojos (1997), The Others (2001) y Mar adentro (2004) por la cual obtuvo un pre-mio Óscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa.

Lo interesante de estas produc-ciones es que contaron además de la dirección y producción, con la musicalización de Amenábar quien, aunque no lo parezca jamás

El cine también se escucha

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Imagen de la película Tesis 1996

Imagen de la cinta The Others, 2001

tomó una clase profesional de mú-sica.

Mientras estudiaba en la Facultad de Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Ma-drid, Alejandro se dio cuenta con pesar que sus compañeros poseían poco sino es que escaso conoci-miento del uso de las cámaras cine-matográficas. Fue entonces cuando decidió emprender su aprendizaje de manera autodidacta. Entre 1991 y 1995 realizó cuatro cortometra-jes y como es común en los inicios de todo cineasta, le tocó jugar en todos los roles para la realización de éstos. Es así como aprendió música de manera autodidacta para musicalizar sus trabajos.

Tiempo después conocería a Gui-llermo Fernández Groizard con quien realizaría algunas mezclas musicales para cortometrajes uni-versitarios, probando así su talento en este rubro. Sin embargo no fue

hasta 1996, cuando se estrenó su primer largometraje titulado Tesis, que su trabajo como compositor se dio a conocer.

Para el soundtrack de la cinta, a Alejandro no le dieron la posibili-dad de tener a su disposición una orquesta debido a la falta de presu-puesto así que ajustándose a la si-

tuación, tomó su computador y con ayuda de Mariano Marín comenzó a trabajar en las mezclas. El resultado fue favorable y con buenas críticas, aunque Amenabar ha declarado que si algún día pudieran cumplirle un capricho, ése sería rehacer Tesis, esta vez teniendo como banda so-nora una orquesta.

Años más tarde llegaría el trabajo de The Others, con lo que se daría a conocer en el cine de habla inglesa que lo acogió gratamente. La cinta posee un gran desarrollo argumen-tal y está llena de sorpresas lo cual podría compararse con El sexto sen-tido debido a la encrucijada que se narra entre vivos y muertos.

En esta cinta, además de dirigir, Amenábar vuelve musicalmente, demostrando su considerable talen-to. Como resultado, The Others, es sorprendente, sus giros en el cur-so musical del thriller hacen que mientras las secuencias corren, uno

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de se lleve más de un susto.

La primera canción, The Others, es una hermosa pieza que cuenta con instrumentos de viento y metal en sus primeros momentos y más tar-de en las voces y cuerdas, la pista lógicamente vuelve al oyente un manojo de nervios. 

En el segundo tema del soundtrack Amenábar fue capaz de mezclar so-nidos que fueron de lo escabroso a lo infantil, obteniendo así una re-torcida y escalofriante melodía de la misma manera que Elmer Berns-tein hizo con To Kill a Mockingbird. Wakey Wakey es una pieza para piano combinado con clavecín y el violín, lentamente, casi espiritual, que serpentean alrededor de acom-pañamiento de cuerdas sutiles. Sin duda para los amantes de la oscu-ridad, estas piezas deben ser una joya.

Después del thriller llegó el drama. En Mar Adentro, Amenábar buscó

retratar toda el sentimentalismo, la fortaleza, el ímpetu y a la misma vez la fragilidad que posee la vida. Basada en hechos reales, la historia narra los últimos días de un hombre que padece una enfermedad termi-nal cuya razón lo lleva a practicar la eutanasia.

El reto era grande, sin embargo Amenábar pudo lograr una banda sonora considerada por muchos impecable, que funcionó de mane-ra perfecta para los momentos más importantes de la película.

Para su venta, el soundtrack fue editado por Sony Music, quien co-locó en la portada un poema escrito por Ramón Sampedro (en quien se basó la cinta). Este poema fue mu-sicalizado y fue elegido para el final. Aquí se escucha la voz del persona-je principal interpretado por Javier Bardem.

La cinta le valió un premio de la Academia y el reconocimiento

mundial, y aunque la mayoría se enfocó en su trabajo como director ahora sabemos que este todólogo del cine también fue responsable de la musicalización, que es pieza fun-damental en una película. ¿quién mejor que el director y guionista para elegir los tonos que debe lle-var cada melodía en las secuencias? ¿Quién mejor que Amenábar para cumplir estos roles al mismo tiem-po?

Una cosa es cierta, y es que con esto el joven Alejandro le ha dado una lección no sólo al cine español sino en el mundo entero y es que no se necesita ser el más famoso, el más veterano ni el más adinerado en la industria para lograr grandes trabajos, talento señores, talento y un poco de dedicación son la pieza clave.

Mar adentroPoema de Ramón Sampedro

Mar adentro, mar adentro.Y en la ingravidez del fondodonde se cumplen los sueñosse juntan dos voluntadespara cumplir un deseo.

Un beso enciende la vidacon un relámpago y un trueno

y en una metamorfosismi cuerpo no es ya mi cuer-

po,es como penetrar al centro

del universo.

El abrazo más puerily el más puro de los besos

hasta vernos reducidosen un único deseo.

Tu mirada y mi miradacomo un eco repitiendo, sin

palabras“más adentro”, “más adentro”hasta el más allá del todo

por la sangre y por los hue-sos.

Pero me despierto siemprey siempre quiero estar muer-

to,para seguir con mi boca

enredada en tus cabellos.

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ELAMOR TIEMPOSENLOS

DE

MÁRQUEZ

Del papel a la pantalla

“-Aprovecha ahora que eres joven para sufrir todo lo que puedas, que estas cosas no du-

ran toda la vida- le dice Tránsito Ariza a su hijo Florentino, en uno de los tantos brotes de ansiedad y tristeza que el muchacho padece por efectos de la enfermedad del cólera. O del amor. No queda cla-ro.”

¿A cuántos no enamoró esa sim-ple frase? ¿A cuántos no les hizo recordar un viejo amor o peor aún, un amor presente? Esa es la capacidad que posee Gabriel Gar-cía Márquez quien nos regaló una magnífica obra titulada El amor en los tiempos del cólera, considera-da por muchos su mejor novela, mejor incluso que Cien años de soledad.

García Márquez publicó esta novela en 1985. En ella, el escritor colom-biano narra la historia de una obse-sión: el amor que Florentino Ariza sintió por Fermina Daza, un amor que duró toda una vida, más allá del rechazo, del tiempo transcurrido y del encuentro con otros cuerpos y otras pasiones. Un amor no corres-pondido, el más doloroso de todos los amores.

La historia se desarrolla entre finales del siglo XIX y las primeras décadas del XX, en Centroamérica (no se es-pecifica el lugar). Aquí en esta tierra tropical, es donde Florentino quien era apenas un adolescente, queda prendado por la mirada de Fermina sin embargo, las diferencias socia-les y de carácter los separan. Lue-go de unos años, Fermina contrae

m a t r i m o -nio con el doctor Juve-nal Urbino, por lo que Florentino, muy afligido, busca precarios con-suelos en otras mujeres pero sin de-jar de pensar en su primer amor de la adolescencia. Así que espera por más de 50 años el día en que el doc-tor Urbino muera para poder tratar de reconquistarla.

Aquí se condensan el amor, la ju-ventud, la pasión pero también la intriga, la maldad, los celos y la muerte, así que era imposible que los estudios de cine dejaran pasar por alto una historia de esta talla para llevarla a la pantalla grande.

Mas recrear esta obra literaria no

Por Evelin Montiel

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fue nada sencillo, pues Márquez se mostraba renuente a ceder los derechos de su obra. No fue hasta que al fin el productor Scott Stein-dorff logró convencerlo para así dar marcha a uno de sus proyectos más ambiciosos. Para ello, confor-mó a un gran equipo de produc-ción entre los que se encontraba el director británico Mike Newell (Cuatro bodas y un funeral), y al guionista Ronald Harwood (El pia-nista).

En cuanto al elenco, se selecciona-ron a actores de diversas na-

cionalidades, aun-que la cinta fue de

habla inglesa. El español Javier Bar-dem (Flo-r e n t i n o ) , la italiana G i o v a n n a

M e z z o g i o r -

no (Fermina) y el norteamericano Benjamin Bratt (Juvenal) fueron las figuras principales de la histo-ria, que se rodó en su mayoría en la ciudad de Cartagena de Indias, Co-lombia.

El paisaje y toda la ambientación que ofreció la enigmática ciudad, fue capturada de una manera ma-gistral gracias a la fotografía del brasileño Affonso Beato (Carne Trémula).

En cuanto a la música, con el fin de poner el toque colombiano, se decidió que la voz correría a car-go de Shakira quien interpretó los desgarradoras temas que acompa-ñaron ciertos pasajes del relato.

Ahora bien, nos encontramos ante un producto que contiene talento, una historia romántica por demás insuperable y unos escenarios her-mosos, entonces ¿a qué se debió su

fracaso en taquilla y ante la crítica? Pese a todo pronóstico, la cinta no cumplió las expectativas de la crí-tica especializada además de los seguidores del literato. En primera instancia, se le calificó como una obra lenta, monótona, pegajosa, que fue incapaz de atreverse a jugar con saltos en el espacio-tiempo que lle-varan al espectador a encontrarse con una historia atrevida, pasional y duradera como la de Fermina y Florentino.

En segundo lugar tenemos las ac-tuaciones poco profundas, casadas con la nostalgia, el romance y el su-frimiento. Al centrarse el guión en la pareja protagonista, deja de lado a los personajes secundarios, im-pidiendo así que exista una debida interacción que permita desarro-llar a la pareja y nos deje ver más allá de su fatídico amor.

En tercer lugar se encuentra la mú-sica, que a pesar de que tuvo una nominación en los Golden Globe, no dejarán mentir que Shakira no fue la mejor elección para interpretar los temas, con

todo y aquello de que sea colombia-na.

En conclusión, tenemos a un largo-metraje largo y cansado que a pesar que contiene una gran producción,

se encuentra muy por debajo de la obra original de Márquez. Sin em-bargo, como toda adaptación, con-tendrá diferencias a la obra original pues responde a parámetros distin-tos.

Sin duda, un des-atino la adaptación, pues nadie podrá llevarnos a reco-rrer una vida en-tera en espera del único amor como lo describe con la pluma el Nobel de literatura, ahora esperemos que se siga defendiendo el derecho de autor de Cien Años de Sole-dad y evitar que se siga vejando la obra del afamado escri-tor.

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Tesoros fílmicos

MATADOR MATADOR En cuanto al placer no hay reglas escritas. Algunas personas disfrutan de un helado, otras se extasían con la música, la pintura, el cine y algunas más… con la muerte. La mentalidad de las personas puede llegar a ser tan monstruosa que rebasa los límites de la normalidad y ni todas las películas de terror alcanzan a plasmar las enfermas ideas que cruzan por sus mentes en todos los sentidos; sin embargo, bajo qué términos está definida la nor-malidad eso no podemos saberlo.

Corría el año de 1986, cuando el director español Pedro Almodóvar, quien siempre se ha caracterizado por crear historias que sobrepasan los esque-mas de lo usual, en cuanto a historias cinematográficas se refiere, presen-tó al mundo una controvertida cinta en la que la moral, la religión, el placer y la pasión se conjuntaban para hacer surgir una historia que pudiera pare-cer sacada de un cuento del Marqués de Sade, y que sin embargo mezclaba la realidad cotidiana de la sociedad española haciendo una crítica, quizá de manera indirecta, a la violencia y las incongruentes formas de pensamien-to existentes en la década de los 80.

La cinta no era otra que Matador, en la que participaba Nacho Martínez, Assumpta Serna y un muy joven Antonio Banderas.

La trama gira en torno a Diego Montes (Nacho Martínez) un ex torero, que tuvo que retirarse prematuramente debido a que recibió una cornada que lo imposibilitó para continuar dentro del mundo taurino. Sin embargo, sus instintos y el amor que profesa por su profesión le llevan a convertirse en profesor de tauromaquia y a buscar el placer que experimentaba al matar, sustituyendo a los toros por mujeres. Allí conoce a Ángel (Antonio Ban-deras), un muchacho retraído que sufre de hemofilia y vive bajo el pesado yugo de las creencias religiosas de su madre, quien es miembro del Opus Dei, y que desde luego no sabe que su hijo asiste a las clases de Montes.

Por Azucena Mecalco

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Tesoros fílmicos

MATADOR MATADOR En cuanto al placer no hay reglas escritas. Algunas personas disfrutan de un helado, otras se extasían con la música, la pintura, el cine y algunas más… con la muerte. La mentalidad de las personas puede llegar a ser tan monstruosa que rebasa los límites de la normalidad y ni todas las películas de terror alcanzan a plasmar las enfermas ideas que cruzan por sus mentes en todos los sentidos; sin embargo, bajo qué términos está definida la nor-malidad eso no podemos saberlo.

Corría el año de 1986, cuando el director español Pedro Almodóvar, quien siempre se ha caracterizado por crear historias que sobrepasan los esque-mas de lo usual, en cuanto a historias cinematográficas se refiere, presen-tó al mundo una controvertida cinta en la que la moral, la religión, el placer y la pasión se conjuntaban para hacer surgir una historia que pudiera pare-cer sacada de un cuento del Marqués de Sade, y que sin embargo mezclaba la realidad cotidiana de la sociedad española haciendo una crítica, quizá de manera indirecta, a la violencia y las incongruentes formas de pensamien-to existentes en la década de los 80.

La cinta no era otra que Matador, en la que participaba Nacho Martínez, Assumpta Serna y un muy joven Antonio Banderas.

La trama gira en torno a Diego Montes (Nacho Martínez) un ex torero, que tuvo que retirarse prematuramente debido a que recibió una cornada que lo imposibilitó para continuar dentro del mundo taurino. Sin embargo, sus instintos y el amor que profesa por su profesión le llevan a convertirse en profesor de tauromaquia y a buscar el placer que experimentaba al matar, sustituyendo a los toros por mujeres. Allí conoce a Ángel (Antonio Ban-deras), un muchacho retraído que sufre de hemofilia y vive bajo el pesado yugo de las creencias religiosas de su madre, quien es miembro del Opus Dei, y que desde luego no sabe que su hijo asiste a las clases de Montes.

Por Azucena Mecalco

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En un intento desesperado por mos-trarle a su maestro, y a sí mismo, que es capaz de ser como él, Ángel intenta cometer una violación, pero ésta queda frustrada. Imposibilita-do para realizar cualquier tipo de acto que involucre la violencia, pues su temor por la sangre se lo impi-de, opta por culparse de una serie de asesinatos que se han cometido en los últimos meses. Puesto que la constitución española lo indica se le asigna un abogado de oficio, que no es otra persona que María Carde-nal (Assumpta Serna), fanática del torero retirado y quien pese a ser una excelente abogada criminalista, esconde un oscuro secreto. Al más puro estilo de una mantis religiosa, María Cardenal asesina a sus aman-tes para revivir la emoción de las toreadas de Montes.

Este es sólo el inicio de la película en la que cada uno de los personajes vive sumergido en un infierno per-sonal, y en la que todas las historias están concatenadas formando una maraña de coincidencias que con-ducen siempre a lo inevitable.

La búsqueda de la personalidad, las restricciones sociales, los estereo-tipos, las costumbres desmedida-mente religiosas, las miradas siem-pre pendientes de lo que hacen los demás sin siquiera ser capaces de ver lo que hace uno mismo son al-

gunos de los temas que salen a relu-cir en esta magnífica cinta de Almo-dóvar que quizá no ha tenido tanto prestigio como Mujeres al borde e un ataque de nervios, Kika o La piel que habito.

El diseño de arte, en el que destacan los colores rojos y amarillos que ha-cen alusión al universo de los per-sonajes, y el contraste blanco negro para destacar a los personajes prin-cipales es un elemento que Almo-dóvar tiene en cuenta y que realzan el ambiente taurino y por demás vehemente de la cinta. No existe un solo elemento, escena o diálogo que no cobre sentido dentro de la historia y que no funja como parte importante de ésta.

Por otra parte, los actores, al igual que los elementos escenográficos, técnicos y musicales de la cinta,

tienen una trascendencia brutal sin importar qué papel realicen, pues como en todos los guiones de éste director no existen detalles de re-lleno y menos aún actores de éste tipo. El papel de Antonio Banderas, si bien no es el punto central de la historia, como hilo conductor de ésta ayuda a que el espectador se identifique con él y sus problemas, y a que se acerque desde una pers-pectiva distinta a un tema tabú en todos los tiempos: la vida y su va-lor, así como el momento de decidir dejarla.

Aunque antes y después de Mata-dor, Banderas, colaboró con Almo-dovar en otros proyectos en donde sí se le daba el papel preponderante, fue con esta cinta con la que recibió su primer nominación a los Premios Goya, y en donde sus dotes actora-les se pueden apreciar mejor puesto que demostró que no era necesario ser el protagonista para convertirse en parte fundamental del elenco.

Por su parte, el papel encarnado por Nacho Martínez, uno de los actores españoles emblemáticos del siglo XX y fallecido en el año de 1996, si-gue siendo recordado como el más importante y representativo en la carrera del actor. En cuanto a las mujeres de la película no se puede negar que la participación de As-sumpta Serna es mucho más que convincente y en cada escena supo atrapar perfectamente la esencia de su personaje. Y claro no menos im-portantes son: Eva Cobo en el pa-pel de la novia del matador; Julieta Serrano, como la fanática religiosa madre de Ángel; o Chus Lampreave

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madre de Eva.

A diferencia de otros trabajos del director, la película muestra esce-narios amplios, brillantes, pulcros y ordenados que se despegan un poco del estilo barroco que estábamos acostumbrados a presenciar en sus cintas.

Pero todos estos elementos son sólo la coraza dentro de la que se esconde un trasfondo mucho más complejo y elaborado de lo que un artículo acerca de este filme puede interpretar. Aunado a ello, la pelícu-la presenta una historia puramente romántica que no por escapar de los convencionalismos resulta menos pasional. Los personajes de Nacho Martínez y Assumpta Serna, viven en constante conflicto; pero no por lo que pueda decir la gente o por que piensen que lo que hacen está mal. Los conceptos del bien y el mal no son un tema que parezca preocu-parle al director. A través de la his-toria de los protagonistas nos mues-tra un mundo mucho más oscuro, el de la pasión reprimida y la insonda-ble soledad con la que convive cada persona en espera de un ente ideal que complemente el vacío físico o mental que habita en cada persona y que la consume lentamente, lle-vando al público a hacerse una serie de preguntas. E incluso si no te con-duce a preguntarte algo, al menos es una cinta interesante y, ¿por qué no decirlo? morbosa que te mantendrá atento a cada movimiento de los personajes por 110 minutos.

FICHA TÉCNICA

Título: MatadorPaís: España

Año: 1986Género: drama

Director: Pedro Almodóvar Guión: Pedro Almodóvar y Jesús Fer-

rero Música: Bernardo Bonezzi

Actores: Nacho Martínez, Assumpta Serna, Antonio Banderas, Eva Cobo,

Julieta Serrano, Chus Lampreave, Car-men Maura

La mente maestra

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Pedro

Almodóvar Por @Amaury1984

Quiero ser muy claro desde el principio: al escribir sobre Pedro Almodóvar me llegan a la mente

ideas encontradas. Por un lado creo que es un director poco talentoso en cuanto a dirección técnica se refiere. Nunca arriesga, prefiere las cámaras estáticas y su selección fotográfica suele parecer trabajo del automático de una handycam. Por otro lado es imposible no apreciar el monstruo que es en la dirección escénica.

Es muy probable que Almodóvar pueda obtener de cualquier ente actoral lo que él desee, sin recurrir a los auténticos métodos de tortura que en su tiempo Kubrick implementó para con sus actores. Es gracias al talentoso director español que Penélope Cruz y Antonio Banderas consiguieron la proyección internacional de la que gozan. Si usted no ha sido seguidor del trabajo de Almodóvar, no es mi intención negarle esa oportunidad. Es por eso que les hablaré de 4 películas que considero fundamentales dentro de la historia de Almodóvar.

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KIKAEsta película es considerada, por los redactores de la IMDb, como el filme que le costó la exposición internacional que Almodóvar había conseguido con la nominación al Óscar como mejor película extranjera de Mujeres al borde de un ataque de nervios. Narra la historia de una cosmetóloga contratada por un importante escritor para maquillar el supuesto cadáver de su hijastro Ramón. En esta película Almodóvar deja de lado la solemnidad de sus dramas sexuales como ¡Atame! o Matador. El director apela a un humor más negro en el que los personajes trivializan una violación; o sin escrúpulos de por medio invaden la intimidad de los demás, como el inolvidable personaje de Andrea... Cara cortada. Mujeres al borde de un ataque de nervios es una simpática comedia de situación. KIKA, es Almodóvar. La estructura de los personajes masculinos no es de lo mejor y

Kika 1993

creo que se debe en gran medida a que la historia necesitaba que el espectador sintiera más empatía hacia el fugaz raciocinio de Kika, y al irritante colmillo de la presentadora de las “tetas desgarradas”.

Todo sobre mi MadreEl drama es lo que mejor se le da a Almodóvar. Y este filme es la cúspide de la narrativa del director. Le trajo consigo el tan anhelado Óscar por mejor película extranjera en 1999. También expuso el gran trabajo de Cecilia Roth bajo la conducción del director. La historia narra la muerte de Esteban, hijo de Manuela (Cecilia Roth), el día de su cumpleaños

al salir de un teatro madrileño. La madre queda devastada y como forma de manejar su dolor decide ir a Barcelona a buscar al padre de Esteban; esto levanta una pesada loza del pasado de Manuela, en un circuito que cambió ante sus ojos poco antes de partir. La victoria de esta película al obtener la estatuilla de la academia de ciencias y artes de los EE.UU. fue el trampolín que impulso la carrera de Penélope Cruz a hacer porquerías como Mujeres arriba.

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Volver En esta parte es donde yo les debería sugerir que le echarán un ojo a La mala educación. Ya que mi intención era seleccionar una película de cada género en el que Almodóvar ha incursionado aquí debería ir la sinopsis de esta película; pero la verdad es que la auto condescendiente obra del director no aporta realmente nada a la audiencia. Así qué hablemos de Volver.

Raimunda es una madre tradicional y preocupada por la familia. Vive angustiada por la muerte de sus padres, la aparente soledad de su tía y la mediocridad de su marido. Un pequeño incidente entre dos miembros de este pintoresco grupo trae consigo tragedia y fortuna. En palabras del mismo director la historia es “de tres generaciones de mujeres sobreviviendo al viento, el fuego, la locura, el tabú y la muerte a base de bondad” ( www.eldeso.es ). Podría hablarse de Volver

como una revisión del género de la comedia, en el que no todo es risas y pastelazos. Esta película culmina la etapa de Oscaritis que inundo la historia de Almodóvar. Volver llegó al Kodak Theatre y ha sido el último trabajo del español en participar por las preseas estadounidenses.

La piel que hábito El doctor Robert Ledgard es un cirujano plástico con una carrera fructífera, una gran hacienda y un BMW. Vive en soledad con su empleada Marilia y una chica encerrada en un cuarto. Una joven producto de la más perversa de la venganzas que alguien podría haber imaginado. El guión utilizado para el rodaje de esta película es una adaptación realizada por Almodóvar de la novela de 1995 Mygale de Thierry Jonquet.

El 21 de diciembre del 2012 Pedro Almodóvar develó el primer teaser de lo que será su próxima película: Los amantes pasajeros. Lo que

parece ser una comedia con los tres asistentes de vuelo más locas que se haya visto en la historia de la aeronáutica. La película se terminó de filmar el 17 de diciembre del 2012. Por lo que es probable que se presenté en el circuito de festivales internacionales iniciando con Cannes.

Teaser de los amantes pasajeros: www.youtube.com/watch?v=Y0fTdUj0dzM

Este es sólo un breve bosquejo de la gran cantidad de películas que el director español ha legado a la cinematografía mundial. Con esta efímera revisión de su trabajo, en el que podemos apreciar hasta cierto punto la evolución creativa de Almodóvar y sus diferentes incursiones en distintos géneros, lo único que pretendo es que el lector por sí mismo decida acercarse a la obra del director y emita así juicios propios sobre sus trabajos.

Volver, 2006

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La piel que habito, 2011

Maestrosdel terror

TESISLas historias sobre el cine snuff han crecido hasta el punto en el que uno se pregunta qué tan reales son. Existen relatos que sitúan el surgi-miento de este tipo de cintas con los asesinatos de Charles Manson, e incluso otros hablan sobre su apa-rición muchos años antes. Sin em-bargo, el teórico y experto en cine Jean Louis Comolli asegura que de existir, el snuff ni siquiera podría llamarse cine. De acuerdo con el

Son cientos por no decir miles de filmes los que nos cuentan con lujo de detalle visual, como un grupo de personas son encerradas, persegui-das, atemorizadas y generalmente masacradas por una mente enfer-ma que se encarga de infringirles los más terribles castigos. Inclu-so recientemente The cabin in the Woods, dirigida por Drew Goddard, ha hecho mofa de esta situación con una interesante sátira de cómo y

autor, la muerte real no puede ser catalogada dentro de algún género cinematográfico puesto que el pú-blico no se identificaría con ella.

Pero mientras se decide si existe o no, si es cine o no y si es posible grabarlo o distribuirlo, el cine que sí está catalogado como tal se ha dado a la tarea de crear incontables cintas que hacen referencia a esta situación.

TESISPor Azucena Mecalco

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Maestrosdel terror

TESISLas historias sobre el cine snuff han crecido hasta el punto en el que uno se pregunta qué tan reales son. Existen relatos que sitúan el surgi-miento de este tipo de cintas con los asesinatos de Charles Manson, e incluso otros hablan sobre su apa-rición muchos años antes. Sin em-bargo, el teórico y experto en cine Jean Louis Comolli asegura que de existir, el snuff ni siquiera podría llamarse cine. De acuerdo con el

Son cientos por no decir miles de filmes los que nos cuentan con lujo de detalle visual, como un grupo de personas son encerradas, persegui-das, atemorizadas y generalmente masacradas por una mente enfer-ma que se encarga de infringirles los más terribles castigos. Inclu-so recientemente The cabin in the Woods, dirigida por Drew Goddard, ha hecho mofa de esta situación con una interesante sátira de cómo y

autor, la muerte real no puede ser catalogada dentro de algún género cinematográfico puesto que el pú-blico no se identificaría con ella.

Pero mientras se decide si existe o no, si es cine o no y si es posible grabarlo o distribuirlo, el cine que sí está catalogado como tal se ha dado a la tarea de crear incontables cintas que hacen referencia a esta situación.

TESISPor Azucena Mecalco

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El tema de lo mórbido está presente en cada una de las escenas y tomas que presenta el director sin caer nunca en lo grotesco.

Todo comienza cuando el encarga-do del metro le pide a las personas desalojar el tren, en el que viaja Án-gela, puesto que han tenido un “in-cidente”: un hombre se ha tirado a las vías y el tren lo ha atropellado.

Las indicaciones son simples. Hay que avanzar dos vagones y salir al anden; sin embargo la instrucción extra remueve cada fibra de curio-sidad en las personas: “no miren a la vía, el hombre está partido por la mitad”. Algunos de los pasajeros caminan temerosos pegados a la pa-red y cubriéndose el rostro para no ver la escena, pero otros intentan

echar una discreta mirada a lo que ha ocurrido. Ángela es una de éstos últimos. Claro, su curiosidad atien-de a fines acadéicos.

Mientras realiza su trabajo de inves-tigación descubre unos misteriosos videos que al parecer son verdade-ras cintas snuff que han permane-cido ocultas en la escuela. Ángela, escudada bajo el pretexto de que todas sus acciones están encamina-das a realizar un buen proyecto de tesis comienza a investigar la pro-cedencia de los videos.

Poco a poco la protagonista se in-troduce en el mundo de la violen-cia y cómo ésta es percibida por las personas en general, hasta el punto en el que ni ella misma sabe si de verdad su interés por la materia es puramente objetivo y por tanto un

tema de análisis, o una necesidad que satisface su propia y morbosa personalidad.

Sin embargo, tanto en el cine como en la vida real, cada una de las ac-ciones que realizamos tiene conse-cuencias y en tanto descubre cuál es el tipo de interés que tiene por las grabaciones que ha encontra-do, se ve inmiscuida en un extraño caso que la conduce al borde de la paranoia al no saber si está sien-do perseguida por saber más de la cuenta o si simplemente se siente acosada por su propia conciencia.

Pese a que la temática abordada por la película es hasta cierto pun-to un tabú, Tesis fue favorecida por la crítica y multi premiada en los Premios Goya. Además, la película cuenta con un gran elenco entre el que destaca Eduardo Noriega con su excelente interpretación de Bos-co y Fele Martínez quien recibió el premio Goya a Mejor actor revela-ción por su actuación como Chema en esta cinta.

Pero no sólo en España la película gozó de reconocimiento, sino que su fama se fue extendiendo hasta ser considerada una de las mejores cintas de suspenso en diferentes países.

FICHA TÉCNICA

Título: Tesis

País: España

Año: 1996

Género: Thriller, Terror

Dirección: Alejandro Amenábar

Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil

Música: Alejandro Amenábar, Mariano Marín

Reparto: Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Xabier Elorriaga,

Miguel Picazo, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Paco Hernández, Rosa Ávila,

Teresa Castanedo, José Miguel Caba-llero

Duración: 125 min.

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El remake

Cuando de amor se habla no conocemos los límites. Todo se vuelve normal y justifica-

ble. El bien y el mal, lo correcto e incorrecto y la frágil línea que los divide se entrecruza e incluso des-aparece. Sin embargo queda un di-minuto lugar en el cerebro para el raciocinio. Pero cuando de pasión se trata, ese diminuto punto que nos permite razonar se pierde por completo. Todo se vuelve funesto y doloroso, insalvable. La propia exis-tencia del ser que produce la pasión nos atormenta e incluso pronunciar su nombre nos desconsuela. Algo tan simple como eso se transforma en una tortura, porque es precisa-mente ese nombre el que materiali-za todas las ideas que forma nuestra cabeza. Vladimir Nabokov lo sabía y lo desentrañó perfectamente en Lolita.

La novela fue escrita en 1955 y la historia causó revuelo. Incluso se llegó a acusar al escritor de tener algún tipo de tendencia pedófila, lo cual desde luego negó. La his-toria todo el mundo la conoce (o al menos una gran parte de éste).

Humbert es un profesor francés de literatura que se muda a Estados Unidos después de un complicado divorcio. Pero el profesor escon-de un misterioso secreto. Desde la adolescencia ha vivido prendado del recuerdo de Annabel, una chica con la que vivió una fugaz aventura antes de que ésta muriera. A par-tir de ese momento, Humbert no pudo sentirse atraído más que por las chicas que tenían algún parecido

con ella. Una vez que las circuns-tancias lo obligan a buscar hospe-daje en la casa de la señora Haze, Humbert conoce a Dolores, una pe-queña “nínfula” de 12 años, como él llama a las adolescentes capaces de seducir a los hombres de manera in-consciente, con la que vive un des-esperado romance, que lo conduce

Por Azucena Mecalco

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a su propia ruina física y moral.

Fue en 1962 que Stalney Kubrick se decidió a llevar al cine la controver-tida historia escrita por Nabokov, quien además realizó el guión, ca-lificado por Kubrick como uno de los mejores guiones que había visto en su carrera. La adaptación era tan precisa que incluso la Academia se decidió a nominar a la cinta por Me-jor adaptación pese a su reticencia hacia los trabajos de Kubrick. Esta versión de Lolita fue protagonizada por la hermosa Sue Lyon y James Manson, en el papel del escritor. Las actuaciones, como en todas las cintas del director, son simplemen-te asombrosas.

Realmente, la Lolita de Kubrick es una obra maestra en términos es-téticos y cinematográficos. Sin em-bargo, en el mundo del cine siem-pre surgen directores que por una u otra razón deciden recrear alguna historia para tratar de plasmar su propia visión de ésta. La cantidad de remakes en el cine es suficien-temente vasta como para escri-bir una antología. Y así, en 1997, Adrian Lyne decidió crear su propia versión de Lolita, con la participa-ción de Dominique Swain y Jeremy Irons. El guión estuvo a cargo de Stephen Schiff.

Las diferencias entre una adapta-ción y otra no son precisamente radicales. Ambas cuentan con la misma esencia y tanto Irons como

a la primera Lolita. Quizá en gran medida se debe a que Kubrick cui-daba cada detalle para mantener cautivo al público de principio a fin, a la espera de un impactante final que siempre conseguía aunque se tratara de una historia previamente conocida por la audiencia.

Sin embargo, aunque como ya men-cionamos, la historia, los personajes e incluso el tratamiento pudieron cumplir satisfactoriamente su fun-ción en ambas cintas, la primera versión contaba con una distinción especial: la música. Mientras que la película de Lyne fue musicalizada por Ennio Morricone, compositor y director italiano, la selección he-cha por Nelson Riddle es difícil de superar. Desde luego no existe un punto de comparación entre am-bos para calificarlos como buenos o malos compositores, tan sólo que la selección musical deja ver mucho del estilo propio del director y sus obras.

En conclusión, ambas películas son interesantes a su manera y reflejan el punto de vista con el que sus di-rectores y guionistas deseaban ver encarnados los papeles del libro dentro de las cámaras. Cada una muestra la concepción de un tema que si bien sigue siendo un tabú es mucho más cotidiano de lo que imaginamos.

Manson capturaron a la perfección la desesperación y el desasosiego que Nabokov plasmó con maestría en su libro a través del personaje atormentado del profesor Humbert.

Por otra parte, los escenarios y si-tuaciones, se apegan al hilo de la novela, y funcionan bastante bien para ambientar la tortuosa interac-ción entre Lolita y Humbert, en la que si bien la parte física era un en-lace entre ambos personajes, la re-lación sentimental se traslucía prác-ticamente unilateral.

Mas, aun cuando la versión de Kubrick era mucho más extensa y parecía fluir de forma más lenta, la cinta de Lyne nunca pudo superar

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La historia de Lolita se convirtió en un referente para crear historias, conceptos musicales, tendencias es-téticas y hasta marcas de ropa. Aun-que el término se ha tergiversado con el paso de los años y ya pocos se interesan por mirar el trasfondo de la historia y del nombre que se transformó en un paradigma en el mundo del cine, la literatura y la vida cotidiana, ya sea vista a través de los ojos de Kubrick, Lyne o cual-quier otro, es una historia que vale la pena ver.

“Era Lo, sencillamente Lo, por la mañana, un metro cuarenta y ocho

de estatura con pies descalzos. Era Lola con pantalones. Era Dolly en la escuela.

Era Dolores cuando firmaba. Pero en mis brazos era siempre Lolita”

Vladimir Nabokov, Lolita 1955 FICHA TÉCNICA

Título: Lolita

Dirección: Stanley Kubrick

País: El Reino Unido

Año: 1962

Duración: 152 min.

Género: Drama, Romance

Reparto: Sue Lyon, James Mason, She-lley Winters, Gary Cockrell, Jerry Sto-vin, Diana Decker, Lois Maxwell, Cec Linder, Bill Greene, Shirley Dou-

glas, Marianne Stone, Marion Mathie, James Dyrenforth, Maxine Holden, John

Harrison

Guión: Vladimir Nabokov

Música: Nelson Riddle

FICHA TÉCNICA

Título: Lolita

Dirección: Adrian Lyne

País: Francia, Estados Unidos

Año: 1997

Duración: 137 min.

Género: Drama, Romance

Reparto: Dominique Swain, Jeremy Irons, Melanie Griffith, Frank Langella, Suzanne Shepherd, Keith Reddin, Erin J. Dean, Joan Glover, Pat Pierre Perkins

Guión: Stephen Schiff

Música: Ennio Morricone

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CINE DIRECTOY

CINEMA VERITÉ

Habíauna vez

Por Azucena Mecalco

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Top Five

grandes figuras del

western Hablar del cine western significa retomar la historia del cine norteamerica-no, italiano y español, y al mismo tiempo recordar a todas las grandes estre-llas de acción que nacieron con este género que se situó en el siglo XIX.

Es por ello que en esta ocasión les traemos a los actores que hicieron del western el género predilecto entre las décadas de los 20´s y 50´s.

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4. GARY COOPERGary Cooper incorporó también un personaje arquetípico, mucho más formal y correcto que el de Wayne. Él se comportaba sin altanería aun-que era igualmente valeroso y leal.

Títulos como El forastero, Buffalo Bill, El árbol del ahorcado, Tambo-res lejanos, El jardín del diablo, Vera Cruz y Sólo ante el peligro (que le valió su segundo Oscar), le situaron en un lugar predominante dentro de los intérpretes del género.

5. James StewartJames Stewart pertenece a un estilo intermedio entre los dos anteriormente citados. Sus perso-najes se caracterizaron por ser ensimismados y serios pero de carácter fuerte y dominante. Son lacónicos y pacíficos, pero saben reaccionar con firmeza ante las dificultades. Su unión con Anthony Mann dio como resultado cientos de grandes títulos como Winchester 73, Horizontes lejanos, Colorado Jim o El hombre de Laramie.

También trabajó con Ford en Dos cabalgan jun-tos, El hombre que mató a Liberty Valance y El gran combate, y con Hathaway en La conquista del oeste.

Por Evein Montiel

2. clint eastwoodClint Eastwood siempre ha declara-do que se metió al mundo del cine por casualidad, sin embargo es cla-ro que la casualidad no es la que lo ha colocado como una de las figu-ras más prominentes del cine, sino su talento. En los comienzos de su carrera, interpretó papeles peque-ños que no lograban explotar todo el talento del actor, inclusive fue en su primer western Ambush at Cima-rron Pass, donde él consideró que interpretó el peor film de su carre-ra.

Después de este fracaso y con el desanimo que le dejó, logró conse-

3. Henry fondaEn una ocasión se le preguntó al direc-tor John Ford qué era el cine para él, a lo cual contestó: “¿Han visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine”.

Y es que, a pesar de que Henry apare-ce en este conteo western, su carrera obtuvo reconocimiento en la mayoría de los géneros cinematográficos, de ahí que la mayoría que sugieran opiniones como las de John Ford. Fue precisa-mente con él con quien colaboró en repetidas ocasiones, pero sin duda su mejor trabajo en el género del oeste, lo realizó con Sergio Leone: Hasta que lle-gó su hora, uno de los mejores spaghetti western de la historia. El film cargado de violencia, fue escrito por Bernardo Bertolucci y Dario Argento.

Otros títulos que sobresalen en la tra-yectoria de Fonda son: El hombre de las pistolas de oro, Tierra de audaces, La venganza de Frank James y Cazador de forajidos.

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guir una prueba para una serie que estaba preparando la cadena CBS titulada Rawhide. Charles Martin Warren, productor de la serie, rea-lizó la audición a Eastwood y con el simple hecho de verlo lo aceptó pues cumplía con las características físicas y actorales para el personaje.

La serie contó con 217 episodios en los que narraba la conducción de ganado desde Texas hasta Kan-sas, la cual fue hecha por Eastwood y Eric Fleming. Alrededor de la se-rie se mostraron un sinfín de peri-pecias en todo su trayecto, así que no tardó mucho en convertirse en la favorita del público. Fue tanto su impacto que se vendió a más de 30 países donde logró un éxito sin pre-cedentes y con la fama de la serie,

llegó también el reconocimiento para Eastwood.

Un año antes de que la serie termi-nara, llegó una propuesta cinema-tográfica para un nuevo western en España: Por un puñado de dólares que se convertiría en la punta de lanza de su carrera.

Ya en su país mantuvo las líneas básicas de su lacónico, frío, iróni-co sentido de la justicia. Interpre-tó: Cometieron dos errores, El fuera de la ley, Dos mulas y una mujer, El seductor, Joe Kidd, Bronco Billy, El jinete pálido, y Sin perdón, que le valió dos Óscares en 1992 (mejor película y dirección).

1. Jonh WayneNo se puede hablar del cine del oeste sino hablamos de este actor. John Wayne se ha convertido en una mítica figura de héroe que marcó a varias generaciones y aún hoy día, continúa haciéndolo.

Wayne no era un actor habitual del western, era el wes-tern mismo. Su personaje era una combinación entre lo hosco y valiente, entre lo altanero y lo noble. Su gran personalidad y su presencia en la pantalla enloquecían al público quien siempre acudía al cine a verlo, no im-portaba el título que tuviera pues sabía que se encontra-ría con una especie de vaquero aventurero.

Su inicio en el cine se dio gracias a la estrella de cine Western Tom Mix, quien le ofreció trabajo temporal durante un verano. Fue entonces cuando comenzó a tener pequeños roles dentro de algunas cintas, pero el momento decisivo en su temprana carrera fue cuando conoció al director John Ford con quien realizó un gran número de cintas que hoy día se consideran parte sus-tancial de su carrera.

Su filmografía es en gran parte la propia historia del western; en los 50 protagonizó, entre otros films: Río grande, Centauros del desierto, Río bravo, Misión de auda-ces, El álamo, El dorado y Valor de ley, por la que se hizo acreedor a una estatuilla de la Academia.

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En cartelera

Nos vemos papáLuego de su exitoso paso por diversos festivales, como el de Morelia, la película Nos vemos papá, ópera prima de Lucía Carreras, quien también escribió el guión de esta historia, llega a las salas de cine este mes.

La película protagonizada por Cecilia Suárez, Gabriela de la Garza, Arturo Barba y Moisés Arizmendi, narra la historia de una joven que se enfrenta a una encrucijada de senti-mientos encontrados que le produce la perdida de la perso-na más importante de su vida: su padre.

Razones para verla: actualmente el cine mexicano está pa-sando por una excelente etapa de interesantes proyectos que dejan atrás los clichés sobre violencia, sexo, drogas y corrupción, sin duda este es uno de ellos.

Por Evein Montiel

Killing them sofly (Mátalos Suavemente) La cinta dirigida por Andrew Dominik y protagonizada por nada menos que Brad Pitt, es una adaptación de la novela de George V. Higgins. En ella se narra la historia de Jackie Cogan, un asesino a sueldo quien es contratado para encon-trar a los responsables de un robo ocurrido en una casa de apuestas ilegales controlada por la mafia.

Según narra el propio Dominik, esta cinta intenta ser un retrato de una sociedad capitalista y una crítica a los gobier-nos estadounidenses, en donde a través de grandes diálogos se muestran de manera magistral elementos como la vio-lencia, el poder y la ambición.

Este thriller, el cual formó parte de la sección Oficial de Largometrajes del Festival de Cannes en 2012, es el primer filme dirigido por Dominik desde The Assassination of Jesse James (2007).

¿Por qué ver la cinta? Además de disfrutar de una de las me-jores actuaciones de Pitt, según la crítica, en el film pueden verse las actuaciones de Scoot McNairy, Ben Mendelsohn, Richard Jenkins, James Gandolfini y Ray Liotta, grandes es-trellas del género.

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AmourPelícula francesa escrita y dirigida por el austriaco Michael Hane-ke y protagonizada por Jean Lous Trintignant, Emmanuelle Riva e Isabelle Huppert.

Amour se trata de un entrañable filme que narra la historia de amor George y Anne, ambos profesores de música clásica ya jubi-lados. Un día Anne sufre un infarto cuya secuela causa la paralisis de la mitad de su cuerpo. Es entonces donde esta pareja ve puesto a prueba su amor.

El largometraje ha obtenido numerosos premios a nivel interna-cional, entre los que destacan la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el premio a Mejor película extranjera en la reciente en-trega de los Golden Globe.

Además aún se encuentra en la expectativa de las cinco nomina-ciones a los premios Óscar de la academia, en las categorías más importantes: Mejor película extranjera, Mejor película, Guión original, Mejor dirección y Mejor actor y actriz protagónico.

En cartelera LincolnUna palabra podría resumir esta cinta: Spielberg. Y es que ya todos sabemos que los trabajos de este director se caracterizan por una espectacular fotografía, producciones gigantescas, efectos sobresa-lientes, personajes inolvidables y excelentes actores, dando como consecuencia proyectos galardonados y por supuesto taquilleros.

Lincoln narra los últimos meses del mandato del decimosexto pre-sidente de los Estados Unidos, enfatizando en los esfuerzos que realizó para abolir la esclavitud en el país.

Es una de las cintas más esperadas en México, mientras que en E.U ya fue estrenada y recibida de manera favorable por la crítica. Bas-ta con decir que en la pasada ceremonia de los Golden Globe, ob-tuvo siete nominaciones aunque sólo se llevó el correspondiente al mejor actor protagónico por la actuación de Daniel Day-Lewis.

Actualmente cuenta con 12 nominaciones para los premios de la Academia, aunque como vimos, las estatuillas no son seguras para esta cinta que compite con otros grandes proyectos fílmicos. Sin embargo es un gran trabajo a nivel visual y actoral por lo cual no debe perdérselo en esta temporada.

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