Técnicas de stop motion: la combinación de las partes

Herrera Guadalupe, Liserre Federico

4 de julio de 2017 Diseño de imagen y sonido

Animación

Stop motion

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Índice de contenidos del Cuerpo B

Introducción p. 2

Objetivos p. 3

La motivación del estudio p. 3

Diferentes voces dentro del campo p. 3

Marco teórico p. 5

1. El stop motion p. 5

2. Técnicas dentro del stop motion p. 5

2.1. Manuales p. 5

2.2. Digitales p. 6

3. Exponentes dentro del cine en stop motion p. 6

3.1. Nick Park p. 6

3.2. Travis Knight p. 7

Análisis de las técnicas utilizadas en distintas producciones audiovisuales p. 8

1. Wallace & Gromit p. 8

2. Kubo and the Two Strings p. 9

3. Viabilidad de los proyectos según el tiempo y el dinero empleado p. 10

Conclusión p. 11

Bibliografía p. 12

2

Introducción

El tema que se abordará en la investigación es la animación en stop motion, sus

diferentes técnicas y la aplicación de las mismas en la producción de contenido

audiovisual. Para empezar, una definición que puede adjudicársele a este tipo de

animación es la de “técnica por la cual se crea la ilusión de movimiento mediante la

grabación de imágenes fijas sucesivas, manipulando, normalmente a mano, objetos,

marionetas o imágenes recortadas, en un entorno normalmente físico” (Purves, 2011,

p. 6). Las técnicas descriptas, estarán encasilladas en dos grupos: las manuales y las

digitales. Estas primeras tienen la característica, tal como lo dice su propio nombre, de

realizarse artesanalmente, es decir, la elaboración y/o utilización de marionetas u otros

objetos son llevados a cabo por el hombre sin la utilización de computadoras o

máquinas. Mientras que el otro grupo de técnicas se refieren a aquellas en las que

intervienen medios digitales.

Sin embargo, con el paso de los años, los usos de las distintas técnicas para hacer

stop motion han cambiado. Lo que en un principio era una única alternativa y tenía

tanta relevancia, como los métodos manuales, actualmente ya no lo son. La aparición

de nuevas tecnologías, como los medios digitales, abrió un abanico nuevo de

posibilidades para realizar material con este tipo de animación, ensamblándose con

aquellas técnicas que fueron las primeras en aparecer, las tradicionales.

Durante esta investigación se tendrán en cuenta los trabajos de dos directores que

han sido nominados al Oscar: Nick Park, conocido por sus cortos sobre Wallace &

Gromit, y Travis Knight, director del reciente largometraje Kubo and the Two Strings.

Estos trabajos servirán como referencia ya que el primero utiliza mayormente

herramientas y materiales elaborados por una persona, tal como es el caso de la

arcilla para los personajes, mientras que Knight implementa las impresiones 3D en

personajes y escenografías al punto de haber impreso una marioneta en su totalidad

por primera vez en los estudios de Laika. A su vez, estas producciones serán el objeto

de estudio de la investigación, ya que se identificarán en ellas las distintas técnicas

utilizadas, manuales y digitales, a fin de entenderlas como un trabajo complementario,

sin pensar que una desplaza a la otra.

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1. Objetivos

1.1. Objetivo principal:

Evaluar si es posible realizar una producción audiovisual en stop motion utilizando solo

uno de los dos métodos, manual o digital, basándose en los datos obtenidos del

análisis de los trabajos de Nick Park, Wallace & Gromit, y Travis Knight, Kubo and the

Two Strings.

1.2. Objetivos secundarios:

Identificar las áreas o momentos dentro de la realización audiovisual de dichos

trabajos en las que se utilizan las técnicas manuales o digitales.

Comparar la viabilidad de cada trabajo teniendo en cuenta el tiempo que se emplea y

el capital que se destina para realizar una animación en stop motion utilizando las

distintas técnicas.

2. La motivación del estudio

La elección del tema ha sido tal debido a que es de interés aportar conocimiento sobre

los usos de distintas técnicas dentro de una producción audiovisual en stop motion.

Esto no solo resulta relevante porque el campo de investigación sobre dicho tipo de

animación no es demasiado amplio, sino que es necesaria la realización de un nuevo

análisis frente a las tecnologías que fueron surgiendo en los últimos años, tal como las

impresoras 3D, en el que se las incluya. La información obtenida de ésta investigación

podría resultar útil para quien quiera realizar una producción en stop motion y no sepa

con exactitud cómo funcionan las técnicas manuales o digitales y la relación sustancial

que existe entre ellas.

Justamente es esa relación, manifestada en los trabajos de Park y Knight, el objeto de

estudio de esta investigación: las técnicas empleadas funcionan como herramientas

complementarias a la hora de llevar a cabo el trabajo de animar en stop motion. Si

bien con la aparición de las impresoras 3D, se han sustituido tareas antes realizadas

por la mano del hombre, esta investigación propone la idea de que las técnicas

manuales o digitales jamás serán reemplazadas una por la otra y que no sólo

funcionan en conjunto, sino que se necesitan una a la otra.

3. Diferentes voces dentro del campo

Sin embargo, es importante remarcar, que no es que el campo de investigación no es

demasiado amplio o que no contiene escritos e información sobre el tema que se

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abordará: sino que cada uno le da un enfoque diferente debido a lo que quiere

analizar, y, además, hay que tener en cuenta que el mundo audiovisual tiene varias

utilidades, métodos e incluso interpretaciones.

Por un lado, aparecen autores que realizan análisis exhaustivos sobre trabajos de

directores de stop motion describiendo los recursos que utilizan los temas que trata o

incluso relacionando sus producciones con algún movimiento vanguardista tal como lo

hace Escuder en Tim Burton y el expresionismo (2008). A su vez, hay quienes

seleccionan un concepto o temática representado en las producciones audiovisuales y

lo vinculan con algún hecho histórico de manera coherente.

Por otro lado, están los autores que encuentran en el medio audiovisual una utilidad

diferente a la de realizar una producción y difundirla con fines de lucro. Tanto Ruiz

Ballesta en su trabajo de fin de máster El uso del stop motion como medio para

potenciar y desarrollar las capacidades del alumnado (2013), como Fernández del Río

y Barreira Arias en su artículo de la Revista de Estudios e Investigación en Psicología

y Educación (2015), han utilizado la técnica de fotogramas del stop motion dentro del

ámbito educativo, donde dieron a conocer que gracias a ello, los alumnos han

potenciado su motivación, habilidades intrapersonales, la capacidad de resolver

problemas y decisiones.

Al mismo tiempo, están los que describen la técnica en sí misma para brindar ayuda a

quienes no conocen demasiado sobre ella y desean crear producciones a través de

este medio, como lo hace Purves en su libro Stop Motion (2011), o Fábrega López en

su proyecto Sistema de construcción de esqueletos para la suspensión espacial de

marionetas, aplicado a una obra de stop motion (2004), donde particularmente otorga

soluciones frente a la falta del soporte tecnológico óptimo para desarrollar sus ideas.

Finalmente, dejando apenas de lado la temática a tratar, Novotny y Carrodeguas

resumen su trabajo en el título del mismo, Nuevas tecnologías aplicadas a la industria

cinematográfica (2013), centrando su atención particularmente en el área de la

animación o los efectos especiales realizados de forma digital analizando tres casos

en particular. Al mismo tiempo, Sabeckis estudia cómo el cine ha cambiado sus

herramientas y formas debido a las tecnologías que han ido surgiendo desde el siglo

XIX hasta la actualidad, en su ensayo El séptimo arte en la era de la revolución

tecnológica (2013).

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Marco teórico

1. El stop motion

El stop motion es un tipo de animación, cuya definición radica en la “técnica por la cual

se crea la ilusión de movimiento mediante la grabación de imágenes fijas sucesivas,”

cuya particularidad es la de que dicha sensación se da “manipulando, normalmente a

mano, objetos, marionetas o imágenes recortadas, en un entorno normalmente físico”

(Purves, 2011, p. 6). Estos objetos pueden ser tanto rígidos como maleables, muñecos

articulados o hechos con plastilina (Carrodeguas y Novotny, 2013, p. 5), tal como es

en el caso de los personajes creados por Aardman Studios, Wallace y Gromit, de los

que se hablará más adelante.

Se trata entonces del tipo de animación con el trabajo más artesanal que existe, ya

que esa manipulación la lleva a cabo la mano humana, al igual que la disposición de

los objetos en la escenografía, y, en algunos casos, hasta la creación de los mismos

personajes. Es esta particularidad del stop motion, la cual, a pesar de los avances

tecnológicos, hace pensar en por qué este tipo de filmes continuaron realizándose

durante largo tiempo.

De hecho, a pesar de que las técnicas tradicionales de animación parecían tener sus

días contados frente a la revolución digital, en los últimos años, dentro del mundo

cinematográfico, la técnica de stop motion ha resurgido de manera tal, que incluso

durante la 85ª emisión de los Premios Oscar, tres de los largometrajes nominados a

Mejor Película Animada eran producciones en stop motion (Arenas Orient, 2013, p. 1).

Además, actualmente no solo se trata de una técnica limitada a herramientas

específicas, sino que se puede animar de esta manera utilizando tan solo un objeto y

una cámara, por lo que las oportunidades de generar contenido de este estilo no

escasean.

2. Técnicas dentro del stop motion

Dentro de las formas de hacer contenido en stop motion, podemos encontrar la

utilización de diversos objetos y distintas maneras de manipularlos o crearlos. Esta

investigación hará foco más que nada en las técnicas que se utilizan para elaboración

de estos objetos manipulables, las cuales distinguiremos entre manuales y digitales.

2.1. Manuales

Las técnicas manuales tienen la particularidad, tal como lo indica su nombre, de

realizarse manualmente. Debido a su practicidad, fue la técnica utilizada desde un

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principio; es por la cual la animación en stop motion es considerado un trabajo

artesano, ya que, es la persona quien a menudo crea su objeto a partir de materiales

maleables o no, como la plastilina, y también es quien lo mueve o posiciona,

fotograma por fotograma, para generar la sensación de movimiento.

Sin embargo, si se trabaja con plastilina o arcilla y un personaje cuyo rostro es

complejo, resulta laborioso mantener sus rasgos, debido a que la subtécnica de

claymotion (clay, arcilla; motion, movimiento) se da reesculpiendo y no recolocando

partes entre fotograma y fotograma. Además, al llenarse de huellas dactilares y

suciedad, el proceso de animación puede llevar más tiempo si se precisa la limpieza y

el pulido del material maleable. (Purves, 2011)

2.2. Digitales

Las técnicas digitales se refieren a aquellas en las que existe la intervención de alguna

herramienta o medio digital o éstas pueden participar en la realización de una

animación en stop motion de diversas maneras, ya sea para realizar expresiones muy

complejas de los rostros de las marionetas (Purves, 2011, p. 96), diseñar las

marionetas como animaciones 3D para luego imprimirlas en 3D, o incluso para hacer

retoques en post-producción, modificar imágenes en las que previamente la

computadora no ha participado o tareas de montaje.

También, estas técnicas han dado la facilidad de agregar como parte de la

escenografía una greenscreen (Crossingham, 2015) que permite situar los personajes

en distintos fondos.

3. Exponentes dentro del cine en stop motion

Como en toda área, dentro del mundo audiovisual existen referentes. En esta

investigación, se hará hincapié en los trabajos de dos directores en particular, Nick

Park y Travis Knight, los cuales estuvieron nominados a los Premios Óscar como

Mejor Película Animada.

3.1. Nick Park

Nacido en Inglaterra en 1958, Nick Park es un animador y director reconocido por la

serie de cortos Wallace and Gromit y el largometraje Chicken Run (2000), entre otros,

según su ficha en IMDb.

La técnica mayormente implementada en sus producciones es la manual, que va

desde sus personajes hechos con arcilla y plastilina, hasta los escenarios y

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decoraciones hechas a mano. Sin embargo, no pudo escapar de los medios digitales:

también utiliza pantallas verdes mezclando ambas técnicas (Crossingham, 2015). Esta

combinación de herramientas se puede ver en su producción ganadora de un Óscar

Wallace and Gromit: The Curse of the Were-Rabbit.

Durante el proceso de esta investigación, las técnicas utilizadas para la realización de

los cortos y películas que giran en torno de estos dos personajes, serán analizadas y

clasificadas en los grupos ya antes mencionados.

3.2. Travis Knight:

También nacido en Estados Unidos, Travis Knight es un director y animador de los

estudios de animación Laika, del cual forma parte desde el año de su fundación en

2005. Participó en el departamento de animación de las películas Coraline (2009) y

ParaNorman (2012), realizadas por dicho estudio (IMDb).

Su más reciente largometraje en stop motion fue Kubo and the Two Strings, siendo

este su primer trabajo como director (laika.com), fue nominado al Óscar como Mejor

Película Animada durante la última ceremonia. También fue la primera película en usar

una impresora 3D para realizar los gestos de los protagonistas, sets y marionetas de

hasta incluso 5 metros de altura. (Arjarasumpun, 2016).

En el transcurso de esta investigación, se aplicará el análisis y la clasif icación de las

técnicas de stop motion a este último trabajo de los estudios Laika, Kubo and the Two

Strings.

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Análisis de las técnicas utilizadas en distintas producciones audiovisuales

1. Wallace & Gromit

En las producciones ya mencionadas, Wallace & Gromit y Kubo and the Two Strings,

se presentan diferentes técnicas de animación en stop motion.

En primer lugar, tenemos los cortos de Nick Park, donde junto a su equipo de

Aardman Studios, crea a partir de la técnica artesanal o manual, los distintos

materiales para sus cortos tales como las escenografías, muebles, objetos, ropas y,

principalmente, los personajes.

Estas marionetas llevan muchas horas de preparación y dedicación, tanto por su

aspecto físico como para permitir sus gestos faciales y movimientos corporales. Para

darles una forma, se utiliza un material maleable como la arcilla, que permite

manipular dichos objetos con más facilidad entre cuadro y cuadro. Sin embargo, allí no

termina el trabajo con las marionetas: para mantenerse de pie se necesita un

armazón, y, muchas veces, deben tener bases lo suficientemente pesadas para no

tambalearse. Estas estructuras internas o esqueletos suelen ser de alambre de

aluminio blando, o en el mejor de los casos, si se obtienen los recursos financieros

necesarios, de acero inoxidable articulado por rótulas (Fábrega López, 2004). A su

vez, estos armazones, que son cubiertos con arcilla para no quedar a la vista, son los

que permiten un movimiento articulado del títere más sencillo que moldear el material

por sí mismo.

De todos modos, el movimiento y el aspecto corporal es tan solo una parte de la

marioneta. El rostro del personaje es fundamental si es ésta la que le otorgará los

gestos. Esto último sucede con Wallace, cuyo rostro es animable: Purves explica que

cuando es preciso crear una gran variedad de expresiones con un movimiento mínimo

para cada fotograma, suelen tener un cráneo interno compuesto por un entramado de

palancas conectadas con la cara externa. En el caso de Gromit, sucede lo contrario:

se trata de un rostro mucho más simple, pero sin boca para comunicarse, por lo que

sus expresiones o deseos deben estar manifestados de otra manera, como en

movimientos corporales, de cejas y ojos (2011).

No obstante, la tecnología de lo digital también forma parte de la realización de esta

serie de trabajos. Usualmente se trata de trabajo en post producción: Nick Park utiliza

el recurso de pantallas para agregar fondos a las escenografías, incluso si se trata de

una escena en interiores: en Wallace & Gromit: Visit England, varias tomas son

grabadas dentro del altillo de la casa, explica Riddett (2015), donde el espacio se ve

reducido por los techos bajos, por lo que son retirados para hacer ciertas tomas y ser

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grabados por separado para que en la etapa de montaje se acoplen a la escena.

Siguiendo con el mismo corto como ejemplo, ambas técnicas se combinan a la hora de

realizar efectos especiales, como cuando el cañón es lanzado con Gromit dentro y se

ve una pequeña explosión que libera humo, el cual fue grabado previamente con una

pantalla negra de fondo y agregado al resto de la imagen en postproducción.

2. Kubo and the Two Strings

El caso de Kubo es diferente en comparación al anterior. Para empezar, se trata de un

largometraje realizado en otro contexto respecto al de los primeros cortos de Nick

Park. Las tecnologías han avanzado, y lo que antes podría resultar un trabajo

exclusivo del hombre, ahora puede ser suplantado en su totalidad o en parte, por un

medio digital. Precisamente es eso lo que sucede con esta producción en stop motion:

la empresa de impresoras 3D Stratasys ha jugado un papel importante para Laika

Studios, ya que fueron ellos sus proveedores de equipos.

Para empezar, Kubo es una película en la que las impresiones 3D han intervenido en

la creación de diferentes objetos, tales como personajes y escenografías. A diferencia

de los rostros animables de Nick Park, Travis Knight utiliza rostros de dos partes

intercambiables, boca y cejas, impresos para los personajes, llegando al número de

sesenta y seis mil caras, explica Arjarasumpun (2016). Dicha particularidad de poder

intercambiar las distintas piezas, da la posibilidad de generar aún más gestos y

expresiones faciales entre cada fotograma y de una manera sencilla de manipular, ya

que se trata de quitar una y reemplazarla por otra.

En cuanto a los rostros de las marionetas, las técnicas digitales continúan aportando

parte del trabajo: para crear dichas expresiones faciales, antes de ser impresas deben

ser modeladas en animación 3D para obtener una mejor visión de los resultados

finales y asegurarse de llegar a ellos. La intervención de los medios digitales en la

elaboración y manipulación de las marionetas ha sido tal, que incluso han conseguido

que la Planta Gigante de un Ojo sea semiautomatizada gracias a un mecanismo con

una bola de boliche (Arjarasumpun, 2016). Además, el trabajo de post producción

también involucra, casi irrevocablemente, este tipo de técnicas. Es en esta etapa en la

cual se eliminan digitalmente las uniones de las distintas partes de los rostros al igual

que los armazones externos que ayudan a sostener a las marionetas.

Sin embargo, las técnicas manuales no dejan de participar en el rodaje de Kubo and

the Two Strings: continuando con la temática de las marionetas, pero hablando de

casos particulares, para las capas de las hermanas se han utilizado 183 alas hechas a

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mano, que se mantienen unidas por un alambre. A su vez se colocan piezas de metal

flexible en los kimonos o trajes (Arjarasumpun, 2016) de modo que su manipulación

sea más sencilla y le otorgue más movimiento. Por otro lado, el origami es una

temática fuerte dentro del desarrollo del largometraje: aparece repetidas veces y cada

una de las figuras que se ven fueron hechas, en un primer momento, a mano.

3. Viabilidad de los proyectos según el tiempo y el dinero empleado

Resulta complejo realizar una comparación entre dos trabajos tan distintos en cuanto a

materiales utilizados y contexto en el que fueron lanzadas, y, por lo tanto, realizadas.

Además, por un lado, se analiza de un largometraje, y por el otro, una serie de cortos y

películas. Sin embargo, se elige una producción de Nick Park que tiene más afinidad

de características con Kubo and the Two Strings para realizar la comparación de

presupuestos finales de la película. En cuanto a lo que es el tiempo empleado, se

analizan escenas o situaciones particulares de los diferentes trabajos.

Para empezar, para el contenido de Knight, según IMDb, se han invertido alrededor de

sesenta millones de dólares, el mismo monto que se ha utilizado para otra película de

Laika en la que también se utilizan impresiones 3D, Coraline (2009). Mientras que para

el largometraje de Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, que dura tan solo

dieciséis minutos menos que Kubo, se han empleado treinta millones de dólares

aproximadamente, es decir, la mitad del presupuesto anteriormente mencionado.

En lo que tiempo respecta, según Brian McLean, quien forma parte del equipo de

Laika, se ha estado un año y medio haciendo impresiones 3D para la película, y

escenas como las del barco, han llegado a tardar diecinueve meses en ser grabadas.

En cambio, en las producciones de Nick Park, el tiempo varía según el corto. Para

Wallace & Gromit: National Day, tres animadores se necesitaron para grabar un

minuto en tres semanas, mientras que para Wallace and Gromit: Visit England, fueron

cuarenta y cinco segundos de animación en total, a razón de dos segundos filmados

por día. Por su lado, las escenas de Kubo eran grabadas a razón de tres segundos por

semana. La diferencia de tiempos es tal debido a que, como ya fue mencionado, no

utilizan los métodos, marionetas, e incluso no ocurren las mismas escenas, las cuales

podrían ser más o menos complejas de grabar.

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Conclusión

Luego de haber recolectado datos de distintas fuentes sobre la realización de una

animación en stop motion, ordenarlos, clasificar las distintas técnicas utilizadas en

Kubo and the Two Strings y los cortos de Wallace & Gromit entre manuales y digitales,

se ha logrado llevar a cabo este informe de investigación. El cual ha dejado en

manifiesto la relación de reciprocidad que existe entre ellas a la hora de hacer una

animación en stop motion, y cómo trabajan en conjunto.

A su vez, se puede ver cómo a pesar de las nuevas tecnologías, las cuales podemos

ver aplicadas en la película de Laika Studios, existen momentos en la preparación del

producto en el que inevitablemente debe intervenir lo artesanal para llegar al resultado

que se busca, como sucede con la elaboración de ciertas escenografías. A pesar de

ello, ninguna de las dos técnicas logra desplazar a la otra o quitarle importancia.

Al mismo tiempo, al tratarse de un tipo de animación en el que los personajes existen

físicamente y son armados en partes, en el caso de los cortos creados por Nick Park,

la idea de un retoque digital en postproducción para eliminar uniones o

imperfecciones, es casi necesaria.

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Bibliografía

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