LEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN TEATRALUna representación consta sólo de dos elementos esenciales: actores y público. La representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje verbal. Los personajes no tienen por qué ser seres humanos; los títeres o el guiñol han sido muy apreciados a lo largo de la historia, así como otros recursos escénicos. Se puede realzar una representación por medio del vestuario, el maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, lamúsica y los efectos especiales. Estos elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos, personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad especial de la representación y diferenciarla de la experiencia cotidiana.2) NACIMIENTO DEL TEATROEl teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. Allí, los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales irían luego evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los grandes logros culturales de los griegos. Lo cierto es que este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización griega que cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro.3) PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANOTEATRO GRIEGOLas cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Mientras que las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto eran más apropiadas para un público infantil.Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.- LA TRAGEDIALa tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace funesto, es el género en el cual descollaron los escritores griegos ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.Aquí se presentan algunas características de la tragedia:a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas (episodios) entre personajes (nunca hay más de tres actores hablando en una escena) e intervenciones del coro en forma de canciones (odas).b) Las historias están basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el objetivo no fuera simplemente volver a contar esas historias (sobre las que los poetas se tomaban frecuentes libertades), sino hacer consideraciones sobre el carácter de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo y las consecuencias de las acciones individuales.c) Por lo general, eran obras de poca acción y los hechos se relataban a través de diálogos y canciones del coro.- LA COMEDIALa comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.Luego apareció un tipo de comedia local, muy abundante, llamada "nueva". En las obras de MENANDRO, el gran autor de comedias nuevas, la trama gira alrededor de una complicación o situación que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares y similares. Los personajes son típicos e identificables, tipos socialmente simples, como el padre miserable o la suegra molesta.TEATRO ROMANOEl teatro propiamente romano no se desarrolló hasta el siglo III a.C. Aunque la producción teatral se asociara en principio con festivales religiosos, la naturaleza espiritual de estos acontecimientos se perdió pronto; al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. Por eso, no es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El gran periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por las comedias de PLAUTO y TERENCIO, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una intriga de carácter local, aunque las de Terencio también aportaban un valor didáctico. La estructura de las piezas era muy dinámica y del gusto del público, y además solían cantarse muchas partes de la obra.

Este primer período en teoría teatral occidental se denomina clásico, porque comprende el teatro de las civilizaciones clásicas, de las antiguas Grecia y Roma, y las obras están escritas en las lenguas clásicas, griego o latín.Alrededor del final del siglo II d.C., el teatro literario había entrado en declive y fue sustituido por otros espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana emergente atacó el teatro romano, en parte porque los actores y actrices tenían fama de libertinos, y en parte porque los mimos satirizaban con frecuencia a los cristianos. Estos ataques contribuyeron al declive del teatro así como a considerar a las personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del Imperio romano en el 476 d.C., el teatro clásico decayó en Occidente; la actividad teatral no resurgió hasta 500 años más tarde. Sólo los artistas populares, conocidos como juglares y trovadores en el mundo medieval, sobrevivieron y proporcionaron un nexo de continuidad.4) TEATRO MEDIEVALEl teatro español, como el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, celebración litúrgica central en la religión cristiana, es en sí misma un ‘drama’, una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que, en su afán didáctico por explicar los misterios de la fe a los fieles mayoritariamente incultos y analfabetos, creen los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas representaciones, que tenían lugar dentro de las iglesias, en el coro o parte central de la nave, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a este tipo de representaciones que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las iglesias y comenzaron a realizarse en lugares públicos: en los pórticos y atrios de las iglesias, plazas, calles y cementerios.TEATRO MEDIEVAL PROFANOEn el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias especialmente en la fiesta del Corpus Christi y evolucionó en ciclos que podían contar con hasta 40 dramas. Algunos estudiosos creen que, aunque similares a los dramas litúrgicos, los ciclos surgieron de forma independiente. Eran producidos por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las representaciones podían durar de dos días a un mes. De la producción de cada obra se encargaba un gremio que intentaba que el tema tuviera que ver con su ocupación laboral; así los trabajadores de los astilleros podían, por ejemplo, escenificar una obra sobre Noé.Como los intérpretes eran con frecuencia aficionados y analfabetos, las obras se escribían en forma de copla de fácil memorización; no se conocen los nombres de los dramaturgos.AUTOSDurante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales (siempre de autores anónimos) y, por supuesto, persistían varios tipos de entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos durante el siglo XV. Aunque extrajeran trama y personajes de la teología cristiana, los autos diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban representados por profesionales como los trovadores y juglares.5) TEATRO DEL RENACIMIENTOLa Reforma protestante puso fin al teatro religioso a mediados del siglo XVI, y un nuevo y dinámico teatro profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos con su simplicidad parezcan estar muy lejos de los dramas de Shakespeare y Molière, los temas de la baja edad media sobre la lucha de la humanidad y las adversidades, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. Además, la participación de actores profesionales en las obras fue sustituyendo poco a poco a los entusiastas aficionados.TEATRO NEOCLÁSICOComo los métodos de producción y representación clásicos no se conocían perfectamente, el teatro del renacimiento tomó una forma totalmente nueva con algunos visos de clasicismo. Esta fórmula se conoce generalmente como neoclasicismo.Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras eran en latín, pero acabaron por escribirse en lengua vernácula y solían estar basadas en modelos clásicos. Este teatro no fue una evolución de las formas religiosas, ni siquiera de las prácticas populares o dramáticas ya existentes; se trataba de un proceso puramente académico. Eran obras pensadas para ser leídas, aunque fuera por varios lectores y en público, y con fines didácticos.

CREACIÓN DE LA ÓPERALas elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, en conjunto con los continuados intentos de recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI. Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy popular. A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia.COMMEDIA DELL'ARTEMientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general se divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉSA finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificultó el establecimiento total del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios expresamente dedicados al teatro; se utilizaban con ese propósito recintos destinados al juego de pelota. La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que fueron denominados ballets.Molière está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y comedias de costumbres reciben en su mayoría una influencia directa de la commedia dell’arte, pero generalmente van más allá de su objetivo específico y podrían considerarse como observaciones sobre las limitaciones y errores del género humano. Muchas de sus obras están imbuidas de una cierta amargura.Molière fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el objetivo de alterar el estilo histriónico y ampuloso que entonces dominaba la escena francesa.TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓNEl teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI. En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en las universidades; sin embargo, la mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, en el mejor de los casos, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro continental (creado con el objetivo de ser presentado ante un público de elite) el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en las exigencias del público en general.Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre.Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de la evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar al nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del más grande genio del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE OROEl siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este siglo acota uno de los periodos más fértiles de la dramaturgia universal, si bien la propia forma de denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a otros.Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras y las compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto competitivo, sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro. Dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA.6) TEATRO DEL SIGLO XVIIIEl teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo; a menudo estos actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare, en especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos. A El rey Lear y Romeo y Julieta, por ejemplo, se les cambiaron los finales trágicos por unos felices, anulando por lo tanto la intencionalidad del autor.7) TEATRO DEL SIGLO XIXA lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.TEATRO ROMÁNTICO

El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII, aparte de rústicas farsas. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa.El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual dominado por las pasiones, ya sean éstas virtuosas o viciosas. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro pero con una maquinaria escénica y efectos escenográficos suntuosos y aparatosos. La voz engolada y el verso rotundo triunfa en el teatro romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio. El tema del burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace que sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra ha conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro español.MELODRAMALas mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas populares, condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más arraigado en el siglo XIX. El melodrama como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren.TEATRO BURGUÉSProponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión de asistir a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo de que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared.NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIALA mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas de los personajes, la preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a la ciencia en busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de mejorar nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los científicos, se pusieron a observar y a retratar el mundo real.APARICIÓN DEL DIRECTOREl naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral moderno. Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y unificadas por un individuo, la idea de un director que interpreta el texto, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y da cohesión a la producción, es algo moderno.REALISMO PSICOLÓGICOLas obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes estudios de individuos.8) TEATRO DEL SIGLO XXDesde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.TEATRO SIMBOLISTALos simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralización" del teatro, que se traducía en desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño.TEATRO EXPRESIONISTAEl movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.GRUPOS TEATRALESQuizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie de grupos de teatro durante la década de 1960. Como ejemplo podemos citar al Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski y el Teatro de la Crueldad de Peter Brook.TEATRO DEL ABSURDO

De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, el sentido de lo absurdo que hizo llevadero un mundo destruido y desilusionado. Lo absurdo, lo que carece de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico, es lo característico de este teatro en el que no hay acción consecuente, ni caracteres, porque la vida misma de los personajes carece de sentido.TEATRO CONTEMPORÁNEOEl teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. Sin embargo, el objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para suavizar el realismo crudo. La escenografía era más sugerente que realista.MUSICALEn la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más serio, incluso sombrío. A finales de la década siguiente, sin embargo, posiblemente como resultado de crecientes problemas políticos y económicos (de los que el público deseaba escapar), volvieron los musicales (muchos de ellos reposiciones) bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.9) EL TEATRO EN LATINOAMÉRICASe tienen pocas y vagas nociones de cómo pudieron haber sido las manifestaciones escénicas de los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos. Existe, sin embargo, un único texto dramático maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla ceremonial. Su representación depende de distintos elementos espectaculares como el vestuario, la música, la danza y la expresión corporal.A partir de la época colonial, el teatro se basa sobre todo en los modelos procedentes de España.No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido cierta personalidad, al tratar temas propios tomando como punto de partida la realidad del espectador a quien va destinado.El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para obreros, y es autor del texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La Candelaria se han preocupado además por realizar un teatro que sirva como medio de discusión de la realidad social, sin dejar al margen el aspecto espectacular y estético del drama.10) EL TEATRO ORIENTALEl teatro oriental en general (de la India, China, Japón y el Sureste asiático) tiene ciertas características en común que lo distinguen claramente del teatro posrenacentista occidental. El teatro asiático es presentacional, ya que la idea de representación naturalista es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los diferentes países varían, en general son obras integradoras de las diversas artes (una realización de la idea del teatro total de Wagner) que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICOEl teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas, complejas y épicas, estaban estructuradas sobre la base de nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran las cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero no se usaban técnicas representacionales. Los movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación y la canción estaban rígidamente codificadas. Las marionetas y el teatro danzado, especialmente el kathakali, han sido también muy apreciados en varios momentos de la historia de la India.En otros lugares del Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma dominante, en especial el wayang kulit, o marionetas de sombras, en Java. En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores estudian sus movimientos para imitarlos.TEATRO CHINOEl teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy estrictas. Desde el siglo XIX, sin embargo, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. De hecho, la representación puede describirse como una colección de extractos de varias obras literarias combinados con una exhibición acrobática. La acción tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la habilidad de los actores.

El escenario es una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles codificados y el maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo el gobierno comunista la temática ha cambiado, pero el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.TEATRO JAPONÉSEl teatro japonés comenzó en el siglo VII (d.C.) y es quizá el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores opuestos a los del teatro occidental.

DEFINICIÓN teatro en la grecia clásica

En nuestros días la palabra "teatro" reúne un conjunto de significados que van desde el edificio o lugar destinado a las representaciones de obras dramáticas hasta el lugar donde una cosa está

expuesta a la consideración de la gente, pasando por el arte de componer obras dramáticas, el escenario o escena, el conjunto de obras dramáticas de un autor o, por último, la literatura dramática como género literario.

Si examinamos la definición que del mismo pueda dar una enciclopedia, veremos que "contemporáneamente su carácter se define por el hecho de pertenecer a la vez a las artes de actuación (música y danza) y a las artes de representación mimética (pintura, cine). Como la música o la danza se trata de un arte de la presencia viva y se fundamenta en la presencia de cuerpos humanos. Como la pintura y el cine apela a una ficción, a una ausencia, ya que estos cuerpos humanos representan personajes imaginarios, símbolos de una ausencia. El teatro es, pues, el punto de unión de estas dos categorías".

 

CARACTERÍSTICAS DEL TEATRO CLÁSICO

Para analizar mejor este complejo asunto empezaremos por describir un teatro griego por fuera, pues, según Claude Vial y su Léxico de la Antigüedad griega, en la época en que surgió este tipo de arte, en la Grecia de finales del S. V a. de C, el término "teatro" hacía alusión a una sola de las partes que lo componían, al hemiciclo o graderío, es decir, el sitio reservado para los que presencian la obra, (en griego, qšatron significaba "lugar donde se contempla"). Otras partes del edificio eran el "diazoma" o pasillo ancho que dividía en dos cuerpos el auditorio excavado en semicírculo en el flanco de una colina. La ÑrcÁstra ("orquestra"), que fue el elemento original del teatro griego, solía tener en el centro el altar del dios Dioniso. De forma circular, etimológicamente era el lugar donde el Coro danzaba, interpretaba instrumentos y cantaba. Detrás de la orchestra se encontraba la sk»nh ("skene"), una construcción que servía a la vez de decorado, de bastidores y de camerinos para los actores. La skene clásica tenía dos alas laterales o "paraskenia", pero sobre todo estaba precedida de un prosk»nion ("proskenion"), una especie de pórtico donde al parecer actuaban los actores. Entre la skene y los muros de construcción de la orchestra había, a cada

lado, un pasillo por donde entraba el coro p£rodoj (la "párodos") y otro por donde salía, œxodoj (la "éxodos").

También se sabe que los antiguos teatros griegos podían disponer de complejos recursos escénicos, algunos muy utilizados en las obras de los grandes trágicos, como la mhcan» o grúa,

Cuya

 

misión era hacer aparecer o desaparecer a los personajes: p. ej. al caballo Pegaso o a un dios del Olimpo.

       La ™gkÚklhma o "plataforma giratoria" para cambiar cualquier tipo de decorado. El qeologe‹on o "púlpito", donde se subían los personajes relacionados con el cielo y las klÚmakej o "escaleras subterráneas". Por ellas salían los personajes que representaban a los dioses o héroes que procedían del Hades.

El actor griego (pokrit»j, "hipocrités") solía llevar como vestimenta: la peluca, la máscara (un elemento incorporado a las representaciones desde el mundo de la fiesta dionisíacas; está en consonancia con el hecho de que dentro de esas fiestas, como se verá a continuación, había varios días de carnavales); una túnica: negra, para personajes tristes; colores vivos, para personajes importantes, y colores corrientes, para personajes del pueblo; y sólo en la Tragedia los actores calzaban unos Coturnos o especie de zuecos altos, que simbolizaban la superioridad de los personajes (héroes y dioses) que aparecían en el escenario

El origen del Teatro Griego y de la Tragedia es un asunto sobre el que los estudiosos no han conseguido ponerse de acuerdo. José Vara Donado, en su introducción a las tragedias de Sófocles, repasa muchas de las teorías que se han dado a esta cuestión: los argumentos de Aristóteles parecen bastante confusos para nuestros días, cuando afirma, respecto al nacimiento de la tragedia, una doble naturaleza contradictoria: la tragedia tendría por un lado un origen serio, pues procedería de la evolución de los antiguos "ditirambos" o composiciones en honor de Dioniso, y, por otro lado, también procede del género satírico, lo que supone decir que tendría origen en un elemento burlón. Los seguidores de esta tesis afirman que las tragedias tuvieron su origen en los primitivos cantos que celebraban la muerte y resurrección anual de Dioniso (cuyo nombre en griego significa el dios "nacido dos veces": no en vano, la leyenda mitológica de este dios habla de una doble génesis). Era el "canto de los machos cabríos" (tr£gwn + òd» = tragJd…a); un Coro de sátiros danzarines, dirigidos por un entonador o Corifeo ejecutaba el canto dionisíaco o "ditirambo". Coro y Corifeo se enfrentaban en un "agón" de palabras, música y baile. Posteriormente a este Coro se fueron añadiendo uno, dos o más actores-recitadores, designados en griego, como ya expliqué, con el expresivo nombre de "hipócritas". La progresiva complejidad de este enfrentamiento y la inclusión de un argumento heroico, daría origen a lo que posteriormente llegaría a ser la Tragedia Clásica. Más tarde Nietzsche llegaría a afirmar, tal vez gratuitamente, que la Tragedia nació del espíritu de la música. Tampoco aclaran el asunto las teorías etnológicas que entienden que la tragedia nació de ritos realizados con ocasión de algunos ciclos vegetativos como se ejecutan en ciertos lugares, pues como algunos críticos han señalado la tragedia griega surge en un contexto temporal y local de características muy peculiares. Para J. Vara, la explicación más convincente iría en la línea del académico Adrados, quien intenta salvar la aparente contradicción aristotélica interpretando que el "comos" dionisíaco del que habla Aristóteles entonaba cantos religiosos en honor del dios Dioniso compuestos de partes serias y de partes burlonas en sentido amplio.; a partir de este núcleo doble, por polarización de las partes que un principio constituían un todo, surgió por un lado la tragedia (por

acentuación y predominio de la parte seria) y por otro la comedia (cuando el elemento burlón fue el que se impuso): esa sería la razón por la que dice Aristóteles que sólo después de mucho tiempo y muchos cambios consiguió la tragedia la seriedad que la caracteriza.

ORÍGENES DEL TEATRO EUROPEO.     El teatro medieval tiene sus orígenes en el ritual cristiano, ya que la Iglesia comenzó a escenificar pasajes de la Pasión o narraciones del Antiguo Testamento con la intención de que las ideas que pretendían transmitir calaran más hondamente en la población, en su mayoría iletrada.  Al principio, estas escenificaciones se hacían dentro de la iglesia durante los servicios religiosos, en lengua latina, y en ellas aparecen ya los elementos dramáticos básicos: color, movimiento, indumentaria especial, o insinuaciones verbales con las que se busca la implicación del público.Llegó un momento (alrededor del siglo XII) en el que  el teatro dejó de representarse dentro de la iglesia y las escenificaciones se hacían en el atrio. Se sustituye el latín por las diversas lenguas vulgares. En España sólo se conserva solamente una obra de este tipo: el Auto de los Reyes Magos.           Poco a poco se desplazaron a las plazas públicas  quizá por alguna de estas razones: porque las dramatizaciones se hicieron demasiado elaboradas, o porque se fueron introduciendo elementos profanos, cómicos, y tal vez  poco decorosos.  A pesar de todo, los espectáculos seguían siendo esencialmente religiosos. La organización ya no estaba en manos de la Iglesia, sino que  tanto la puesta en escena  como la interpretación  corría a cargo de los gremios, es decir, de las asociaciones de artesanos profesionales. Muchas veces estos gremios representaban episodios bíblicos acordes con su profesión. Así, por ejemplo, en Inglaterra, en York, los constructores de barcos eligieron “El arca de Noé”,  los panaderos representaban frecuentemente “La última cena”, etc. Estos espectáculos, en sus inicios, se representaban sobre tablados elevados e incluso sobre carromatos que se podían trasladar a distintas partes de la ciudad.  En estos escenarios medievales también participan juglares, danzarines y mimos, es decir, cómicos itinerantes pertenecientes a los grupos marginales de la sociedad.     Los géneros teatrales que triunfan en la Europa medieval:

_                    Los misterios: eran obras teatrales de temática religiosa,  sacadas de la Biblia o de las vidas de santos. Sus representaciones eran espectaculares: podía durar varios días, participaban numerosos actores (incluso, a veces, todo el pueblo) y los escenarios se montaban al aire libre sobre grandes tablados._                    Los milagros:  de temática religiosa, se basaban en leyendas piadosas sobre pecadores salvados del infierno por intercesión de la Virgen. Eran más breves que los misterios y su puesta en escena era más sobria y sencilla. El más conocido es el Milagro de Teófilo, del escritor francés del siglo XIII Rutebeuf. Este milagro gira en torno a un hombre que vende su alma al diablo, uno de los temas más fecundos de la literatura universal._                    Las farsas: de carácter profano y no religioso. Su finalidad ya no es adoctrinas, como en los otros dos géneros, sino entretener. Son pequeñas piezas cómicas y satíricas de asuntos similares a los fabliaux franceses. La más famosa es la Farsa   de maese Pathelin ,  perteneciente a la literatura francesa del siglo XV y de autor desconocido._                    Las Danzas de la Muerte: aunque no pertenecen al género teatral, hay indicios de que pudieron ser representadas. Eran poemas que surgieron en Europa en el siglo XIV a raíz  de la Peste Negra. En ellos, la Muerte, que aparece personificada como un esqueleto implacable y cruel, invita a diversos personajes,

pertenecientes a las diferentes clases sociales, a abandonar este mundo para danzar con ella. El tema central de todas estas Danzas es el poder igualatorio de la muerte, que no distingue al poderoso del humilde o al joven del anciano.

  2.- EL TEATRO EUROPEO MODERNO.      Aunque sigue representándose un teatro de carácter religioso (misterios, autos, etc,) promovidos por la Iglesia con motivo de las grandes fiestas litúrgicas, tras el período medieval, y con la llegada  del Renacimiento, se favorece la recuperación y el estudio de la cultura clásica greco – latina y con ello, la recuperación de las grandes obras teatrales de la Roma  y la Grecia antiguas.  Además de representarse obras clásicas de dramaturgos como Plauto o Terencio,  muchos escritores escriben y estrenan tragedias, y sobre todo comedias,  a imitación de las obras clásicas.  Esta recuperación del teatro se dio, en primer lugar, en Italia entre finales del siglo XV y principios del siglo XVI .     Este nuevo teatro surgido en Italia se representaba en los palacios y estaba destinado a una minoría formada por los  nobles y por los intelectuales humanistas.     Pero a la vez, también en Italia,  aparece un tipo de teatro cómico  destinado al gran público: la llamada Comedia dell’ arte  (es decir, del oficio, de la profesión: teatro de profesionales). Es un tipo de teatro sin diálogos escritos, con un guión a partir del cual los actores improvisaban. Aparecen una serie de personajes fijos: Arlequín,  es un criado pícaro, vestido con un traje de rombos y cubierto con una máscara de cuero negro provista de bigote; Polichinela,  personaje melancólico que lleva una careta con una gran nariz ganchuda; o Colombina, la criada siempre dispuesta a burlarse de su señor, etc. En la Comedia dell’arte italiana tendrá gran importancia la mímica, la expresión corporal. Este teatro popular  llevará a los cómicos profesionales a recorrer diversas ciudades representando sus obras en las plazas, las posadas, o en lugares específicos para la representación teatral, como los corrales de comedias. Su influencia será decisiva en el teatro posterior.     A pesar de la importancia de Italia en la creación del teatro moderno,  las grandes obras  del teatro europeo moderno surgen  entre  el siglo XVI y el XVII en Inglaterra, con el llamado “teatro isabelino” cuyo máximo representante es Shakespeare, y en España, con la “Comedia Nueva”, con dramaturgos como Lope de Vega o Calderón de la Barca, entre otros. 

Teatro en américa latina

Historia[editar]

Período prehispánico[editar]

Los pueblos originarios de América tenían sus propios rituales, festivales y ceremonias que

incluían bailes, cantos, poesías, canciones, escenificaciones teatrales, mimos, acrobacias y

espectáculos de magia. Los actores eran entrenados, usaban disfraces, máscaras, maquillaje

y pelucas. Asimismo, se erigieron plataformas para mejorar la visibilidad y los escenarios eran

decorados con objetos naturales.1

Período colonial[editar]

Los europeos utilizaron esta herencia teatral para su misión evangelizadora. Durante los

primeros cincuenta años después de la Conquista de América, los misioneros usaron

ampliamente el teatro para propagar la doctrina cristiana a la población indígena,

acostumbrada a los espectáculos visuales y orales. Fue más efectivo utilizar las formas

indígenas de comunicación que poner fin a las prácticas 'paganas'; por ello, los

conquistadores extrajeron el contenido de los espectáculos, retuvieron los elementos

decorativos y los usaron para expresar su propio mensaje evangelizador.2

Los rituales prehispánicos fueron como los indígenas entraron en contacto con lo divino. Los

españoles usaron obras teatrales para cristianizar y colonizar a los pueblos indígenas

americanos en el siglo XVII.3 El teatro era una herramienta potente como manipuladora de una

población ya acostumbrada al espectáculo, por lo que el teatro colonial se convirtió en un

elemento del poder político en América Latina.4 El teatro proveyó una forma en que los

pueblos aborígenes fueron forzados a participar en el drama de su propia derrota. En 1599,

los jesuitas incluso utilizaron cadáveres de indígenas para retratar la muerte en la

escenificación del juicio final.5 Si bien las obras teatrales promovían un nuevo orden sagrado,

su prioridad era apoyar el nuevo orden político, secular. Así, el teatro bajo el auspicio español

estuvo principalmente al servicio de la administración colonial.2

Tras el colapso demográfico indígena, la conciencia e identidad aborigen decayó, aunque las

piezas teatrales mantuvieron elementos indígenas.6 Por ello, existe el argumento de que el

teatro que se desarrolló en América Latina es el teatro que los conquistaron trajeron a América

y no el teatro de América.7

Período poscolonial[editar]

El teatro latinoamericano de este periodo puede ser dividido en los siguientes segmentos:

1939-1968: las estructuras dramatúrgicas de proyectos sociales tienden más hacia la

construcción de una base latinoamericana más nativa denominada “Nuestra America”.

Argentina, Uruguay y Chile, desarrollan prototipos de teatro independiente a partir del Teatro

del Pueblo. Otra alternativa interesante fue el teatro campesino puesto en marcha por Luis

Valdés en 1965, a raíz de la huelga de los trabajadores de los viñedos californianos iniciada

en 1965 en Delano.8

1968-1974: Frente a una tendencia que intenta obtener una definición más homogénea con

modelos europeos, otros sectores del teatro latinoamericano trabajaron para recuperar sus

raíces históricas.

1974-1984: Se afirma la línea de búsqueda de expresión arraigada en la historia de América

Latina.9

La alternativa independiente en el siglo XXI[editar]

En otoño de 2012 se dieron cita en el Primer Encuentro Latinoamericano de Teatro

Independiente (ELTI), grupos de teatro independiente de Brasil, Perú, Colombia y Argentina,

en busca de objetivos comunes.10

LETRA 'CON OLEO DE ALEGRIA

'Con oleo de alegría me haz ungido con gozo y con pandero danzare delante de tu pueblo redimido la gloria de tu nombre cantare con el pandero 

//toda la noche sin parar cantando alabanzas al Señor diciendo de su gloria y majestad El es el Rey// 

de Israel ////la la la la la ...////

EL señor es mi rey

(I) 

el Señor es mi rey, mi todo el Señor es mi luz, mi rey 

(II) el que me hace vibrar de gozo el que guía mis pasos el que extiende sus brazos el creador de los cie…los 

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Cristo no esta muerto

Cuantos dicen amen 

Ahora yo , yo quiero preguntarte hoy Cuantos trajeron sus manos Cuantos trajeros sus pies Cuantos trajeron todo su ser 

Aleluya 

hay mucha gente que anda buscando el gozo en muchas partes pero hoy quiero decirte que solamente dios te puede dar esa clase de gozo 

solo dios! 

cristo no esta muerto esta vivo ! cristo no esta muerto el esta vivo! 

cristo no esta muerto esta vivo ! 

lo siento en mis manos lo siento en mis pies lo siento en todo mi ser 

cristo no esta muerto esta vivo! cristo no esta muerto el esta vivo! 

lo siento en mis manos lo siento en mis pies lo siento en todo mi ser 

cristo no esta muerto esta vivo! cristo no esta muerto el esta vivo! 

lo siento en mis manos lo siento en mis pies lo siento en todo mi ser 

la tengo si la tengo la tengo la tengo la opcion esta sobre mi no lo entiendo pero la tengo (x3) 

cristo no esta muerto esta vivo! cristo no esta muerto el esta vivo! lo siento en mis manos 

lo siento en mis pies lo siento en todo mi ser

Remolineando

hay muchas formas de alabar tu nombre de exaltarte Jehova hay muchas formas de magnificarte pero ahora lo are asi (bis) 

coro remolineando, remolineando celebrare a Jehova remolineando, remolineando me are mas vil por causa de Jehova 

saco mi vida del anonimato me dio corona y vestido real asi es Jehova que exalta al pequeño ///por causa de el yo me are mas vil/// 

lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara 

coro ///remolineando, remolineando celebrare a Jehova remolineando, remolineando me are mas vil por causa de Jehova/// 

///lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara lara//// 

remolineando, remolineando celebrare a Jehova remolineando, remolineando me are mas vil por causa de Jehova

Alguien me toca

Cuando me siento desamparado y oprimido cuando menos pienso que a mi lado tú estas, De momentos siento una mano sobre mi hombro 

y al tornar mi rostro hacia el que me toca que miro, no veo a nadie y me pregunto ¿quien será?. 

Cuando pienso que en mis oraciones ya tú no llegas, cuando digo a ti oh Dios no me desampares. De momentos siento una mano sobre mi hombro y al tornar mi rostro hacia el que me toca que miro, no veo a nadie y me pregunto ¿quien será?. 

Yo siento que alguien me toca Yo siento que alguien me toca, y siento que son las manos del Señor y siento que son las manos del Señor 

Cuando pienso que en mis oraciones ya tú no llegas, cuando digo a ti oh Dios no me desampares. De momentos siento una mano sobre mi hombro y al tornar mi rostro hacia el que me toca que miro, no veo a nadie y me pregunto ¿quien será?. 

Yo siento que alguien me toca Yo siento que alguien me toca, Cuando pienso como que ya tú no me oyes Cuando pienso como que ya tú no me miras Yo siento que... Yo siento que alguien me toca Yo siento que alguien me toca, y siento que son las manos del Señor. Yo siento que alguien me toca Yo siento que alguien me toca, y siento que son las manos del Señor. y siento que son las manos del Señor y siento que son las manos del Señor. 

EL gozo de dios

//oh oh oh oh oh oh// //El gozo de Dios mi fortaleza es// y no, no, no me canso de alabarte y no, no, no me canso de exaltarte con mis manos, con mi fuerza con todo mi corazón con todo lo que yo tengo siempre te alabaré con mis manos, con mi fuerza con todo mi corazón con todo lo que yo tengo siempre te exaltaré //oh oh oh oh oh oh// 

Has puesto un cántico nuevo en mi corazón (has puesto un cántico nuevo en mi corazón) mis labios siempre te alabarán, mi copa rebosará, por tì, por tì mi Dios y grande es el gozo que llena mi ser y grande es el gozo que inunda mi ser 

//El gozo de Dios mi fortaleza es// y no, no, no me canso de alabarte y no, no, no me canso de exaltarte con mis manos, con mis fuerzas con todo mi corazón con todo lo que yo tengo siempre te alabaré con mis manos, con mis fuerzas con todo mi corazón con todo lo que yo tengo siempre te exaltaré //oh oh oh oh oh oh// has puesto un cantico nuevo en mi corazón (has puesto un cantico nuevo en mi corazón) mis labios siempre te alabarán, mi copa rebosarà, por tì, por tì mi Dios y grande es el gozo que llena mi ser y grande es el gozo que inunda mi ser 

//El gozo de Dios mi fortaleza es// y no, no, no me canso de alabarte y no, no, no me canso de exaltarte ///(Dios es mi gozo y mi fortaleza)/// (el gozo de Dios) //oh oh oh oh oh oh// //El gozo de Dios mi fortaleza es// //y no, no, no me canso de alabarte y no, no, no me canso de exaltarte//

Cuentan de un Dios

Cuentan de un Dios que hace maravillas dándole poder a su pueblo 

gracias a el conquistaron reinos como a las ciudades 

en su nombre 

fue cantando otras veces gritandoo ! acompañado del sonido de bocina fue cantando 

otras veces gritandoo ! avivamos a su Dioos columnas de fuegoo lumbre del desierto 

---- no le entiendo ---- columna de fuego llueve en el desierto 

---- no le entiendo ---- le llaman guerrero le llaman guerrero le llaman guerrero Jehova de los ejércitos 

le llaman guerrero le llaman guerrero le llaman guerrero Jehova de los ejércitos

Jehová es mi guerrero

JEHOVA ES MI GUERRERO;OH,OH,OH/// 

CON MI ALABANZA PELEARE PUES NO ES MI GUERRA SI NO LA DE DIOS DANZA Y PANDERO YO DARE PUES NO ES MI GUERRA SI NO LA DE DIOS CIMBALO Y TROMPETA SONARE PUES NO ES MI GUERRA SI NO LA DE DIOS CON FUERTE Y ALTA VOZ YO GRITARE