Teatro de la Edad Media al renacimiento 2016
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EL TEATRO De la Edad Media al Renacimiento
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EL TEATRO
De la Edad Media al Renacimiento
Contexto histórico:
Comienza aprox. en el año 476 con la caída del Imperio
Romano de Occidente por las invasiones bárbaras, y finaliza en
1492 con el descubrimiento de América.
Algunos historiadores aceptan versiones de su final en 1453
con la caída del Imperio Romano de Oriente.
La Edad Media o Medioevo, se separa en períodos:
* Alta Edad Media (siglo V a siglo XI) y
* Baja Edad Media (siglo XI a siglo XV).
LA EDAD MEDIA
Características generales de la Alta Edad Media:
- Sucesivas invasiones: tanto por el norte (grupos
germánicos) como por el sur (grupos Beréberes)
- Abandono de ciudades: Las personas huyen al campo por
miedo.
- Grandes diferencias de clases: Toda esta situación de
pobreza hace que las diferencias entre clases se acentúen
mucho más.
- Dominio de la Iglesia: La iglesia Católica a tener tanto
poder y riqueza como los reyes y los señores feudales.
Llega a dominar la vida política, social y económica de
Europa.
Características generales de la Baja Edad Media:
- Aumento demográfico: al disminuir las guerras.
- Resurge el comercio.
- Surgimiento de una nueva clase social: la burguesía,
fundamentalmente, son comerciantes.
- Avances y progresos: se van a dar avances científicos
importantes; aparecerá la imprenta, importante para la trasmisión
de la cultura y el conocimiento.
- Avances importantes en la medicina y en la higiene.
- La Iglesia continua siendo muy poderosa y dominante: pero en
esta época aparecen grupos dentro de la propia Iglesia que van a
criticar la situación de poder que tiene la misma.
El Medioevo
antiguamente era
considerado como
una época oscura
atrasada cultural y
socialmente. Hoy
sabemos que fue
durante el Medioevo
que se dio el
desarrollo de la
posterior expansión
europea, el
nacimiento del
capitalismo y la
modernidad.
ÁMBITO GEOGRÁFICO OCCIDENTAL
S. IV-V
EXPANSIÓN DEL
CRISTIANISMO:
PRIMER ARTE CRISTIANO
(ARTE PALEOCRISTIANO)
S. VI-X
ARTE PRERROMÁNICO
(ETAPA DE
TRANSICIÓN) S. XI-XIII
ARTE ROMÁNICO
S. XIII-XV
ARTE GÓTICO
EDAD MEDIA S. V S. XV
Desarrollo de los grandes estilos del arte
Cristiano occidental
LA RELIGIOSIDAD Y EL PREDOMINIO
DE LO ESPIRITUAL SOBRE
LO INTELECTUAL Y TERRENAL
Frente al Naturalismo y Antropocentrismo
clásico (un mundo ordenado por la razón)
se va afirmando el SIMBOLISMO, el
ANTINATURALISMO Y LA ABSTRACCIÓN
(Un mundo ordenado por la FE: el mundo
sobrenatural, la PRESENCIA DIVINA se
impone sobre la realidad terrenal)
Europa año 1000
ORÍGENES Y EVOLUCIÓN
DEL TEATRO MEDIEVAL
La nueva sociedad medieval emerge tras el fin de la Época
Antigua, con un nuevo concepto de la existencia que exige
un cambio radical en las creencias y en el sistema de
valores: de la sociedad romana politeísta a la sociedad
monoteísta cristiana.
Los incipientes grupos cristianos lograron resistir las
persecuciones y la marginación social a que los sometió el
Imperio romano.
Monoteístas hasta la médula, es lógico que la nueva
sociedad, una vez alcanzada la libertad a inicios del siglo
IV, rechace al teatro y demás espectáculos paganos en los
que se invoca a los dioses falsos, y no acepte la ideología
que en las comedias griegas y latinas se propugna.
No son tiempos para transigir, por lo tanto, el teatro tiende
a desaparecer.
En la Edad Media, todo llegará a tener un sentido
trascendente, de signo teológico; empezando por
la propia vida del hombre, que se concebirá
como un lugar de destierro y de lucha al término
del cual la Muerte nos consolará y hará llegar al
seno de Dios.
El pueblo se reúne
periódicamente en torno a sus
oficiantes para participar en los
oficios religiosos que,
progresivamente, se van
ordenando según un ritual en el
que todo tiene un sentido:
gestos, palabras, luz, música o
canto... Y, como en todas las
civilizaciones, la historia
evocada o representada
girará en torno del héroe
fundador de sus creencias.
Este héroe es aquí Cristo.
Con el triunfo del cristianismo el teatro europeo surge
vinculado al culto religioso. Toda la zona del imperio
romano adopta esta religión. La misa, celebración litúrgica
central en la religión cristiana, es en sí misma un «drama»,
una representación de la muerte y resurrección de CRISTO.
CARACTERÍSTICAS DEL TEATRO RELIGIOSO
MEDIEVAL
• Persigue un afán didáctico (analfabetismo generalizado).
• Escenificación de algunos episodios relevantes de la
Biblia.
• El lenguaje utilizado, en una primera etapa, fue el latín,
dado su carácter religioso.
• Al principio bastaban las vestiduras propias para la
celebración de la misa y las formas arquitectónicas de la
iglesia como decorado.
• Las primeras representaciones se realizan en el interior
de las iglesias.
• La Iglesia demostró sus recelos respecto al teatro, pero
no queriendo renunciar a sus efectos beneficiosos,
solucionó la cuestión trasladando la representación al
exterior del edificio.
«El sacerdote, como un actor
trágico, representa el papel de Cristo
ante la multitud cristiana en el teatro
del Altar.»
Honorio de Autun (1090-1152):
sacerdote, teólogo y filósofo alemán.
Tipos de representación de teatro religioso:
- Tropos: pequeños versículos cantados o principio de puesta en escena que
se insertaban en el desarrollo de una ceremonia religiosa.
- Misterios o Moralidades: escenificación dramática de pasajes bíblicos,
relacionados con Jesús, o hagiografías (biografías de santos y santas) que
se representaban adentro de los templos.
- Auto: era en su origen una representación teatral tanto de índole religiosa
como profana. A partir de la segundad mitad del siglo XVI, cuando
tomaban una forma religiosa se les llamaba Auto sacramental, tenía un
solo acto que se centraba en el misterio de la Eucaristía.
- Milagros: su desarrollo dramático gira en torno a hechos sobrenaturales,
surgidos del poder divino. Comprendía escenas de la Pasión de Cristo, de la
vida de la Virgen, etc.
- Sponsus o Juegos: también trataban diferentes escenas de la Biblia.
- Dramas litúrgicos: comprendían en general episodios bíblicos, misterios
de la religión o conflictos de carácter moral y teológico.
Formas de teatro religioso en la Edad Media
TROPO: A fines del siglo IX, en el monasterio benedictino de Saint-Gall, en
Suiza, se inició la costumbre de introducir determinadas interpolaciones cantadas o
tropos en los textos litúrgicos. Éstas en seguida adquirirían forma dialogada al
alternarse las intervenciones de un coro y un solista. Los primeros tropos se usaron
en la misa del Domingo de Pascua, donde se escenificó un diálogo entre el ángel y las
santas mujeres que llegan al sepulcro de Cristo, estos tropos fueron el origen del otro
componente del teatro occidental: el diálogo.
Entre tres clérigos representando a las tres Marías y otro
que interpretaba el ángel tenía lugar este diálogo sacado
del Evangelio, el célebre Quem quaeritis?
Ángel.-¿A quién buscáis?
Clérigos.-A Jesús Nazareno.
Ángel.-No está aquí, resucitó como estaba
profetizado.
Los clérigos levantan entonces un velo dejando ver el
lugar vacío.
Muestran dicho velo al pueblo gritando con alegría
"¡Alleluia, resurrexit!".
MISTERIOS: son piezas dramáticas en las que se representaban
episodios de la Biblia (en especial de la vida de Cristo); o biografías de
santos (hagiografías), que se realizaban en fechas como Navidad,
Reyes, Pascua, generando así los primeros dramas litúrgicos.
El Auto o Representación de los REYES
MAGOS se escribió a finales del siglo
XII o principios del XIII y es la primera
obra teatral escrita completamente en
castellano que se conserva, aunque en
forma incompleta. Se compone de 147
versos de distintas medidas que forman
dos cuadros en los que, a través de
monólogos y diálogos, los Reyes Magos
deciden ponerse en camino para adorar al
Niño Jesús. Falta la última parte en la que
se supone que se nos mostraría la
adoración de los Reyes.
En el año 2001 se formó, en España, el
grupo Nao d´amores, colectivo de
profesionales procedentes del teatro clásico, los
títeres y la música antigua, que bajo la
dirección de Ana Zamora, desarrollando una
labor de investigación y formación para la
puesta en escena del teatro medieval y
renacentista.
En el año 2007, estrenaron en la ciudad de
Segovia Misterio del Cristo de los Gascones.
MISTERIO DEL CRISTO DE
LOS GASCONES - S. XV
El texto corresponde a breves poemas
religiosos referentes a la vida o
biografía de Jesucristo. De aquella
obra del Renacimiento, apenas se
conservan versos y tampoco músicas.
Menos aún el personaje principal: una
imagen en madera de Cristo fallecido,
que durante un tiempo perteneció a la
iglesia de Segovia, y que finalmente
fue entregada a los pueblos franceses
gascones que allí residieron.
DEL DRAMA LITÚRGICO A
LOS JUEGOS Y LOS
MILAGROS:
Hacia mediados del siglo XII, surge en
Francia una nueva forma de drama
llamada Sponsus o Juego, donde
también se representan historias
bíblicas de gran fuerza, como el
conocido como Juego de Adán,
donde se relatan escenas como las
tentaciones de Eva por la serpiente,
asesinato de Abel, o el desfile de
profetas anunciando la venida de
Jesucristo.
Son interesantes, en este juego, las acotaciones precisas que describen su
puesta en escena:
* Constrúyase el paraíso en un lugar bastante elevado;
* Que cortinas y telas de seda lo rodeen a una altura tal que los personajes que
en él estén puedan ser vistos por encima de los hombros;
* En él se entrelazarán flores olorosas y ramas de abundante hoja;
* Que contenga diversos árboles de los que pendan frutos, de modo que el lugar
parezca de los más agradables.
* Venga luego el Salvador envuelto en una dalmática, y delante de él estén
colocados Adán y Eva;
* Adán cubierto con una túnica roja, Eva con vestido de mujer blanco.
* Permanezcan ambos ante la Pascua divina, Adán más próximo, el rostro
tranquilo, Eva un poco más humilde;
* Y que Adán esté bien instruido sobre el momento en que debe responder, que
no sea ni precipitado ni tardo en hacerlo.
* Y que no sólo él, sino todos los personajes estén preparados para hablar
juiciosamente y para ejecutar los gestos que convienen a la materia de la que
hablan;
* Que en los versos no quiten ni pongan una sola sílaba, antes bien, que los
pronuncien todos con claridad, en el orden en que deben ser dichos.
* Quienquiera que nombre el Paraíso, que lo mire y lo señale con la mano.
LOS MILAGROS: son textos de menor extensión que los
misterios y se basan en leyendas piadosas sobre pecadores salvados de
los infiernos por intercesión de la Virgen. Estos textos se escriben tanto
en verso como en prosa, y en su composición los autores usan a veces
recursos juglarescos, propios de la trasmisión oral.
Estos relatos escenificados tenían ya poco
de religiosos en muchas ocasiones.
Podrían por ello pertenecer al teatro
profano.
Lo religioso solía aparecer al final, en
forma de prodigio destinado a probar la
intercesión de María o de los santos
patronos de las iglesias.
Milagros de Nuestra Señora es la obra capital
de Gonzalo de Berceo, siglo XIII, que relatan
veinticinco milagros de la Virgen María.
Temas y desarrollo del teatro litúrgico:
Nacimiento de Cristo, la Redención, Adán y Eva, etc., con
enseñanza moral y religiosa. Durante los ss. XIII, XIV y XV se
volvió mas complejo y se extendió por Europa, añadiéndose nuevos
temas:
Creación - caída:
La predicación de Jesús
La crucifixión
La Resurrección
La segunda venida.
Antiguo Testamento:
Los profetas
El arca de Noé
Jonás y la ballena
Vida y martirio de los
santos
El teatro religioso en el medioevo cumplió su objetivo central
que era dar a Europa la visión del mundo que el clero quería
dar.
A su vez pudo:
* Catequizar a la población.
* Difundir los pasajes de la Biblia en forma verbal.
* Ayudó al desarrollo de los idiomas nacionales y las
lenguas romance (portugués, español, italiano, francés y
rumano) ya que el clero la fue traduciendo del latín.
La mayoría de las obras teatrales
que se han conservado del período
medieval son anónimas.
Una excepción son las obras de la
religiosa alemana Hroswitha de
Gandersheim, quien fue una
canonesa (a diferencia de las
monjas, las canonesas sólo hacían
dos votos de los tres monásticos:
castidad y obediencia, pero no el de
pobreza) y escritora que vivió y
trabajó en la abadía benedictina de
Gandersheim, localizada en la
actualidad en la Baja Sajonia.
Escribió en latín y se la considera la
primera persona desde la
antigüedad en componer obras de
teatro en esa lengua.
Hroswitha de Gandersheim
935 - 1002
Turingia
Abadía de Gandersheim
La Abadía de Gandersheim era un rico e independiente convento de monjas,
favorecido por el Santo Imperio Romano; a cuya abadesa, Otón I permitió tener su
propia corte, sus propios caballeros, y le reconoció el derecho de acuñar moneda.
La Abadía contaba con suficiente dinero como para la realización de obras de
arte, la construcción de edificios y la producción de manuscritos para la biblioteca.
En el convento de Gandersheim sólo se admitían mujeres de la aristocracia, que
tomaban votos como canonesas – a diferencia de las religiosas, las canonesas
estaban sometidas a una observancia menos estricta de la regla, debían respetar
sólo dos de los tres votos monásticos: la castidad y la obediencia; pero podían
disponer de sus riquezas, de su servidumbre, recibir huéspedes y adquirir libros –
lo que me permite inferir que Hroswitha pertenecía a la nobleza.
Se conservan de
ella un ciclo de
seis comedias, un
ciclo de ocho
leyendas (ambos
ciclos de
protagonismo
sobre todo
femenino) y dos
obras de historia:
una biografía del
emperador Otón I
y una historia de
los orígenes de
Gandersheim
Gracias a su pertenencia de
clase y a las libertades
intelectuales que le ofrecía
la Abadía – la poeta
contaba en su biblioteca
con autores clásicos y
medievales: Horacio,
Ovidio, Eustaquio, Boecio,
Terencio, Virgilio, la
Vulgata y textos litúrgicos
y hagiográficos, además
de los Evangelios
Apócrifos – pudo
transformarse en la
primera dramaturga de
Europa Otón I
Tanto en los poemas hagiográficos
como en los diálogos dramáticos,
Hroswitha exalta la elevación
espiritual de los cristianos a través
del relato de sus vidas y martirios.
En su mayoría, las protagonistas de
sus obras son las mujeres – castas,
mártires y vírgenes, abusadas,
amenazadas, torturadas –, que
precisamente hacen de la debilidad
de su género, su fortaleza.
En las obras dramáticas de Hroswitha: La
conversión de Galícano; La resurrección
de Drusiana y de Calímaco; Pasión de las
santas vírgenes, Ágape, Quionia e Irene;
Caída y conversión de María, sobrina de
Abraham el ermitaño; Conversión de la
prostituta Thais; Sapiencia, etc., las
pasiones lascivas y “demoníacas” del sexo
masculino, se enfrentan con la religiosidad
de las mujeres, que, todas, paganas
convertidas al cristianismo, o pecadoras
salvadas por la fe, luchan por convertir al
mundo masculino que las rodea – como en
La conversión de G. – o por vencer sus
demandas lujuriosas, aún a costa de sus
propias vidas y del padecimiento de
terribles martirios – en Pasión de las
santas vírgenes.
Lo que resulta muy interesante, es que Hroswitha, a pesar de cumplir
con votos de castidad, describe con lujo de detalles las bajas pasiones de
los hombres, y así se justifica:
“Una cosa, sin embargo, me obliga no pocas veces a enrojecer y
avergonzarme profundamente, y es el hecho de que, obligada por la
naturaleza de las composiciones, en el acto mismo de componerlas, he
imaginado mentalmente, y he descrito materialmente con la pluma la
execrable locura de aquéllos que se abandonan a los ilícitos amores y a
la amarga dulzura de sus coloquios, que a nuestros oídos no es lícito
siquiera oír. Pero si por vergüenza descuidara todo eso, no realizaría mi
deseo y no conseguiría exaltar tan plenamente, dentro de mis
posibilidades, la gloria de los inocentes; pues, cuando las caricias de los
amantes son más a propósito para seducirnos, tanto más resplandece la
gloria del supremo ayudador y es más brillante la gloria de los
triunfadores: sobre todo cuando la fragilidad de la mujeres resulta
victoriosa; y la fortaleza del hombre, abatida.”
En la Pasión de las santas, el deseo de los
cónsules romanos es expresado con claridad
asombrosa, lo mismo que sus amenazas:
“SISINIO: ¿No temes torturas?... Te mandaré
a un prostíbulo, donde tu cuerpo será
ensuciado obscenamente.
IRENE: Mejor un cuerpo mancillado por no
importa qué ultrajes que un alma corrompida
por los ídolos paganos.
SISINIO: Asociada a las prostitutas,
mancillada, ¿cómo podrás formar parte de la
comunidad de las vírgenes?
IRENE: el placer trae dolor; la necesidad, la
corona con el martirio. Se considera la culpa
tal si hay conformidad del alma.”
TEATRO PROFANO MEDIEVAL
Existen tres teorías sobre la génesis del teatro profano medieval:
1. Por imitación de las comedias latinas.
Debido en gran medida a las traducciones de los clérigos de las obras
griegas y romanas.
2. Por evolución de los juglares y los mimos
La figura del mimo y juglar se desarrolla de forma especial durante la
Edad Media. El juglar, que era un hombre espectáculo que recitaba,
cantaba y baila, terminan al unirse con otros juglares representando e
improvisando pequeñas piezas.
3. Como desahogo de los temas religiosos.
Esta se considera la causa más probable, ya que era inevitable que ciertas
representaciones causaran risa a un publico muy predispuesto para ello,
así en las que se escenificaban voces de animales o celebraban alguna
festividad, terminaban rompiendo la solemnidad del acto religioso.
«Imitaba yo el rostro, los
gestos y el habla de mis
interlocutores, de modo
que se creyera que eran
muchos los que se
expresaban por una sola
boca...
En esto andaba cuando el
fúnebre día se llevó
conmigo a todos los
personajes que vivían en
mi cuerpo.»
Epitafio de un juglar, de nombre Vitalis, en el
siglo IX:
GENEROS DENTRO DEL TEATRO PROFANO: A partir del siglo XIV, el teatro profano comienza su desarrollo con pequeñas
piezas con un gran carácter lúdico y crítico frente a la iglesia y al estado.
* LAS PASTORELAS: género lírico-narrativo francés (sin relación con las
pastorales italianas que darán, a mediados de este siglo, origen a un subgénero de
anticipado corte renacentista).
En las pastorelas se nos cuenta esencialmente cómo una pastora es cortejada por
un caballero, dando lugar a una serie de escenas tópicas del género (resistencia de
la pastora, engaños y promesas del caballero, rapto frecuente de la pastora,
persecución por su amigo y sus familiares, etc.).
•SERMÓN JOCOSO: se desarrolla en Francia y parodia los sermones y la
lengua sagrada. Como ejemplo tenemos el sermón de la santa morcilla.
* SOTIA: es un subgénero satírico político. El que soltaba el discurso iba
vestido con una túnica amarilla y verde que les daba a los deficientes mentales y a
los locos, y llevaba un capirote y portaba el centro de la locura, por ello no
importaba la critica política que se hiciera y el poder político lo consentía a pesar
de resultarle incomodo puesto que eran palabras pronunciadas por un loco.
Obras laicas de carácter moral: Tiene como tema central la muerte,
en ella, un personaje vestido como ella habla a los demás personajes.
La muerte y su representación es uno de los temas más recurrentes de la
Edad Media
De la evolución de estos subgéneros anteriores originarán más adelante,
en España el paso y el entremés y en Francia la farsa. En todas ellas se
desarrollan personajes prototipos, con un marcado carácter irónico: son el
viejo celoso, el marido burlado, la criada ingenua...y representa de forma
caricaturesca a una parte de la sociedad de la época.
La característica más destacada sobre la autoría de los textos del medievo
es que estos son anónimos, ya que era el clero quien se encarga de
realizarlos y por lo tanto hasta la aparición del teatro profano no
empiezan a ser conocidos los autores.
TÉCNICAS DE ESCENIFICACIÓN
EN EL TEATRO MEDIEVAL
Las representaciones fueron ganando progresivamente en
espectacularidad, y los artesanos debieron intensificar su imaginación para
dar a cabida a una enorme cantidad de nuevos y variados espacios
escénicos: ya que narraban hechos o portentos ocurridos a lo largo de
muchos años, incluso de muchos siglos, en los más apartados rincones de la
tierra. Y no sólo en la tierra: había que representar también el Cielo o
Paraíso, así como el Infierno; de ahí que a la horizontalidad del espacio
escénico hubiera que añadir su ocupación en altura (verticalidad).
Una vez salido el teatro del templo medieval, donde ya no
contaba con “el decorado” propia de la iglesia, hubo buscar
nuevas soluciones:
• En Inglaterra, se utilizó la yuxtaposición de espacios
escénicos y la utilización de carros para representar escenas que
se detenían delante de los espectadores.
• En Francia, se adoptó el uso de los decorados simultáneos,
llamados Salones, cuyas ventajas son la de mostrar una
escenografía más dilatada a lo largo de la representación y la de
ofrecer un espacio común muy amplio para la evolución de los
actores.
• La explicación por un actor, conductor del juego, de los
distintos lugares en donde ocurre la acción (la imaginación del
espectador debía hacer el resto), o la indicación, por medio de
pinturas primitivas, que luego serán reemplazadas por unos
simples letreros en los que se colocaba el nombre del lugar.
La salida a las plazas supuso una revolución en cuanto a la forma de
representación creándose las mansiones que eran espacios escénicos
independientes creados sobre carros o sobre tablados. Cada obra se
representaba simultáneamente por trozos, cada parte en una mansión
diferente y el espectador debía de recorrer todos ellos para ir siguiendo la
evolución de la obra.
Las mansiones fundamentales eran El Paraíso, el Infierno, el limbo y el
purgatorio. Todas ellas se disponían de forma que el Paraíso quedará en un
terreno más elevado que el resto y el infierno en la parte más baja.
El Paraíso debía ser absolutamente espectacular e incluso se competía entre
las compañías por montar el mejor Paraíso, en el centro debía estar el árbol
de la vida.
El infierno debía de provocar el temor y el respeto. Tenia tres elementos una
torre fortaleza, el pozo de Jesús, donde se arrojan a los demonios y una gran
garganta de montaña por donde salen los demonios.
Del infierno se pasaba al limbo y al purgatorio y de este al cielo, estando
comunicadas mediante plataformas.
Estas escenografías buscaban además el dominio del espacio y
se desarrollan maquinas para provocar elevaciones, además el
suelo se llena de trampas para realizar desapariciones y
apariciones.
Las cortinas se introducen dentro del teatro profano en las
mansiones para indicar a los espectadores que el tramo de la
función que estaban viendo había terminado y debían cambiar
de mansión, otras veces servían para sugerir acciones que no
podían ser vistas, como un parto.
"-Señoras y caballeros -empezó el anfitrión-,
háganse a sí mismos un favor y escuchen lo que
voy a decir y no menosprecien mis palabras.
En resumen, he ahí mi propuesta: cada uno de
ustedes, para que el camino les parezca más
corto, deberá contar dos cuentos durante el
viaje. Quiero decir, dos en la ida y dos en la
vuelta. Cuentos del estilo de «érase una vez...».
El que relate su historia mejor -el relato más
edificante y divertido- será obsequiado con un
banquete a costa del resto del grupo, aquí en
esta posada y bajo este mismo techo, al
regresar de Canterbury. Y para hacerlo más
divertido, tendré mucho gusto en cabalgar
junto a ustedes a mis propias expensas y en ser
su guía. El que no se someta a mi decisión
deberá pagar todos nuestros gastos en el
camino. Ahora, si ustedes están de acuerdo,
háganmelo saber enseguida, sin más dilación,
y efectuaré los preparativos pertinentes."
Los cuentos de
Canterbury
(finales del S.XIV)
de Geoffrey
Chaucer
Es un libro de cuentos o
relatos sobre un grupo de
peregrinos que viajan de
Southwark hacia
Canterbury, con el objeto
de visitar la Catedral de
Canterbury.
Ilustración de Richard Pynson.
Prólogo general de una edición de
1492. Londres.
En el año 1972, el famoso director italiano Pier Paolo Pasolini
(1922 – 1975) llevó al cine una versión de estos cuentos, obra
que obtuvo el Oso de Oro del Festival de Berlín de ese mismo
año.
Teatro Renacentista
Hacia los siglos XV y XVI, a fines de la Edad
Media, tuvieron lugar importantes cambios
culturales, artísticos, científicos y económicos.
A este periodo lo conocemos con el nombre de
Renacimiento.
El Renacimiento supone un cambio radical respecto a la
Edad Media. A las notables transformaciones históricas y
sociales se suma una nueva visión del mundo: el
humanismo. El resultado será una extraordinaria eclosión
artística y literaria que, ya activa en Italia en el siglo XV,
se extenderá por toda Europa en el siglo XVI.
Cambios sociales: Un nuevo grupo social que adquirió
gran importancia fue el de los burgueses, compuesto de mercaderes,
banqueros e industriales. Estos hombres ricos no solo se preocuparon de vivir mejor sino que construyeron
grandes palacios y apoyaron con dinero a los artistas.
Cambios económicos La ciudades se hicieron cada vez mas
ricas, debido al desarrollo del comercio y de las industrias. En las
ciudades europeas muchas personas se enriquecieron y pudieron construir
grandes monumentos, que aun podemos observar y admirar en
nuestros días
Cambios Políticos Los reyes adquirieron cada vez un mayor poder y sometieron a los señores feudales, quienes en los
siglos anteriores dirigían la vida desde sus castillos. Estos reyes pudieron así
aumentar su poder y unificar sus territorios, ya que contaron con el apoyo de la burguesía, la cual se
interesaba en los mismo objetivos, para poder desplazar a la nobleza.
Cambios culturales y artísticos La cultura tuvo un fuerte desarrollo en
este periodo. Hasta nuestros días, miramos estos siglos como un tiempo
de grandes sabios y artistas. Los artistas se inspiraron en los modelos antiguos
de los griegos y los romanos y sintieron por ellos gran admiración. Justamente,
por este motivo, la cultura de esta época recibe el nombre de
Renacimiento
Del teocentrismo medieval al
antropocentrismo renacentista
En la Edad Media se pensaba que Dios era el
centro del universo (teocentrismo), y que la
existencia terrena era un mero trámite para llegar
a la vida eterna. En el Renacimiento el hombre
queda colocado en el centro del mundo
(antropocentrismo) y la vida se considera digna
de ser vivida a fondo. La principal consecuencia
de ello fue una revalorización del mundo y del
ser humano.
Para los renacentistas, la Edad Media sólo fue un lapso oscuro
entre la Antigüedad clásica y el mundo moderno. Se
consideraba que, tras el periodo medieval, la humanidad había
renacido. Es el Rinascimento de los italianos, precursores de
este movimiento. Se estudió e imitó por ello a los clásicos, en
todos los aspectos culturales.
El término Humanismo alude al
hecho de que el estudio de los
antiguos actúa como liberador del
hombre, no sólo espiritualmente,
sino también en el terreno político
e íntegramente humano.
Inmediatamente se transformó en
un amplio movimiento que
aspiraba al renacimiento del arte y
de la manera de pensar y de vivir
de los admirados antiguos.
Los humanistas italianos del XV, siguiendo el ejemplo
de los grandes autores del siglo XIV, Dante, Petrarca y
Boccaccio, se esforzaron por descubrir manuscritos
latinos antiguos e imitar su forma y contenidos.
La llegada de las teorías renacentistas al arte
teatral, cabe situarla a finales del siglo XV.
Los textos de Aristóteles se conocían
relativamente poco, sólo a través de
manuscritos, y fue en 1508 cuando
aparecieron impresos por primera vez, gracias
a Aldo Manuzio (1449-1515).
Los nuevos eruditos humanistas, que buscaban el ideal
clásico grecolatino en esas teorizaciones, tuvieron que
luchar contra la firmeza con que se mantenían las libres
experiencias que había supuesto el teatro medieval.
Gracias al espíritu investigador que caracterizó los últimos
años del Medioevo, al terminar el siglo XV empezaron a
desarrollarse los géneros dramáticos.
El Renacimiento fue la época en que el hombre “se
encuentra a sí mismo”; en que, dejando de interpretar la
vida humana como una preparación para la otra vida,
renuncia al Cielo para volverse hacia la Tierra y encontrar en
ella su paraíso.
Es una época de renacimiento del arte y de la alegría; y, al
mismo tiempo, de la carne, como reacción a su prolongada
mortificación durante la Edad Media.
Los monjes de la Edad Media habían conservado muchas
obras de la cultura clásica, de esta manera, se pudo
conocer la comedia antigua mediante manuscritos de
Plauto y Terencio, e incluso la tragedia a través de
Séneca. A partir de ese momento, el teatro pasó a ser no
sólo materia de estudio, sino de escenificación. Volvía a
cobrar el vigor y actualidad de antaño.
Si bien es en Italia donde surge el teatro renacentista, será en
España e Inglaterra donde se desarrollará con más fuerza y
creatividad.
Sin embargo, fue aquella la que influyó en los demás, y de la
cual aprendieron:
1º - La tradición clásica y el espíritu renacentista.
2º - El arte del actor.
3º - La escenografía moderna.
4º - La arquitectura del teatro moderno.
En la Italia renacentista, desde
fines del siglo XV, los dramas y
comedias italianos fueron
realizados por los mayores
poetas y escritores de la época
(Aretino, Ariosto, Maquiavelo,
Tasso). Estas obras se
representaban en teatros de
distintas cortes italianas, o ante
cardenales o grandes señores,
por compañías de actores
“profesionales” (cómicos) que
comienzan a gozar de un gran
prestigio.
Sin embargo, el Concilio de Trento, con actas editadas en 1564,
supuso un cierto freno a las ideas de renovación que habían
alcanzado las teorías escénicas. Sus dictámenes afectaron a:
1) la libertad de la poesía dramática, sobre todo la profana;
2) los límites de la ficción, es decir, el problema de la falsedad
literaria;
3) el desequilibrio entre verdad poética y verdad natural:
4) la cuestión de la verosimilitud.
Estas limitaciones tuvieron inmediata
contestación en posturas como la de
Giordano Bruno (1548-1600), cuyas
ideas fueron siempre contrarias a los
criterios tradicionales. Su teoría de la
creación poética defiende la idea del
genio creador.
La poesía, según Giordano Bruno, no era mantenida por las reglas,
sino que éstas se derivan de la misma poesía. El artista es, pues, el
único autor de sus propias normas, existiendo tantas como artistas,
ya que la libertad del verdadero poeta obedece a una necesidad
interna.
Este tipo de hombre de teatro renacentista proponía un
concepto de puesta en escena que, además de requerir gran
destreza con los elementos visuales del espectáculo, exigía
un dominio y conocimiento total del texto literario, pues su
escenificación debía determinar los ejes de la acción
principal, los movimientos y, en definitiva, el orden de la
ejecución de la obra.
El teatro en la Edad Media se caracterizaba por no
tener un espacio escénico fijo. Si en su vertiente
profana apenas existía el concepto de escena, en la
religiosa el teatro centraba sus actividades a partir de
la iglesia.
No obstante, las realizaciones populares de finales del
siglo XV empezaron a tener una cierta renovación al
basarse en las inquietudes de una nueva y pujante
clase social, la burguesía, que iría desplazando en
importancia económica a la nobleza, debilitada por fin
de la estructura feudal.
En Toscana, desde el
siglo XV, había fiestas
religiosas en torno a
cofradías y hermandades,
que consistían en
pequeñas escenificaciones
de fragmentos de las
Sagradas Escrituras, o de
vidas de santos hechas
por jóvenes actores que
recitaban o gesticulaban
tras largas prácticas.
SAN FRANCISCO DE ASIS
Estas, llamadas Sacras Representaciones, contaban con un
evidente tono popular dentro de su espíritu religioso, eran
breves dramas llenos de poesía que pusieron en circulación
los discípulos de San Francisco por pueblos y aldeas. Su
estructura era más sencilla que los misterios franceses, en
donde junto a canciones y bailes comenzaron a aparecer
trucos escénicos al servicio de las batallas y milagros que se
contaban sobre los tablados.
Esas representaciones contenían suficientes elementos de
farsa para, poco a poco, concentrarse en pequeños núcleos de
acción. Se trazaba así el primer esquema de lo que algún
tiempo después sería la commedia dell'arte.
Mayor incidencia para el teatro tendría el establecimiento de un
lugar arquitectónico determinado para su realización, como
justa correspondencia entre nueva escena y nuevo público.
Este empezaba a exigir locales aptos para la contemplación
escénica, al tiempo que los artistas fueron reparando en que sus
obras podían exhibirse en dichos espacios, con la seguridad de
interesar a esos nuevos espectadores, ansiosos de noticias y
aventuras escénicas.
El Renacimiento italiano, pues, redescubre a los grandes
autores clásicos grecolatinos: Esquilo, Sófocles, Eurípides,
Aristófanes, Menandro, Séneca, Plauto, Terencio... además
del manuscrito de Vitruvio titulado De architectura, en el
que su autor describe con detalle la arquitectura teatral.
El arte teatral se vuelve a desarrollar, y en las
representaciones se incorporan decoraciones pintadas,
además de una pared al fondo del escenario con puertas y
ventanas, que servían como tales o como árboles o montañas,
según las necesidades de la obra en cuestión.
LOS NUEVOS TEATROS
Fue construido por Giovanni Battista Aleotti entre el 1616 y el 1618. Se encuentra en la
parte sur del Palacio della Pilotta, en Parma.
Fue el primer teatro europeo con
un proscenio permanente y el
primer teatro diseñado para
escenarios móviles.
La arena podía ser
inundada y utilizada para
representaciones de
escenas de la batalla
naval, imitando las
características técnicas
que tenía el Coliseo
romano.
Formas teatrales renacentistas
• Teatro palaciego: se representaban obras de temas pastoriles y
humanísticos en los palacios.
• Teatro religioso: se representaban escenas pastoriles (como el
Nacimiento o la Pasión de Cristo) en los atrios de las iglesias y
en las procesiones de festividades religiosas.
• Teatro popular o profano: Tomaba como modelos la comedia
latina y el teatro italiano, así como los temas pastoriles; estas
obras se representaban en lugares al aire libre (corrales) y eran
representadas por actores ambulantes (surgiendo las compañías
teatrales). Las mismas se adaptaban al gusto del público.
Durante el Renacimiento (y particularmente durante el siglo
XVI) se inicia un período de renovación y, en cierto sentido,
maduración, que favorecerá el florecimiento de un enorme
desarrollo teatral al final del mismo, durante el siglo XVII.
Como el resto de los géneros, el teatro experimenta una
progresiva separación de los cánones medievales.
En efecto, se inicia una distinción entre un teatro de tipo
religioso (vinculado a la liturgia) que continúa a su manera
como heredero del teatro medieval; y un nuevo teatro profano
que recibe toda la tendencia clasicista y renovadora propia de la
época.
Teatro Renacentista
Se divide básicamente en tres vertientes:
La populista, en la
que entrarían el
teatro litúrgico-
religioso y el teatro
profano-popular,
que buscaba,
básicamente, dejar
contento al
auditorio,
La cortesana o
palaciega, siempre
vinculada a la
nobleza y la corte en
sus fiestas privadas
La erudita, que trata de
emular el teatro
grecorromano clásico
según lo entendían los
autores humanistas.
Este último tipo de
teatro se desarrolló casi
únicamente en los
ámbitos universitarios.
Los principales géneros siguen siendo:
Tragedia, Drama y Comedia.
• Auto sacramental: obras de tema religioso que cuentan con un solo
acto en verso. Los personajes son alegóricos (la Muerte, el Pobre, el
Rico, la Hermosura, el Mundo...). Este género vive su apogeo durante
el siglo XVII, gracias, sobre todo, a Pedro Calderón de la Barca
(1600 – 1681). Se solían representar durante el día del Corpus.
• Sainete: pieza corta (uno o dos actos) de carácter cómico y
costumbrista, que puede estar escrita en verso o prosa. La palabra
sainete fue adoptada por los autores teatrales para designar piezas
breves y jocosas que se representaban al final de una función seria de
teatro
• Paso: obra breve con finalidad cómica concebida para ser
representada en los entreactos de las obras mayores. Uno de sus
principales autores fue Lope de Rueda (1510 - 1565).
Subgéneros dramáticos
* Entremés: breve pieza teatral que se representaba en los entreactos
de las obras mayores. Tiene un carácter cómico y representa un
ambiente popular. La acción y los personajes del entremés suelen ser
más complejos que en el paso.
Uno de los mejores autores de entremeses es Miguel de Cervantes
(1547-1616).
* Farsa: obra cómica, breve, y sin otra finalidad que la de hacer reír.
Suele tener un marcado carácter satírico y se caracteriza por la
exageración de las situaciones.
