TEMA 6: El arte del Renacimiento italiano y su influencia El desarrollo de este tema lo voy a dividir en cuatro apartados, el primero

tratará sobre las características del arte del Renacimiento, el segundo sobre el Renacimiento en Italia, el tercero en España y el último en otros países europeos. Definición. Con el término Renacimiento se designa a un amplio movimiento cultural y artístico que surge en Europa a finales del siglo XV y se desarrolla en los primeros años del XVI, que supone una valoración de la antigüedad clásica, al tiempo que sirve de marco al inicio de la Edad Moderna.

1. CARACTERISTICAS DEL ARTE DEL RENACIMIENTO

La visión antropocéntrica del mundo frente al teocentrismo medieval. La exaltación de la naturaleza que se convierte en el eje de observación

del mundo junto con el hombre. Esto se manifiesta de las siguientes formas: construcción de villas en el campo y la creación de jardines, los grandes descubrimientos geográficos...

La valoración de la Antigüedad, si bien es cierto que durante la Edad Media se había continuado bebiendo en las fuentes de la tradición clásica, sobre todo en la latina, el mundo clásico proporciona los modelos a seguir, pero no se trata de imitar sino de superar, esto lleva a la búsqueda de un naturalismo idealizado, la aparición de la temática mitológica y un amor a la belleza como producto de la filosofía neoplatónica.

Sometimiento del arte a las leyes matemáticas. Dado que los renacentistas eran consumados matemáticos, en sus obras buscaban la perfección matemática, obras caracterizados por el predominio de formas geométricas. Proporción, belleza y armonía, son tres términos íntimamente ligados, la belleza se consigue con la correcta proporción matemática de las figuras, lo que conduce al equilibrio y la armonía. El sistema de perspectiva fue inventado en Florencia en el XV por Brunelleschi, se consigue la ventana abierta (fenestra aperta, que diría Alberti), era una perspectiva muy teórica (lineal) donde las figuras del fondo aparecían con perfecta nitidez; Leonardo da Vinci aportó la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, sfumatto.

1. EL RENACIMIENTO ITALIANO

Son muchas las causas que explican la aparición del Renacimiento en Italia: el desarrollo de las ciudades-estado que competían en manifestaciones artísticas y que permite el ascenso social de la burguesía y el despegue del capitalismo,

mecenas de los artistas; la caída de Bizancio (1453) llevó a Italia y en particular a Florencia muchos sabios portadores del bagaje cultural clásico. EL QUATTROCENTO FLORENTINO

Fase en la que los artistas luchan por el dominio de la técnica (todavía incipiente) y la creación de la forma artística. Florencia se convertirá en el "laboratorio" donde los artistas van a realizar investigaciones en arquitectura, pintura y escultura. ARQUITECTURA

Modelo. Nace de la admiración de las ruinas romanas y de la obra del tratadista romano Vitrubio, "Tratado de Arquitectura". Brunelleschi construyó sus edificios con elementos arquitectónicos clásicos: arcos de medio punto, bóvedas de cañón, columnas y pilastras, frontones... construye la primera gran obra del Renacimiento, la cúpula de la catedral de Florencia, inspirada en la del Panteón de Roma, destacan la Iglesia de San Lorenzo y la Capilla Pazzi. Fijó el modelo de palacio renacentista con almohadillado alla rustica, como hacían los antiguos romanos en el Palazzo Rucellai. Alberti encarna al artista científico y erudito, escribió tratados de arquitectura (De re Aedificatoria), escultura y pintura. Sus iglesias son la práxis de su obra teórica, las llama templos con un deseo de unificar lo clásico y cristiano, sirven de ejemplo el Templo Malatestiano de Rímini, panteón para la familia Malatesta, del que destaca la portada a modo de arco del triunfo y la Iglesia de Sant’ Andrea en Mantua. Hizo descripciones de ciudades por lo que fue solicitado de asesor en Pienza, modelo ideal de ciudad renacentista abierta con sus plazas mayores. Renovó la tipología palacial mediante la villa construida siguiendo las descripciones de Plinio, puesto que eran construcciones de pequeña altura quedaban perfectamente integradas en el paisaje, es el caso de la Villa Belvedere construida para Inocencio VII en una colina sobre el Vaticano. ESCULTURA

Modelo. Tiene como modelo la escultura clásica. Ghiberti introduce la escultura naturalista en Florencia al labrar las puertas del Baptisterio de Florencia, "las puertas del Paraíso" al decir de Miguel Ángel, Sacrificio de Isaac, Bodas de Salomón y la Reina de Saba, la Historia de José... en ellas empleó la técnica del schiachiatto consistente en la multiplicación de los planos de profundidad (las figuras de primer plano tienen más bulto que las del fondo) esto permite representar la perspectiva, a lo cual contribuye el paisaje de fondo.

Donatello el más grande escultor cuatrocentista, utiliza de el sistema de proporciones de la antigüedad y el schiacciatto. Su David (primer desnudo del Renacimiento) o el San Jorge manifiestan el naturalismo idealizado. Su escultura ecuestre es el Gattamelata modelo a imitar después, a su vez inspirada en la ecuestre de Marco Aurelio, que ensalza las virtudes del condotiero. PINTURA

Modelo. El problema de la pintura es la ausencia de modelos. La generación experimental, es un conjunto de artistas que establecen los principios de la pintura moderna, entre ellos, MASACCIO fue el primero que introducirá la perspectiva, El tributo de la moneda. PIERO DELLA FRANCESCA centrará su preocupación en los juegos de luces y sombras y la proporción, El Bautismo de Cristo. PAOLO UCELLO, se siente preocupado por la perspectiva y el movimiento, La batalla de San Romano. MANTEGNA es el más completo de los pintores cuatrocentistas al sintetizar estos hallazgos con la pintura del norte, con lo que sentará las bases de la escuela veneciana, su concepción de la perspectiva se trata del "punto de vista bajo" que posibilita proyectar figuras en un cielo imaginario, lo aplica en la cúpula de la Cámara de los Esposos en el palacio Ducal de Mantua, autor también de extraordinarios escorzos como Cristo muerto. Los continuadores de la tradición del Gótico como FRA ANGÉLICO autor de dulces vírgenes, si bien no dudan en utilizar algunos recursos de la pintura moderna como la perspectiva, Descendimiento de Cristo. La generación de pintores de fin de siglo se ocupa de la belleza, SANDRO BOTTICELLI dota a sus personajes de suaves rostros, creando un prototipo de belleza femenina donde plasma el amor platónico predicado por Marsilio Ficino, la belleza física es un reflejo de la belleza espiritual, paso hacia la unión con la idea de Bien (Dios), El nacimiento de Venus. Otros son GHIRLANDAIO, SIGNORELLI, FILIPPO LIPPI, PERUGINO. EL CINQUECENTO. EL CLASICISMO

Fase donde la forma artística alcanza el equilibrio y perfección, que se convierte en modelo ideal a imitar por las generaciones venideras. Durante el XVI Roma (mecenazgo de Julio II), y en menor medida Venecia, desplazaran a Florencia en la capitalidad artística. ARQUITECTURA

Bramante trabajó en Roma, es un maestro insuperable de lo que podríamos llamar composición arquitectónica, entre su obra destaca el Templete de San Pietro en Montorio templo circular grecorromano pero coronado por una cúpula y

linterna, forma parte de la Renovatio vetustatis. Miguel Ángel representa un cambio hacia el manierismo, creador del orden gigante con enormes pilastras, trabajó en S. Pedro del Vaticano le aportó su gran cúpula inspirada en la de Florencia, otra obra fue la Biblioteca Laurenciana cuya escalera manifiesta dosis barrocas. Vignola fue autor de villas de tipo clásico con aportaciones manieristas mediante los jardines fusionando vegetación y arquitectura, como el Palacio Farnese en Caprarola. Andrea Palladio fue el mejor arquitecto del XVI, trabajó fundamentalmente en Vicenza, su obra Los cuatro libros de arquitectura tuvo una influencia en Europa de tamaño capital, estableciendo tipologías en todo tipo de construcciones, autor de la Iglesia del Redentor en Venecia, Basílica de Vicenza, La Rotonda, Palazzo Chiericati en Vicenza. ESCULTURA

Miguel Ángel Buanorroti (1475-1564) fue un genio polifacético pero ante todo escultor, por eso su arquitectura y pintura presentan un carácter escultórico. Características: monumentalismo y colosalismo de sus figuras dotadas de fuerza expresiva y tensión dramática (terribilitá), y el equilibrio entre masa y movimiento (contrapposto).

Primeras obras. Entre los años 1490 y 1492 hizo sus primeros dibujos,

estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico.

Primera estancia en Roma. (1496-1498) La primera obra que realizó fue

un Bacus de medida natural, con gran parecido a una estatua clásica. Es ésta claramente primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura.

En 1497 recibió el encargo de una Piedad , la originalidad con la que trató

esta pieza Miguel Ángel se nota en la ruptura con el dramatismo con el que hasta entonces se trataba esta iconografía, que siempre mostraba el gran dolor de la madre con el hijo muerto en sus brazos. Miguel Ángel, sin embargo, realizó una Virgen, serena, concentrada y extremadamente joven, y un Cristo que parece que esté dormido y sin muestras en su cuerpo de haber padecido ningún martirio: el artista desplazó toda clase de visión dolorosa con tal de conseguir que el espectador reflexionase delante del gran momento de la muerte.

Retorno a la Toscaza. Piero Soderini, un admirador de Miguel Ángel le hace uno de los encargos más importantes de su vida: el David. Miguel Ángel realizó un modelo en cera y se puso a esculpir en el mismo lugar donde estaba ubicado el bloque sin dejar que nadie viera su trabajo durante más de dos años y medio, que fue el tiempo que tardó en acabarlo. Hizo la representación de la escultura en la fase anterior a la lucha con Goliat, con una mirada cargada de incertidumbre y con la personificación simbólica de David defendiendo la ciudad de Florencia contra sus enemigos. Los florentinos vieron el David como símbolo victorioso de la democracia. Esta obra muestra todos los conocimientos y estudios del cuerpo humano conseguidos por Miguel Ángel hasta esa fecha.

La tragedia de la sepultura. El año 1505 fue llamado a Roma por el papa

Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra. El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. La gran escultura del sepulcro es la figura del Moisés, la única de las ideadas en el primer proyecto que llegó al final de la obra. La estatua colosal, con la terribilitá de su mirada, demuestra un dinamismo extremo. Está colocada en el centro de la parte inferior, de manera que se convierte en el centro de atención del proyecto definitivo. El resto del monumento fue realizado por sus ayudantes.

Las tumbas de los Médici. El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le

encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el Magnífico, y su hermano Juliano. Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la Aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador».

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar

de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona

mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales, contestó: «¿Y quién se dará cuenta de aquí a diez siglos?».[62]

Otras obras. Del resto de su catálogo podemos destacar la Piedad

Rondanini, que sería la última escultura en la cual trabajaría hasta la vigilia de su muerte. La religiosidad que muestran estas últimas esculturas es el resultado de una crisis interna del autor. Las imágenes de la Piedad Rondanini son alargadas y tanto el Cristo como la Virgen se encuentran completamente unidos como si se tratase de un solo cuerpo, se aprecia una frontalidad dramática de origen medieval. La dejó, inacabada.

PINTURA

Leonardo da Vinci es el genio polifacético que domina todos los campos del saber, usó el método científico en la observación de la naturaleza y lo plasmará en su tratado De Pintura. Características: Aportó la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, sfumatto, en un intento por captar la “atmósfera”; la luz la concibe como una fusión del negro y el blanco, el claroscuro; lo que se traduce en la pérdida de importancia del dibujo en beneficio del color. Obras: La Gioconda y La Virgen de las Rocas de fondos paisajísticos evocadores y misteriosos. Miguel Ángel como predecesor de los manieristas, en la Capilla Sixtina combina Miguel Ángel su faceta de escultor, pintor y arquitecto, encuadra las escenas de Sibilas, Profetas, Ignudi (jóvenes desnudos) y el Génesis con falsas arquitecturas, culmina con El Juicio Final.

Rafael Sanzio sintetizó lo mejor de los dos anteriores y aportó su sello

personal, su pintura es amable y colorista, composiciones bien estudiadas. Autor de retratos de profunda psicología El cardenal, de sus madonnas La bella Jardinera y de las estancias vaticanas La Escuela de Atenas. La escuela veneciana. Características: predominio del color; además de la gran importancia que adquiere el paisaje dotándolo de una racionalidad casi matemática; exalta la riqueza de la República de Venecia con sus telas, joyas y ambientes palaciegos; dota más importancia al tema secundario que al principal. Destacan Giorgione fundador de la escuela, Venus dormida. Tiziano gran dominador del color y cultivador de todos los temas, Martirio de San Lorenzo, La bacanal, Carlos V en Muhlberg. Veronés pintor del lujo en medio de extraordinarios fondos Moisés

salvado de las aguas del Nilo. Tintoretto cuya tensión dramática semejante a la de Miguel Ángel le sitúa en la frontera con el manierismo, El Lavatorio.

El manierismo. Se enmarca en un contexto histórico de crisis mediante la

Reforma protestante e inicio de la era de violencia (Saco di Roma de 1527), lo que cuestiona el mundo ideal renacentista. Fase de inicio de la decadencia y ruptura de la forma equilibrada y perfecta del clasicismo. Estas son sus características: la forma abandona el equilibrio y adopta una tensión dramática y gana fuerza expresiva; se abandona el lenguaje sencillo por temas y composiciones complejas de muy difícil entendimiento, es un estilo intelectual y elitista. El origen de su nombre se debe a la consideración de que el artista se limita a copiar a los genios "alla maniera", de donde se deriva su etimología. Hoy felizmente está superada esta visión simplista, por el contrario, valoramos a las fases manieristas como el fruto de la crisis del lenguaje clásico. Arquitectura: se utilizan los elementos de la arquitectura clásica pero con mayor libertad. Pintura: las figuras humanas tienen un canon alargado y estilizado (amanerado), los cielos se vuelven tormentosos y los colores se tornan vivos, como muestra la Virgen del Colo Longo de Parmigianino; Escultura: triunfa la "forma serpentinata" como se aprecia en las obras de Benvenuto Cellini Perseo o Juan de Bolonia Mercurio, adoptando numerosos puntos de visión.

2. EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

Cronología. El Renacimiento español es una síntesis de lo italiano y del espíritu medieval religioso español, es tardío, no se manifestará hasta el siglo XVI. ARQUITECTURA

El plateresco. Se desarrolla en el primer tercio del XVI. El término se debe a su abundante decoración similar a la labor de los plateros. Características: El protagonismo de las fachadas profusamente decoradas (medallones y figuras heráldicas) como continuidad del estilo Reyes Católicos; los elementos clásicos como los arcos de medio punto conviven con arcos carpaneles y conopiales del Gótico. Obras: la fachada de la Universidad de Salamanca de autor anónimo; la Casa de las Conchas en Salamanca; Palacio de Cogolludo (Guadalajara) de Lorenzo Vázquez introductor de las formas italianas; Escalera Dorada de la catedral en Burgos de Diego de Siloé; el Hospital de Santa Cruz obra iniciada por Enrique Egas y continuada por Alonso de Covarrubias, modelo de hospital de planta cruciforme con patios entre los brazos.

El purismo. Se desarrolla en el segundo tercio del XVI. En 1526 se publica el libro de Diego de Sagredo, Medidas del Romano el primer tratado de arquitectura renacentista fuera de Italia, muy similar a la obra de Alberti De re Aedificatoria, desde entonces marca la pauta a seguir, se imponen todos los elementos y características de la arquitectura renacentista. Obras: Rodrigo Gil de Hontañón realizará la Catedral de Segovia. Andrés de Vandelvira discípulo de Diego de Siloé proyecta la Catedral de Jaén y la Iglesia del Salvador de Úbeda. Siloé se encarga de la Catedral de Granada dando forma a un original pilar formado por columnas adosadas de proporciones clásicas. Pedro Machuca ejecuta el Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada, una construcción con patio circular, única en su género.

El estilo herreriano. Se desarrolla en el último tercio del XVI. Tiene su origen en el monasterio de San Lorenzo de El Escorial construido entre 1563-84 en conmemoración de la victoria española de San Quintín, Juan Bautista de Toledo fue su arquitecto, había trabajado en Italia a las órdenes de Bramante, a su muerte en 1567 continuará Juan de Herrera, creador del estilo. Fue un estilo propagandístico de los Habsburgo y de la Contrarreforma, basado en el colosalismo y monumentalidad, sobrio que aporta el sentido estático y ordenado, de austeridad decorativa, tanto externa como interna, reducida a unas pirámides coronadas por bolas. Edificio concebido como colegio, biblioteca, panteón real, palacio y convento, es una imponente masa horizontal de la que destacan las torres angulares coronadas por tejados de pizarra de inspiración flamenca al gusto de Felipe II. La planta es de un simbolismo de difícil interpretación, en el eje central se sitúa la basílica, y a su alrededor de forma simétrica patios como el patio de los Evangelistas y el de los Reyes, se completa el conjunto con otros jardines y huerta. ESCULTURA

El primer tercio del XVI está caracterizado por la presencia de artistas italianos dentro de la estética del Quattrocento florentino que van desplazando la tradición gótica, es el caso de Fancelli (autor del sepulcro de los Reyes Católicos en Granada y de la tumba del Cárdenal Diego Hurtado de Mendoza) y Torrigiano. Bartolomé Ordóñez muestra este gusto italiano en el sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso en Granada. El segundo tercio del XVI desarrolla la escultura renacentista purista. Alonso de Berruguete, discípulo de Miguel Ángel, tomó de su maestro la fuerza dramática y la tensión dramática, presenta "formas serpentinatas" como manierista que era, autor de la sillería del coro de la catedral de Toledo. Juan de Juni es de formación francesa, su obra busca la perfección, destaca Sepultura de Cristo destinado a la capilla funeraria

de Fray Antonio de Guevara. El tercer tercio del siglo XVI desarrolla una escultura propagandística y académica cuyos mejores representantes son los milaneses León y Pompeyo Leoni. Características: solemnidad, serenidad, equilibrio, lujo de materiales y virtuosismo técnico. Obras: Carlos V dominando al temor (León) recuerda a los emperadores romanos; Los grupos sepulcrales de Carlos V y Felipe II (Pompeyo) adornan los laterales de la basílica de El Escorial. PINTURA

En el primer tercio del XVI se intenta fusionar lo italiano con la tradición flamenca anterior, es el caso de Juan de Flandes y Pedro de Berruguete formado en la tradición hispano-flamenca y discípulo de Piero della Francesca, se caracteriza por su colorido (flamenco) y elegancia (italiana). En el segundo tercio del XVI la influencia italiana es mayor, sobre todo de Rafael, como muestra Juan de Juanes autor de La lapidación se San Esteban. En el último tercio del XVI destacan los pintores decoradores del Escorial como Tibaldi, Zuccaro y Navarrete y los retratistas de corte, como Alfonso Sánchez Coello (Retrato del Príncipe Don Carlos) o Pantoja de la Cruz, que desarrollan un retrato frío, distante, elegante, aristocrático y detallista, en la línea de Tiziano.

Pero la figura indiscutible del siglo será El Greco, el más manierista de los

pintores. Doménico Theotocopoulos trabajó a finales del XVI y principios del XVII, nació en Candia (Creta) y se formó en la influencia bizantina, que se manifiesta en el empleo de la maniera greca, personajes que manifiestan una belleza idealizada con un canon alargado y estilizado (amanerado), en Venecia recibió las influencias de Veronés, Tintoretto y, sobre todo, Tiziano, del que él siempre se consideró discípulo, de ellos adquiere el predominio del color y las composiciones complejas. Una breve estancia en Roma le permite conocer la obra de Miguel Ángel, del que aprendió a tratar los desnudos. En 1580 presenta al rey El Martirio de San Mauricio, que le había sido encargado para El Escorial, no fue de gusto de Felipe II que encarga la decoración del Monasterio a pintores de segunda fila. Fija su residencia en Toledo, donde dará a luz sus obras más importantes: La Trinidad, el Expolio, El Entierro del Conde de Orgaz, Vistas de Toledo, en ellos la espiritualidad alcanza su máxima culminación, los colores se hacen más fríos predominando los azules, grises y verdes. 3. EL RENACIMIENTO EN OTROS PAÍSES EUROPEOS

Cronología. El Renacimiento fue imponiéndose en Europa de una manera lenta, teniendo que vencer la tradición gótica.

Francia. Se mezcla Renacimiento con el gótico tardío, como es el caso de castillos como el Chambord por mandato de Francisco I, gran mecenas que llenó su corte de artistas italianos como Leonardo da Vinci. Alemania. El Gótico no desaparece porque el odio a lo renacentista es el odio a lo católico. La influencia italiana es visible sólo en los motivos decorativos llamados grutescos (decoración ilusionista de escenografía fantástica) que se extienden por toda Europa. Durero es el introductor del Renacimiento en Alemania, paradigma del genio, en cuyos grabados derrocha una imaginación portentosa, Los cuatro jinetes del Apocalipsis, Melancolía, y cuyo autorretrato no es sino la intención de dignificar la posición social del artista identificándolo con el genio. Otros pintores fueron Lucas Cranach el pintor de la Reforma Protestante autor de Venus y Cupido, Hans Holbein excelente retratista Enrique VIII, autor del Cristo Muerto, y el expresionista Mathias Grünewald autor del Altar de Isenheim. Países Bajos. Continúa la tradición pictórica de los primitivos flamencos (Van Eyck, Roger Van der Weydem). Una de las figuras más importantes es El Bosco, el artista manifiesta un rechazo a lo racional, un interés por el mundo de lo onírico (sueño), el subconsciente y lo fantástico, afirma todo lo negado por la moral convencional, patente en El Jardín de las delicias. Parecida actitud se aprecia en Pieter Brueghel el Viejo, que desarrolla el género costumbrista en sus fiestas de aldeanos, pero con un sentido didáctico-moralista, como en Proverbios Flamencos. El paisaje alcanza su máxima expresión con Joaquín Patinir, autor de El paso de la laguna Estigia. RESUMEN

Hemos estudiado el arte del Renacimiento, sin duda de capital importancia en la Historia del Arte junto al arte clásico, porque los demás estilos se estudiaban en función de este, en la medida en que sus formas se acercaran a alejaran del clásico.