Apreciación musical II Prof. Marcela Seisdedos

Unidad 2Edad media

La Edad Media comienza tras la caída del Imperio Romano (476) y termina en el siglo XV (1492 con el Descubrimiento de América para algunos historiadores, para otros, en el 1453 con la Caída del Imperio Romano de Oriente)) tras una grave crisis iniciada en el siglo XIV.No se puede realmente llegar a comprender los géneros musicales de la Edad Media sin tener en cuenta dos aspectos esenciales de la realidad de aquel tiempo: por una parte, el peso que tenía la Iglesia en la construcción de la realidad europea y, por otra parte, la necesidad que tenía esa Iglesia de propagar el mensaje evangélico por todos los canales a su alcance, entre los cuales estaba la música, como servidora fiel a la palabra divina. El cristianismo medieval reconoce 3 fuentes fundamentales: Grecia, Roma y el pueblo hebreo. El punto de partida de los primeros cristianos fue el canto de las sinagogas judías, ya que se crían parte del pueblo judío. San Pablo enseñaba que se debían entonar salmos, himnos (de tipo silábico) y cánticos espirituales (aleluyas o cantos de júbilo, muy ornamentados).Para estudiar la liturgia medieval es necesario considerarla dividida en dos partes:

- Oriente: La liturgia cristiana oriental se estableció primeramente en Siria en donde se desarrollaron las primeras formas poéticas y los principios de la notación musical, pero el verdadero centro de importancia fue el que se estableció en Bizancio, en donde se desarrolla una liturgia rodeada de gran esplendor y riqueza y cuya forma principal recibe el nombre de Kontakiom (composición de alrededor de 20 estrofas o más cantadas todas sobre la misma música); además en Bizancio se da mucha importancia al aspecto teórico de la música que recibe allí un gran impulso.

- Occidente: los ritos más importantes del mundo occidental son cuatro:1. Galicano : se desarrollaron alrededor del S´ V en la zona de Francia. Sus melodías en la mayoría, se

perdieron porque su notación no era diastémica (no indicaba intervalos precisos)2. Mozárabe : se desarrollo en España en el S´ V (período visigótico) y fue fijado en la época de invasión

árabe (período mozárabe). Se perdió en su mayoría por las mismas razones que el Galicano, pero se sabe que era muy melismático (adornado)

3. Ambrosiano : Pertenece a la iglesia de Milán (Italia) y recibe ese nombre en honor de San Ambrosio (obispo de Milán en el S´ IV), que fue su codificador. Esta liturgia se basaba fundamentalmente en himnos (obras estróficas, cada una de las estrofas era un tetrámetro yámbico, es decir, tenía 4 versos acentuados). La música ambrosiana era de carácter más popular que la gregoriana o romana.

4. Iglesia romana : suele ser conocido como Gregoriano ya que fue codificado por el Papa San Gregorio Magno (S´ VI). La teoría gregoriana se basa en ocho modos, cuatro auténticos y cuatro plagales, dependientes de los auténticos. Cada uno de los cuales tenía una nota final (que era en la que concluían los auténticos) y una nota tenor que se repetía continuamente y se encontraba a una 5º justa de la nota que daba nombre al modo. Los modos eran los siguientes:

Nombre Nota final Nota tenor

Protus autentico Re Re La

Protus plagal la Re fa

Deuterus autentico mi Mi Do *

Deuterus plagal si Mi La

Tritus autentico fa Fa Do

Tritus plagal do Fa La

Tetrardus autentico sol Sol Re

Tetrardus plagal re Sol do

* Correspondería que fuera la nota si, pero la consideraban inestable, pues formaba la 4º aumentada con el fa.

En cuanto al ritmo, el gregoriano seguía el acento natural de las palabras, fluyendo con absoluta libertad.Hucbaldo ya en el 840 utiliza líneas horizontales para ubicar letras griegas o latinas indicando el movimiento ascendente o descendente de la melodía y sigue evolucionando la teoría hasta Guido de Arezzo quien en el 990 propagó el uso de las líneas de Hucbaldo, y agregó al principio de cada línea las letras correspondientes al nombre de la nota que debía ser colocada sobre ella, dando origen a nuestras claves (F-fa, G-sol, C-do). Impuso la regla que todas las notas puestas sobre la misma línea debían ser del mismo sonido. Observó que en el popular himno de San Juan cada verso empezaba por un grado progresivo de la escala; para facilitar a los niños la entonación de las notas y recordar el sonido de un canto ideó señalar la primera sílaba de cada verso toda vez que tenían que entonar esa nota. Este proceder nemotécnico dio como resultado la creación de los nombres de las notas:

Ut queant laxisResonare fibrasMira gestorumFamuli tuorumSolve pollutiLabie reatum

El si fue agregado siglos después formando por las iniciales de San JuanLa ejecución pasó a ser de tres tipos: silábico, cuando a cada sílaba del texto se corresponde con una única nota, neumático, cuando cada sílaba tiene entre 2 o 6 sonidos o melismático, cuando cada sílaba es entonada por más de 6 sonidos.

Los elementos esenciales de esta música: el ambitus (extensión entre la nota más alta y la nota más baja de una melodía), el ethos (forma de ser, de expresión particular de cada modo), el papel central del tenor, la organización de alrededor de la final (estructura sonora del modo), etc. Las obras son normalmente anónimas.

La mano guidoniana fue un sistema mnemotécnico utilizado para ayudar a leer a primera vista. Algunas formas de este sistema pueden haber sido empleadas por Guido D'Arezzo, musicólogo medieval autor de varios tratados sobre teoría de la música.

Es en este marco donde encaja el Canto Gregoriano, como fuente de inspiración para la música eclesiástica occidental, sobre todo en ciertas partes de la celebración eucarística, como el Introito, el Ofertorio y la Comunión. Las formas del canto gregoriano eran:

Salmodia: lectura acentuada de los salmos. Podía interpretarse: a) solo salmódico (a una voz) b) canto responsorial o responsorio (solo y coro de fieles) y c) canto antifonal o antífona (alternancia de dos coros). La salmodia es una forma recitativa, que es un canto declamado sobre una misma nota que sólo a veces se reemplazaba por otra con leve inflexión ascendente o descendente A éste tipo también pertenecen las lecciones y las oraciones Himnos: contrario a los salmos, eran de gran desarrollo vocal y su origen está en el canto hebreo de alabanza Aleluya El oficio de las horas: Los monasterios que se fundan bajo el impuesto de San Benito desempeñan el papel de verdaderas escuelas de canto. San Benito fija el oficio dividido en horas repartidas a lo largo de la jornada y de la noche constituye la vida completa de la comunidad religiosa en el claustro. Concibió la regla como un ciclo en horas:-Maitines -Laudes -Prima -Tercia -Sexta -Nona-Vísperas Misa: La ordenación litúrgica de la misa es mucho más tardía que la de las horas. En la misa encontramos 2 secciones bien diferenciadas:

El ordinario (Parte invariable de la misa). 1. Introito 2. Kyrie 3. Gloria 4. Gradual5.Tracto 6. Secuencia7. Crepo 8. Ofertorio 9. Sanctus 10. Agnus Dei 11. Comunión

El propio: (Parte variable de la misa) las partes que variaban de acuerdo al calendario litúrgico eran en las celebraciones de:

NavidadPascuaCuaresmaAdviento

Secuencia: es la aplicación de un texto al prolongado melisma sobre la última sílaba del Aleluya que se llamó jubilus y servían para ayudar a la memoria a recordar el melisma, especialmente se utilizaron en los monasterios franceses de San Marcial de Limoges y de Saint Goll. Tropo: se le aplicaba un nuevo texto a cantos rituales de pocas palabras y muchos melismas, se intercalaba una frase entre la palabra Kyrie y eleison

La monodía profana

La música profana medieval tiene dos antecedentes:1) Las canciones profanas en latín: que eran cantadas por lo general por los clérigos vagantes o escolares

viajeros y que tenían textos en latín vulgar con inclusión de palabras o fragmentos en lenguas vulgares y su carácter era muchas veces vulgar o licencioso. La colección más importante de estas canciones es una antología del S´ XIII que lleva el nombre de Carmina Burana y que contiene alrededor de 200 obras con textos moralistas, satíricos, de amor, de bebedores, etc.

2) Los cantares de gesta: Eran fragmentos de poemas épicos en lengua vulgar, cantados por los juglares y que probablemente contaran de una única estrofa musical que se repetía con diferente texto.

En España los cantares de gesta dieron origen a los romances, villancicos, etc. Las formas canción que utilizaron tuvieron distintas estructuras, podían ser sin refrán, con un refrán diferente para cada estrofa, y la de estructura fija como la ballada o ballata, el rondel (rondeau) y el virelai con alternancia de solista y coro

Francia:

En el S´ XII surge en este país un arte, producto de la sociedad feudal que prestigia a la mujer. Es un arte profano que se basaba en la cortesía amorosa y que está patrocinado por la gente de los palacios. En el norte la langue d´oil, patrimonio de los troveros, de características más refinadas. Entre los representantes de este arte se encontraban las personas de alcurnia: Por ejemplo Blondel de Nesle, Thibaut IV de Navarra y Adan de la Halle Los trovadores (del país de Langue d´oc, al sur de Loira) del Sur, de carácter más duro y cuyos principales representantes son: Bernard de Ventadorn, Jaufré Rudel y Griaut de Borneln. En España: Alfonso X el sabio, Rambault de Vaqueiras, Alfonso I de Aragón, etc.

Juglares: Eran plebeyos, músicos ambulantes, vagabundo profesional, histrión y saltimbanqui, algo así como una versión burlona y grotesca de los dos primeros. Bien recibidos en las fiestas y en los castillos donde llevaban noticias de los ausentes. Cantaban las composiciones de los trovadores

Los Ministriles: eran los profesionales de las fiestas en las cortes. Hubo escuelas para ministriles. Se agruparon en corporaciones o gremios.

Goliardos, que eran estudiantes nómades que recorrían Europa, solos o en grupos, atraídos por la fama de cualquier centro de estudios o célebre maestro (claro que esta costumbre duró hasta mediados del S XIII, cuando la fama creciente de las Universidades de Bologna, París y Oxford -entre otras- los impulsó a convertirse en sedentarios y fijar su residencia cerca de ellas). A través de textos en latín cantados en coro y en diálogo, los Goliardos hacen una poesía juvenil, exaltando temas espirituales, políticos y morales, como así también el vino y el amor, en un intercambio continuo entre elementos sagrados y profanos. La mejor colección de los cantos goliárdicos son los Carmina Burana, que -a pesar de llegar a nosotros en una notación musical imposible de descifrar- se han rescatado unas poquísimas excepciones, melodías que fueron tomadas por compositores modernos, y que han dado la posibilidad de que sean conocidas por nosotros hoy en día

Alemania:

Los Minnesingers: o cantores de amor, eran la versión alemana de los trovadores. Eran nobles de Alemania que formaron una verdadera corporación con estatutos. Idealizaron a la mujer identificándola con el culto a María, primaba la declamación y el verso sobre la música, eran más rapsodas que cantores. En ocasiones, se acompañaban por un juglar que tocaba la viela, el laúd o el arpa. Encontramos a: Walter von der Vogelweide, Oswald von Wolkenstein, Heinrich Tannhäuser y Wolfram von Eschenbach, entre otros.

Italia

Los primeros ejemplos en lengua vernácula que aquí se conservan son himnos de alabanza de neta influencia del canto gregoriano conocidos como “Laudi spirituali” del S´ XIII y XIV. Es también destacable el influjo de San Francisco de Asís, quien instaba al canto, invitando a todos a que lo siguieran como “Juglares de Dios”. En el siglo XIII, Italia adoptó el arte trovadoresco provenzal, que dio lugar a il dolce stil nuovo. Uno de sus precursores fue el rey Federico II, cuya corte se encontraba en Palermo. A la vez en Florencia, Dante citaba en su Purgatorio a Pietro Casella, uno de los más antiguos nombres de músicos profanos italianos.

EspañaLos primeros ejemplos musicales que se encuentran son las “Siete canciones de amor” atribuidas al juglar Martín Coda. Lo que se conserva es una colección de más de 400 canciones en honor a la Virgen María, reunidas bajo el nombre de “Cantigas de Santa María” (mediados del siglo XIII-1284) y recopiladas bajo el reinado de Alfonso X el sabio, constituyen el cancionero religioso medieval de la literatura en galaico-portugués frente al profano que estaría constituido por las cantigas de amigo, de amor y de escarnio.

Salterio arpa románica DarabukaEs en los manuscritos de las Cantigas donde se encuentra una valiosa fuente para el conocimiento de los instrumentos medievales, dado que dichos manuscritos están adornados con miniaturas alegóricas y escenas de la vida musical de la época. También podemos mencionar en España a Rambault de Vaqueiras, Alfonso I de Aragón, etc.

doble mijwiz Cítola Viela o fídula

Cornamusas Organistrum

Rabel

El nacimiento de la polifonía

ARS ANTIQUA - ARS NOVA

Philippe de Vitry escribió un tratado en 1325 sobre la nueva forma de composición llamado “Ars Nova”. A raíz de esta denominación, la polifonía anterior comienza a llamarse Ars Antiqua.La diferencia entre ambos fue el refinamiento métrico del segundo, que alcanzó más precisión rítmica en la escritura, pudiendo trazar de esa manera un entramado polifónico más complejo. Los géneros característicos del ars antiqua, relacionado con la escuela de Notre Dame, son el organum, el rondó, el conductus, el hoquetus y, en especial, el motete primitivo. En 1280 Franco de Colonia introdujo un nuevo tipo de grafía rítmica que subsistió hasta el siglo XVI, la notación mensurable o medible. Un ejemplo español destacado son los Códices de Huelva. 

Los creadores más destacados de la época son Philippe de Vitry y Guillaume de Machaut, reconocido por su misa profana del Hombre Armado.

Ars Antiqua:

Se refiere a la música de Europa de finales de la Edad Media aproximadamente entre 1170 y 1320, que abarca el período de la Escuela de Notre Dame de polifonía y los años posteriores. Comprende los siglos XII y XIII y está marcado por el nacimiento y desarrollo de géneros musicales nuevos:

Organum Consistía en añadir a una melodía gregoriana, llamada cantus firmus (C.F.), una segunda voz a la distancia de un intervalo de cuarta o quinta, llamada voz organalis. Es una forma primitiva de polifonía medieval, que se superponían de manera contrapuntística (punctum contra punctum, de allí la palabra contrapunto). El término significaba una pieza musical litúrgica, en la que cada nota de un canto ya existente, era mantenido en valores largos por una voz, mientras que una, dos o tres voces cantaban sobre ella.

Si se agregaba una voz se llamaba duplum, tres: triplum, etc. Es una de las primeras manifestaciones polifónicas que encontraremos en la música occidental. Los principales centros de composición del organum hay que situarlos en Francia, en la abadía de San Marcial de Limoges y en la catedral de Notre Dame de París, donde alcanzó la plenitud con compositores como Leonino y Perotino, pero pronto sería eclipsado por el motete..

Debido a la complejidad del organum se tuvo que buscar un modo de notación musical más preciso que el empleado hasta entonces, que se basaba en «neumas», unos signos colocados sobre cada sílaba de las palabras del canto y que representaban a las notas aproximadamente, constituyendo las raíces más antiguas de la notación musical moderna. Con el nuevo sistema la altura de las notas se precisó con el uso de cuatro, cinco o más líneas paralelas, en las que cada línea y espacio representaban una altura determinada, como en la notación actual.

El problema, más complejo, de la duración de las notas sólo se resolvió a finales del s. XIII al abandonar un insuficiente sistema basado en modos rítmicos y comenzar a usarse el sistema moderno, en el que a las notas se les asignan valores más largos o cortos.

Discantus: que consistía en dos voces que se mueven por movimiento contrario.

Gymel: Del latín cantus gemellus, es decir canto gemelo. Es característico de la música inglesa del S´XII, donde tuvo gran auge hasta que se impusieron los gustos franceses. Aunque solo de forma momentánea. Volvió a aparecer en los Siglos XIV y XV bajo el nombre de falso bordón. Se armaban con intervalos de 3º o 6º.

Conductus: Trozos que se usaban para acompañar los movimientos o el desplazamiento del sacerdote en el altar. No tiene un texto gregoriano de base, son de creación original. Todas las voces hacen rítmicamente lo mismo, el estilo es silábico y puede ser a dos o cuatro voces, siendo su auge en los siglos XII y XIII. Le dio al compositor la posibilidad de experimentar con terceras y sextas, intervalos disonantes para la época.Género polifónico reconocido por su estructura rítmica uniforme y por la asignación de una nota a cada sílaba del texto, excepto en los caudae (o codas) melismáticas sobre una vocal. Otra cualidad que lo diferencia de los conducti de épocas anteriores es que el cantus firmus del tenor no viene de la liturgia, sino que es una melodía compuesta, configurando el primer ejemplo en la música occidental de una composición original por completo.

Motete Es el símbolo sonoro del mundo gótico. El cantus firmus del motete era una melodía litúrgica, un fragmento de canto gregoriano que a veces se tocaba con un instrumento, sobre ese cantus firmus se colocaban partes vocales independientes entre sí y sin relación con la melodía gregoriana, los textos eran a veces un comentario del cantus firmus, pero también se le agregaron textos no religioso y hasta en diferentes idiomas. Hacia el final de la época gótica el motete representaba la única expresión musical de importancia. (mots, motets = palabras).

Tiene su origen en las cláusulas o pausas que en estilo de discanto se intercalaban en un organum. Luego esas cláusulas cobraron vida, recibiendo textos distintos para cada voz. 

Esta técnica pronto cubrió el continente. 

La pluralidad textual le permitía el agregado de textos profanos en convivencia sonora con los sagrados. El material básico, la línea del tenor, ya no provenía sólo de la liturgia, y podía ser una canción trovadoresca. La conjunción de voces producía un efecto sonoro y semántico asombroso. A fines del siglo XIII surgieron dos variantes, una con una voz superior en ritmo rápido y el tenor muy lento, cuyo mejor ejemplo lo compuso Petrus de Croce, y otro tipo de motete en el que las voces progresan a un ritmo prácticamente igualado.

HoquetusEs una forma musical en la voces realizan presentan alternadamente pausas y eso de tal modo que siempre una calla cuando canta la otra, el cambio se hace con rapidez, generando la sensación de hipo.

El canonQue es una forma polifónica en la que hay una sola melodía pero que se va repitiendo mediante entradas sucesivas de diferentes voces o instrumentos. La diferencia con las demás formas polifónicas es que aquí hay una sola melodía pero cantada o tocada en tiempos diferentes. Es la primera aparición de un arte polifónico profano y lleno de vida.

Ars Nova:

Comprende aproximadamente el lapso que va entre el 1320 y el 1380, finales de la Edad Media. Transcurre en Francia con centro en París. Las innovaciones que se llevaron a cabo fueron en el motete, la canción polifónica o cantilena y el sistema de notación. El organum y el conductus desaparecieron predominando la música profana.Surgen así nuevas formas y complejidades. Algunos modelos rítmicos, con doce o más notas repetidas varias veces en una o más voces de la obra, dan lugar a un nuevo principio llamado isorritmia («el mismo ritmo»). Con él se desarrollan complejas tramas polifónicas: usaban un patrón diferente de ritmo para las distintas voces, haciendo que éstas no siempre coincidan y produciendo un efecto de desigualdades. Sobre una voz organizada isorrítmicamente, el llamado cantus firmus («melodía fija») se superponían y entrelazaban otras melodías, llegando incluso a cantarse varios textos a un tiempo.

La notación: Los teóricos del s. XIV Philippe de Vitry, Jacobo Lieja y Johannes de Muris, perfeccionan un sistema de escritura que consiste en dar a cada nota un valor fijo en relación con las demás, de manera que al superponerse las voces podamos fijar con precisión la duración de cada nota y hacer coincidir las notas con las demás voces. Esto es lo que se llama notación mensural, o sea, con indicación estricta de la duración de las notas según el dibujo de la figura. Este sistema pervive hasta nuestros días con muy escasas modificaciones; sus principales figuras en el S. XIV eran:

* Máxima semibreve * Longa mínima * Breve semimínima * semibreve* mínima

.

El motete es el género principal y se refiere al amor, la política, cuestiones sociales; se convierte en una forma artística pública.En la cantilena hay una voz cantada y de una a tres voces instrumentales acompañantes. Aparecen las formas de estribillo 1) ballata: tiene una introducción y tres estrofas con estribillo, 2) rondeau: canción de tipo monódico, con estribillo coral, con dos partes A y B que se repiten según la sucesión de versos 3) Virelai: Era en un principio, un poema medieval breve al que se le ponía música de carácter bastante popular. Por tanto no era muy diferente al rondeau al que se parecía tanto por la forma como por el tiempo. En su forma más sencilla, se trata de una sola estrofa llamada Bergerette.

Los compositores que se destacaron de esta época son Philippe de Vitry y Guillaume de Machaut. La preocupación principal de los músicos del Ars Nova era la medida y el ritmo de sus composiciones; la atrevida combinación de esos aspectos dio lugar a obras de gran complicación. Francia sigue siendo durante el s. XIV, igual que en la anterior época el foco de mayor interés musical; Desde allí su influencia se irradia a Inglaterra, España y Alemania, en Italia, por el contrario, practica una música menos contrapuntística en la que predomina más el carácter melódico en un género propio: el Madrigal menos alejado de las formas populares y en él destacó el organista Francesco Landino (1325-1397).

Otros compositores italianos que encontramos pueden ser: Jacopo de Bologna, Piero di Firenze, Vincenzo de Rimini, Giovanni de Cascia.Los géneros que utilizaron fueron el Madrigal, la Caccia y la BallataMadrigal: El madrigal italiano empieza siendo un tipo de motete en que se concede especial atención a la melodía de la voz superior. Trata acerca de idilios de pastores y pastorelas, del amor, tiene dos estrofas y un ritornello, las estrofas tienen la misma melodía y el ritornello otra. Es el Siglo XV quien marcará la consolidación de este género de composición musical.La caccia: trata sobre la cacería y está plagada de interjecciones, tiene dos voces superiores vivaces que se mueven canónicamente al unísono que exponen el texto y una voz inferior calmada y libre, y es bipartita.De 1350 a 1390 encontramos a Bartolino de Padua, Laurentis de Florencia y Francisco Landini que desarrollaron la ballata.

Sólo al final del periodo medieval hubo una mayor atención a la música profana, desarrollándose las llamadas «chansons» («canciones»), composiciones a dos o tres voces que seguían las pautas de los avances melódicos logrados.

En la iglesia se admitía solamente el órgano, pero las nuevas composiciones religiosas polifónicas facilitarían la introducción de otros instrumentos para acompañar o sustituir a las voces: violas, flautas, chirimías, etc. Trovadores y juglares tañían laúdes, arpas, salterios, gaitas y, desde luego, variedad de panderos, sonajas, tamboriles, etc. Para las celebraciones públicas y las fiestas al aire libre se va perfilando un conjunto característico llamado de "música alta" por la potencia y brillantez de su sonido, compuesto de trompetas, chirimías y bombardas.

Conviene, finalmente, destacar la influencia de los musulmanes, sobre todo en su aportación en cuanto a instrumentos se refiere.

MINNESINGER

Los trovadores sirvieron como modelo a los Minnesinger alemanes, músicos-poetas de raigambre caballeresca que florecieron entre los siglos XII y XIV y escribieron en alemán medieval. El amor (Minne) que cantaban en sus Minnelieder (canciones amorosas) era más espiritual si cabe que el de los fin’amors, poniendo el énfasis en la fidelidad, el deber y el servicio que reflejaban la lealtad que reflejaban la lealtad que caballeros y nobles debían a su rey y que los cristianos debían a la Iglesia. La mayor parte de las canciones son estróficas y la melodía más común es AAB, llamada Barform (diseño formal AAB) por los musicólogos desde el siglo XIX. Cada sección A, o Stollen, emplea el mismo metro poético, el mismo esquema de rima y la misma melodía. La sección B, o Abgesang, es generalmente más largo y puede acabar con toda la melodía de las Stollen o con la parte final de éstas. El ritmo no suele estar claro en la notación, lo que suscita los mismos interrogantes que para las canciones de trovadores. Los géneros son semejantes a los de los trovadores. Un género novedoso surge con la canción de cruzada, que da cuenta de las experiencias de aquellos que renunciaron a las comodidades mundanas para tomar parte en las cruzadas. Un ejemplo conocido es el Palästinalied (Cantar de Palestina) de Walter von der Vogelweide (¿ca. 1170- ca. 1230?), con probabilidad el más famoso Minnesinger.