XIII Música Antigua Aranjuez 2006

Música Antigua Aranjuez

2006

1. Breve historia En 1992 finalizan en Aranjuez una serie de intervenciones públicas que cambian la fisonomía de la ciudad que se ve liberada de la carretera a Andalucía, recuperándose para la vida diaria de los vecinos la magnífica plaza de San Antonio en su diseño original. También comienza su andadura el Centro Isabel de Farnesio, que será a partir de ese momento el eje de la cultura ribereña con el conservatorio y su auditorio, la biblioteca y la sala de exposiciones. En los Jardines, la mayor atracción para el visitante, Patrimonio Nacional ha acometido importantes reformas para su mejor conservación. La Unesco concede a Aranjuez en el año 2001, la categoría de PAISAJE CULTURAL DE LA HUMANIDAD. La Unesco reconoce así el esfuerzo institucional para devolver a la ciudad lo mejor de su historia a través de las restauraciones arquitectónicas, paisajísticas y culturales. Al ocupar la música un lugar privilegiado en la historia de la ciudad, desde el reinado de Felipe II a nuestros días, se comienza a pensar en un evento musical de carácter internacional. El festival de Música Antigua se crea en 1994 para recuperar la ingente creación musical de siglos pasados, para dar a conocer las actividades musicales que tuvieron lugar en la ciudad así como mostrar el altísimo nivel artístico de los artistas que desfilaron en los diferentes momentos históricos y la influencia que su trabajo ejerció en el resto de España y en Europa. 1994: Primer Festival. Institución organizadora: Comunidad de Madrid Colaboradores: Ministerio de Cultura. INAEM. Ayuntamiento de Aranjuez Radio Nacional de España. R2-Clásica. 1998 -2000. Entra a formar parte del Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid. 2001. Recupera su propia identidad, se trasladan los conciertos al mes de mayo-junio. Se incorpora a las instituciones organizadoras Patrimonio Nacional. Comienza el programa Paseos Musicales por los Jardines de Aranjuez y los conciertos en el Palacio Real.

2. Música Antigua. La Música Antigua es un movimiento que añade a la interpretación y al repertorio musical un concepto histórico, es decir, se investiga la música de cada época para buscar el sonido original de los instrumentos de ese periodo, y a su vez explorar su función en la vida cotidiana de la comunidad, descubriéndonos costumbres, hábitos, fiestas, juegos, creencias y tradiciones olvidadas. Música Antigua Aranjuez se enfocó desde un principio como una plataforma de difusión de la música española, desconocida en nuestro país e inexistente en el entorno europeo, dónde hablar hoy de la música del pasado es hablar de la de Alemania, Inglaterra, Italia o Francia. El festival comenzó a colaborar con músicos y musicólogos para dar salida al trabajo de investigación sobre partituras y músicos olvidados, con una clara vocación de contribuir a enriquecer nuestro patrimonio musical y cultural. 3. Aranjuez, Ciudad de la Música.

Aranjuez comenzó en ese momento a definir en el ámbito cultural de la Comunidad de Madrid su espacio como ciudad de la música, de la misma manera que Alcalá de Henares, por razones obvias, se había configurado como ciudad de las letras. El festival se sumaría a ese perfil musical de la ciudad, incorporándose a la actividad del Centro Isabel de Farnesio y evidenciando la necesidad de la rápida recuperación del teatro de Carlos III, para completar el mapa cultural de la ciudad. 4. Incorporación de Patrimonio Nacional. Con la incorporación en el año 2001 de Patrimonio Nacional a la organización de Música Antigua Aranjuez el festival da un salto importante en sus objetivos artísticos y sociales. El primero, con la creación del programa Los Paseos Musicales por los Jardines, que ofrece al público la posibilidad de hacer un recorrido relajado por los jardines, acercándose, por las explicaciones de los guías, a la botánica y a la historia de los mismos, los reyes que los construyeron, los arquitectos que los diseñaron, los jardineros que los realizaron, los escultores que los adornaron, las personalidades que los visitaron así como las fiestas y actividades que se organizaron en ellos. La música que se interpreta en los lugares mas significativos de estos jardines esta siempre vinculada a esta historia y los músicos explican todos los pormenores de la misma, como algún aspecto curioso de sus compositores, la función para la que fue compuesta, cómo ha sido el trabajo de recuperación, dónde se han encontrado las partituras, cómo llegaron hasta allí, las particularidades de los instrumentos…etc. La visita guiada a los jardines y la música que se escucha en ellos es un programa que atrae a un público más amplio que el interesado en asistir a un concierto en una sala. Además, la visita a los jardines descubre muchos aspectos desconocidos del propio jardín y aviva la curiosidad por la botánica, la historia y la música. El segundo aspecto importante de la incorporación de Patrimonio Nacional, es que el festival pudo ampliar la oferta de recintos y adecuar de una manera más precisa el repertorio musical a la sala de audición. La Capilla de Palacio con una extraordinaria acústica para las voces y la Sala del Teatro, excepcional para los instrumentos, resultan muy atractivas para el público que asiste a un concierto por lo que va a escuchar y descubre un entorno absolutamente extraordinario, rebosante de arte. La proximidad entre músicos y público que ofrecen ambos espacios hace que la comunicación entre el intérprete y su audiencia sea única. 5. Grabaciones realizadas.- En la edición del año 2004, pudimos realizar las grabaciones de los primeros tres proyectos discográficos sobre programas presentados en el marco del festival y que se editaron en 2005, con el sello creado especialmente para estos proyectos Música Antigua Aranjuez Ediciones, que tiene distribución con Harmonia Mundi. La primera grabación, a cargo de Los Músicos del Buen Retiro, recupera la ópera “Las Amazonas de España”, en versión de cámara, sobre libreto de José Cañizares y música de Giacomo Facco, en su primera representación pública desde el siglo XVIII. Se trata de la recuperación de una obra que vió de nuevo la luz en Aranjuez y que obtuvo un reconocimiento extraordinario de crítica y público. Del grupo Axivil grabamos “La música en el tiempo del Motín de Aranjuez”, colección de músicas de compositores del momento que derrocharon una gran fantasía uniendo, ritmos populares, un clasicismo camerístico impecable y la tradición de la tonadilla escénica. El tercer disco, también interpretado por el grupo Axivil, “Sarao Barroco” trata sobre música española del siglo XVII, que reproduce el sonido que podían tener esas músicas, con una combinación instrumental que sólo en España podría darse: violín, violonchelo, tiple, mandola, bandurria, guitarras, castañuelas y pandereta.

6.- Sobre el Festival 2006. A) CONCIERTOS. Para el XIII Festival de Musica Antigua de Aranjuez a celebrar en mayo-junio 2006, hay diversos temas que conforman el hilo conductor de la programación: 1) El 250 aniversario del nacimiento de Mozart, con tres conciertos de ambientes muy diferenciados, uno a cargo de los prestigiosos The English Concert con la música del joven Mozart, en la Capilla Real, otro con la música para viento que la podremos disfrutar en los Jardines dentro del programa de los Paseos Musicales interpretado por Els

Sonadros de Martín y Soler y un tercer programa con el dúo Emilio Moreno, violín y Silvia Márquez, clave, en el Salón del Teatro de Placio Real con toda la intimidad de esta música y este espacio. 2) La herencia musical de Colón, de quién celebramos el quinto centenario de su muerte, que nos va a permitir comenzar a presentar a partir de este año el rico patrimonio musical americano nacido de la evolución de las músicas europeas en el continente americano. Este año tendremos la oportunidad de escuchar el repertorio de las misiones de Chiquitos y Moxos de Bolivia a cargo del grupo inglés Florilegium, que ya estuvo en la edición de 2003, cosechando un enorme éxito junto al contratenor Derk Lee Ragin, que presentará este repertorio contando con la participación de solistas bolivianos, grabación que el sello Channel Classic editó recientemente y de la que destacamos como particularidad la interpretación en lenguas indígenas como la chiquitana, la moxa o la canichana. 3) La figura de Farinelli, que nunca olvidamos, cuenta para su recuerdo con dos conciertos muy significativos, uno el de los sofisticados L’Opera Stravagante de Venecia que nos presentará las arias mas conocidas que interpretaba Farinelli y el del joven grupo español La Tempestad, cuyas interpretaciones de Boccherini del año pasado sorprendieron enormemente, y que nos presentan este año un programa que refleja las rivalidades entre sopranos y “castrati” en ese tiempo. En los días posteriores a los conciertos grabaremos este programa para el sello del Festival: MAA Ediciones. 4) Continuando con el objetivo de recuperar música española, mención especial merece la recuperación de la zarzuela barroca También de Amor los Rigores Sacan Fruto entre las Flores o Los Jardineros de Aranjuez de Pablo Esteve para la Casa de Osuna, estrenada en el madrileño Coliseo del Príncipe en la Navidad de 1768 por la compañía de María Hidalgo. La Universidad de Granada ha editado recientemente la partitura según el criterio del musicólogo Juan Pablo Fernandez-Cortés, quién ha realizado la adaptación para estos conciertos. Grover Wilkins al frente de la Orquesta Barroca de Madrid presentará esta espléndida versión en los Jardines. B). NUEVAS GRABACIONES Y EDICIONES DISCOGRÁFICAS. Para esta edición del 2006 y tras celebrarse en el pasado 2005 el doscientos aniversario de la muerte de Luigi Boccherini, editaremos a lo largo del festival, la OPUS 9, nunca grabada, interpretada por ARTARIA Quartet de EEUU en colaboración con la Asociación Luigi Boccherini. En 2006 se grabarán : 1. Poder y lucha en los teatros londinenses de la época de Farinelli, a cargo de La Tempestad, dedicado al repertorio que enfrentaba a sopranos y castrati en los teatros londinenses del S. XVIII cuando la música empezaba a salir de los salones reales para llegar al público popular. 2. El Miserere de José de Nebra a cargo de Los Mvsicos de sv Alteza con las voces de Raquel Andueza, tiple y José Pizarro, tenor, bajo la dirección de Luis Antonio González. 8. Resumen de la Programación 2006 En resumen, el festival presenta las siguientes actividades: 12 conciertos con 12 grupos, de los cuales 8 son españoles, 2 ingleses,1 canadiense, 1 italiano. 1 Concierto extraordinario con la Misa en Si menor de J.S. Bach (Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid) 3 conciertos dedicados a Mozart en el 250 aniversario de su muerte 3 Paseos Musicales por los Jardines del Príncipe y de la Isla. 2 conciertos monográficos dedicados a compositores españoles (Esteve y Nebra) 2 programas dedicados a Farinelli (Academia di San Rocco y La Tempestad) 1 concierto sobre el barroco en América (Florilegium y los solistas bolivianos). 1 programa monográficos dedicado a la música de Rameau (Los Músicos del Buen Retiro) 2 nuevas grabaciones discográficas (La Tempestad y Los Músicos de su Alteza)

Toda la información:

www.musicaantiguaaranjuez.net Información y venta de localidades:

Telentrada: 902 10 12 12, www. telentrada.com

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����������������� ����Mayo-Junio 2006, XIIIª Edición Programa

MAYO

M 2 10€ 20h30: Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid J. S. Bach: Misa en Si menor BWV 232

María Espada, soprano Raquel Andueza, soprano Carlos Mena, contratenor José Antonio López, barítono Jordi Casas Bayer, director

� � � Iglesia de Alpajés

S 6 20€ L’Opera Stravagante. Accademia di San Rocco di Venezia Angelo Manzotti, director Arias de Farinelli

Vivaldi, Facco, Giacomelli, Hasse… Capilla de Palacio

D 7 18€ Paseo Musical. Jardín de la Isla 17h. Salida Plaza Rusiñol. Puerta del Parterre 18h: Fuente de la Espina (Recorrido de ida) 19h: Fuente de la Espina (Recorrido de vuelta) 20h: Concierto final. Capilla de Palacio Das Brot der Musik Lina Tur-Bonet, Iñigo Aranzasti, violín. Rafael Muñoz, tiorba. Juan Nieto, Guitarra Barroca. Héctor Castillo, violone

El Esplendor del Barroco

S 13 18€ Paseo Musical. Jardín del Príncipe 17h: Salida Plaza Redonda 18h: Estanque de Chinescos 19h: Estanque de El Ermitaño 20h: Concierto final. Casa del Labrador

Los Jardineros de Aranjuez Zarzuela de Pablo Esteve y Grimau. 1768 Edición: Juan Pablo Fernámdez Cortés Orquesta Madrid Barroco. Dtor: Grover Wilkins

D 14 3€ 12h: Concierto Infantil: Ara Malikian Ensemble Camille Saint-Saëns: El Carnaval de los Animales Centro Isabel de Farnesio

S 20 20€ The English Concert��Director: Andrew Manze Alberto Grazzi, fagot

El joven Mozart Capilla de Palacio

D 21 20€ Tafelmusik Baroque Orchestra Directora/concertino: Jeanne Lamon Elizabeth Wallfisch, violín solista Gillian Keith, soprano Rufus Müller, tenor Metamorfosis: del Mito a la Música Rameau, Haendel, Vivaldi, Lully, Marcello, Marais Capilla de Palacio

S 27 20€ Los Mvsicos de sv Alteza

Dtor: Luis Antonio González Miserere de José de Nebra (1702-1768) Raquel Andueza, Tiple. José Pizarro, Tenor Pablo Prieto, Eduardo Fenoll, violín. Pedro Reula, violón. José Fernández, tiorba. Capilla de Palacio

D 28 20€ Los Músicos del Buen Retiro

Sextetos de Rameau Isabel Serrano, Antonio Almela, Dario Luisi, violines

Suzanne Scholtz, viola Antoine Ladrette, Marion Middenway, violonchelos Capilla de Palacio

JUNIO

S 3 18€ Emilio Moreno y Silvia Márquez

Emilio Moreno, violín. Silvia Márquez, clave Mozart y Martín y Soler. Sonatas para violín y clave Salón del Teatro��

D 11 18€ Paseo Musical. Jardín del Príncipe 17h: Salida. Puerta Principal 18h: Salón de Tilos 19h: Fuente de Narciso 20h: Concierto final. Fuente de Apolo Els Sonadors de Martín i Soler Mozart. Vientos en los Jardines y Salones Reales

S 17 20€ Florilegium y Solistas Bolivianos

Ashley Solomon, director Katia Escalera, soprano Henry Villca, tenor Alejandra Wayar, soprano Gian-Carla Tisera, mezzo soprano El Barroco en las Misiones Jesuitas de Bolivia: Música Barroca de los Indios Chiquitos y Moxos de Bolivia Capilla de Palacio

D 18 18€ La Tempestad

Olalla Alemán, soprano Xavier Sabata, contratenor Sopranos y Castrati en el tiempo de Farinelli Salón del Teatro�

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Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid

Iglesia de Alpajés Martes 2 de Mayo

ORQUESTA Y CORO DE LA COMUNIDAD DE MADRID. Jordi Casas Bayer, director “Baluarte de la vanguardia y modelo de atención al repertorio español”. Desde su creación en 1984 (coro) y 1987 (orquesta), la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) se ha distinguido por presentar unas programaciones innovadoras, que han combinado lo más destacado de la creación contemporánea con el repertorio tradicional. Crítica y público han subrayado con unanimidad el interés y atractivo de las temporadas de abono de la ORCAM. Sus conciertos semanales en el Auditorio Nacional de Música se han convertido en referencia y punto de encuentro de un público variado y dinámico, interesado en conocer todas las corrientes musicales y los constantes estrenos absolutos que incluyen sus diferentes ciclos de conciertos. Como ha señalado un importante diario nacional, “la ORCAM es hoy una referencia imprescindible en la vida musical española”. El creciente número de abonados y el respaldo de los más exigentes medios especializados expresan el relieve de la actividad de la ORCAM, que ha prolongado el ámbito de sus actuaciones más allá de la exitosa temporada de abono madrileña. Su presencia es requerida por festivales y eventos musicales de muy diversa índole. Las repetidas actuaciones en salas como el Palau de la Música de Valencia, Palacio de Festivales de Santander, Teatro Arriaga de Bilbao, Gran Teatro de Córdoba, Auditorio Manuel de Falla de Granada, Auditorio de Galicia y Palacio de la Ópera de La Coruña han sido acogidas siempre con el máximo entusiasmo. Por otra parte, su presencia es habitual tanto en la radio y televisión españolas, así como en el escenario del Teatro Real de Madrid, donde ha participado en varios estrenos. La actividad discográfica y lírica tampoco resulta ajena a la diversificada labor de la ORCAM. Además de ser la Orquesta Titular del Teatro Lírico de la Zarzuela (desde enero de 1998), su presencia se ha hecho imprescindible en los fosos y escenarios de los más importantes certámenes españoles. Festivales como el de Otoño de Madrid, Mozart de A Coruña, Granada, Andrés Segovia, Santander, Música Contemporánea de Alicante, Semana de Música Religiosa de Cuenca son algunas de las citas musicales en las que han participado la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. En cuanto a su actividad discográfica, recogida en varios sellos nacionales e internacionales (EMI, DECCA y NAXOS), caben destacar las grabaciones junto a artistas de la talla de Plácido Domingo o María Bayo. El prestigio creciente aunque ya consolidado tanto del coro como de la orquesta ha posibilitado la presencia en su podio de importantes figuras de la dirección de orquesta. El trabajo de los directores titulares, Jordi Casas (coro) y José Ramón Encinar, se complementa con la colaboración regular de maestros invitados tan prestigiosos como Harry Christophers, Eric Ericson, Jean Jackes Kantorow, Isaac Karabtchevsky, Robert King, Jan-Latham Koening, Peter Maag, Lorin Maazel, Paul McCreesh, Shlomo Mintz, Andrew Parrot, Krysztof Penderecki, o Alberto Zedda. En la nómina de directores españoles figuran, entre otros, Edmon Colomer, Rafael Frühbeck de Burgos, García Navarro, Miguel Ángel Gómez Martínez, Cristóbal Halffter, Jesús López Cobos, Ernest Martínez Izquierdo, Víctor Pablo Pérez y Josep Pons. No menos extensa resulta la nómina de solistas, en la que cabe señalar figuras como Aldo Ciccolini, Plácido Domingo, Shlomo Mintz, Pascal Rogé, Hansjörg Schellenberger o Isabelle van Keulen. La ORCAM desarrolla su actividad gracias al generoso patrocinio de la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid. Su fundador y primer director titular fue el maestro Miguel Groba, quien desempeño este puesto hasta junio de 2000. Desde septiembre de 2000, Jordi Casas Bayer es el Director del Coro y José Ramón Encinar es el Director Titular de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. La Orquesta de la Comunidad de Madrid es miembro de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas. (A.E.O.S.)

María Espada, soprano Raquel Andueza, soprano Carlos Mena, contratenor

José Antonio López, barítono

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ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID

VIOLINES PRIMEROS FLAUTAS Víctor Arriola (C) Marco Antonio Pérez (S) Anne Marie North (C) Cinta Varea (S) Chung Jen Liao (AC) Mª José Muñoz Tochko Vasilev (AC) Mª Teresa Raga Peter Shutter Fernando Rius OBOES Pandeli Gjezi Juan Carlos Báguena (S) Alejandro Kreiman Vicente Fernández (S) Andras Demeter Ana Mª Ruiz Ernesto Wildbaum Constantin Gîlicel CLARINETES Reynaldo Maceo Justo Sanz (S) Ema Alexeeva Nerea Meyer (S) Margarita Buesa Pablo Fernández Salvador Salvador VIOLINES SEGUNDOS Paulo Vieira (S) FAGOTES Mariola Shutter (S) Francisco Más (S) Igor Mikhailov José Luis Mateo (S) Paulino Toribio Eduardo Alaminos Irune Urutxurtu Emilia Traycheva TROMPAS Robin Banerjee Joaquín Talens (S) Magali Baró Jesús Sánchez (S) Osmay Torres José Antonio Sánchez Gladys Silot Manuel Antonio Fernández Amaya Barrachina TROMPETAS VIOLAS Cesar Asensi (S) Alexander Trotchinsky (S) Eduardo Díaz (S) Eva María Martín (S) Faustí Candel Iván Martín (AS) Óscar Grande Lourdes Moreno Vessela Tzvetanova TROMBONES Blanca Esteban José Enrique Cotolí (S) José Antonio Martínez Francisco Sevillá (AS) Ana María Alonso Pedro Ortuño VIOLONCHELOS PERCUSIÓN John Stokes (S) Concepción San Gregorio (S) Rafael Domínguez (S) Oscar Benet (AS) Pablo Borrego (AS) Alfredo Anaya (AS) Dagmar Remtova Rafael Gálvez Edith Saldaña Benjamín Calderón AUXILIARES DE ORQUESTA Beate Altenburg Eduardo Triguero Juan Manuel González CONTRABAJOS Luis Navidad (S) COORDINADOR DE INSPECCIÓN Francisco Ballester (S) Marcos Fuente Gerardo Ballester Manuel Valdés ARPA Beatriz Millán (S) (C) Concertino (AC) Ayuda de concertino

(S) Solista (AS) Ayuda de solista

CORO DE LA COMUNIDAD DE MADRID

SOPRANOS TENORES Mª Jesús Prieto (Jefe de Cuerda) Luis Amaya (Jefe de cuerda) Celia Alcedo Pedro Camacho Ada Allende Fernando Cobo Carmen Campos Karim Farhan Consuelo Congost Felipe García-Vao Sandra Cotarelo Agustín Gómez Mercedes Lario César González Azucena López Gerardo López Iliana Machado Felipe Nieto Victoria Marchante Félix Redondo Ángel Sáiz CONTRALTOS Marta Bornaechea (Jefe de cuerda) BAJOS Ana Isabel Aldalur Ángel Figueroa (Jefe de Cuerda) Dolores Bosom Simón Andueza Sonia Gancedo Jorge Argüelles Carmen Haro Gonzalo Burgos Marta Knörr Vicente Canseco Flor Eunice Lago Fernando Rubio Teresa López José Ángel Ruiz Paz Martínez Alberto Solana

Fernando Tejedor PIANISTA Karina Azizova AYUDANTE DE DIRECTOR INSPECTOR Félix Redondo Ángel Sáiz DIRECTOR ARCHIVERO Jordi Casas Bayer Fernando Tejedor PRODUCCIÓN

Alaitz Monasterio Cristina Santamaría Emma Maddalosso COORDINADORA DE PRODUCCIÓN Carmen Lope GERENTE Jorge Culla DIRECTOR TITULAR José Ramón Encinar

JORDI CASAS BAYER Jordi Casas Bayer cursó sus primeros estudios musicales en la Escolanía de Montserrat y, posteriormente, los completó en Barcelona, donde estudió Derecho y Filosofía. Fue fundador de la Coral Carmina y su director durante más de quince años, y también director durante dos cursos del Coro de Radio Televisión Española. Desde septiembre de 1988 hasta 1998 fue el director musical del Orfeó Català, del que sigue siendo su director artístico. Al frente de estos conjuntos ha tenido ocasión de trabajar gran variedad de repertorios y de colaborar con los más prestigiosos directores de orquesta. Ha participado, como director, en los más importantes festivales de Europa (España, Francia, Bélgica, Suiza, Gran Bretaña, Alemania, Hungría, Italia, Eslovenia y Austria) y en Israel, México, Cuba, Guatemala, California (EE.UU), China, Marruecos y Japón. En verano de 1997 fue el director del European Youth Choir, de Europa Cantat. Desde septiembre de 1990 dirige el coro de Cámara del Palau de la Música Catalana y actualmente es el director del Coro de la Comunidad de Madrid, desde septiembre de 2000. En diciembre de 2004 fue nombrado director titular del Coro del Teatro Real.

MARÍA ESPADA Nace en Mérida (Badajoz). Estudia canto con Mariana You Chi Yu y con Alfredo Kraus. Ha asistido a cursos con Charles Brett, Thomas Quasthoff, Hilde Zadek, Helena Lazarska, Montserrat Caballé, Manuel Cid, etc. Obtiene el Premio Extraordinario Fin de Carrera y Premio “Lucrecia Arana”, ambos otorgados por el Conservatorio Superior de Madrid. Ha sido premiada en el Concurso internacional de canto “Alfredo Kraus” Desde 1996, año en que comenzó su carrera como solista, se presenta en salas como el Teatro Real de Madrid, Concertgebow de Amsterdam, Vredenburg de Utrecht, Santa Cecilia de Roma, Auditorio Nacional de Madrid, Funkhaus de Viena, Palau de la Música Catalana de Barcelona, L’Auditori de Barcelona, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Maestranza de Sevilla, Auditorio de Zaragoza, etc. Ha cantado con directores como F. Brüggen, A. Marcon, J. López Cobos, A. Ros Marbá, J. Casas, A. Zedda, E. López Banzo, E. Martínez Izquierdo, J. Pons, G. Mega, A. Rahbari, S. Mas, etc. Colabora regularmente con grupos como “Al Ayre español” (E. López Banzo), “Armoniosi concerti” (Juan Carlos Rivera), “Estro cromatico” (Marco Scorticati), “La Trulla de Bozes” (Carlos Sandúa), etc. y con orquestas como Venice Baroque Orchester, L’orfeo Barockorchester, Orchestra of the 18th century, Al Ayre español, Orquesta barroca de Sevilla, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta de RTVE, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta sinfónica de Barcelona y nacional de Cataluña (OBC), Orquesta Ciudad de Oviedo, Orquesta Pablo Sarasate de Pamplona, Orquesta de Extremadura, Orquesta de Castilla y León, etc Sus intervenciones en el ámbito de la música de cámara le han llevado a interpretar obras desde el barroco hasta el siglo XX, tanto en recitales con piano como con pequeñas formaciones camerísticas. Entre sus grabaciones discográficas destacan las realizadas para el sello Harmonia Mundi.

RAQUEL ANDUEZA Nacida en Pamplona, inicia su desarrollo musical a los seis años en la escolanía Niños Cantores de Navarra. A la edad de ocho comienza sus estudios de solfeo y violín, y a los catorce los de canto, todos ellos en el Conservatorio Superior de Música Pablo Sarasate de Pamplona. Becada por el Gobierno de Navarra y el Ayuntamiento de Londres, amplía estudios en laGuildhall School of Music and Drama de Londres, donde en al año 2000 obtiene el Bachelor of Music con mención honorífica y recibe el premio School Singing Prize, en reconocimiento a su trayectoria académica. Acude a clases magistrales de Emma Kirkby, Graham Johnson, David Mason, Nancy Argenta, Sarah Walker, etc. En la actualidad, recibe clases del maestro Richard Levitt.

Colabora asiduamente con diversas formaciones: El Concierto Español, Orqiesta Barroca de Sevilla, Lyra Baroque Orchestra of Minneapolis, Al Ayre Español, Vaghi Concenti, Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, More Hispano, Armoniosi Concerti, Los Músicos del Buen Retiro, etc. Miembro fundador del quinteto vocal La Trulla de Bozes, donde permanece hasta 2003, obtiene con ellos en 2000 el primer premio en el XXVI Festival Van Vlaanderen de Brujas (Bélgica), así como en la I Young Artists’ Presentation del Festival Internacional de Música de Amberes. Asimismo pertenece al conjunto vocal e instrumental Los Mvsicos de Sv Alteza, con los que mantiene una intensa labor concertística. Desde 2003 es miembro del cuarteto vocal La Colombina, y desde 2004 del grupo Orphénica Lyra. Actúa como solista en los principales festivales y auditorios de toda Europa. Ha sido dirigida por William Christie, Luis Antonio González Marín, Fabio Biondi, Emilio Moreno, Jacques Ogg, Monica Huggett, Ernest Martínez-Izquierdo, David Guindano, Bernardo García-Bernalt, Christian Curnyn, Eduardo López-Banzo, Sir Colin Davies, etc. Ha realizado grabaciones para la radio francesa, belga, alemana, suiza y española, y también para los sellos Glossa, Verso y Harmonia Mundi. Entre sus próximos proyectos figuran actuaciones en España, Austria, Suiza, México, Portugal, Italia, Bélgica, Holanda y Alemania.

CARLOS MENA Nacido en Vitoria-Gasteiz (1971), se forma en la Schola Cantorum Basiliensis de Basilea, Suiza, con sus maestros Richard Levitt y René Jacobs.

Su intensa actividad concertística le lleva a las salas más prestigiosas del mundo como: Gran Teatro del Liceu de Barcelona, Teatro Real de Madrid, Konzerthaus de Viena, Teatro Colón Buenos Aires, Alice Tully Hall del MET de Nueva York, Fisher Hall de Detroit, Suntory Hall y Opera City Hall de Tokyo, Osaka Symphony Hall, Sydney Opera House, Concert Hall de Melbourne... Ha interpretado la ópera “Radamisto” de Händel (rol de Radamisto) en la Felsenreitschule de Salzburgo, en producción del Festival de Salzburgo, así como en la Dortmund Konzerthaus, en la Musikverein de Viena y en la Concertgebouw de Ámsterdam dirigido por M. Haselböck. Otras interpretaciones suyas son “Rappresentazione di Anima e di Corpo” de Cavalieri (rol Angelo Custode) en el Théâtre Royal de la Monnaie en Bruselas, “Orfeo” de Monteverdi (Speranza) en la Festwoche de Innsbruck y en la Staatsoper de Berlin bajo la dirección de R. Jacobs, “Il Trionfo” de Händel (rol Disinganno) en la Grosses Festspielhaus de Salzburgo y “Europera 5” de J. Cage en el Festival de Flandes. En el 2005 canta Oberon en “A Midsummer Night’s Dream” de Britten en el Teatro Real de Madridm bajo la dirección escénica de P.L. Pizza y musical de I. Marin, Ascanio de “Ascanio in Alba” de Mozart en el Barbican Center de Londres y Arnaldo de “Bajazet” de Vivaldi en Montpellier ambas dirigidas por F. Biondi. De sus recitales grabados destacan “De Aeternitate” (Mirare) premiado con el Diapasón de Oro del año 2002 como mejor recital barroco y “Et Jesum” (Harmonia Mundi) premiado con el “CD Compact” al mejor disco de Renacimiento del año 2004 , “Stabat Mater”-Vivaldi (Mirare), “La Cantada española en América” (HM) con Al Ayre Español, “Actus Tragicus” (Mirare), “Silva de Sirenas” (HM) y “Stabat Mater”-Pergolesi (Mirare) que han recibido numerosos premios como “Internet Classical Award 2004”, “Editor’s Choice” de Gramophon, “10” de Repertoire, “Choc” de Le Monde o Excepcional de Scherzo.

Se interesa por otros repertorios como el lied y la música contemporánea interpretando obras de Schumann, Schubert, Listz, Orff, Vaughn Williams, Benjamin, Isasi, etc... Ha colaborado con la Copañía Nacional de Danza en varias ocasiones destacando el recital de obras de Vivaldi en la coreografía de Nacho Duato “Castrato” en el Teatro Real de Madrid.

JOSE ANTONIO LÓPEZ

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Nacido en 1973, estudia música en el Conservatorio Superior de Música de Valencia y canto con Ana luisa Chova, acaba su carrera con los Premios de Grado Medio y Superior, máxima calificación que se otorga. Su actividad operística incluye títulos desde Mozart, Zauberflute/Sprecher y Papageno, Bodas de Figaro/ Conde, Cosi Fan Tutte/Guglielmo, a 7 pecados capitales y Happy End, y Víctor Ulmann/Der Kaiser von Atlantis, con frecuentes actuaciones en los festivales y teatros más importantes. Su repertorio en concierto incluye obras de Haydn, Haendel, Bach, Mendelssohn, Fauré y Brahms, con las orquestas españolas más importantes, tales como. ONE, OBC, Orquesta Ciudad de Granada, Sinfónica de Tenerife, Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Galicia, Real Filharmonía de Galicia, bajo la dirección de Victor Pablo Pérez, Antoni Ros Marbà, Josep Pons, Pedro Halffter, Christopher Hogwood , Laszlo Heltai, Nicolas McGegan, Jordi Casas, Fabo Biondi e Ilan Wolkov.

José Antonio López cantó el estreno mundial de Mikis Teodorakis/Axion Esti en el Berdwardhallen de Estocolmo. Interpretó también una nueva producción de El Asombro de Damasco y la Verbena de la Paloma con Els Comediants en el Festival de Granada, así como en los Festivales de Perelada y Sagunto/Valencia el pasado verano. Recientes proyectos incluyen Pasión según San Juan de Bach, Sinfonía n. 8 de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Galicia en La Coruña y San Sebastián, Don Giovanni en Festival Mozart A Coruña y en el Teatro Real en Madrid bajo la dirección del Maestro Victor Pablo, Réquiem de Mozart con la Wiener Akademie bajo la dirección de Martín Haselbock , y futuros destacar Schuberts Psalm con el Maestro Pollini en Viena, una gira con ONE y Josep Pons con la Vida Breve, y Nad Keene/Peter Grimes con Josep Pons, así como varios conciertos y recitales con nuevo repertorio.

PROGRAMA

Misa en Si menor, BWV 232, J.S. Bach

I.

1. Kyrie eleison.

2. Christe eleison.

3. Kyrie eleison.

4. Gloria in excelsis Deo.

5. Et in terra pax hominibus bonae voluntatis.

6. Laudamus te, benedicimus te, adoramus te, glorificamus te.

7. Gratias agimus tibi propter magnam gloriam tuam.

8. Domine Deus, Rex coelestis, Deus Pater omnipotens,

Domine Fili unigeniti, Jesu Christe,

Domine Deus, agnus Dei, Filius Patris.

9. Qui tollis peccata mundi,

miserere nobis.

Qui tollis peccata mundi,

Suscipe deprecationem nostram.

10. Qui sedes ad dexteram Patris,

miserere nobis.

11. Quoniam tu solus Sanctus, tu solus Dominus,

tu solus Altissimus, Jesu Christe.

12. Cum Sancto Spiritu in gloria Dei patris. Amen.

PAUSA

II

1. Credo in unum Deum

2. Patrem Omnipotentem, factorem coeli et terrae,

visibilium omnium et invisibilium.

3. Et in unum Dominum, jesum Christum, filium Dei unigenitum,

et ex Patre natum ante omnia saecula,

Deum de Deo, lumen de lumine, Deum verum de Deo vero,

Genitum, non factum, consubtantialem Patri,

Per quem omnia facta sunt;

Qui propter nos homineset propter nostram salutem

Descendit de coelis.

4. Et incarnatus est de spiritu sancto ex Maria Virgine

et homo factus est.

5. Crucifixus etiam pro nobis sub Pontio Pilato,

passus et sepultus est.

6. Et resurrexit tertia die secundum Scripturas,

et ascendit in coelum, sedet at dexteram Dei patris,

et iterum venturus est cum Gloria

iudicare vivos et mortuos, cuius regni non erit finis.

7. Et in Spiritum Sanctum, dominum et vivificantem,

qui ex Patre Filio que procedit,

qui cum Patre et Filio

simul adoratur et conglorificatur,

qui locutus est per prophetas.

Et unam sanctam, catholicam et apostolicam ecclesiam.

8. Confiteor unum baptista in remissionem peccatorum,

9. et expecto resurrectionem mortuorum

et vitam venturi saeculi. Amen.

III

1. Sanctus, sanctus, sanctus, Dominus Deus Sabaoth!

Pleni sunt coeli et terra Gloria tua.

IV

1. Osanna in excelsis.

2. Benedictus que venit in nomine Domini.

3. Osanna in excelsis.

4. Agnus Dei qui tollis peccata mundi,

Miserere nobis,

5. Dona nobis pacem.

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L’Opera Stravagante

Antigua Academia di San Rocco di Venezia Capilla de Palacio Sábado 6 de Mayo

L’OPERA STRAVAGANTE L’Opera Stravagante de Venecia es un proyecto cultural que tiene como objeto redescubrir y difundir, con la máxima competencia filólogica e histórica posible, grandes obras maestras, operísticas y también de otros géneros musicales, que han sido injustamente olvidadas y que merecen en la actualidad una atención absolutamente prioritaria y renovada.

En particular, y en lo que respecta al repertorio teatral del Barroco, L’Opera Stravagante está a punto de producir una serie de óperas del pasado, realizando una suerte de síntesis (en la seguridad de que las operaciones de corte de libretos y partituras eran una práctica habitual de los propios compositres de la época por razones de orden práctico y musical) con el fin de permitir un disfrute más inmediato e intenso por parte del gran público.

El conjunto, compuesto por músicos activos desde hace largos años en el ámbito de la música antigua (principalmente en conjuntos como la Accademia di San Rocco o la Orchestra Barocca di Venezia), ha tenido su debut oficial en un concierto celebrado en la Basilica di San Marco de Venecia bajo la dirección de Sir John Eliot Gardiner con ocasión del cuadrigésimo aniversario del Monteverdi Choir. El debut discográfico de L’Opera Stravagante, en colaboración con la contralto Sara Mingardo, se ha producido en el año 2005 con un CD dedicado a músicas inéditas del veneciano Baldasarre Galuppi en el prestigioso sello austríaco ORF.

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ANGELO MANZOTTI, Sopranista/Contraltista �

Angelo Manzotti, sopranista, centra su actividad musical en la reposición del repertorio histórico de los castrados, que abarca desde comienzos del siglo XVII (Monteverdi, L'incoronazione di Poppea), hasta los primeros años del siglo XIX (Rossini, Aureliano in Palmira), con referencia particular a la producción dieciochesca (Händel, Hasse, Vivaldi, Pergolesi, Mozart, etc.) en el ámbito operístico y la música sacra, pero llegando también hasta la música contemporánea. Gracias a un constante ejercicio fisiológico, que comenzó a practicar por libre a la edad de doce años, ha perfeccionado una técnica de canto que lo diferencia sustancialmente de los contratenores normales: en vez de adoptar el mecanismo del falsete para reinventar la voz blanca que tuvieron los castrados, ha experimentado un método para hacer vibrar cuando lo necesite sólo la parte anterior de las cuerdas vocales, reduciendo así la longitud al estándar femenino, naturalmente más corto que el masculino. De esta manera, gracias al uso del «STOP CLOSURE DAMPING» (o «stop closure falsete») puede disponer de toda la extensión, la ductilidad y el volumen sonoro típicos de la voz de un soprano, superando así los límites tradicionales del falsete masculino, y exhibiendo una gama vocal duradera y homogénea desde los extremos más agudos (Re5) hasta las notas más graves abaritonadas. Ganador en 1992 del Concurso Internacional «Luciano Pavarotti» de Philadelphia y del primer Torneo Internacional di Música (Roma 1992), fue galardonado con el «Timbre de Platine» de Opéra International en su primera grabación discográfica Arie di Farinelli (1995), cuyo programa ha llevado de gira desde 1994. Ha grabado actuaciones para la Rai Italiana, para el circuito Eurovisión y para la televisión holandesa. Ha colaborado con varios conjuntos instrumentales: I Solisti di Roma; Accademia di San Rocco, Venecia; Concerto Italiano, I Virtuosi di Praga, Il Rocinante de Helsinki, Venice Baroque Orchestra, Orchestra barocca di Cremona, y ha actuado en grandes espectáculos en Italia y en Europa; entre los que se pueden destacar: Rossini Opera Festival de Pesaro, Teatro Regio de Turín, Concertgebow de Ámsterdam, Belcanto Festival de Dordrecht, Teatro Filarmonico de Verona, Pomeriggi Musicali de Milán, Teatro Carlo Felice de Génova, Teatro Regio de Parma, Teatro Bellini de Catania, Festival musica contemporanea para el Teatro Massimo de Palermo, Madrid (Prado y Palacio Real de Aranjuez), Estocolmo, Drottningholm Chapel, etc. Entre las operas que ha interpretado, se encuentran: Händel: Rinaldo, Tamerlano; Monteverdi: L’incoronazione di Poppea, Il Ballo delle ingrate, L’Orfeo; Pergolesi: Il Prigionier superbo, Vivaldi: la Griselda; Cesti: la Dori; Rossini: Aureliano in Palmira; La Licata: L’Angelo e il Golem; Humperdink: Haensel und Gretel, etc. Ha grabado con los sellos discográficos de Arion, Bongiovanni, Naxos, Tactus, Dynamic, Callisto Records. Desde 1997 es el protagonista del espectáculo Quel delizioso orrore (Vita di Farinelli, evirato cantore) de Cappelletto y Barbieri, que se ha representado en Italia y en el extranjero más de cuarenta veces. En la temporada 2002/2003 fue protagonista del espectáculo «Farinelli, estasi in canto» de Anna Cuocolo y de la Griselda de Vivaldi. Su discografía (18 álbumes, entre recitales y óperas completas) incluye también la primera ejecución moderna de la ópera Il Teuzzone de Vivaldi (1996), Il ballo delle ingrate de Monteverdi (1996), el anónimo Lamento del castrato (1996), Aureliano in Palmira de Rossini (1997), el recital handeliano Arie per castrato (1997), el recital vivaldiano Arie d'opera (1999), Händel, Cantate italiane (1999) y las grabaciones en directo de los conciertos celebrados en el

«Belcanto Festival» de Dordrecht en 1995 y 1996, además de los conciertos celebrados en el Museo Poldi Pezzoli de Milano. También es en directo la primera grabación del Prigionier superbo de Pergolesi (1998) y el Ippolito e Aricia de Traetta (Festival de Martina Franca, 1999). En 2001 publicó: Rossini, Cavatine per musico (Bongiovanni) y Haendel, Crude furie degli orridi abissi (Callisto Records). Su última grabación está compuesta por los motetos de Andrè Campra, y fue interpretada en la Capilla Real del Drottningholm de Estocolmo en junio de 2002. Ha sido protagonista de la ópera contemporánea L’Angelo e il Golem en el Teatro de Reggio Emilia (2003) y ha cantado en el estreno mundial del Requiem de Andrea Luchesi. Además, ha protagonizado el estreno absoluto de la ópera «L’inganno scoperto», también de Andrea Luchesi (2004). Recientemente, ha dado un Recital en el Teatro La Fenice de Venecia, con la Venice Baroque Orchestra dirigida por Andrea Marcon, una gira de espectáculos basados en Farinelli en el Festival Musical de México y diversos conciertos en Seúl (Corea) y España. Actualmente está rodando un cortometraje sobre Giovan Battista Velluti, uno de los últimos castrados que cantó para Rossini.

FORMACIÓN

Angelo Manzotti- sopranista

Luca Mares, Federico Guglielmo- violines Massimiliano Simonetto- viola

Francesco Galligioni- violonchelo Ivano Zanenghi- laúd

Massimiliano Raschieti- clave Alessandro Sbrogiò- contrabajo

PROGRAMA

LE ARIE DI FARINELLI

GIACOMO FACCO (c. 1680-1753) Concierto en mi menor para violín principal, cuerda y bajo continuo Op. I nº 1 “Pensieri Adriarmonici” (Amsterdam,

1716) (Consacrato all Eccelenza del Signor Don Carlo Filippo Colonna, Marqués de los Balbases)

GIACOMO FACCO (c. 1680-1753)

“A un mas que impelida”, aria de la ópera Amor es todo imbenzion, o Jupiter y Amphitrion (Madrid, 1721)

“Si cantare, si, si” , aria de la ópera Amor es todo imbenzion, o Jupiter y Amphitrion (Madrid, 1721)

ANTONIO VIVALDI (1678-1741)

Concerto in sol minore per archi e continuo RV 152 Allegro molto, Andante molto, Allegro molto

Aria dall'opera “L’Olimpiade” RV 725 “Siam navi all’onde algenti”

PAUSA

ANTONIO VIVALDI (1678-1741) Concerto in si minore per violino, archi e continuo RV 387

Allegro, Largo, Allegro Aria dall'opera "Il Giustino" RV 717 "Vedrò con mio diletto"

GEMINIANO GIACOMELLI (1692-1740)

Aria dall'opera "Merope" "Sposa non mi conosci"

ANTONIO VIVALDI (1678-1741) Concerto in la minore per violoncello, archi e continuo RV 419

Allegro, Andante, Allegro

JOHANN ADOLF HASSE (1699-1783) / RICCARDO BROSCHI (1698-1756) Aria dall'opera "Artaserse" "Son qual nave"

NOTAS AL PROGRAMA Una de las grandes curiosidades que, afortunadamente, nunca podremos satisfacer, tiene que ver con la mítica «voz de los ángeles», la de los castrados, víctimas y dioses del espectáculo dieciochesco. Hoy en día, gracias al trabajo de especialistas como Angelo Manzotti, es posible aproximarse al peligroso repertorio vocal que se reservaba a estos fenómenos. Gracias a una técnica vocal especial, Manzotti consigue interpretar íntegramente las arias que hicieron inmortal a Farinelli. Esta producción ha sido solicitada e interpretada en temporadas como las del Hackney Empire de Londres o del Bratislavia Cantans en Polonia, obteniendo en todas partes un halagador éxito de crítica y de público. Angelo Manzotti interpreta con una fiel reproducción de un traje de escena de Farinelli. ��

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TEXTOS DEL PROGRAMA Siam navi all’onde algenti Somos naves sobre las frías olas lasciate in abbandono: abandonadas a la deriva: impetuosi venti impetuosos vientos i nostri affetti sono: son nuestros afectos, ogni diletto è scoglio: todo lo amado es un escollo, tutta la vita è mar. toda la vida es mar. Ben, qual nocchiero, in noi Tal vez algún piloto, en nuestro interior veglia ragion: ma poi vela por la razón, pero después, pur dall’ondoso orgoglio también por el ondeante orgullo si lascia trasportar. se deja llevar. Vedrò con mio diletto l'alma dell'alma mia Veré con mi amado el alma de mi alma, il cor di questo cor, pien di contento. el corazón de este corazón, lleno de contento. E se dal caro oggetto, lungi convien che sia Y si de mi querido objeto lejos conviene que esté, sospirerò penando ogni momento suspiraré penando en todo momento. Sposa non mi conosci, madre tu non m'ascolti Esposa, no me conoces, madre, no me escuchas. cieli che feci mai, eppure sono il tuo cor Cielo, ¿qué es lo que he hecho? Y sin embargo, soy tu

corazón, il tuo figlio, il tuo amor, la tua speranza. tu hijo, tu amor, tu esperanza. Parla! Ma sei infedel. Credi, ma sei crudel, ¡Habla! Pero eres infiel. Crees, pero eres cruel morir mi lascerai? Oh dio manca il valor e la costanza

¿me vas a dejar morir? Oh, Dios, me faltan valor y constancia.

Son qual nave che agitata, da più scogli in mezzo all'onde

Soy como una nave que, agitada, con varios escollos en mitad de las olas

si confonde e sapventata va solcando in alto mar. se confunde y, asustada, va surcando el alto mar. Ma in veder l'amato lido, lascia l'onde e il vento infido

Pero al ver la amada orilla, deja las olas y al peligroso viento

e va in porto a riposar. y entra en el puerto a descansar.

Paseo Musical. Jardín de la Isla Salida Plaza Rusiñol

Concierto final Capilla de Palacio Das Brot Der Musik Domingo 7 de Mayo

DAS BROT DER MUSIK Das Brot der Musik es un grupo formado por músicos de contrastada experiencia en el campo de la música antigua y formados en prestigiosos centros de Viena, La Haya, Sevilla y Madrid. Tomando como base el amplio y variado repertorio barroco dedicado al violín, se ha conseguido una potente plantilla para la realización del acompañamiento del bajo continuo, formada por guitarra barroca, tiorba y violone; la combinación de estos tres instrumentos permite abarcar un amplio registro melódico y desarrollar un importante abanico de dinámicas, colores y articulaciones. Además, gracias a las características idiomáticas tan peculiares de cada uno de ellos, se complementan aportando una sonoridad rica en timbres y matices. Todo ello con el objetivo de proporcionar un rico colchón armónico sobre el que los violines solistas pueda desplegar al máximo las cualidades que han hecho justamente célebre a la música de este periodo; una música directa y muy expresiva, abierta a la improvisación y, sobre todo, basada en los contrastes: virtuosismo funambulista, pero también dulzura y delicadeza; expresión de afectos musicales a imagen y semejanza de la voz, pero también brillantes pasajes puramente instrumentales; secciones que irradian luminosidad y optimismo, pero también otras cargadas de oscuridad e introspección... Con la certeza de abordar un repertorio de altísima calidad desde una plantilla instrumental espacialmente adecuada, Das brot der Musik ofrece recitales llenos de expresividad y colorido instrumental, intentando recrear la música del primer barroco mediante la recuperación no solo de las prácticas interpretativas de este periodo, sino también del espíritu de audacia e improvisación que caracterizó a sus músicos.

LINA TUR-BONET, violín Originaria de la isla de Ibiza, se forma en las Universidades de Friburgo y Viena con los Profesores Chumachenco y Pichler. Clases magistrales con Tibor Varga, Franco Gulli, Joseph Silverstein y Reiner Kussmaul. Estudios de violín barroco con Hiro Kurosaki, consort con José Vázquez, y violín clásico con Erich Höbart en Viena. Galardonada en el Beethoven-Klavier-Trio Wettbewerb de Mannheim o en el María Canalls de Barcelona. Becaria de Villa Musica, Mainz. Conciertos de solista, música de cámara y barroca la llevan por toda Europa y Japón, actuando con artistas como Mennahem Pressler, Ulf Rodenhäuser, Patrik Demenga o Thomas Brandis, en la Orquesta Reina Sofía de Madrid, Österreichische Kammersymphonikern de Viena, el Clemencic Consort, Les Musiciens du Louvre, el Orpheon Consort de Viena, Ex Tempore de Gent, como concertino en la Orquesta de Cámara de Mannheim y en la Orquesta Barroca de la Unión Europea. Ha actuado bajo la batuta de directores como Roy Goodman, Paul Goodwin, Fabio Biondi, Reinhard Goebel, Marc Minkowski o E. López Banzo, entre otros. Ha actuado como solista con la EUBO en giras europeas. Grabaciones de solista para RTVE, BBC de Londres, la ORF austriaca y la Radio Alemana. Asimismo, le interesan el acercamiento a otras músicas y los proyectos interdisciplinares con otras formas de arte y la investigación en la simbología de la música, así como la transmisión e intercambio de conocimientos con los más jóvenes en forma de cursos y seminarios. Ha escrito el libro "Simbología, Retórica y la Ciaccona de Bach" para su Master en la Universidad de música vienesa. Catedrática de Violín en el Conservatorio de Zaragoza.

IÑIGO ARANZASTI, violín Nace en San Sebastián en 1976 , desde ese mismo año reside en Madrid donde comienza sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de San Lorenzo de el Escorial bajo la dirección de Francisco Comesaña y Polina Kotliarskaya (violín ) y Horacio Icasto y Luara Diaz (piano ). Es integrante de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (1994--1996) y de la Joven Orquesta Nacional de España ( 1997-2000) .En 1998 finaliza sus estudios con la máxima calificación y se desplaza a Alemania (Düsseldorf ) donde amplia sus estudios bajo la dirección de la profesora Rosa Fain, trabajando asi mismo con J.Kussmaul, Ch.A.Linale entre otros. Durante su estancia en Alemania es integrante de numerosos grupos de camara y orquestas como la Reihnische Kammer-Philarmonie,Classische Philarmonie Bonn.Desde el 2001 reside en Viena (Austria) donde se especializa en violín barroco y viola bajo la dirección de los profesores ,Ulli Engel, Gertrud Weinmaster, Jose Vazquez . Es miembro de Orquestas Profesionales como Irish Baroque Orchester,Le Cercle de L’Harmonie, Orpheon Barock Orchester , Haydn Akademie ,Wiener Akademie con las cuales tiene el placer de trabajar asiduamente con Elisabeth Wallfisch, Simon Standage,Monica Hugget realizando asi mismo numerosas grabaciones.

JUAN M. NIETO, guitarra barroca Nace en Madrid. Comienza muy joven sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, trabajando con los maestros P. Moreno y D. Ballesteros, y obteniendo el Título Superior en el año 1983. Posteriormente, perfecciona sus estudios en Cursos y Master Class con maestros como Lèo Brouwer, Angelo Gilardino, Hopkinson Smith, José M. Moreno, Juan C. Rivera, Rolf Lislevand, Paul O´Dette, etc. Paralelamente,

continúa estudios de música antigua en la Cátedra de instrumentos antiguos de cuerda pulsada del Conservatorio Superior de Sevilla con el maestro Juan C. Rivera y obtiene el título de Profesor de esta especialidad. Ha ofrecido conciertos y giras, tanto como solista, como con diversas formaciones instrumentales y orquestas, por toda la geografía española, así, como por varios países europeos y norte de África, participando en numerosos Ciclos y Festivales Internacionales de Música. En la actualidad colabora frecuentemente con diversos grupos especializados en música antigua y pertenece al grupo Armoniosi Concerti, cuyo disco “Zarambeques”, grabado para el sello Harmonia Mundi, ha recibido los mejores elogios de la crítica especializada. Ha realizado grabaciones para R.N.E., T.V.E., R.R.I, y para los sellos Several Records y Harmonia Mundi.

RAFAEL MUÑOZ, tiorba Nace en Lugo. Estudia en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid hasta obtener el Título Superior de guitarra. Posteriormente centra su actividad en la música antigua formando parte de diversas formaciones especializadas, con las que ha actuado en España, Inglaterra e Italia y colaborando con orquestas, bajo la dirección de Jordi Savall y Josep Cabré. Ha participado en cursos de perfeccionamiento con los laudistas Hopkinson Smith y Rolf Lislevand, entre otros. En 1996 se traslada a Sevilla para ampliar su formación con su maestro Juan Carlos Rivera en el Conservatorio Superior de dicha ciudad obteniendo el Título Profesional en la especialidad de Instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y del Barroco. Como solista ha actuado en diversas ciudades españolas y ha realizado una gira para el Circuito Andaluz de Música. Ha colaborado con los grupos More Hispano, Poema Harmonico y Juan Navarro Hispalensis, habiendo realizado varias grabaciones discográficas con el sello Lindoro, así como para R.N.E y R.T.V.E.

HÉCTOR CASTILLO, violone Nace en Madrid. Realiza los estudios de contrabajo con el profesor de la Orquesta Sinfónica de Madrid, Jose Luis Ferreyra. Forma parte de la Orquesta Joven de la Comunidad de Madrid, Joven Orquesta Nacional de España y es invitado regularmente por la Orquesta Sinfónica de Madrid, Capilla Real de Madrid y Orquesta Sinfónica Castilla y León. En el 2000 se traslada a Viena para continuar sus estudios de contrabajo y contrabajo barroco con el profesor del Conservatorio de Viena, Andrew Ackerman. También realiza durante tres años un curso de especialización en Música Antigua con el profesor de la Universidad de Música de Viena, Jose Vazquez. Ha sido invitado como primer contrabajo en orquestas como Agustin Kirchenorchester, Ex-tempore (Belgien), Haydn Akademie, Österreichiches Ensemble für Neue Musik y Orpheon Orchester. Es miembro de la Wiener Akademie. Ha realizado diferentes grabaciones para la Radio Austriaca, para Ex-tempore y para el Orpheon Consort. Es profesor en los cursos de Música Barroca organizados por la Comunidad de Madrid, y ha sido invitado por la Universidad de Mainz como profesor especialista en Música Antigua. Miembro de HippoCampus. Por otro lado es Piloto Privado de Avión y esta finalizando la Carrera de Piloto de Lineas Aéreas.

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FORMACIÓN

Lina Tur-Bonet, violín Iñigo Aranzasti, violín

Héctor Castillo, violone Juan Nieto, guitarra barroco

Rafael Muñoz, tiorba

PROGRAMA

PASSACAGLIA

Dario Castello (?-1656-58) Sonata Terza y Cuarta

Heinrich F. Biber (1644-1704)

Sonata V

Biagio Marini (1597-1665) Passacaglia

G. B. Fontana (?-1631)

Sonata II

Dario Castello (?-1656-58) Sonata X a tres

Johannes H. Kapsberger (c. 1575-c. 1651)

Toccata prima

Arcangelo Corelli (1653-1713) Sonata da chiesa op. nº1

Paseo Musical. Jardín del Príncipe Salida Plaza Redonda

Concierto final Casa del Labrador Orquesta Madrid Barroco. Los Jardineros de

Aranjuez Sábado 13 de Mayo

ORQUESTA MADRID BARROCO. Director: Grover Wilkins El día 23 de noviembre de 1.999 Madrid presenció el estreno de una nueva orquesta barroca: MADRID BARROCO. Con 25 intérpretes tocando instrumentos de la época, y 18 cantantes, la orquesta tiene un objetivo específico y único: la recuperación e interpretación de las obras maestras de la corte española del siglo XVIII. El estreno público de la orquesta tuvo lugar en la Catedral de la Almudena en un oficio de Maitines celebrado por el Eminentísimo Cardenal Arzobispo de Madrid y presenciado por todos los obispos de España en el comienzo del Año Jubileo. Este oficio, en forma de concierto, fue grabado por la empresa Dorian en formato CD para su distribución internacional. El oficio celebrado en la Almudena fue la culminación de tres años de preparación del repertorio en España, sin embargo la creación de Madrid Barroco tiene su origen del éxito de la Orchestra of New Spain en Dallas (Texas, EE.UU), fundada por el Maestro Wilkins en 1989 como unos de los pocos exponentes en el mundo de obras maestras del siglo XVIII. Desde sus inicios, esta organización, ha supervisado, a través de su director musical, la transcripción y edición de más de 40 obras nunca antes publicadas y cuyos originales se encuentran en las bibliotecas de Patrimonio Nacional y en los archivos de algunas catedrales. En el repertorio de esta agrupación destacan obras litúrgicas y de ópera no publicadas y existentes solamente en manuscritos en los Archivos y Bibliotecas Reales y en las catedrales de España, para las que fueron escritas. Dichas obras para orquesta, solistas y coro reflejan la importancia de la capital española en la vida artística europea de la época. Nos recuerdan las estrechas conexiones que existían entre España e Italia, Austria y Francia, durante el siglo XVIII, lo que respalda la opinión de que Madrid era realmente un centro importante para la ópera a mediados de dicho siglo. Se incluyen también numnerosos villancicos, composiciones tradicionales de gran importancia en la vida del pueblo español. La investigación del maestro Wilkins, ha sido apoyada por la Comisión Fulbright de España y por el programa de Cooperación Cultural entre los Ministerios de Educación y Cultura de España y Universidades de los Estados Unidos. La mayoría de los músicos de Madrid Barroco son españoles, instrumentistas y cantantes con larga experiencia en el campo de la música antigua y barroca. Además de tocar con Madrid Barroco, son profesores, miembros de otras formaciones musicales, o solistas en teatros de ópera.

Madrid Barroco, orquesta barroca de Madrid

Grover Wilkins, director titular

Solistas: Mercedes Lario, soprano

Marta Infante, mezzo Salvador Parrón, tenor

Juan Naval, tenor

Edición y adaptación, Juan Pablo Fernández-Cortés

PROGRAMA

Paseo musical

Pablo Esteve y Grimau: Los jardineros de Aranjuez, 1768

Zarzuela en dos actos (Selección)

1ª PARADA (6’)

Queréis los Señoritos. Cavatina (Robertina)

[ESCENA]

Haber estado en la Corte. Cavatina de Marcos

2ª PARADA: (8’)

Todos los Señores. Aria (Isidora)

[ESCENA]

El marido que mirase. Aria (Marcos)

CONCIERTO (45’ aprox)

Obertura

Todo es delicia, estos jardines. Coro

[Escena]

Hay males que son. Dúo (Isidora e Isabela)

[Escena]

El galgo que aturdido. Aria (Patricio)

Ya sabes Marquitos. Aria (Lorenzo)

En Madrid las niñas hermosas, Aria (Isabela)

Isidora, ¿qué quieres de mí?. Cuarteto (Lorenzo, Isidora, Marcos e Isabela)

[Escena]

¿Adónde estás…? /Ya el corazón Recitado y Aria (Patricio)

Señora seré Aria (Isabela)

Despreciado, enamorado. Dúo jocoso (Robertina y Marcos)

Ven dueño mío, Cavatina (Isabela)

Celébrense festivas Coro (Todos)

Primera representación desde el siglo XVIII. Edición de la música, texto

y adaptación para el XIII Festival de Música Antigua de Aranjuez : Juan Pablo Fernández-Cortés

Pablo Esteve Los Jardineros de Aranjuez

Isidora S Patricio T Isabela M Marcos R Lorenzo R Robertina S

TEXTOS DE LA OBRA Acto I Escena1; Todo es de tiera estos Jardines Ysidro y Patricio/ Isavela/ Marcos y Lorenzo todo es primor Cantan las aves con ecos suaves Corren las fuentes y en sus corrientes 2. Duo: Ysidora y Isavela Ay males que son como algunos niños que con los cariños se suelen curar 3. Patricio 6/8, G El gallego que a turdido dos liebres ve correr a en tranbas engreido las quisiera cojer. Corre una por aquì, corre otra por alli,, por aquì, por alli. Las mira las azecha y como no aprovecha el tiempo con dudar viene el pobre à quedar, al piste de las dos. Assi mi amor abaro, remiso y con reparo Codizia sin deslizes a questas dos perdizes y quedara en su estrella sin esta y sin aquella echo un camaleon El gallego… 4. Robertina 6/8 Ay pobrezita des dicha dita tengen compasion los exparraguitos mecomio 5. Terceto: Lorenzo, Marcos, Robertina Taimada socarrona bien te conozco si vien This one is very conversational , with momentes together 6. Lusito 2/4, C Es todo mi mal amor y tu me puedes sanar con que me llegues amar y amante te estimare dame consuelo mi amado cielo 6/8 Ô a tus rigores por tus amores En este instante me morire 2/4 Es todo mi mal amor… 7. Robertina 3/8, A Que reis los señoritos zalameritos relamiditos y en busteritos Con la pucheros y los esmeros que nos gingis. Burlaros todos por muchos modos de la infeliz. que corderita y pobrecita luego abatis Alerta doncellitas, alerta madamitas, alerta doncellitas madamitas que si esto no advertis sereis escarmentadas de gloria mal pagadas que causa su desliz, que chillen, que rabien que ahullen, se agravien y si es que se aorcan dejar los morir acorda os de a questo y adios Don Luis. que chillen que rabien que ahullen se agravien y sies que sea 8. Lorenzo Ya saves Marquitos que tengo una hermana

que de ser tu esposa estara mui gana (bana?) Casaros con ella, con gusto y placer. y yo con la tuia lo mes mo lo mes mo e de azer. Viviremos todos con gusto y contento Y abra quatro dias de divertimineto tendras un niñiro muy mono y bonito y en saviendo ablar, dira, Papa, Mama, caca: Y en yendo el chicote creciendo amayor es tu dia y a prende a corregidor estudia 9. Marcos 2/4, A Haver es fado (tado?) en la corte una moza que es bonita y venirse solterita con tu pe pe yes clavita, Iu, Iu (?) 6/8 Vien puede ser bueno pero no es virtud alli ay grandes tu nos ambrientos y ay unos alli ay a montones Se baila, se juega, se bulle se enreda, y todo se pega menos la salud. Y yo desde ahora a tales señoras que maulas son todas, les hago la cruz. A essas señoras las hago la cruz. 10. Isidora 3/8, Bb Todos los señores me miran a tentos, y con rendimientos me dizen asi Ay jardinerita bella y pulidita mira que por ti. Se mueren de amores las plantas y flores y yo a tu rigor, 6/8 Uno aze chi, chi, chi, mi vida, mi amor.... Cor Final a7 All.o brillante ¢. 3 vocal lines Marchar a travasar viles picaronazos Andar olga zanazos los quindos aes cardar?? Vengan nuestros amores para no der marchar o bamos a morir Acto II Duetto: Isidora y Patricio, And.te Cantabile 3/4 E Patricio: Mi esposa idolatrada, te hare mui brevemente y deto damif?ense servida te veras Isidora: Sere, Señor dichosa feliz fina y constante si con tu afecto amante me llego a entronizar Pat: Ay, dulze prenda pide mi amor Isi: Ay dueño mio tanto favor dos: No haya fineza, no haya terneza que el carazon en sacrificio leal y propicio al dueño mio no haga oblacion. 3/8 e All.o Mod.o Isi: Para estar de novia quiero un relaxito muy mono y chiquito que haga tin tin tin Pat: Io te le dare morenitasi Isi: Io le tomare por quererte a ti Una Bata rica de Blonda y nuditos con sus buelecitos tengo de bestir Pat: Io te le dare morenitasi Isi: Io le tomare por quererte a ti Habra en el recibo dulces ramilletes caxas y sorbetes de pitimini Pat: Io lo dispondré morenita, si, Isi: Io lo tomare por querrerte a ti Con este complido dira el que lo vio que lindo marido el cielo te dío Pat: Y a mi los estraños me diran Patron para muchos años os gozeis los dos Isi: Empleo dichoso Pat: Amor venturoso

dos: el que nos ligo O bien ay a el dia que la suerte mia tal dicha logro *Robertina: 12/8 g All.to Es la flor que su favor escoxio para esposita la pulida Isabelita que ya se espera casar, ha! ta y madito, ha! zalamerito Usted me deje de mi sealexe que perillan que perillan que aesta pobrezita simple Y donzellia la quiere engañar. Ya lo he conozido su amor sea sa vido. Y assi señorito, y trapazerito Vaya sea pasear. etc *?Duo. Lorenzo y Marcos: 3/4, D, Allegro brillante Lor: A el arma guerra, contra una falsedad Mar: Recela hermana fiera la saña y crueldad Lor: Tu engañarme Mar: Tu enfrentarme dos: tu hazer burla de tu hermano, tu dejar mi intento vano esso no lo he de sufrir. Mar: Bella conas Lor: Picaronas dos: que no ai mas que assiburlaros y con los otros casaros halla voi por una espada y con furia mui airada ambas abeis demorir 2/4, Allegro Mar: Tendras hombre valor para herir y matar Lor: Hare muertes y estragos, y mucho mas hare Mar: pues animal porque se pones a temblar Lor: la rabia lo ocasiona Mar: y hazes la tiritona a parta que te dan Lor: Ay madre mia Mar: y miedo no se ria que vias que me meda Lor: era chanza Mar: cobrar dia Lor: no meiorrites Mar: quel huia dos: que linda vizarria, que brabo majadero toca a dequello te lara quel caso lo dira Acto Final Finale a seis: Isavela, Isidora, Marcos, Lorenzo, Patrrcio & Robertina

Ara Malikian Ensemble El Carnaval de Los Animales

Camille Saint-Saëns Centro Isabel de Farnesio

Domingo 14 de Mayo

ARA MALIKIAN ENSEMBLE El Ensemble Ara Malikian ha cosechado en las últimas temporadas numerosos éxitos de público y prensa, con programas muy diversos, tanto de gran como de pequeño formato, entre los que hay que destacar sus conciertos de Estaciones Vivaldi-Piazzola, su último gran éxito “Mis Primeras Cuatro Estaciones de Vivaldi”, presentado en la pasada edición del Festival Música Antigua Aranjuez, así como el concierto en la Cabalgata de Reyes de la ciudad de Madrid. �������������

Ara Malikian es sin duda uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación. Poseedor de un estilo propio, forjado a partir de sus orígenes y ricas vivencias musicales, su violín se alza como una de las voces más originales e innovadoras del panorama musical. Nacido en Líbano en1968 en el seno de una familia armenia, Ara Malikian se inició en el violín a muy temprana edad de la mano de su padre. Dio su primer concierto con 12 años y a los 15 recibió una beca del Gobierno Alemán (DAAD) para cursar estudios en la "Hochschule für Musik und Theater Hannover". Posteriormente amplió sus estudios en la "Guildhall School of Music & Drama" de Londres, además de recibir lecciones de algunos de los más prestigiosos profesores del mundo como Franco Gulli, Ruggiero Ricci, Ivri Gitlis, Herman Krebbers o miembros del Alban Berg Quartett. Una inagotable inquietud musical y humana han llevado a Ara Malikian a profundizar en sus propias raíces armenias y asimilar la música de otras culturas del Medio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana y kletzmer), Argentina (tango) y España (flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal en el que se dan la mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicas con el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea. Poseedor de un amplísimo repertorio, que incluye la práctica totalidad de las grandes obras escritas para el violín (conciertos con orquesta, sonatas y piezas con piano y música de cámara) ha estrenado también obras de compositores actuales como Franco Danatoni, Malcolm Lipkin, Luciano Chailly, Ladislav Kupkovic, Loris Tjeknavorian, Lawrence Roman y Yervand Yernakian. Malikian es además uno de los pocos violinistas que realiza recitales para violín solo con programas dedicados a integrales tan significativas como los "24 Caprichos de Paganini", las "6 sonatas de Eugene Ysaÿe" y las "Sonatas y partitas de J.S. Bach". Su calidad y nivel como violinista ha sido reconocida en numerosos concursos de prestigio mundial, entre los que cabe destacar los Primeros Premios obtenidos en los Concursos Internacionales "Felix Mendelssohn" (1987 Berlín, Alemania) y "Pablo Sarasate" (1995 Pamplona, España) además de los premios recibidos en concursos como "Niccolo Paganini" (Génova, Italia), "Zino Francescatti" (Marsella, Francia), "Rodolfo Lipizer" (Gorizia Italia), "Juventudes Musicales" (Belgrado, Yugoslavia), "Rameau" (Le Mans, Francia), "International Artist Guild" (Nueva York, USA), y en la "International Music Competition of Japan". En 1993 recibió el "Premio a la Dedicación y el Cumplimiento Artístico" del Ministerio de Cultura de Alemania. Ha tocado en las mejores salas de concierto del mundo en más de cuarenta países de los cinco continentes: New York (Carnegie Hall), París (Salle Pleyel), Viena (Musikverein), Toronto (Ford Center), Madrid (Auditorio Nacional y Teatro Real), Zürich (Tonhalle), Londres (Barbican Center), Tokio, Estambul, Berlín, Atenas, Venecia, Los Ángeles, Taipei, Hong Kong, Kuala Lumpur, Cuba, Barcelona y Bilbao entre otros. También ha participado en los festivales de Aspen, Colmar, Prades, Schleswig Holstein, Braunschweig, San Sebastián, Segovia, Bergen, Freden, Metlach y Praga. Como violín solista ha sido invitado por orquestas de la talla de la Tokio Symphony Orchestra, Bamberg Symphony Orchestra, Zürich Chamber Orchestra, London Chamber Orchestra, Genova Opera Orchestra, Sinfónica de Madrid, Sinfónica de Portugal, Orquesta de Cámara de Tubingen, Virtuosos de Moscú, Filarmónica de Belgrado, Orquesta de Cámara de Toulouse, Filarmónica de Armenia y las Orquestas Sinfónicas de la Comunidad de Madrid, Galicia, Euskadi, Bilbao, Málaga y Tenerife entre otras, bajo la batuta de directores tan importantes como Mariss Janssons, Peter Maag, Jesús López Cobos, Miguel Ángel Gómez-Martínez, Luis Antonio García Navarro, Peter Schneider, Vassili Sinaisky, Edmond de Stoutz, Gudni Emilson Juan José Mena, Jo Ann Falletta o Pedro Halffter. Ara Malikian tiene una amplia discografía que incluye las "Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi - mas de 80.000 copias vendidas para UNICEF, integral de las sonatas para violín y piano de Robert Schumann, las sonatas y partitas para vioín solo de J:S:Bach, las 6 sonatas de Eugene Ysaÿe y los 24 Caprichos de Niccolo Paganini entre otras. Su presencia ha sido solicitada por importantes compositores de música de cine como Alberto Iglesias, Pascal Gainge, Lucio Godoy o Roque Baños, en peliculas como "Hable con ella, o Los Lunes al sol”.

PROGRAMA Concierto dramatizado con máscaras. Estreno en España. EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES Camille Saint Saens Dirección: Ara Malikian Orquesta de diez instrumentistas: Dos violines, viola, violonchelo, contrabajo, clarinete, flauta, dos pianos, xilofón Dos actores Orden de aparición:

1. Introducción. 2. La marcha real del león 3. Gallos y gallinas 4. Hemiones (caballos) 5. Tortugas 6. Elefante 7. Canguros 8. Acuario 9. Personajes con largas orejas 10. Burros 11. El cuco lejos dentro del bosque 12. Voliere - pajarera 13. Pianistas 14. Fósiles 15. Cisne 16. Final, todos los animales.

Tema de la obra: Es el cumpleaños del león y ha organizado una gran fiesta, ha invitado a muchos animales. El único inconveniente que hay, es que existe un requisito para poder entrar y disfrutar de los manjares, la música y el baile. Este requisito consiste en que cada animal debe ofrendar al rey (León) un número especial, de acuerdo a lo que sepa hacer cada animal (bailar, reptar, hacer malabares, cantar, etc.)

The English Concert�Director: Andrew Manze

Capilla de Palacio El Joven Mozart

Sábado 20 de Mayo

THE ENGLISH CONCERT Director: Andrew Manze The English Concert, bajo la inspirada dirección de Andrew Manze, ha sido descrito como un conjunto "pleno de espontánea frescura y viveza, agudo en el detalle y apasionadamente divertido"… ¡y todo éso en una única reseña de concierto!. El público del mundo entero ha ofrecido una respuesta entusiasta al empuje del nuevo Director Artístico de la orquesta, un espíritu que consigue conjugar la olvidada naturalidad del acto del concierto con el énfasis de las más profundas cualidades musicales de las obras que interpreta. Su innovadora aproximación al hecho musical ha llevado nueva vida, tanto a las obras maestras ampliamente conocidas por el público, como al repertorio infrecuente. The English Concert organiza su propio ciclo de conciertos en Londres y actúa regularmente en los Proms de la BBC en el Royal Albert Hall. Estos ciclos tienen también lugar, a nivel nacional, en St George’s, en Bristol y en los diversos festivales del Reino Unido donde son invitados habitualmente. El conjunto participa también en un programa de amplias giras centradas en el suroeste del Reino Unido. La Orquesta actúa constantemente en ámbitos internacionales. Sus compromisos europeos para la presente temporada incluyen conciertos en Bélgica, Francia, Holanda, Noruega, Polonia, España y Suiza. The English Concert acaba de regresar de una larga gira por Estados Unidos y Australia. Las nuevas grabaciones con Harmonia Mundi USA han difundido la labor de la Orquesta y han tenido eco internacional. Al Cd titulado “All-Mozart Night Music” realizado en 2004, le siguieron los siete conciertos de Vivaldi dedicados al “Sacro Emperador Romano” y la esperada grabación de la Missa Christi resurgentis de Biber, que ha salido al mercado en 2005. En la primavera de 2006 estará lista la nueva grabación de los Conciertos de violín, K.216, K.218 y K.219 de Mozart. El nombramiento de Andrew Manze como Director Artístico ha aportado a The English Concert un aire de renovación y la aceptación de nuevos retos que asumir. Fundada por Trevor Pinnock en 1973, la Orquesta ha estado considerada durante más de treinta años como una de las mejores del mundo y el entusiasmo que sus músicos han aportado siempre al escenario del concierto, unido a este nuevo espíritu emprendedor, cautivará a los públicos futuros tanto como cautiva ahora a los presentes �

ANDREW MANZE, violín y dirección Andrew Manze, que es el actual Director Artístico de The English Concert desde julio de 2003, ha sido descrito como "el primer super-star moderno del violín barroco", y como "un violinista de dotes extraordinarias con una enorme capacidad para improvisar con libertad - el Grapelli del Barroco". Aporta al repertorio de violín de los siglos XVII y XVIII una fantasía poco común y una brillantez deslumbrante. Es un intérprete con espíritu de aventura. Manze estudió Filología Clásica en la Universidad de Cambridge y música en la Royal Academy of Music de Londres y en la Real Academia de La Haya. Antes de ser nombrado Director Artístico de The English Concert era el concertino de la Amsterdam Baroque Orchestra y, también, Director Asociado de la Academy of Ancient Music. Continúa colaborando con muchas de las principales orquestas del mundo, bien como solista o como director invitado. Manze graba con Harmonia Mundi USA en exclusiva. Su último Cd a solo, con música de Corelli para violín, recibió el Premio de la revista Gramophone de 2003 y el diario The Independent dice de su interpretación que “no es posible imaginar algo más cercano a la perfección". Además de su inmensa actividad como director y violinista, Andrew Manze es escritor, profesor y creador de programas para la radio. En septiembre de 2003 fue uno de los tres presentadores de Radio 3 del Reino Unido que intervenían dos veces a la semana en el programa de nueva creación Early Music Show. Manze es invitado habitual como profesor en clases magistrales internacionales, es miembro de la Royal Academy of Music, profesor invitado en el Royal College of Music y colaborador habitual de la prensa musical. En todas esas actividades ha obtenido rápidamente una gran reputación como virtuoso del violín, como innovador del pensamiento musical y, por encima de todo, como un gran comunicador, capaz de provocar el entusiasmo de los públicos del mundo entero. ALBERTO GRAZZI, Fagot�

Alberto Grazzi estudió fagot en la Civica Scuola di Musica de Milán, en la que se graduó en 1986. En 1985 le habían invitaron a unirse a la Orquesta Barroca Europea lo que determinó su inmersión en el mundo de la música antigua. Desde entonces ha actuado con la mayoría de los más importantes conjuntos de instrumentos de época, entre ellos Concentus Musicus de Viena, la Orquesta y Coro de The Sixteen, Les Musiciens du Louvre, y Concerto Italiano. Ha sido primer fagot con Il Giardino Armonico durante muchos años y desde 1990, primer fagot de The English Concert con los que ha realizado giras internacionales como solista y también como integrante de la orquesta.

En 1989 fundó el Ensemble Zefiro - un grupo dedicado al repertorio de viento - con su hermano Paolo y Alfredo Bernardini. Alberto Grazzi enseña en la Civica Scuola di Musica de Milán, en el Conservatorio de Verona, y, en verano, en varios cursos que se celebran en Europa. Como solista ha grabado para los sellos DG Archiv, Teldec Classics, Astrée, Naïve, Opus 111, y Ambroisie. � � �

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FORMACIÓN

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Andrew Manze Director /Violín Alberto Grazzi Fagot Silas Standage, Clave

Violín 1 Andrew Manze Miles Golding

Graham Cracknell Rodolfo Richter

Thérèse Timoney

Violín 2 Walter Reiter

Claire Duff Silvia Schweinberger

Fiona Huggett

Viola Ylvali Zilliacus

Stefanie Heichelheim

Violonchelo Alison Mcgillivray Timothy Kraemer

Contrabajo

Markus Van Horn

Oboe Katharina Spreckelsen

Hannah Mclaughlin

Fagot Alberto Grazzi

Trompa

Anneke Scott Christian Rutherford

Clave

Silas Standage

PROGRAMA

THE ENGLISH CONCERT

Andrew Manze Violín y dirección

Alberto Grazzi, fagot Silas Standage, clave

“El joven Mozart”

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)

PROGRAMA I

Andante, Allegro, Allegro y Menuetto, K.1 (1761) (Interpretado al clave por Silas Standage)

Casación en Sol mayor K. 63 (1769)

Marche, [Allegro], Andante, Menuet, Adagio, Menuet, Finale

Concierto en Si bemol mayor para fagot y orquesta K. 191 (1774) Allegro, Andante ma adagio, Rondo: Tempo di Menuetto

Solista: Alberto Grazzi

II

Gallimathias musicum K. 32 (1766) Molto Allegro, Andante, Allegro, Pastorella, Allegro, Allegretto, Allegro, Molto Adagio, Largo, Allegro, Andante,

Allegro, Menuet, Adagio, Presto, Fuga

Sinfonía nº1 en Mi bemol mayor K.16 Molto allegro, Andante, Presto

NOTAS AL PROGRAMA ��

Como parte de la celebración del 250 aniversario de Mozart, que fue el 27 de enero, el programa de esta noche presenta algunas de sus primeras obras con la intención de mostrar que Mozart fue un genio desde el principio. La imagen del wunderkind sentado ante el teclado (pies colgando a mucha distancia del suelo, interpretando solos e improvisaciones con la misma facilidad para deleite de la flor y nata de la nobleza europea) es tan intensa, que es fácil olvidar que en esas primeras giras por Munich, Viena, París y Londres desde 1762 a 1974 iba acompañado de su hermana Maria Anna (también conocida como Nannerl). De hecho, las primeras composiciones de Mozart que conocemos sobreviven en un cuaderno de música cuidadosamente conservado que lleva el siguiente título (del puño y letra de su orgulloso padre, Leopold): Pour le Clavecin – ce Livre appartient à Mademoiselle Marie Anne Mozart, 1759. Por aquel entonces Wolfgang sólo tenía tres años y ya le interesaba el teclado. Pronto Leopold empezó a añadir comentarios en el margen del cuaderno que indican que lo que en principio tenía que ser un compendio de piezas elementales para una hija con talento, se iba dedicando a los logros de su prodigioso hermano. “Wolfgang aprendió este Allegro a los cuatro años”; “Wolfgangerl aprendió esta pieza tres días antes de cumplir cinco años, entre las nueve y las nueve y media”. Y luego vienen estas extraordinarias palabras que acompañan un curioso Andante y un rudimentario Allegro: “Composiciones de Wolfgangerl en los primeros tres meses de su quinto año”. A continuación viene un Allegro – “Signor Wolfgango Mozart, 11 de diciembre de 1761” – y un “Menuetto del Signor Wolfango [sic] Mozart, 16 de diciembre de 1761.” Si escuchamos estas piezas en miniatura podemos ser testigos de cómo se va destapando un genio. Poco más tarde, Leopold escribió: “Lo que sabía hace seis meses es sólo una sombra de lo que sabe ahora.”

Tras oír el progreso de Mozart durante su quinto año, no debería sorprendernos la madurez de Casación K.63, obra que escribió a la experimentada edad de trece años, en 1769. En ese momento ya era un compositor publicado (sonatas para violín en París y Ámsterdam), un invitado de honor en los salones europeos y un veterano operista (Apollo et Hyacinthus, Bastien und Bastienne y La finta semplice, un encargo del Emperador José II). Pasó el año 1769 con relativa discreción, en Salzburgo, donde escribió música religiosa para el Príncipe-Arzobispo y Final-Musik para la universidad. Este encargo se repetía cada verano para los exámenes anuales. Una noche los estudiantes de primer año de filosofía (conocidos como ‘lógicos’) organizaban una velada para la facultad, y al día siguiente lo hacían los estudiantes de segundo año (los 'físicos'). Es muy posible que K.63 se escribiera como Final-Musik. Mozart y otras fuentes la nombran de distintas maneras: Casación, Divertimento y Serenata, términos que parece que en esa época eran prácticamente intercambiables, aunque más adelante Nannerl describió la palabra “Casación” como una “voz provincial fea e incomprensible”. El único concierto para fagote de Mozart, K.191, es la última pieza del programa de esta noche. Data del 4 de junio de 1774 y representa un paso importante en la conquista inicial de Mozart del concierto como género musical, que había iniciado el año anterior con el Concertone K.190 y el concierto para piano en re mayor K.175 y culminó en los tres últimos conciertos para violín de 1775, K.216, 217 y 219. Aunque el fagote es un instrumento poco habitual en los conciertos (únicamente apareció en algún solo a finales del siglo dieciocho), la presentación que Mozart le da es completamente convincente, porque aporta al género del concierto todo lo que aprendió en la ópera acerca de la caracterización de un protagonista. (Desde K.63 ya había escrito cuatro óperas más y estaba a punto de empezar a escribir La finta giardiniera.) Mozart demuestra su ingenio exprimiendo hasta la última gota de virtuosismo al fagote (un instrumento que, según creemos, él no sabía tocar) aprovechando al máximo su incomparable capacidad para sonar lúgubre y, al mismo tiempo, evitando caer en la trampa de que el instrumento parezca fuera de lugar como solista de concierto o resulte cómico. Eso no quita que a Mozart se le dieran bien las comedias; sus cartas políglotas se deleitan con juegos de palabras, le encantaba el Carnaval, y muchas de sus piezas servían en su entorno para lo que sirven las obras de P D Q Bach en el nuestro. Ein musikalischer Spass (“Una broma musical”) K.522 es poco corriente no por su absurdidad, sino por el hecho de que es una de las únicas que ha sobrevivido, aunque tal vez hubo muchas. Gallimathias musicum K.32 es la obra de un alegre chico de diez años, y fue escrita como contribución a las celebraciones del cumpleaños de Guillermo V de Nassau, Príncipe de Orange, en La Haya. Este galimatías de Mozart podría ser una elaborada “broma interna” para todos los presentes aquella tarde de mayo de 1766, creada conjuntamente por padre e hijo. Ha habido intentos de identificar algunos de los fragmentos que conforman Gallimathias musicum, aunque la única alusión clara es la fuga final, cuyo tema está apropiadamente basado en la canción Wilhelmus van Nassouwe. Tal vez la mejor descripción de este particular género musical, al que algunas fuentes llaman Quodlibet, sea la de los escritos de J.N.Forkel acerca de otra familia de músicos, los Bach: “Sus diversiones eran completamente musicales. Cuando se reunían, lo primero que hacían era cantar una coral, y después de este pío inicio pasaban a curiosidades que a menudo eran de una naturaleza completamente distinta: cantaban todos juntos e improvisando canciones populares, cuyos contenidos eran entre cómicos y atrevidos. Llamaban Quodlibet a esta armonía no ensayada, y no sólo se reían a carcajadas ellos mismos, sino que despertaban una carcajada irrefrenable en todos los que les oían.” Es curioso observar que la palabra que se utilizó para designar los primeros esfuerzos de composición de Wolfgang fue “galimatías”. Más adelante un amigo de la familia recordaba: “Una vez fui a casa con [Leopold] y nos encontramos a Wolfgangerl, que tenía 4 años, escribiendo. Su padre le quitó la sucia hoja de notas, llena de manchas de tinta. Al principio nos reímos de este aparente galimatías, pero entonces su padre empezó a leer las notas y la música; miró la hoja durante mucho rato y luego se le saltaron lágrimas de admiración y alegría.” Muchos manuscritos de Mozart han sobrevivido y demuestran que casi nunca escribía pulcramente. Seguro que habría estado de acuerdo con Beethoven: “La vida es demasiado corta como para pintar notas bonitas.” La firma de la primera sinfonía K.16, por ejemplo, parece un absoluto caos, algo tal vez normal para un niño de ocho años, y a pesar de ello la música en sí demuestra que el compositor tenía una mente madura y musicalmente clara. La fanfarria inicial es completamente convencional: hay cientos de compositores que podrían haberla escrito. Sin embargo, las armonías y texturas deliciosas que vienen a continuación sólo pueden ser de Mozart. La sinfonía fue escrita en Londres en 1764. Treinta y cinco años más tarde, Nannerl lo recordaba porque “nuestro padre estaba muy enfermo, no se nos permitía tocar el piano, y por eso, para entretenerse, [mi hermano] compuso su primera sinfonía.” Hay una coincidencia conmovedora en esta sinfonía, la primera de muchas grandes sinfonías: el lento movimiento utiliza la misma melodía de cuatro notas que el principio del final de la última sinfonía, ‘Júpiter’, K.551, escrita veinticuatro años más tarde. Es muy poco probable que Mozart se acordara de su primer esfuerzo sinfónico cuando empezó el último, del mismo modo que no tenía por qué pensar que ‘Júpiter’ iba a ser su última sinfonía, pero es una lección de humildad que cuatro notas que le sirvieron a los ocho años, notas que la mayoría de nosotros no habríamos considerado particularmente extraordinarias, siguieran alimentando la máquina de su genio hasta el final. Andrew Manze, 2005��

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Tafelmusik Baroque Orchestra

Directora: Jeanne Lamon Capilla de Palacio

Metamorfosis: del Mito a la Música Domingo 21 de Mayo

TAFELMUSIK BAROQUE ORCHESTRA

Tafelmusik, la orquesta de instrumentos históricos más importante de Canadá, se encuentra en su 27ª temporada. Fundada por Kenneth Solway y Susan Graves en 1979 y dirigida desde 1981 con gran acierto por la directora musical y maestra concertista Jeanne Lamon, Tafelmusik ha alcanzado un gran reconocimiento a nivel mundial por sus conciertos y grabaciones. El conjunto está formado por dieciocho miembros base y se amplía cuando es necesario. Todos los miembros de la orquesta son especialistas en interpretación histórica y tocan instrumentos originales o réplicas modernas fieles en diseño y construcción a los originales. En 1981 se formó el Coro de cámara de Tafelmusik, especializado en actuaciones y técnica vocal barroca, para complementar a la orquesta. Este coro, dirigido por Ivars Taurins, ha recibido elogios por su claridad y su excelencia y en 1991 obtuvo el Premio Healey Willan Prize "por su constancia en mantener un alto nivel artístico y por su contribución única al arte coral de Canadá." El éxito de Tafelmusik la ha llevado por todo el mundo, con giras sucesivas por América del Norte, Europa y Asia. Esta temporada la orquesta tocará en Europa y en Estados Unidos y realizará una gira por Ontario y Québec. Tafelmusik efectúa más de 50 conciertos cada temporada en su sede, el histórico Trinity-St. Paul’s Centre, situado en el centro de Toronto. Además, presenta una serie de tres conciertos en el George Weston Recital Hall y participa en la popular serie "ROM Friday Nights" del Royal Ontario Museum. El programa educativo de Tafelmusik no deja de crecer. Este año contiene muchos conciertos gratuitos para estudiantes y sesiones matutinas especiales para familias. Los músicos de Tafelmusik volverán a trabajar directamente con los estudiantes en sus aulas, y alumnos de varias escuelas pasarán un día estudiando en el Trinity-St. Paul's Centre y cantando con el Coro de cámara de Tafelmusik. La temporada acaba con el Tafelmusik Baroque Summer Institute, un curso intensivo para estudiantes de nivel avanzado, músicos pre-profesionales y profesionales, centrado en la interpretación con instrumentos y voces barrocas. Tafelmusik ha editado más de 70 CD con distintas discográficas (Analekta, Sony Classical, CBC Records, BMG Classics, Hyperion y Collegium) y ha recibido numerosos galardones de grabación internacionales, incluidos siete Junos. Entre los álbumes más recientes se encuentra el primer CD para niños de Tafelmusik, Baroque Adventure: The Quest for Arundo Donax (Analekta), Concerti Virtuosi (Analekta), las sinfonías nº 5 y 6 de Beethoven (Analekta); Cleopatra con la soprano Isabel Bayrakdarian (CBC); Italian Oratorios con Matthew White (Analekta); una recopilación especial en su 25 aniversario, Baroque Delights (Analekta); una grabación de suites del Dardanus y Le Temple de la Gloire de Rameau (CBC); Chants Sacrés et Profanes (CBC); y Le Mozart Noir (CBC), una grabación de música orquestal del clásico compositor negro francés Le Chevalier de Saint-Georges. Tanto Dardanus y Le Temple de la Gloire de Rameau (CBC) como Cleopatra (CBC) recibieron el premio Juno al Álbum Clásico del Año en el año 2005. El CD Le Mozart Noir también es la banda sonora de un reciente proyecto cinematográfico acerca de la vida y obra de Saint-Georges producido por Media Headquarters para CBC, PBS, BBC y TV5, y que ha ganado un Banff Rocky Award, cinco nominaciones Gemini y una nominación Rose D'Or (Suiza). Más recientemente, Tafelmusik colaboró con Media Headquarters en The Four Seasons Mosaic (CBC), un documental de una hora acerca de una extraordinaria colaboración entre Tafelmusik, el compositor Mychael Danna, cantantes de garganta inuit y músicos que tocaban la veena india y la pipa china.

TAFELMUSIK BAROQUE ORCHESTRA Jeanne Lamon Music Director

Elizabeth Wallfisch, violín solista Gillian Keith, soprano Rufus Müller, tenor

PROGRAMA

METAMORFOSIS: DEL MITO A LA MÚSICA

Prólogo: Pigmalión

Ouverture Jean-Philippe Rameau

Semele Jupiter: Where’er you walk George Frideric Handel Semele: Myself I do adore Jupiter: Ah whither is she gone Semele: Ah me, too late I now repent Sinfonia

Eco y Narciso

Concerto for violin & echo violin in A Major, RV.552 Antonio Vivaldi

PAUSA

Acis y Galatea Menuet Jean-Baptiste Lully Galatea: When as the dove G.F. Handel Acis: Love sounds the alarm

Pan y Siringe

Concerto for oboe in D Minor: Adagio Alessandro Marcello

Pan y Apolo Concerto for oboe in D Minor: Presto A. Marcello L’estro Armonico Vivaldi Elizabeth Wallfisch, violín

Alción Bourrée Marin Marais Ritournelle Air des matelots Tempeste À l'onde soulevée Tambourins

Los Mvsicos de sv Alteza Capilla de Palacio Nebra: Miserere

Sábado 27 de Mayo

LOS MVSICOS DE SV ALTEZA CONJUNTO VOCAL E INSTRUMENTAL ORQUESTA BARROCA Luis Antonio González, dirección

El conjunto LOS MVSICOS DE SV ALTEZA, formado por cantores e instrumentistas con amplia experiencia en la interpretación de la música histórica, se fundó en 1992, con el objeto de recuperar y difundir la música del siglo XVII producida en España y sus zonas de influencia. Su trabajo parte de una rigurosa investigación sobre las fuentes musicales, las técnicas de ejecución y el uso de instrumentos históricos. Su repertorio abarca también composiciones de los grandes maestros europeos de los siglos XVI-XVIII. Gracias al compromiso que LOS MVSICOS DE SV ALTEZA mantienen con la recuperación del patrimonio musical hispánico, el público actual puede disfrutar de obras excelentes, como los villancicos de Juan Pérez Roldán, las Vísperas y Lamentaciones de Joseph Ruiz Samaniego, la ópera El robo de Proserpina de Filippo Coppola o el Requiem de José de Nebra. LOS MVSICOS DE SV ALTEZA han actuado en numerosos escenarios y festivales españoles y extranjeros con notable éxito. Cabe destacar sus actuaciones en el Ciclo Los siglos de oro, Residencia de Estudiantes, Catedral de Barcelona, Círculo del Liceo, La Haya (Gotische Zaal van de Raad van Statte, Hôtel des Indes), Auditorio de Zaragoza, Festival Internacional de Música Antigua de Daroca, Palacio de Congresos de Santiago de Compostela, Catedral de Oviedo, Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, Quartu Sant'Elena (Laboratorio di Musica Antica), Roma, Nápoles (Maggio dei monumenti), Cagliari, Sassari (Festival Spaziomusica), Otoño Musical de Túnez, etc. En marzo de 2000 LOS MVSICOS DE SV ALTEZA inauguraron la temporada de conciertos “Música Antigua en la Real Capilla de Santa Isabel de Portugal”. La ampliación de la plantilla del conjunto hasta la formación orquestal permite a LOS MVSICOS DE SV ALTEZA abordar el amplísimo repertorio barroco internacional, ofreciendo en sus programas obras señeras como cantatas y suites orquestales de J. S. Bach, concerti grossi de Händel o el Stabat mater de Pergolesi. Cuentan al presente con varias grabaciones discográficas: IN ICTV OCVLI. Música española del siglo XVII (Arsis, 1996), Juan Cabanilles: Tientos y pasacalles (en colaboración con el organista Jan Willem Jansen, editado por los sellos Hortus en 1998 y Dorian en 1999), el libro-CD Música en La Seo (Prames, 2000) y el CD TERRA TREMVIT (Arsis, 2002), con música española del siglo XVII compuesta para la Semana Santa. LOS MVSICOS DE SV ALTEZA han grabado también para RNE, Catalunya Musica, TV3, TVE (España), RAI (Italia) y KRO (Holanda). LOS MVSICOS DE SV ALTEZA resultaron vencedores del 9º Concurso Internacional Van Wassenaer para conjuntos de música antigua (La Haya, 1996) y han recibido diversos galardones, como el Diapason d'Or de la revista francesa Diapason, el Premio CD Compact 2000 o el Premio a la labor artística del Consejo Regulador de la Denominación de Origen Cariñena (2002). LOS MVSICOS DE SV ALTEZA cuentan con el respaldo científico del Departamento de Musicología del CSIC, con el que colaboran regularmente desde 1994.

LUIS ANTONIO GONZÁLEZ, director Organista, clavecinista y musicólogo zaragozano, sus aportaciones al conocimiento y difusión de la música barroca española lo han hecho acreedor de los premios nacionales "Rafael Mitjana" de Musicología (1988) y "Rey Don Juan Carlos I" de Humanidades (1995). Frecuentó el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza, las Universidades de Zaragoza y Bolonia (obteniendo el Doctorado en 1990 gracias a una beca del Reale Collegio di Spagna y numerosos cursos de especialización, ingresando posteriormente en el Departamento de Musicología del Consejo Superior de Investigaciones Científicas, del que es Científico Titular. Su investigación se centra en la música española de los siglos XVII y XVIII, con una especial dedicación a los fenómenos relacionados con el teatro y la dramaturgia, así como a los elementos de la práctica musical histórica. Cabe destacar sus ediciones de algunos de los más relevantes ejemplos de la música teatral barroca española (El robo de Proserpina, de F. Coppola; Acis y Galatea, de A. Literes; Andrómeda y Perseo, con texto de Calderón), así como su labor de recuperación de la obra de Joseph Ruiz Samaniego (fl. 1653-1670), a la que ha dedicado numerosas ediciones y programas de conciertos.

Ha actuado en importantes salas y festivales internacionales en España, Holanda e Italia, recibiendo los mayores elogios de la crítica especializada. Con cierta asiduidad es invitado a impartir cursos, clases magistrales y conferencias sobre la música histórica española (Universidades de Oviedo, Autónoma de Barcelona, Zaragoza, Extremadura, Curso Internacional de Música Antigua de Daroca, Escuela Nonsuch de Danza Histórica, etc.). En 1998 y 1999 ha sido profesor del Laboratorio di Musica Antica di Quartu St.'Elena -Cerdeña, Italia-, así como director invitado de la Cappella Civica Cagliaritana. Dirige, junto a Montserrat Torrent, los Cursos de Postgrado de música de tecla del Departamento de Musicología del CSIC.

RAQUEL ANDUEZA

Nacida en Pamplona, inicia su desarrollo musical a los seis años en la escolanía Niños Cantores de Navarra. A la edad de ocho comienza sus estudios de solfeo y violín, y a los catorce los de canto, todos ellos en el Conservatorio Superior de Música Pablo Sarasate de Pamplona. Becada por el Gobierno de Navarra y el Ayuntamiento de Londres, amplía estudios en laGuildhall School of Music and Drama de Londres, donde en al año 2000 obtiene el Bachelor of Music con mención honorífica y recibe el premio School Singing Prize, en reconocimiento a su trayectoria académica. Acude a clases magistrales de Emma Kirkby, Graham Johnson, David Mason, Nancy Argenta, Sarah Walker, etc. En la actualidad, recibe clases del maestro Richard Levitt. Colabora asiduamente con diversas formaciones: El Concierto Español, Orqiesta Barroca de Sevilla, Lyra Baroque Orchestra of Minneapolis, Al Ayre Español, Vaghi Concenti, Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, More Hispano, Armoniosi Concerti, Los Músicos del Buen Retiro, etc. Miembro fundador del quinteto vocal La Trulla de Bozes, donde permanece hasta 2003, obtiene con ellos en 2000 el primer premio en el XXVI Festival Van Vlaanderen de Brujas (Bélgica), así como en la I Young Artists’ Presentation del Festival Internacional de Música de Amberes. Asimismo pertenece al conjunto vocal e instrumental Los Mvsicos de Sv Alteza, con los que mantiene una intensa labor concertística. Desde 2003 es miembro del cuarteto vocal La Colombina, y desde 2004 del grupo Orphénica Lyra. Actúa como solista en los principales festivales y auditorios de toda Europa. Ha sido dirigida por William Christie, Luis Antonio González Marín, Fabio Biondi, Emilio Moreno, Jacques Ogg, Monica Huggett, Ernest Martínez-Izquierdo, David Guindano, Bernardo García-Bernalt, Christian Curnyn, Eduardo López-Banzo, Sir Colin Davies, etc. Ha realizado grabaciones para la radio francesa, belga, alemana, suiza y española, y también para los sellos Glossa, Verso y Harmonia Mundi. Entre sus próximos proyectos figuran actuaciones en España, Austria, Suiza, México, Portugal, Italia, Bélgica, Holanda y Alemania.

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�FORMACIÓN

Raquel Andueza, soprano

Olalla Alemán, soprano

Eduardo Fenoll, violín Pablo Prieto, violín

Sergio Franco, violín Joan Chic, violín

Juan Bernués, violín Pablo Gastaminza, violín

Raquel Sobrino, violín Natan Paruzel, viola

Juan Luis Arcos, viola Pedro Reula, violonchelo Xavier Astor, contrabajo

Alfonso Sebastián, órgano y clave Luis Antonio González, dirección�

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PROGRAMA

MISERERE �

I José de NEBRA (1702-1768)

Auto sacramental: El Diablo Mudo �

II J. de NEBRA

Miserere

NOTAS AL PROGRAMA Fuentes: Archivo de Música de las Catedrales de Zaragoza; Archivo de la Catedral de Guatemala Edición: Luis Antonio González José de Nebra (Calatayud, 1702 - Madrid, 1768) es, sin duda, uno de los más relevantes e inspirados compositores españoles del siglo XVIII. Su obra, de notable y raro cosmopolitismo, combina magistralmente la tradición española con el dominio del idioma musical europeo (italiano y francés) setecentista. Su Miserere para dos tiples, orquesta de cuerda y continuo es una muestra de tal afirmación. Está compuesto según el modelo arquitectónico del Stabat Mater de Pergolesi, obra que generó un enorme impacto en toda Europa (incluso Bach realizó su propia versión del mismo), y revela marcadas influencias de tradición fundamentalmente napolitana (Alessandro Scarlatti), pero todo ello no disminuye su carácter reciamente personal. Es más, como otras obras litúrgicas de Nebra (el Réquiem para Bárbara de Braganza, por ejemplo), el Miserere es una composición moderna, que abandona por momentos el lenguaje barroco y adopta elementos formalesque triunfarán en el clasicismo vienés. El programa se ha completado con el auto sacramental de Calderón 'El diablo mudo' (originariamente de 1660) que, según se sabía por fuentes documentales conocidas y publicadas, había sido puesto en música por Nebra y representado en 1751. Después de un estudio caligráfico y estilístico, puedo afirmar sin duda que la fuente musical encontrada corresponde a Nebra (es un autógrafo). Se presenta una escena de esta obra (la escena central del drama) en la que dialogan dos personajes, la Naturaleza Divina y la Naturaleza Humana. Se trata de un recitado, un aria, una tonada estrófica y algunos breves números más, que se suceden sin solución de continuidad. En esta escena el texto original de Calderón está manipulado y alterado para adaptarlo a las conveniencias métricas, estróficas y formales del recitado y el aria, por una parte, y para conformar una escena totalmente cantada (que es el centro, el clímax del auto), por otra. Con esta escena se busca mostrar el contraste con el Miserere, que es evidente -es teatro, con texto en castellano y una puesta en música de gran variedad dentro de la escasa duración-, pero el carácter y el argumento -el arrepentimiento, la salvación, el albedrío...- no pueden estar más próximos. La música es de una calidad extraordinaria y tenemos, además, el placer y el honor de presentarles una primicia absoluta. Luis Antonio González

Los Músicos del Buen Retiro Capilla de Palacio

Sextetos de Rameau Domingo 28 de mayo

LOS MÚSICOS DEL BUEN RETIRO Bajo la iniciativa de Isabel Serrano y de Antoine Ladrette, y con el fin de investigar e interpretar especialmente la música barroca española, nace el grupo “Los Músicos del Buen Retiro”, refiriéndose al hoy prácticamente desaparecido palacio madrileño. En el grupo se integran otros músicos con importantes carreras profesionales en el mundo de la música barroca, dentro y fuera de nuestras fronteras. El conjunto ha conseguido en apenas seis años años ser considerado como uno de los más relevantes en España. Su proyecto es emular a los llamados “músicos de la cámara”, un selecto número de cantantes e instrumentistas al servicio de los reyes que atendían distintas actividades en la intimidad de sus palacios. Ya fuesen “maestros de música” de un infante o de la propia reina, como lo fue Domenico Scarlatti, tenían un papel fundamental en la vida cotidiana de la Real Familia, que iba desde la simple distracción de una velada musical, con una sonata a violín solo, a la composición de una serenata a cuatro voces interpretada en el Salón de Reinos, con decorados efímeros o traídos desde el cercano Coliseo del Buen Retiro, en caso de gran festejo. Habituales en el Festival Música Antigua Aranjuez, tras sus celebradas apariciones en las ediciones de 2004 con Las Amazonas de España, cuya grabación en los días siguientes al concierto inauguró la colección del propio sello discográfico del Festival, y 2005 con las arias del Quijote de Caldara,“Los Musicos del Buen Retiro” vuelven a presentarse en 2006 con los Sextetos de Rameau.

�������������������������������� FORMACIÓN

Isabel Serrano, violín barroco Antonio Almela, violín barroco

Dario Luisi, violín barroco Suzanne Scholtz, viola barroca

Antoine Ladrette, violonchelo barroco Marion Middenway, violonchelo barroco

PROGRAMA

LES CONCERTS EN SEXTUOR

de

Jean-Philippe Rameau

I

Premier concert: La Coulicam

La Livri La Vezinet

Deuxième concert:

La Laborde La Boucon L’Agaçante

Menuets I et II

Troisième concert: La Lapoplinière

La Timide (Rondeaux I et II) Tambourins I et II

II

Quatrième concert:: La Pantomime

L’Indiscrète La Rameau

Cinquième concert:

La Forqueray La Coupis La Marais

NOTAS AL PROGRAMA Para el músico que se dedica a la época barroca, Rameau tiene un significado muy especial, y más todavía para el que ha tenido la inolvidable experiencia de participar en la interpretación de alguna de las óperas del compositor francés, lo que, afortunadamente, es nuestro caso. Estos Concerts en sextuor tienen además un interés especial, al pertenecer a un género muy característico del siglo XVIII: la transcripción. Se trata de un arreglo apócrifo para seis instrumentos de cuerda de las muy famosas Pièces de clavecin en concert editadas en 1741 para “el clave, un violín o una flauta, y una viola da gamba o un segundo violín”. En el prefacio de esta obra, el autor de Hippolyte et Aricie dejaba amplias posibilidades de interpretación, notificando bien que “estas piezas, ejecutadas al clave solo, no dejan nada que desear –es más, no se puede imaginar que necesiten de cualquier otro adorno”. Muy lógicamente aparecerá, en el mismo año 1741, una versión para clave solo. Desde luego, en el caso de nuestros Concerts en sextuor, “este arreglo nunca conoció una impresión y solo lo conocemos en forma de un manuscrito que pertenece a la Bibliotéca Nacional de Paris (signatura VM7 3614) 1 ”, gracias a un abogado francés, Jacques-Marie Decroix (1746-1826) gran admirador y colleccionista de las obras de Rameau, quien, segun Graham Sadler, podría ser el autor de esta transcripción. En 1741, Rameau tiene 58 años, y una amplia experiencia como compositor de ópera (Hippolyte et Aricie, Les Indes Galantes, Castor et Pollux, Les Festes d’Hébé, Dardanus han sido creadas en los 8 años anteriores), habiendo editado casi todas sus obras para clave solo, sus grands motets, sus cantatas, y muchas de sus obras teóricas más importantes (Traité de l’Harmonie, 1722, etc.). Es un personaje indispensable en la vida musical francesa, y tambien en la europea: tiene correspondencia con Mattheson, y muchos otros “compositores-teóricos”, intercambiando con ellos opiniones sobre muchos temas y defendiendo una idea que es una especie de emblema de su trabajo: “la melodia nace de la armonía...” Estos Concerts en sextuors reflejan perfectamente esta trayectoria del compositor francés, pues en los títulos de los movimientos encontramos tanto a los mecenas de su época, Lapoplinière, el vizconde de Livri, como a músicos emblemáticos como Forqueray, Marais, y el mismo Rameau; encontramos también una lista de caracteres: La timide, l’agaçante, l’indiscrète, y algunas danzas ya utilizadas en sus óperas, como el famoso Tambourin, y los minuetos. Cada pieza tiene un carácter muy diferente, como lo tendria una joya que hubiera sido creada para una persona única. Además, el hecho de que haya seis instrumentos para hacerla “entender”, pone en evidencia una armonía magistralmente conducida por el gran maestro... de la que nacen melodías realmente inolvidables. Así están reunidos esta noche los que han inspirado al genio de Rameau: Decroix, sus “colegas”, como Marais, sus mecenas, la ópera, la danza, la diversidad del carácter humano... Según las buenas costumbres de Rameau, deberíamos recordar a Saint-Saens, quien publicó su obra a finales del siglo XIX, y realizó algunas magníficas transcripciones para dos pianos de algunas de sus óperas. Igualmente hemos de citar a Arthur Pougin (1834-1921), violinista, director y autor del primer estudio sobre el compositor, en 1876. “... es al entender bien el espíritu de cada pieza cuando se puede observar su totalidad adecuadamente 3 ”

����������������������������������de Rameau�Del buen uso de lo falso Evocamos para empezar una anécdota divertida en la historia del redescubrimiento de Rameau : es importante saber, en efecto, que los concerts en sextuor constituyeron la primera integral grabada, bajo la iniciativa de Maurice Hewitt, uno de los veteranos del célebre cuarteto Capet. Ocurrió en 1942, en plena ocupación...! Hay que ver aqui la razón por la cual esta recopilación de sextetos fué durante mucho tiempo más conocida que la música de cámara original de Rameau; no obstante, estamos en presencia de una falsificación, mejor dicho un documento apócrifo, que de hecho no es más que la transcripción para seis instrumentos de cuerda de las Pièces de clavecin en concert, escritas para “el clave, un violín o una flauta, y una viola da gamba o un segundo violín” Este arreglo nunca conoció una impresión y solo lo conocemos en forma de un manuscrito que pertenece a la Bibliotéca Nacional de Paris, (signatura VM7 3614) que reune las particellas en un pequeño volumen en cuarto. Una cosa es cierta: este manuscrito, que no tiene nombre de autor, no es de la mano de Rameau. Sin embargo, se trata sin duda de un manuscrito de época viendo que se encuentra la fecha de 1741 en una de las partes instrumentales, año de la publicación de las Pièces en concert. Esto podría suponer que bajo esta forma, los Concerts pudieron muy bien interpretarse en vida de Rameau, incluso con su aprobación. No obstante se encuentra una inscripción, en tres de las otras partes, donde esta escrito: Decroix 1768. Desde luego Rameau llevaba muerto 4 años, y probablemente nunca sabremos si esta fecha de 1768 corresponde a la de la realización de esta transcripción o a su adquisición por

parte del famoso Decroix de quien sabemos fué un gran admirador de Rameau, coleccionista de sus obras, e íntimo amigo de su hijo. De todos modos, este arreglo para sexteto constituye para nosotros una muestra de las costumbres de transcripción de la época. Los musicólogos y tratadistas han desacreditado muchas veces este manuscrito subrayando la torpeza y el desacierto se su realización. Es cierto que si el mismo Rameau hubiera obrado en este sentido, se hubiera permitido más licencias en relación a su modelo, como lo demostró varias veces cuando se dedicó a este tipo de adaptaciones, y precisamente hizo muestra de mucha destreza en convertir cinco de estas piezas para clave solo, conservando del original más el espíritu que la letra. Aqui, al contrario, la traducción de las Pièces en concert es estricta y literal y hay que encontrarse ante la más absoluta imposibilidad de ejecutar algunos arpegios del clave con los instrumentos de cuerda para permitirse cualquier licencia. Asi pues el arreglista se ha obligado a respetar el dispositivo inicial de estos petits concerts que hacían dialogar “el clave, un violín o una flauta, y una viola da gamba o un segundo violín”. Así, por su extensión a un grupo homogéneo de cuerdas, se impone la tarea de reproducir fiel y servilmente la parte de primer violín y la del segundo violín, tal y como estan escritas por Rameau, confíando al tercer violín los dibujos de la mano derecha del clave, mientras las partes de viola y de los dos violonchelos se reparten las notas intermedias y la mano izquierda del teclado. De esta decisión musical resultan todo tipo de cruzamientos de tesituras que casi provocan el vertigo al leer la partitura. Es sin duda en este punto donde los críticos se creyeron autorizados para aplicar la maxima severidad. Y es verdad que en términos concretos, esto puediera suponer problemas de interpretación, pero aqui reside precisamente todo el encanto de una transcripción como esta. En efecto, cuando los músicos saben impregnarse de las páginas originales, pueden divertirse con los problemas de equilibrio de timbres, en los sextetos, para volver a encontrar la esencia misma de estos concerts a través de un entramado permanente de intercambio y de dialogo instrumental. Pues precisamente, si las Pièces en concert no están emparentadas en absoluto con el trio del siglo XIX, no estan menos alejadas de la sonata en trio del XVIII. Es más conveniente caracterizarlos, justamente a la luz de su título, como movimientos concertantes, que según la palabra de Girdlestone, serían los únicos ejemplares de una especie desaparecida. Sin duda Rameau quiso actuar deliberadamente en este sentido, probablemente como reacción al universo de la sonata italiana. Nos acordamos que en esta época lanzaba Fontenelle su célebre apóstrofe “Sonata, que quieres de mí? ”. Rememoramos tambien Séré de Rieux, un partidario moderado de los Italianos, que expresa su afán de novedad en cuanto a la música de cámara declarando: “Si Francia ha resonado cien veces con cantatas –No excitaría más ruido el furor de las sonatas? –Intentos impetuosos de nuevos artistas –Florecieron profusamente todos los años”. Rameau dá respuesta a todo esto de un modo innovador pidiendo a los concertantes que se escuchen bien del uno al otro, “distinguiendo lo que solo es acompañamiento de lo que forma parte del sujeto”. Dice claramente: “por lo demás, es al entender bien el espíritu de cada pieza cuando su totalidad se pueda observar adecuadamente”. Para Rameau, es la sustancia misma de la música lo que realmente importa. Hay que apuntar más a su ser que a su parecer. Así deja en su prefacio amplias posibilidades de interpretación, notificando que “estas piezas, ejecutadas al clave solo, no dejan nada que desear –es más, no se puede sospechar que necesiten cualquier otro adorno”. La transcripción que nos viene del fondo Decroix parece burlarse de esta coquetería de autor, permaneciendo fiel a su principio. En efecto, en lugar de un clave sinfónico, el arreglista despliegue el sexteto de cuerdas como para demostrar que el ser de la composición musical sobrepasa ampliamente su parecer. Al mismo tiempo explicamos porqué el siglo XVIII, siglo de las Luces, fué, más que el nuestro, el siglo de las transcripciones y los arreglos, si bien observando una regla de oro: extraer bien el sentido de cada pieza para que “se pueda observar adecuadamente”. Evidentemente es la apuesta de esta grabación, que además hace un guiño complice a la primera integral grabada, interpretando este anónimo falso con instrumentos antiguos auténticos.

Philippe Le Corf, (trad. Is. Serrano, A. Ladrette) Ph. Le Corf es músico, musicólogo, productor en “France Culture”.

Emilio Moreno y Silvia Márquez

Salón del Teatro Mozart y Martín y Soler

Sonatas para violín y clave Sábado 3 de junio

EMILIO MORENO, violín Violinista y violista madrileño, estudia con su padre, con Enrique García Marco y se diploma en el Real Conservatorio de Madrid, realizando igualmente estudios de Filosofía en la Universidad Complutense. Obtiene su Diploma de Solista de violín barroco en la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suiza) como alumno de Jaap Schröder, y realiza posteriormente estudios de doctorado en la Universidad Autónoma de Barcelona. Colaborador habitual de importantes figuras de la “música antigua” (Brüggen, Leonhardt, Kuijken, etc.), actúa y graba regularmente como solista por todo el mundo, y es invitado habitual como concertino o director de múltiples orquestas “barrocas” en Europa, América y Japón en conciertos y grabaciones actuando en los más importantes salas de conciertos y festivales de todo el mundo; además es Viola Solo de la Orquesta del Siglo XVIII de Amsterdam. Reconocido especialista en música española barroca, es director de dos de los grupos españoles de más presencia en la escena internacional, La Real Cámara y El Concierto Español, y es fundador y director artístico del sello discográfico español Glossa. A su pluripremiada discografía personal, hay que sumar sus publicaciones como investigador, editor y ensayista Además de miembro del Consejo Nacional de la Música del Ministerio de Cultura, enseña violín, viola y música de cámara en el Departamento de Música Antigua de la Escola Superior de Música de Catalunya (Barcelona) e imparte regularmente master-classes por todo el mundo.

SILVIA MÁRQUEZ, clave Nacida en Zaragoza, fue Primer Premio en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales 1996 en las especialidades de Clave y Órgano (concurso al que ha sido invitada como Jurado en las últimas ediciones). Premio Especial del Jurado a la mejor interpretación histórica y Mención de Honor en el Concurso Internacional "Primavera de Praga" 1999. Mención de Honor en el Concurso Internacional de Clave de Brujas (Bélgica) 2001.Tercer Premio en la I Bienal Internacional de Jóvenes Organistas de Granada 2002. Segundo Premio en el IV Premio de Interpretación de Alcoy 2002.

Miembro de la Orquesta Barroca de la Unión Europea 2001, con la que ha actuado en Francia, Alemania, Inglaterra, Holanda, Bélgica, Italia, España, Hungría y China, bajo la dirección de Roy Goodman, Andrew Manze, Alfredo Bernardini y Edward Higginbottom.

Tras obtener el Título Profesional de Piano con Francisco Lázaro y los Títulos Superiores de Clave y Órgano con

J.L.González Uriol en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza, (donde concluye con Premio de Honor Fin de Grado Medio en Órgano y Premio de Honor Fin de Grado Superior en Clave y Música de Cámara), prosigue sus estudios, becada por el Ministerio de Asuntos Exteriores y el Gobierno Holandés, en el Sweelinck Conservatorium de Amsterdam y el Real Conservatorio de La Haya: clave (Jacques Ogg y Menno van Delft), órgano (Jacques van Oortmerssen) y fortepiano (Stanley Hoogland), obteniendo el Diploma Superior holandés. Asímismo trabajó durante cuatro años el repertorio contemporáneo para clave con Annelie de Man. Participa en cursos y seminarios con profesores como Gustav Leonhardt, Jesper Christensen, Jan Willen Jansen, Guy Bovet, Jon Laukvik, Christine Whiffen , Andrea Marcon, Patrick Cohen, Lars Ulrik Mortensen, Montserrat Torrent, etc. Ha realizado cursos de postgrado en el C.S.I.C. (sección de musicología) en Barcelona, así como en la Universidad de Alcalá de Henares.

Ha actuado como solista en varios países europeos y en los mas prestigiosos festivales tanto en España como en

Holanda. Así mismo ha actuado como solista con la Orquesta de Cámara Española, Orquesta Barroca Sinfonía de Murcia, Orquesta Sinfónica de Murcia, Solistas de la Orquesta Barroca de Sevilla y Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza, con la que además ha colaborado en varias ocasiones, principalmente con programas de música contemporánea. Desarrolla su actividad camerística junto al clavecinista Alfonso Sebastián (con quien ha grabado un CD con música de L.Boccherini para dos claves) y como integrante del grupo La Tempestad (música barroca), y el Ensemble Areté (música contemporánea).

En 1999 obtiene por oposición la plaza de Clave en el Conservatorio Profesional de Música de Murcia, donde también imparte clases de órgano. Actualmente se encuentra en comisión de servicio en el Conservatorio Superior de Música de Murcia.

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FORMACIÓN

Emilio Moreno, violín Silvia Márquez, clave

PROGRAMA

Dos conmemoraciones:

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y Vicente Martín y Soler (1754-1806) Obras para violín y clave

Sonata y arreglos de "La Cosa Rara" de Martín y Soler

Sonatas KV8, 296 y 379 de Mozart.

NOTAS AL PROGRAMA No debería oscurecer la conmemoración de los doscientos cincuenta años del nacimiento de Mozart otra, más luctuosa, referida a la muerte en San Petersburgo hace doscientos del músico valenciano Vicente Martín y Soler en 1806 después de una brillantísima carrera como compositor operístico que le llevó por los teatros más importantes de su época. Ni Martín y Soler es Mozart, ni Mozart Martín y Soler: las comparaciones son odiosas, y si el genio del salzburgués está reconocido universalmente en todos los géneros que tocó, el del valenciano, únicamente centrado en el mundo operístico, a su manera también destacó en su día con la luz más brillante, llegando a oscurecer la fama de Mozart en la mismísima Viena, a la vez que lograba del salzburgués una expresión de admiración que perdurará eternamente: ¡“Brava, cosa rara”¡ grita entusiasmado Leporello en Don Giovanni escuchando la serenata que acompaña en el segundo acto la cena de Don Juan, música en la que Mozart incluye, quizás en sincero homenaje a Martín y Soler, un entonces conocidísimo fragmento de la La Cosa Rara, una de las óperas más celebradas de su época y la más famosa de las muchas y brillantes de Martín y Soler. El programa que ofrecemos en el Festival de Música Antigua de Aranjuez quiere mostrar una faceta de la obra de Mozart no demasiado prodigada en comparación con otras, las sonatas de violín y teclado, con el interés añadido de hacerlas con un clave en lugar de un fortepiano. Mozart, siempre a la última de todas las novedades de los instrumentos de teclado, se había formado al clavicordio y al clavecín, y su escritura para el teclado muchas veces es compatible tanto para el barroco clave como para el moderno fortepiano. No es solamente por razones comerciales que Mozart publica muchas de sus sonatas como obras violín y clavecín o fortepiano a fin de ganarse un público potencial tanto de la vieja escuela como de los pianistas más rabiosamente al día: el lenguaje musical del salzburgués no olvida sus raices y sabe que de ambas maneras la lectura de muchas de sus sonatas es rica en diferentes e inagotables matices. Así, “a la antigua” ofrecemos tres sonatas que van particularmente bien a su interpretación al clavecín: una de sus primeras composiciones, la sonata KV 8 en sib mayor, escrita a la increíble edad de 6 años en su primer viaje a París, deliciosa pieza de una apabullante madurez, la perfecta sonata KV 296 en do mayor de 1778, de la época previa a su instalación definitiva en Viena del compositor, y la menos conocida KV 379 en sol mayor de 1781, con sus dos maravillosos movimientos, el extenso adagio-allegro inicial y las variaciones finales, posiblemente unas de las más bellas que jamás escribiera el genio salzburgués. Como complemento a Mozart, y en homenaje igual de sincero a nuestro compatriota Martín y Soler, ofrecemos la primicia de su rara sonata para violín y arpa en su versión alternativa de clave, muy a la page y de evidentes reminiscencias operísticas, así como unas transcripciones para violín y clave, quizás del mismo Martín y Soler, de algunas de sus páginas operísticas más celebradas, una manera muy usual entonces de interpretar las óperas famosas, alternativa a los amantes de la música que, lógicamente, no podían en sus casas ni oír ni, aún menos, representarlas. Emilio Moreno

Paseo Musical. Jardín del Príncipe Salida Puerta Principal

Concierto final Fuente de Apolo Els Sonadors. Mozart en Los Jardines

Domingo 11 de junio

ELS SONADORS DE MARTIN I SOLER Els Sonadors de Martín i Soler es un ensamble que se articula como banda histórica de viento cuya principal formación es el Octeto de Viento con Contrabajo (dos oboes, dos clarinetes, dos trompas y 2 fagotes) y, en ocasiones, percusión. Se compone de un grupo de músicos especializados y de alto nivel artístico que interpretan, con instrumentos originales, la "Harmoniemusik" -música para vientos- compuesta durante el periodo que abarca aproximada-mente las tres últimas décadas del siglo XVIII y la primera mitad del XIX. Sus miembros coinciden asiduamente, como instrumentistas, en las más prestigiosas orquestas y agrupaciones de carácter historicista europeas: Orchestra of the Eighteenth Century, Freiburger Barockorchester, Concerto Köln, Anima Eterna, Orchestre des Champs-Elysées, Orquesta Barroca de Sevilla, Les Talents Liryques, Nachtmusique... Se trata de un conjunto estable que, tanto por sus características como por su repertorio, carece de precedentes y paralelos en nuestro país. Su objetivo es difundir el extraordinario y popular repertorio que fue escrito –o transcrito- para estos conjuntos de vientos aparecidos en una época de muchos cambios y grandes alteraciones sociales, un período en el que esta "nueva sonoridad" adquirió un gran auge por su carácter funcional y divulgativo, en una sociedad en la que emergía con pujanza una nueva clase social poderosa: la burguesía, deseosa de simular los hábitos y conductas de la nobleza y, por consiguiente, de acceder al mundo de la cultura y las artes. La principal finalidad de un concierto ha de ser, ante todo, el solaz del auditorio. Con este anhelo y el de transmitir una concepción integral del espectáculo, Els Sonadors De Martín i Soler diseñan sus programas en base a una coherencia temática, estética e histórica. Se otorga especial relevancia a la puesta en escena para que esta propicie un ambiente distendido y documentado, para esto, en ocasiones, la parte musical va acompañada de un guión que incluye la presentación de las piezas que se interpretan, así como comentarios y referencias históricas sobre las mismas. �

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FORMACIÓN

Albert Romaguera, oboe Katherine Elkin, oboe

Diego Montes, clarinete Fernando Romaguera, clarinete

Rafael Mira, trompa natural Jorge Rentería, trompa natural

Eyal Streett, fagot Carles Cristóbal, fagot

Juan Jaime Ruiz, contrabajo

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PROGRAMA

VIENTOS EN LOS JARDINES Y

SALONES REALES

I

W.A. Mozart (1756-1791)

Obertura de Don Giovanni (arr. Joseph Triebensee, 1772-1846)

Obertura de Las Bodas de Fígaro

(arr. Joseph Triebensee. Trans. Carles Riera)

Martin i Soler (1754-1806)

Selección de L'Arbore de Diana

(arr. Johann N. Went, 1745-1801) Largo

Allegro Adagio

Allegro assai

II

W.A. Mozart

Serenata en Mib, KV 375 Allegro maestoso

Menuetto I Andagio

Menuetto II Allegro

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NOTAS AL PROGRAMA �

Compositores coetáneos y triunfadores, camaradas pero competidores a su vez, que fueron los favoritos del Emperador y la Corte vienesa por "los años ochenta" del s. XVIII en Austria. Fueron principalmente estos dos compositores quienes marcaron las pautas en la creación musical y operística del momento, y sus obras sirvieron de referencia formal y estilística para las creaciones de los jóvenes compositores de toda Europa.

Florilegium y Solistas Bolivianos Capilla de Palacio

El Barroco en las Misiones Jesuitas de Bolivia Sábado 17 de junio

FLORILEGIUM Director Artístico: Ashley Solomon

Sus continuas actuaciones en los más prestigiosos locales del mundo han servido para establecer Florilegium como una de las bandas de instrumentos de época más importantes de Inglaterra. El periódico británico Times escribía, tras su actuación en el Wigmore Hall de Londres: "Florilegium elevó la música a las alturas y consiguió que al público del Wigmore cantara con emoción. Se han convertido en un elemento indispensable en el panorama de la música antigua." Desde su formación en 1991, Florilegium se ha forjado una reputación por sus interpretaciones excitantes y modernas de piezas musicales que van desde la época barroca a la revolución romántica. Entre las numerosas residencias que Florilegium ha tenido durante los últimos años se encuentra el codiciado puesto “Ensemble in Residence” del Wigmore Hall de Londres, del que disfrutaron tres temporadas, de 1998 a 2000. Durante ese tiempo llevaron a cabo varios conciertos cada año y se involucraron de forma activa en el trabajo educativo del Hall. En la última temporada como “Ensemble in Residence“ realizaron una serie de seis conciertos para conmemorar el 250 aniversario de la muerte de J. S. Bach. Los compromisos y conciertos de Florilegium la han llevado a recorrer Europa Occidental y del Este, América del Norte y del Sur, Canadá, China, Hong Kong, Australia, Israel y Turquía. Cada temporada el grupo recibe infinidad de invitaciones para actuar en los más importantes festivales internacionales y entre las salas de conciertos más recientes se incluyen Sydney Opera House, Frick Collection de Nueva York, Teatro Colón de Buenos Aires, Concertgebouw de Ámsterdam, Vienna Konzerthaus de Austria, Beethoven Haus de Bonn, Handelhaus de Halle y el Théâtre Grevin de París. Florilegium es un conjunto flexible que interpreta música de una gran variedad de estilos, desde piezas de música de cámara a repertorios para grandes orquestas. Tras casi 6 años de descanso, el Coro de Florilegium vuelve a los escenarios bajo la nueva dirección musical de David Hill para interpretar repertorios corales y orquestales, entre los que se incluyen las principales Pasiones y Oratorias. Florilegium colabora constantemente con algunos de los mejores músicos del mundo. Entre sus últimas actuaciones conjuntas destacan las realizadas con artistas invitados como Emma Kirkby, Derek Lee Ragin y Andrew Manze. Desde su primera colaboración con el Bach Choir y David Hill, durante la temporada de Semana Santa de 2002, Florilegium ha actuado frecuentemente en el Royal Festival Hall invitada por el Bach Choir. Además, han trabajado con el coro de St. John’s College Cambridge y el coro de Winchester Cathedral. La temporada 2004 / 05 es especialmente ajetreada, con viajes y giras por el extranjero en América del Norte, Estambul, Israel, Francia, Canadá, Italia, la República Checa y Bolivia. Durante su estancia en Bolivia grabaron en un CD para Channel Classics con la música barroca boliviana recientemente descubierta en la cripta de una iglesia situada en medio de la jungla boliviana. En este proyecto colaboraron con músicos y cantantes bolivianos. En enero se presentó el programa "Bolivian Baroque" en el Konzerthaus de Vienna, el Concertgebouw de Ámsterdam y el Wigmore Hall de Londres, y obtuvo un enorme éxito. Florilegium continuó su escalada de éxitos en el Reino Unido con sus otras tres apariciones en el Wigmore Hall, incluyendo el concierto para conmemorar el 300 aniversario de la muerte de Charpentier, sus varias actuaciones en el Royal Festival Hall de Londres con el Bach Choir y en el teatro Sheldonian Theatre de Oxford junto a Emma Kirkby, y los numerosos conciertos ofrecidos en el Reino Unido. El grupo ha realizado 15 grabaciones con el sello discográfico holandés Channel Classics y muchas de ellas han sido premiadas con galardones, como la nominación a los Gramophone Award, Editor’s Choice de Gramophone, Diapasons d'Or y Chocs de la Musique en Francia y Disco del mes en Holanda. La discografía de Florilegium incluye títulos como Telemann's Paris Quartets, Tafelmusik y Concerti da Camera; con música de Leclair, Boismortier y Corrette; Cantatas con la soprano Julia Gooding de Monteclair; el concierto de Vivaldi; música de cámara de J. S. Bach, C. P. E. Bach y otros miembros de la familia Bach, y tres discos de música de Vivaldi y Haydn con el violonchelista Pieter Wispelwey. Además, el año pasado se produjo el lanzamiento del Volumen 1 de los arreglos de Salomon de las London Symphonies de Haydn en Wigmore Hall, con una excelente acogida por parte de la crítica. Este título va a formar parte del largo proyecto del conjunto de grabar la serie completa de los arreglos de Salomon. En 2004 se publicaron los Telemann Paris Quartets y el CD de música barroca boliviana mencionado con anterioridad. FORMACIÓN Ashley Solomon, flauta y dirección artística Rodolfo Richter, violín Sarah Moffat, violín Jennifer Morches, violonchelo Robert Nairn, contrabajo

Eligio Quinteiro, tiorba y guitarra James Johnstone, clave y órgano Katia Escalera, soprano Henry Villca, tenor Alejandra Wayar, soprano Gian-Carla Tisera, mezzosoprano PROGRAMA ��������������� ��������������������������� ������������������������������������ Anon Sonata Chiquitanas XVIII Allegro, Andante, Presto Anon Stella caeli Anon Aria In hac mensa novi Regis Anon Caima, Iyai Jesús

Sonata, Recitative, Acuacirica inema Anon La Folia Allegro, Largo, Allegro Anon Exaltate Regem novum PAUSA D. Zipoli Motet In hoc mundo Sonata, Recitativo, In te spero, Recitativo, Tunc lectus organis Anon Pastoreta Ychepe Flauta SC, Allegro, Adagio, Allegro Anon Tota pulchra Anon Aqui ta naqui Iyaî Aqui ta naqui, Chapie Iyai Jesu Christo D. Zipoli Beatus vir

Beatus vir, Exortum est, Incundus homo, Pecc ator videbit, Gloria Patri, Sicut erat NOTAS AL PROGRAMA El barroco musical en las misiones jesuitas Por Piotr Nawrot, SVD El estudio de la música de los archivos americanos ha revolucionado los conocimientos disponibles hasta la fecha sobre la cultura musical en los centros urbanos y misioneros de las Américas entre los siglos XVI y XVIII. Los compositores nativos, criollos y europeos crearon un repertorio americano único inspirado en el renacimiento y el barroco, con envergadura y originalidad comparables a las de las innovaciones sonoras producidas en los principales centros musicales europeos de la época. En la actualidad, todavía existen dos importantes centros musicales misioneros. El primero se encuentra en Concepción (Bolivia), en la Librería de la vicaría apostólica de Ñuflo de Chávez. Esta colección procede de las iglesias misioneras de San Rafael y Santa Ana. El segundo centro, que se ha descubierto y organizado más recientemente, está compuesto por la colección de manuscritos musicales de las antiguas misiones jesuitas en los asentamientos de los indígenas Moxos en Bolivia. Estas piezas se siguieron copiando hasta la década de los noventa del siglo pasado. Ambas colecciones contienen numerosos trabajos vocales con acompañamiento, además de un grupo de piezas instrumentales excepcionales en el repertorio latinoamericano. Normalmente, el repertorio contiene únicamente piezas vocales y corales y no instrumentales. A pesar de que la mayoría de las composiciones fueron escritas por autores indígenas (con textos en lenguas autóctonas: chiquitana, baure, moxa, canichana, guaraní), los manuscritos incluyen además seis misas de Giovanni Battista Bassani (1657-1716), dos motetes de Johann Joseph Ignaz Brentner (1689-1720) y catorce composiciones de Domenico Zipoli (1688-1726) que se han utilizado como modelos para enseñar la difusión de la música durante las conquistas jesuitas. Estas piezas tienen un valor incalculable, ya que no existe en todo el mundo ningún elemento similar capaz de justificar nuestro conocimiento sobre la cultura musical de las antiguas misiones realizadas en América.

Las misiones usaron esta música como medio de comunicación con los nativos. Una vez que se establecía un asentamiento, se creaba un coro y una orquesta compuestos por entre treinta y cuarenta músicos. Cada aldea disponía de un colegio en el que los hijos de los nobles locales aprendían a leer, escribir, bailar y la música. Se seleccionaban los niños indígenas con las mejores voces para que cantaran en el coro y los más robustos para tocar instrumentos de viento. El maestro de capilla, siempre un nativo, era el encargado de la escuela de música. Su función se reconocía por separado en una ceremonia solemne celebrada el primer día del año, cuando se elegían las autoridades locales. Cada colegio estaba equipado con una librería compuesta por colecciones musicales que se renovaban constantemente con copias de trabajos procedentes de las misiones vecinas y con novedades traídas a las misiones desde Europa por nuevos misioneros y apoderados. De ahí que el estilo musical del barroco misionero atravesara diferentes etapas en su desarrollo. En el ciclo de sonatas para dos violines y continuo, los manuscritos de las misiones Chiquitos han conseguido conservar casi veinte piezas que se recogen en el catálogo de archivos como completas y un par que están incompletas o fragmentadas. No cabe ninguna duda de que esta música se escribió en Europa y se copio únicamente para los músicos americanos; debe proceder de algún centro musical de Italia. Sin embargo, para que la introducción de estas piezas en el repertorio colonial americano fuera más efectiva se las llamó sonatas “chiquitano”, aunque en la cubierta del manuscrito no se hace ninguna referencia al pueblo indígena Chiquitano. La utilización del personaje en la Sonata XVIII, hace pensar que esta no solo se representaba en las escuelas, sino también en la iglesia. Al igual que las otras sonatas de los archivos de Chiquitos, el trabajo contenido en este CD está compuesto por tres movimientos rápido – lento – rápido. Además, las misiones conocían sonatas que incorporaban movimientos de baile. In hac mensa novi Regis forma parte del repertorio de una de las más importantes festividades de la conquista, del Corpus Christi. Los momentos supremos de esta festividad los conformaban las misas solemnes y las vespertinas, el sermón, la opera y la procesión a los cuatro altares situados en las cuatro esquinas del cuadrado central en el que actuaban músicos y bailarines. Las preparaciones para la festividad del Corpus incluían la cacería de animales salvajes, pájaros multicolores, loros y aves que llevaban a cabo los indígenas en los campos cercanos y montañas para decorar la iglesia y el cuadrado central. Al concluir la Misa solemne, una colorida procesión acompañada por el sonido y el clamor devoto de los muchos instrumentos existentes en la aldea (europeos y autóctonos) partía hacia los cuatro altares. Durante cada parada, cuando el sacerdote impartía con incienso el Sacramento Sagrado, el coro entonaba un motete. Aparentemente, esta pieza se cantaba durante la Misa solemne y no frente a los altares. Siguiendo la tradición establecida en las misiones, un niño de la escuela de música que había recibido la preparación adecuada para la ocasión interpretaba la parte solista. Caîma, Iyaî Jesus. La abundancia de piezas musicales sagradas en el repertorio de las misiones Chiquitos con textos escritos en lenguas autóctonas fue la consecuencia natural de las misiones jesuitas. La música de las gentes de las misiones no debe contemplarse como una imposición por parte de los misioneros sobre las prácticas musicales autóctonas, sino como un proceso de transformación gradual, en el que el talento, las preferencias y la creatividad desempeñaron un papel fundamental en favor de los indios. Del mismo modo, tampoco se intentó acabar con la música autóctona de forma rigurosa. La presencia de los modos accidentales en las producciones musicales, más que una obligación, era una preferencia; los protagonistas y en parte quizá los autores eran los propios nativos. La combinación del elemento europeo (dosis), es decir el modelo y el compositor, con el elemento autóctono, es decir las personas que interpretaban las piezas, los instrumentos que fabricaban, los textos, la inclusión de sus idiomas, etc. tuvo como resultado la creación de un nuevo repertorio de barroco misionero. Los indios no desempeñaron un papel pasivo en el proceso, sino que filtraron y definieron las dos realidades, la europea y la autóctona. La Folia. El repertorio instrumental de los archivos musicales de Moxos es escaso y está compuesto por no más de una docena de trabajos. Las piezas datan de dos periodos diferentes en la historia de las misiones. El más antiguo pasó a formar parte de la colección durante la primera mitad del siglo XVIII. Los informes de la época indican que este repertorio tenía un tamaño considerable y contenía piezas musicales para conjuntos instrumentales pequeños, para instrumentos de viento y cuerda determinados (sacra y conciertos) y para instrumentos clave. Según parece, los nativos también utilizaban en ocasiones instrumentos autóctonos específicos para interpretar este repertorio. Sin embargo, hasta la fecha no se ha arrojado ninguna luz sobre la forma en que esto se llevaba a cabo. Esta pieza fue localizada en los archivos en 2003 y esta es la primera interpretación de la misma en, al menos, un siglo, o quizá más. Se localizaron copias del alegre canto de la festividad de la Asunción, Exaltate Regem regum, en ambas colecciones (Chiquitos y Moxos). Todo hace pensar que existieron en las misiones antes que las arias indicadas con anterioridad (aprox. 1730). Esta fue una de las canciones más populares de las misiones, ya que se conocía en todas las iglesias de las que procedían los manuscritos. Hoy día todavía se canta, aunque con algunas modificaciones, en Santa Ana de Chiquitos y en San Ignacio y San Lorenzo de Moxos. Esta pieza dispone de algunas de las características del estilo conocido como barroco misionero. Algunas de los aspectos más destacados y visibles de este estilo son la preferencia por el coro de cuatro secciones (también de tres, aunque menos frecuente), algunas partes de solo y escasa orquestación, siempre con uno o dos violines y bajo continuo. Solo en ocasiones se presenta un instrumento alto no identificado. Aún así, las cartas y los informes escritos por los viajeros coinciden en indicar que las ciudades jesuitas escuchaban música de coral y solistas acompañada por estupendas orquestras multiinstrumentales. José

Cardiel, párroco entre los indios Guaraní, afirmó que el número de músicos, en el coro y en la orquesta, rondaba los treinta o cuarenta. El documento mencionado, sin embargo, carece de las precisiones y las definiciones técnicas necesarias sobre el uso de los coros y los instrumentos. No todos los instrumentos se tocaban desde el comienzo hasta el final del opus. La distribución del material entre solo y tutti, probablemente una de las tareas del maestro del coro y de capilla, dependía tanto de los gustos del director como del potencial de orquestación a su disposición. Se encontraron copias de In hoc mundo de Domenico Zipoli en ambos archivos misioneros. Sin embargo, el copista chiquitano omitió el nombre del autor. En la copia moxeña, que data de la mitad del siglo XIX, se menciona el nombre del compositor en la parte vocal, asignada en el manuscrito a un tenor. Aunque los cronistas de aquella época indicaron que existían “innumerables y excelentes” tenores, lo cual no era el caso de los siempre deseados bajos, la colección boliviana incluye muy pocas piezas para un solo de tenor. Sin lugar a dudas, varios trabajos destinados a un solo de soprano eran cantados por un tenor o se compartían entre ambas voces. Del mismo modo, las sopranos cantaban en ocasiones composiciones de los tenores. In hoc mundo podría formar parte de una composición escénica (opera sacra u oratorio) de Zipoli. Su existencia fue confirmada por algunos visitantes de las misiones. En todo el repertorio colonial de América, el Pastoreta Ychepé Flauta para flauta, violines y continuo merece un lugar destacado. Sólo se han encontrado copias de este trabajo en los archivos musicales de Chiquitos. Se desconoce tanto el autor como el origen. Todo hace pensar que hacia 1740 esta música ya existía en las misiones. Al igual que la Sonata XVIII, esta pastoreta apunta a una tradición musical instrumental de América del Sur del siglo XVIII. Hasta la fecha no disponemos de datos precisos sobre la formación de conjuntos musicales en las misiones en las que se interpretaban estas composiciones; los inventarios parecen revelar una cierta tendencia en la estructura de las orquestas, en las que la parte continua la compartían principalmente el órgano y el arpa, los instrumentos altos se repartían entre los violines, los oboes y las flautas, y los instrumentos bajos entre los violines y los bajos. El uso de otros instrumentos estaba vinculado con el nivel de festividad de las misiones; cuanto más solemne era la celebración, mayor era el número de instrumentos y sonidos desplegados. En lo alto de la jerarquía se encontraban los clarines o las campanillas, tanto las de solfeo como las de altar, y sólo se utilizaban en momentos de gala. El salmo Beatus vir, para solo de soprano, con coro de tres secciones, dos violines y bajo continuo, forma parte de los cinco salmos vespertinos que compuso Zipoli en América. Este conjunto de vespertinas se cantaba en las misiones para presentar festividades solemnes nativas. En las colecciones bolivianas existen otros arreglos de salmos vespertinos; sin embargo parece que este era el más refinado y apreciado de la época. Según los requisitos de la liturgia, cada salmo debía estar precedido de un canto antifonal en canto llano o figurado. Los manuscritos musicales de Chiquitos están compuestos por cinco cantos antifonales polifónicos cuyo texto corresponde al de la festividad del Confesor. Aunque el nombre del compositor no aparece en ningún lugar de las copias, estas han sido atribuidas a Zipoli en base al estilo de las antifonías (consulte los estudios de Bernardo Illari). Los trabajos conocidos en Bolivia y almacenados durante tres siglos no son los originales de Zipoli, quien nunca visitó los asentamientos, sino las copias de su música realizadas por copistas americanos. Resulta difícil especular sobre el grado de diferencia existente entre las prácticas musicales de las misiones y las costumbres de la iglesia en la que Zipoli trabajaba, en Córdoba, Argentina. La desaparición de las copias de todos los países americanos, excepto Bolivia, imposibilita los estudios. TEXTOS DEL PROGRAMA

Stella coeli extirpavit Stella coeli extirpavit Estrella del cielo aparecida que lactavit Dominum que diste el pecho al Señor mortis postem quam plantavit tú que has hecho desaparecer el lugar de la muerte, primus parens hominum. que te plantaste la primera para dar un hombre. Ipsa stella nunc dignetur Esta estrella resulta ahora ser digna sidera composcere para transformarte en el útero quorum bella plebem caedunt en el que se curan personas maravillosas dirae mortis ulcere. de las heridas de la muerte. O piisima stella maris, La más piadosa estrella del Cielo, apeste succure nobis. es nuestra garantía. Audi nos Domina, Escúchanos, Señora, nam filius tuus nihil negans te honorat. no rechaces las oraciones que te dedicamos. Salva nos, Iesu, Sálvanos, Señor, pro quibus Mater orat. tú a quien nuestra Madre reza. Aria: ‘In hac mensa novi Regis’ AMM, San Ignacio Anónimo In hac mensa novi Regis En esta la mesa del nuevo Rey

In hac in hac in hac mensa novi Regis En esta la mesa del nuevo Rey, Novum novum novum Pascha la nueva aprobación de la nueva ley Novae legis in hac mensa novi Regis la nueva aprobación de la nueva ley, Novum Pascha novae legis novae legis en esta la mesa del nuevo Rey, Novae legis phase vetus phase vetus el rito de la antigua ley se da por terminado Terminat phase vetus terminat el rito de la antigua ley se da por terminado. Ecce panis ecce panis, Contempla este pan, Panis ecce panis Angelorum el pan de los ángeles, Factus cibus factus cibus que se ha convertido, Cibus factus cibus viatorum que se ha convertido, Dimitte nobis debita nostra en la comida de los peregrinos. Nostrum panem da nobis Danos hoy nuestro pan de cada día, Ecce panis panis Angelorum Contempla este pan, Factus cibus cibus viatorum el pan de los ángeles Cibus viatorum cibus viatorum que se ha convertido en la comida de los peregrinos. Bone pastor panis vere lesu Oh Jesús, buen pastor y pan verdadero, lesu nostri miserere Jesús, ten piedad de nosotros. Tu nos bone fac videre Tú que nos haces ver con claridad Nos tuere tu nos pasce Tú que cuidas de nosotros, Tú que nos das de comer, Nos tuere in terra viventium. Tú que cuidas de nosotros en la tierra de los vivos. Caîma, Iyaî Jesus Caîma, Iyaî Jesus, Hoy, Señor Jesús, izet’ aemo, au niñooutimo, Me entrego a ti, ya que eres mi esperanza, na apoquenu nauxîica, y en ti encuentro la felicidad, mta auna cubare iñemo. porque te amo, también. Acuacîrîca iñemo, Te quiero, Iyaî, Ichupa, mi Señor, mi Padre, ñomînana nanaiña numuquîñaca por mi temor a equivocarme na abe aquî apeito. en la tierra y en el cielo. Acuacîrîca iñemo, atacuatoñe. Te quiero, Ache iñemo na gracia, con todo lo que soy. mo nacu[b]a iñemo, de modo que podría amarte para siempre, quîñataiai, No necesito nada más, au siboriquîs, para el resto de mis días, quîñataiai. Ya no necesito nada más [salvo tu amor]. Tarî izoma aubo mîyîrot’ ape, Así puedo morir y con ello [tu gracia] entrar en los cielos, yazaraîcarî au napooatoñe, y contemplarte en tu propia morada, mo nacuatoche caî iñemo ñana, y contemplarte en tu propia morada, mon taquînunaui, y amarte ahora y para siempre, mon taquînunaui ñaana. para siempre, y mucho más. Exaltate regem regum. Exaltate regem regum Glorifica al Rey de Reyes Hymnum Deo dicite. canta un himno a Dios. Exaltate regem regum Glorifica al Rey de Reyes Et hymnum Deo y canta un himno a Dios Hymnum Deo dicite. un himno a Dios. Deo hymnum dicite Canta un himno a Dios Deo dicite canta un himno Alleluia alleluia. Aleluya, aleluya. In hoc mundo En este mundo In hoc mundo inconstante ubi ruinae En este mundo en el que siempre Tantae ubi tantae miseriae, hay tanta ruina, tantas miserias Ioannes tuam iam deprecor opem te pido ayuda, San Juan, Ut liber et securus evadam para escapar, libre y a salvo. In te spero, in te confido Tengo mi esperanza en ti, Omnes fraudes, omnes insidias en ti confío para superar Nimici superare spero, in te confido todas las falsedades, Omnes fraudes, omnes insidias todas las tramas del maligno. Inimici superare En ti pongo mi esperanza, en ti confío. Et in portu malefido En el puerto siento miedo

Inter fluctus, et inter undas, pero no temeré al naufragio Non timebo naufragare, en medio de las tormentas y las olas. Eia Ioannes adesto precibus meis Escucha mis plegarias, San Juan. In hoc terreno carcere, Ayuda a mi alma atrapada en esta prisión terrenal. Succurre animae meae Muéstrame el camino al cielo Caeli demonstra viam, para que pueda tener la fortaleza Ut regem regum valeam super astra videre. para ver al Rey de Reyes sobre las estrellas. Tunc lectis organis bene cantantibus Entonces alabaré al maravilloso Señor Simul cum cimbalis bene sonantibus, con instrumentos de dulce sonido Tonantem Dominum laudabo. y con resonantes platillos. Tubis ductilibus, sonoris fidibus, Con dulces trompetas y liras sonoras Sanctum loannem decantabo, Alabaré a San Juan Sanctum loanem decantabo. Alabaré a San Juan. Tota Pulchra Tota pulchra es Maria Toda Hermosa eres, María Et mácula originális non est in te. Y no hay en ti mancha original. Tu glória Ierúsalem, Tú, Gloria de Jerusalén Tu laetitia Israel Tú, alegría de Israel Tu honorificéntia pópuli nostril Tú, dueña de nuestro pueblo. O Maria, Virgo prudentíssima, Oh María, virgen prudentísima Mater clementissima, Madre clementísima, Ora pronobis, Ruega por nosotros Intercéde pro nobis Intercede por nosotros, Ad Dóminum Iesum Christum Nuestro Señor Jesucristo. Aqui ta naqui Iyaî Aqui ta naqui Iyaî, Aquí Nuestro Padre está presente, aquip’ oxîma nacumanata iñemo, es el regalo que nos entregas, aichequîatoñe, te das a nosotros, otuborio nizuba aemo, para fomentar tu amor por mí, aqui ta naqui nizuba aemo. él está presente aquí, con su amor. Chapie, Iyaî Jesu Christo, Gracias Señor Jesús, chapie na ayecatî ichusi, Gracias por haber tocado mi corazón, chapie, Iyaî. Gracias, mi Señor. Chapie ito naucîpî oi Gracias por tu Espíritu cuzanau au Sacramento. presente en este Sacramento. Chapie, ixanca, chapie. Gracias, te amo, gracias. Chapie ananca anene, Gracias por la luz, chapie, Iyaî. gracias, Padre. Chapie na ayecatîchu, Gracias por venir a mí, ipoquînunc’ anene. Tu luz me hace feliz. Aizumaicazatee au nichuci, Hazte grande en mi corazón, nipequi nacuba iñemo. por la candidez de tu amor por mí. Aizumaicazatee na gracia, Haz que tu gracia por mí aumente, acunautaca Ichupa, pues tú eres mi único Dios, acunautaca, sólo Tú, acunau iñemo, se mi compañero eterno, itobo nizuba aemo, porque verdaderamente me amas, itobo nacumana iñemo. porque eres un regalo para mí. Beatus vir Bienaventurado el hombre Beatus vir qui timet Dominum Bienaventurado el hombre que teme al Señor, In mandatis eius volet nimis y en sus mandamientos se deleita en gran manera. Potens in terra erit semine eius, Su simiente será poderosa en la tierra, Generatio rectorum benedicetur. bendita será la generación de los rectos. Gloria et divitiae in domo eius Bienes y riquezas hay en su casa Et justitia eius manet in saeculum saeculi y su justicia no perecerá jamás. Exortum est in tenebris lumen rectis. es clemente, misericordioso y justo. Misericors et miserator et justus Resplandeció a los rectos luz en las tinieblas Jucundus homo qui miseretur et commodat El hombre de bien es misericordioso y presta, Disponet sermones suos in judicio. gobierna sus asuntos con juicio. Quia in aeternum non commovebitur Por lo cual jamás se apartará de su senda,

In memoria aeterna erit justus en memoria eterna será el justo. Ab auditione mala non timebit No le entra temor por las malas noticias, Paratum cor eius sperare in Domino esta su corazón firme y confiado en el Señor. Confirmatum est cor eius Asegurado está su corazón, Non commovebitur donec no temerá Despiciat inimicos suos. hasta que vea en sus enemigos su deseo. Dispersit dedit pauperibus Reparte y da a los pobres, Justitia eius manet in saeculum saeculi su justicia permanece para siempre, Cornu eius exaltabitur in gloria. Su nombre será exaltado en gloria. Peccator videbit et irascetur, Lo verá el impío y se afligirá, Dentibus suis fremet et tabescet crujirá los dientes y se consumirá, Desiderium peccatorum peribit. el deseo de los impíos perecerá. Gloria Patri et Filio Gloria al Padre, al Hijo Et Spiritui Sancto. y al Espíritu Santo. Sicut erat in principio Y como fue en los comienzos, Et nunc et semper. ahora y siempre, Et in saecula saeculorum por los siglos de los siglos. Amén. Amén.

La Tempestad Salón del Teatro de Palacio

Sopranos y Castrati Domingo 18 de junio

LA TEMPESTAD La publicación y estreno en 1611 de La Tempestad de Shakespeare coincide con el inicio en el mundo musical de una época que se ha dado en llamar "Barroco"; en la trama encontramos un naufragio, amor, crimen, lucha, magia, naturaleza; pero no es esta la única manifestación artística con este nombre: diversos cuadros y poemas de los siglos XVII y XVIII responden a este título que refleja el gusto de una época de cambio, movimiento, extremos. En el terreno de la música juega un papel primordial la expresión de los sentimientos y la descripción de fenómenos de la naturaleza. De ahí el nombre del grupo, cuyos miembros, formados inicialmente en los con-servatorios de sus ciudades de origen, han estudiado posteriormente en importantes conser-vatorios europeos (Toulouse, Musikhochschule de Viena, Sweelinck Conservatorium de Amsterdam, Koninklijk Conservatorium de La Haya) con los grandes especialistas de la música antigua. Cuentan con diversas grabaciones y premios en concursos nacionales e internacionales, y todos ellos han formado parte de prestigiosos conjuntos dedicados a este repertorio, como Al Ayre Español, La Real Cámara, El Concierto Español, Amsterdam Baroque Orchestra, European Union Baroque Orchestra, La Stravaganza, Orquesta Barroca de Sevilla, etc., con quienes han actuado tanto por la geografía española como por toda Europa, Israel y China. En España, La Tempestad se ha presentado al público en Festivales de Música Antigua como el de Aranjuez, Cádiz, Sevilla, Marbella, Murcia, Santillana del Mar, II Ciclo de Música Sacra de Almería, VII Festival Internacional de Interpretación Musical de Jaca, Ciclo de Música Antigua en la Real Capilla de Santa Isabel (Zaragoza), etc. En los últimos tiempos La Tempestad se ha centrado en la música de cámara de la segunda mitad del XVIII, aunque su repertorio se extiende desde el siglo XVII hasta incursiones en el XX, siempre con instrumentos antiguos. Debido a este enfoque camerístico se presenta en formación variable, desde el dúo (viola da gamba y clave, flauta travesera y clave, viola da braccio y clave) hasta la pequeña orquesta de cámara. En 2005 La Tempestad ofreció en concierto los quintetos para clave y cuerdas y los de flauta y cuerdas de Boccherini. En octubre de 2005 La Tempestad realizó la grabación de los Tríos para flauta, viola y clave de C. Ph.E.Bach para el sello Arsis. Y durante el año 2006 presentarán dos nuevos programas, uno dedicado a Mozart y otro a las luchas entre los castrati y cantantes de la época de Farinelli. Todas estas andanzas han servido a los miembros del grupo para concebir un ideal de interpretación limpia, vivaz, que permita al oyente de hoy escuchar la música brillante, emotiva, virtuosa y difícil de Vivaldi, o la intensa e inquieta música de Rameau, con su combinación de disonancias, armonías y ritmos complejos. En una época en la que el arte se basa en los extremos y en la dualidad tensión/calma, La Tempestad intenta extender al máximo la paleta sonora y expresiva, de tal modo que el público disfrute de una música que, lejos de quedarse en la partitura, atrape, despierte, incite, mueva y conmueva, reflejo éste de una de las principales funciones de la música del barroco. En palabras de Scarlatti, Vivi Felice.

FORMACIÓN

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PROGRAMA

SOPRANOS Y CASTRATI Poder y lucha en los teatros londinenses de la época de Farinelli

I

Charles Avison (1709 - 1770), Concerto Grosso nº 1 en La mayor Adagio Allegro

Amoroso Allegro

G.F.Haendel (1685-1759), Aria de Rinaldo.

Domenico Scarlatti (1685-1757)

Sinfonía de Narcissus. Caro dardo (Narcissus).

Thomas Roseingrave (1688-1776) , Rivolgo il passo altrove…(Narcissus), duetto.

G.F.Haendel (1685 – 1759), Trío Sonata en Fa mayor, Op.2 nº 4, HWV 389.

G.F.Haendel (1685 – 1759), Venere bella (Giulio Cesare).

Che veggio, oh Numi?(Giulio Cesare). Sinfonía y recitativo Pompe vano di morte (Rodelinda).

Ombre, piante (Rodelinda)

Niccola Porpora (1686-1768) Se fedel cor mio tu sei (Gli orti esperidi), Duetto à soprano e contralto con violini.

II

G.F.Haendel (1685 – 1759), Concierto para clave u órgano Op.4 nº 6 en Si bemol mayor. Adante allegro

Larghetto-Adagio Allegro moderato

Niccola Porpora (1686-1768), Alto giove (Polifemo).

William Boyce, How unhappy is the Nymph (The Chaplet).

Francesco Maria Veracini

La ragion gl’affetti scolta (Adriano). Prendi, o cara…(Adriano), duetto.

G.F.Haendel (1685 – 1759), Intermezzo instrumental.

Recitativos y Arias de Alexander’s Feast.

Thomas Chilcot (1700-1770), Orpheus with his lute (Enrique VIII).

G.F.Haendel (1685 – 1759), duetto (a determi��()

NOTAS AL PROGRAMA La figura de los castrati fue durante siglos motivo de éxitos y envidias, luchas e insultos, fanatismo y admiración. Durante un tiempo, debido a la prohibición impuesta a las mujeres de cantar en iglesias y teatros, los niños con talento eran seleccionados para la castración, con el objetivo de evitar el cambio de voz y conservar su extraordinaria tesitura. En virtud de la operación a la que habían sido sometidos, en la escena inglesa de los años 20 y 30 del siglo XVIII, la agilidad y potencia de famosos castrati como Carlo Broschi “Farinelli”, Senesino, Caffarelli y Bernacchi, entre otros, provocaban furor entre el público y rencillas entre las sopranos del momento (la Cuzzoni o la Bordoni, “The Rival Queens”), entre las salas en boga (King’s Theatre, Covent Garden), entre los productores, las compañías (la Academia, la Ópera de la Nobleza ) y los mismos compositores (Haendel, Porpora, Hasse) que basaban su éxito y parte de los recursos expresivos de sus óperas en la calidad de estas voces. La lucha por la primacía iba más allá del hecho musical: fuera de la escena se confrontaba el carisma y la simpatía de Farinelli con la altivez e insolencia de Senesino; o se defendía el inglés frente al italiano que Haendel utilizaba cada vez con más afición. Los lazos musicales entre Inglaterra e Italia fueron intensos: las obras de D. Scarlatti eran interpretadas en Londres, editadas por Roseingrave (a su vez compositor de óperas y canciones) y arregladas por Avison, autores que configuran el programa junto a piezas instrumentales que tanto Haendel como Arne introducían como gancho publicitario en cada una de sus nuevas representaciones… expectación servida.

Obras de Ch.Avison (1709 - 1770), G.F.Haendel (1685-1759), D.Scarlatti (1685-1757), Thomas Roseingrave (1688-1776), Niccola Porpora (1686-1768), T. Arne (1710-1778), W.Boyce, F.M.Veracini y Thomas Chilcot (1700-1770).

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