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Historia del Arte El Arte Gótico
EL ESTILO GÓTICO
1 Causas del cambio
La Baja Edad media sucede a la Alta y la burguesía empieza a sobresalir de entre la maraña
feudal. La vida urbana burguesa no es compatible con la pesada arquitectura romana. Busca espacios
más ricos. El máximo esplendor gótico coincide con el auge del gran comercio internacional, un
movimiento continuo Oriente - Occidente entre los países de la lana y de la seda. Los puertos
hanseáticos y las ciudades de Italia Norte se hacen con la dirección de este tráfico: dinero urbano.
En busca de la centralización, las monarquías hacen cristalizar los núcleos urbanos. El régimen
de la Soberanía centralizada real se opone al feudal de Soberanía dispersa. Así surgen villas nuevas
donde la servidumbre se olvida con un año y un día de residencia. El campesino de estas nuevas villas
se acerca al burgués, reciben una autonomía administrativa y una libertad urbana.
Dos cosas destacan en la creación del espíritu urbano: un aumento demográfico y una
recuperación económica. A ello se suma el esfuerzo jurídico del rey y el impulso del comercio que
reactiva ferias, mercados, gremios e industrias.
2 De Pensamiento
El hombre mira a la naturaleza (además que a Dios). El Arte se hace naturalista frente al
geometrismo del románico. Los nominalistas rechazan los principios universales, proclaman que sólo
lo individual y concreto debe ser objeto de estudio científico: Guillermo de Occan. Comienza una
duda que crea una fase inmadura, insegura y dubitativo. El Gótico vive bajo la teología divina pero
con baches y dudas que el Románico no tenía.
Por eso las Catedrales góticas están inacabadas porque empezaban como la obra de nunca
acabar. Dura varios siglos y cada arquitecto que pasa deja su huella. Por eso en pintura Dios ya no es
inaccesible y omnipotente. El Dios Gótico sufre y su cara es de misericordia. Los demás personajes se
ríen, lloran, conversan, con sentimientos y pasiones humanas.
Se empieza a redescubrir tímidamente al hombre en busca de ese Renacimiento posterior. De
hecho el Renacimiento no parece sino esa Baja Edad Media en Italia.
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Es la teoría de la doble verdad: Teología y Filosofía pueden coexistir. Santo Tomás nos dice
que Dios nos revela una Verdad pero no incapacita a la razón para actuar en otro plano: en la
Naturaleza, en la Ciencia y en el hombre como parte de esa Naturaleza. Esta época es el comienzo: de
la lucha por las ciudades, del ascenso burgués y del humanismo artístico. El cambio brutal se da en el
Cuatroccento italiano.
3 Interpretaciones del estilo Gótico.
No es un término definido y sus orígenes no están definidos excepto para arquitectura (San
Denís en París) y no hay una definición homogénea porque cambia a lo largo de los siglos XII al XV y
sobre todo en pintura.
Vasari crea el término en el siglo XVI: Gótico = Bárbaro. En el siglo XVIII se revaloriza el
gótico por que se revaloriza la cultura medieval y sobre todo donde más Gótico había: en Alemania e
Inglaterra. Pero es en el siglo XIX cuando más se recuerda y más prestigio tiene. Durante el
Romanticismo, los artistas buscan estilos nacionales pseudo-góticos y en el último tercio se crea el
Neogoticismo en edificios religiosos, utilizando sobre nuevos materiales soluciones góticas.
Pero fue Violet Le Duc, teórico francés del siglo XIX, el que descubrió el Gótico en sus
aspectos técnicos. Los alemanes estudian la distribución del espacio: unitario y compacto pero muy
jerarquizado.
4 Periodización.
El principio y el fin están muy distorsionados. El siglo XII es el románico por excelencia pero
Saint Denis es reformada en 1140 con cabecera gótica y en 1150 aparece ya por toda Francia. Este
país es su foco original y principal (el templo ortodoxo no tiene gótico)
El siglo XIII es la época clásica del Gótico en arquitectura y se hacen las catedrales más altas.
En los siglos XIV y XV se produce una simplificación arquitectónica con un recargamiento
ornamental. En el siglo XIII se desarrolla por el comercio y por el equilibrio político rey- nobleza
feudal. Pero en el XIV se produce la peste: se acaban las catedrales y se empiezan muy pocas más y
son más bien Iglesias. En cambio la arquitectura militar en este siglo va en auge. El siglo XV se
caracteriza por ser más internacional con tendencias comunes en toda Europa. Se convierte en un arte
cortesano y viaja de Corte en Corte.
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5 La Catedral Gótica.
Es la expresión en piedra del pensamiento cristiano bajo - medieval. Es la elevación hacia Dios
emulando su grandeza y luminosidad. Muros reducidos a lo indispensable, esbeltez arquitectónica,
vanos gigantescos porque el muro ya no es soporte, sólo cubrimiento lateral y casi siempre en cristal.
Por eso Dehio piensa que el origen del Gótico es el descubrimiento de la bóveda de crucería
que concentra todo el peso en los vértices. Actualmente se cree que fue el movimiento gótico quien
descubrió la bóveda de crucería y no al revés. La bóveda se descubrió porque se tuvo la consciencia
de su falta y su necesidad.
La Catedral gótica es urbana, enorme. Sirve para albergar a peregrinos. Es también un centro
cívico, allí están los archivos, allí se hace justicia y sirve de refugio. Es el orgullo de la ciudad (el
orgullo burgués, el egoísmo sagrado), la forma de competir en rivalidades de ciudades. Sólo las más
ricas y las más grandes podían tener grandes catedrales pero todas intentaban superarse a medida de
sus posibilidades.
Los maestros eran contratados y ellos contrataban a su equipo. Todos formaban la logia o
gremio errante de albañiles y constructores (de estas logias proviene la masonería del S. XVII). Las
catedrales no son obra de un solo arquitecto, uno la empieza y otros la acaban. El arquitecto deja de
ser anónimo, se le conoce y se le reconoce como artista. Logran incluso tener privilegios y vivir bien.
6 Elementos arquitectónicos.
Arco ojival: (fil l) Tiene precedentes en el
Románico Normando y en el arco de herradura
apuntado del periodo abbásida. Es más dinámico
y con más vitalidad. Tiene dos centros en las dos
bases del arco. De él se extraen variedades a
medida que transcurre la época: el carpanel, el
conopial y el mixtilineo.
Bóveda de crucería: inspirada en la de arista románica. Lleva nervios o arcos: torales o
fajones que son los transversales y formeros los longitudinales para soportar la plementería. Estos
arcos o nervios soportan el peso vertical y tangencial de la cubierta. En la bóveda hay muchas
variaciones: primero fue cuatripartita, después sexpartita y después se le añaden terceletes asimétricos Página 114
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y por último la estrellada con formas diversas. Este proceso dura hasta el siglo XV cuando se acaban
todas las posibilidades de ornamentación: por ejemplo la bóveda de abanico en el gótico inglés.
Los soportes: (fil 2) Al
principio se siguen utilizando pilares
cruciformes y columnas románicas
pero cambian pronto. Se multiplican
las columnas adosadas y se hacen
más estrechas hasta hacerse
baquetones decorativos que rodean
el fundamento marmóreo. Se forma un capitel único
en torno al pilar, decorado con formas vegetales.
Los arbotantes: Soportan el peso tangencial hacia fuera. En el románico
eran contrafuertes. Le da el aspecto gótico al exterior. Se montan sobre estribos
aislados y se decoran con pináculos. Así siguen quedando grandes vanos para la luz. Es un arco
rampante que descarga su peso en los contrafuertes.
Decoración. (fil 3) Es más naturalista y menos geométrica que el
románico. Círculos y trebolados, en los Rosetones y la flecha de los arcos.
Después se hace contornos en llamas con siluetas alabeadas
que traducen la inestabilidad de la época en el Gótico
Flamígero. Ornamentos vegetales naturalistas con especies
europeas (no egipcias como en el románico): hiedras, vid.
Esta decoración se concentra en portadas y capiteles, arquivoltas y jambas, retablos y
vidrieras laterales y en la clave de la bóveda.
La portada: El tímpano ya no tiene una sola escena sino franjas horizontales
con decoración de tipo narrativo. En las arquivoltas las figuras ya no son radiales sino lon-
gitudinales. En las figuras adosadas se les pone un doselete de piedra para protegerlas. En
las ventanas la tracería calada se complica hasta hacerse flamígera y se rellena con vidrieras
de colores
La fachada: se divide en tres zonas verticales (tantas como naves) y tres
franjas horizontales. puertas, rosetón y remate y torres.
La planta: (fil 5) Es basilical, con una, tres, cinco y hasta siete naves con
una o tres de crucero. La del centro suele ser más alta para dar luminosidad
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por sus vanos laterales. La tribuna o segundo piso de las naves laterales ya no es necesaria (por la
capacidad interior y por los arbotantes como contrapeso) y se transforma en triforio o galería corrida,
tanto al interior como al exterior, e incluso a veces se prolonga por la fachada exterior. Comentario
de la planta y el alzado de la catedral de Reims
El ábside: Es poligonal, no semicircular y suele estar rodeado por la girola. El ábside se cubre
con bóvedas de cuarto de esfera de formas variadas y la girola mediante las dos soluciones.
Evolución de la catedral góticaLas torres: Son más altas, con menos
volumen cada vez y formas también variables. El
cuerpo inferior suele ser de planta cuadrada y el
superior poligonal. Culmina con un remate
ornamentado, el chapitel, que le da más esbeltez.
7 EL GÓTICO POR PAÍSES
7.1 Francia
Es el foco original. Nace con la reforma del Cister por
Bernardo de Claraval en 1119. Con é1 se adopta la bóveda ojival.
Con el Cister el Gótico se extiende por toda Francia y por todo el
Occidente Europeo. A España entra por el Monasterio de Poblet.
Pero la primera catedral gótica es la de Sens (fil 6) en
1140 y poco después se restaura la cabecera de la girola de Saint Denis con bóvedas de crucería en
1144 (fil 7). El primer gótico se da pues en Normandía y la Isla de Francia, al Norte del país. De allí
se extiende al resto de Europa.
En 1163 se hace Notre Dame en París, con 5 naves y dos más de capillas
laterales. Las bóvedas de la girola no son trapezoidales sino triangulares.
Fachada con tres portadas y dos torres rematadas en plano.
En 1174 se realiza la catedral de Laón, sin girola
y con un ábside central plano. Sus pilares son
circulares exentos. (fil 9).
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En 1197 se hace la catedral de Chartres (fil 1) la cual tiene ya el clasicismo de las catedrales
del siglo XIII. Torres desiguales.
Comentario del interior de Chartres
Ya iniciado el siglo XIII, en 1210 se construye la catedral de
Reims, sin girola y triforio corrido por todo lo que le da más luminosidad.
Fachada de tipo normando con pórticos resaltados del plano general.
Torres en plano. (fil 11).
En 1220 se termina de construir la
catedral de Amiens. Desaparece el triforio y las vidrieras se extienden por los
la laterales. Tiene también una fachada normanda y jerarquizado en tres
planos.
En 1245 se realiza la Santa
Chapelle donde la vidriera llega hasta el
suelo y reemplaza totalmente al muro.
A finales del siglo XV se ponen de moda las formas ascen-
dentes y vértices enhiestos, es el gótico flamígero, una barroquización del arte cuando la gente se
aburre de las mismas formas y no se inventan otras nuevas. Entonces se intentan encubrir los
fundamentos arquitectónicos con ornamentación.
7.2 La arquitectura flamenca
El Gótico llega a los Países Bajos en el
siglo XIII pero se desarrolla sobre todo en el
XIV y en el XV. En el 1387 se construye la
catedral de Amberes, la de Bruselas y la de
Gante (fil 15- la de Bruselas). Pero donde so-
bresale la arquitectura en esta zona es en la civil. La Lonja de Ypres, el
Ayuntamiento de Brujas (fil 16) y el de Lovaina. Son ciudades con gobierno
autónomo donde el Ayuntamiento comunal es rico y poderoso.
7.3 El Gótico Italiano
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Sigue rezumando cierto sabor renacentista. No se dejan influir por Centro - Europa excepto en el
Norte fronterizo. Hacen iglesias de derivación cisterciense, funcionales y severas, con techo de
madera. En el siglo XV se embellecen y rejuvenecen estas iglesias con un toque renacentista. Los
muros suelen ser de colores, suelen haber pinturas en la fachada, y los exteriores se suelen recubrir
con mármoles en franjas horizontales.
Santa Cruz de Florencia (fil 17) es de finales del siglo XII
y tiene tres naves sin girola y techo de madera plano. Del siglo
XIII es la catedral de Orbieto (fil 18), sin torres y con las enjutas
exteriores pintadas. Formas
predominantemente clásicas y no verticales
como en Europa.
La catedral de Siena (fil 19) tiene arcos de medio punto en los tres
pórticos. Santa María de las Flores o la Catedral de Florencia es de fines del
siglo XIII pero se terminó en el siglo XV con la cúpula de
Brunelleschi (fil 20) con campanario adosado y sin torres. La
catedral de Milán es ya del siglo XIV (fil 21). El gótico entra más
fácilmente por la Lombardía alta, en sentido ascensional, con miles
de pináculos que erizan su cubierta. En cuanto al Gótico civil
destacan el Palacio público de Siena (fil 22) y la Signoria de
Florencia
7.4 El Gótico Inglés
Es bastante distinto del francés sobre todo en los detalles. La cabecera suele ser recta y no
semicircular. Suelen ser de tres naves con doble crucero. No suele haber capillas radiales, las torres
son monumentales y se salen de la planta. El tipo de decoración es muy particular llamada estilo
perpendicular: preferencia por las líneas verticales con una gran complicación de molduras. Son
también puramente inglesas las bóvedas de abanico: Claustro de la Catedral de Gloucester (fil 28) y la
Abadía de Westminster en la capilla de Enrique VIII realizada ya en el siglo XVI (fil 29).
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7.5 El Gótico Alemán
Perduran las formas románicas con elementos góticos mezclados.
Esta mezcla de estilos está en la Catedral de Bamberg (fil 30). El gótico
alemán no alcanza madurez hasta mediados del siglo XIII, por ejemplo en la
Catedral de Colonia.
7.6 El Gótico en España
7.6.1 Transición del Románico al Gótico en España. S. XII
Es difícil hablar del Románico y del Gótico como dos estilos distintos y perfectamente
separables en el espacio y en el tiempo. Los dos estilos conviven, se entrecruzan y superponen hasta el
punto que muchas veces es difícil clasificar ciertas obras.
El estilo gótico es una continuación del Románico y en ningún ejemplo se aprecia mejor que en
las obras de transición en la España del siglo XII, imperfecta desde el punto de vista de pureza
estilística pero sumamente interesantes desde el punto de vista artístico.
Obsérvese que las obras se encuentran en una franja medía que corre al sur del Camino de
Santiago. El Románico penetró por el Norte a través del Rosellón o siguiendo el Camino de Santiago.
Inundó la zona norte del país y comenzó a erigir monumentos en el valle del Ebro y del Duero. Pero
estos fueron comenzados ya en el siglo XII y la mayor parte de ellos se coronaron en el S.XIII. Por ello
el Ebro y el Duero son las líneas claves de este fenómeno de transición.
La Catedral de Tarragona es uno de estos ejemplos de
convivencia de estilos. No se comenzó hasta el 1171 y se
continúa su elevación a un ritmo muy lento, de modo que sólo a
fines del S.XIII se llega a la fachada principal. Así pues la
fachada de la Catedral de Tarragona es completamente gótica
como puede verse en sus arcos apuntados, el abocinamiento de
la portada, los Apóstoles adosados y la decoración del tímpano
con tracería como es costumbre en el Gótico. Otro detalle esencial lo constituye el espléndido rosetón
calado de piedra que corona la portada y que es un elemento típico del nuevo estilo. Sin embargo aún
conserva entera una portada lateral completamente románica.
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También la Iglesia de Santiago en La Coruña es una muestra
ejemplar de este estilo de transición, con su gran portada ojival que aún
conserva una cornisa con arquillos ciegos, típica del Románico. El
Rosetón y los arcos apuntados señalan, sin embargo, la directriz del
nuevo estilo. La Iglesia es de una sola nave con cubierta de madera y
rematada en tres ábsides semicirculares románicos. En el interior, los
pilares cruciformes, todavía muy gruesos, sostienen arcos apuntados
góticos. La obra fue realizada en la segunda mitad del S.XII aunque
posteriormente sufrió muchas
modificaciones en los siglos XIV y XV.
Otro de los ejemplos ineludibles en este estilo de transición es la
Catedral de Ávila, comenzada en el año 1172 y fue acabada en el año
1279, en plena época gótica en Castilla. Tanto la sencillez decorativa
exterior como la interior nos ponen en contacto con la austeridad
cisterciense, unida siempre al primitivo arte gótico. Lo más interesante
de esta obra es su espléndida girola de doble nave, de clara influencia
francesa. En sus tramos centrales se halla sostenida por columnas finas y
esbeltas. Se cubre con tramos de bóveda trapezoidales al estilo francés. Pero todavía conserva
muchos rasgos de su primitivo estilo románico.
7.6.2 S. XIII. Arquitectura gótica castellana.
El estilo gótico sufre una progresiva complicación a lo largo de la Baja Edad Media en España
y podemos distinguir tres etapas distintas que se dibujan aproximadamente en los siglos XIII, XIV y
XV. En el siglo XIII se comienzan la mayor parte de las catedrales castellanas (Toledo, León y
Burgos). Es el siglo de la preponderancia castellana bajo los reinados de Fernando III y Alfonso X la
reconquista sufre un tremendo avance llegándose hasta Andalucía, la cual es casi reconquistada. Es un
siglo económicamente muy bueno para la Corona castellana y eso se trasluce en su preponderancia
artística sobre la Corona de Aragón. En cambio en el siglo XIV va a llevar la iniciativa el arte
levantino y catalán. Estas zonas de mayor densidad burguesa van a
soportar mejor la crisis económica que afecta a toda Europa a partir de la
epidemia de peste de 1348 y que va a afectar durante un siglo hasta 1450
aproximadamente. Hablamos de arte levantino y catalán y no de arte de la
Corona de Aragón porque a pesar de que estaban unidas en una misma Página 120
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monarquía el reino de Aragón propiamente dicho va a comportarse en
economía y por lo tanto en arte como si de un territorio castellano se tratara.
Por lo tanto en el siglo XIV se hablará sobre todo de arte levantino y catalán.
En el siglo XV vuelve a reanimarse el arte
castellano, una vez que se ha salido de la
crisis y se levantan
las últimas
catedrales góticas de
esta época, que son también las más grandes,
como la de Sevilla
Catedral de Burgos: Parece
que hubo un edificio románico bajo
los cimientos del actual, del cual aún
se conservan restos. El Arzobispo
Mauricio comenzó la construcción del actual templo en 1221 y encontró la colaboración
entusiasta de Fernando III el Santo. Se atribuye a un tal maestro Enrique que también parece
dirigir las obras de la Catedral de León y que muere hacia el 1271. La catedral de Burgos fue
consagrada en 1260 aunque no cesó de recibir aditamentos y reformas hasta el siglo XIV.
La fachada presenta un cuerpo central en medio de dos torres, al estilo francés. En el espacio
central se abre un gigantesco rosetón calado y sobre él, un tercer cuerpo, una gran celosía de arcos de
tracería que se rematan en una cresta calada. Las robustas torres llevan contrafuertes adosados en sus
vértices terminados en pináculos piramidales decorados profusamente y se abren en amplios y esbeltos
ventanales. La coronación de chapiteles en forma de aguja es obra del siglo XV, de.Juán de Colonia
como veremos posteriormente. Comentario de la Puerta del Sarmental en Burgos
El interior es una planta de tres naves con un crucero muy alargado y un deambulatorio o girola
(fil) de tramos de bóveda trapezoidales. En el exterior presenta doble fila de arbotantes para compensar
su considerable altura. A lo largo de las naves y dando la vuelta a todo el edificio presenta un
triforio de cristalera sobre arcos decorados en tracería calada. Al exterior la catedral presenta unas
esbeltas agujas en su fachada y en el espléndido cimborrio central (fil), ambas cosas de finales del
siglo XV
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El largo crucero se abre en ambos lados con dos portadas excepcionales
llamadas del Sarmental y de la Coronería, las dos con el tímpano
descompuesto en franjas y gran riqueza de decoración escultórica, tanto en
las jambas como en las arquivoltas. Tanto en su planta, como en su
concepción espacial y como en su realización práctica, la catedral de
Burgos responde a modelos del Gótico más puro de la Francia del siglo
XIII.
Catedral de Toledo: También se edificó sobre
los restos de algún otro edificio anterior. La
comenzó hacia el 1226 el maestro Martín y fue
continuada en la segunda mitad del siglo por otro
maestro llamado Petrus Petrí. La catedral es pues
obra del siglo XIII al igual que la de Burgos, pero
las naves laterales continuara levantándose en el
siglo XIV así como las obras del claustro y de la torre, y hasta el siglo
XV (1444) no pudo verse terminada la fachada principal.
Es una fachada de tres pórticos con abocinamiento. Fue
proyectada para ser incluida dentro de dos torres pero no pudo concluirse
más que una robusta, impresionante y de gran
altura, obra ya del s.XV. Esta catedral es uno
de los templos más grandes de España aunque
desde el exterior no pueda apreciarse su
verdadera magnitud por la espesa cortina de
edificios que la rodean. Tiene planta de cinco naves más dos laterales de
capillas. Su anchura es pues considerable y así su crucero no sobresale
nada sobre el conjunto a diferencia de la de Burgos y la de León. Todas sus
naves se cubren con bóveda de crucería y su principal originalidad esta en
la cobertura de su girola, la cual se cubre con tramos rectangulares y triangulares de bóveda de
crucería alternados. Esto provoca la colocación de una serie de capillas grandes y pequeñas alternando
con la disposición rectángulo-triángulo.
Catedral de León: Es la catedral gótica más iluminada en su interior de todas las españolas.
Fue iniciada por el Obispo Martín Fernández hacia el año 1255 y es por tanto algo posterior a la de
Toledo y Burgos. Se encomendó su ejecución al maestro Enrique y, muerto éste, a Juan Pérez. La
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obra entera no se concluyó hasta el Siglo XV pero la mayor parte corresponde al siglo XIII. La
fachada Principal, con un pórtico de tres arcos es muy parecida a los modelos franceses, con un
cuerpo central y dos torres laterales separadas por un espacio vacío que deja ver el esqueleto
constructivo de los arbotantes. La puerta central es la llamada de La Virgen Blanca y las tres están
repletas de relieves y esculturas de lo mejor del país.
Comentario de Nuestra Señora La Blanca
Lo más característico de esta catedral son
sus vidrieras, grandes ventanales que se abren en
el muro, reduciendo éste a su mínima expresión
mientras nutridas filas de
arbotantes sostienen los
empujes laterales. Es el
muro menos espeso de
todas las catedrales góticas españolas y sus impresionantes vidrieras inundan
todo el interior de un variado cromatismo.
Su planta es de tres naves con un crucero de otras tres que sobresale en el exterior y en sus
brazos este crucero presenta sendas portadas con otros tres pórticos como en la fachada central. Su
girola se cubre con tramos de bóveda trapezoidales, siguiendo la norma clásica y presenta capillas
polígonales radiales al exterior. Las dos torres de la fachada son robustas y elevadas y están sostenidas
por macizos contrafuertes, que recorren la torre de arriba a abajo. Su planta presenta un sospechoso
parecido con la catedral de Reims.
Su triforio o galería corrida se sitúa sobre la nave lateral y se abre a la central por unos
ventanales geminados decorados con ojivas de tracería. Tanto el triforio como los ventanales
superiores son las cristaleras más notables de España. Dichas vidrieras son del siglo XIII en algunos
tramos pero las más interesantes son del siglo XV.
7.6.3 Siglo XIV. Arquitectura Gótica: Mallorca, Cataluña y Valencia.
Ya hemos dicho que el arte gótico es el estilo de la clase burguesa de la Baja Edad Media. Sin
embargo en España no hubo una verdadera burguesa más que en Cataluña y Levante. En los reinos
centrales la aristocracia y las órdenes monásticas monopolizaron la casi totalidad de la riqueza. Sólo
en el principado de Cataluña existe una clase social de negociantes, armadores y artesanos que va
tomando auge a medida que avanza la Edad Media.
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Nos encontramos también con otro hecho expresivo. La gran actividad constructiva de los
reinos centrales corresponde al siglo XIII, cuando está sostenida por los grandes monarcas castellanos
(Fernando III y Alfonso X) mientras que en el siglo XIV esta zona se hunde en un letargo
arquitectónico ostensible. Es la época de las luchas hereditarias entre los sucesores de Alfonso X el
Sabio y más tarde entre los Trastamaras y la decadencia del poder central de Castilla. Además esta
zona del interior sufrió mucho más que el Levante la grave crisis que afectó a toda Europa a partir de
las epidemias de peste que comenzaron en el año 1348. La zona castellana, con un predominio de
economía agrícola, sufrió graves pérdidas demográficas y por lo tanto pérdidas económicas que
afectaron también a las clases nobiliarias. En cambio, en la zona levantina, con un predominio de
economía mercantil y artesanal, la crisis afectó en menor medida. Por eso el siglo XIV es uno de los
siglos más activos de los reinos levantinos. Monarcas como Pedro III el Grande, Jaime II, Pedro IV el
Ceremonioso y Jaime el Conquistador, desarrollaron una política de extensión mercantil y militar por
el Mediterráneo al finalizar su zona de Reconquista peninsular. Durante el siglo XIV y XV los
monarcas de la Corona de Aragón dieron un gran impulso al desarrollo marítimo hispánico y los más
beneficiados con esta política exterior son los reinos de Valencia, Mallorca y el Principado de
Cataluña. Así se explica que el siglo de decadencia y luchas intestinas entre los castellanos sea el siglo
de esplendor comercial de los levantinos. Este hecho se proyecta en la arquitectura de forma evidente.
Mientras en el siglo XIII la dirección del estilo gótico corresponde a Castilla con sus grandes
catedrales de Toledo, León y Burgos, en el siglo XIV va a ser Levante quien va a coger las riendas del
estilo y comienza a levantar o concluye las obras del gótico religioso más importante de su zona, como
las catedrales de Palma de Mallorca, Gerona o Barcelona.
No eran aragoneses propiamente dichos los que desarrollaban esta política mercantil sino
catalanes, valencianos y mallorquines. El reino de Aragón propiamente dicho vivió en unos esquemas
sociales y económicos mucho más cercanos a Castilla (agricultura, ganadería y predominio de la
nobleza), mientras que catalanes y mallorquines, aunque sujetos al rey de Aragón, se dedicaron mucho
más a la industria y al comercio. Todo ello refleja el gran desarrollo del gótico civil que abunda en
esta zona. Lonjas, Palacios y Diputaciones son la obra de una burguesía rica y poderosa que se
enfrentó siempre con las pretensiones de los monarcas aragoneses.
Las características diferentes de este gótico levantino son las siguientes:
A) Nave única predominando sobre el esquema típico de tres naves.
B) Aprovechamiento del espacio entre los contrafuertes para capillas.
C) Menor grosor en los soportes para ganar en espacio.
D) Triforio y arbotantes desarrollados.
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E) Poca decoración figurativa y más geométrica.
F) Si hay tres naves, las tres suelen ser de la misma altura (planta de salón).
G) Algunas cubiertas son planas de madera.
H) Si hay tres naves, la central es mucho más ancha siendo este un rasgo
característico de las iglesias del sur de Francia.
I) Pobre iluminación en el interior que les da un aspecto macizo, mucho menos airoso que las
castellanas.
Casi todos los enclaves arquitectónicos importantes se hallan en las capitales. A fines del
s.XIII y durante el XIV, los levantinos se dedican a levantar templos catedralicios en las ciudades que
aún no los tienen. Por otra parte en Levante predomina aún más que en Castilla la clase ciudadana
pues el campo se ha dejado en manos de los moriscos, como ocurre en Andalucía. Por eso son
contadísimos los monumentos góticos que se hallan fuera de las ciudades levantinas. Florece en
cambio un estilo civil que no tiene paralelo en Castilla.
Catedral de Barcelona: Existía en el 1058 una catedral románica sobre la que se construyó
esta gótica hacia el 1298. Su elevación consumió todo el siglo XIV
y la primera mitad del XV. Sus torres se levantan (fil) en los
extremos del crucero y una tercera lo hace a los pies, todas ellas de
planta poligonal. El primer autor de la catedral parece ser Bertrand
Riquer, que es quien la comienza en el siglo XIII, pero las torres y
otros tramos superiores se deben al maestro mallorquín Jaime Fabré.
La fachada principal es del siglo XIX.
(Fil) Su planta es de tres naves más dos de capillas laterales. La girola se cubre con tramos de
bóveda trapezoidales y tiene nueve capillas radiales poligonales. La nave central es muy ancha y alta y
toda la catedral se cubre con bóveda de crucería.
Catedral de Gerona: También esta catedral se levantó sobre restos de
monumentos románicos anteriores. Pero el desarrollo ciudadano que sufrió
Cataluña a finales del siglo XIII obligaron a hacer un templo mayor. Así,
hacia 1312 se comenzó la obra de la catedral actual, que se prolonga hasta el
siglo XVII. La fachada central, a caballo de una monumental escalinata, es
barroca del siglo XVII. Pero su interior es completamente gótico y original a
la vez. Tiene tres naves partiendo de la cabecera y hasta el crucero y a partir
de allí continúa en nave única.
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Se reunió una comisión de arquitectos en la Corona de Aragón a fin de solucionar los
problemas técnicos que representaba esta tremenda nave de una anchura desconocida hasta entonces,
pues tiene 23 metros de ancho. A ambos lados de esta nave única se abren capillas laterales insertas
entre los contrafuertes exteriores. La parte de la cabecera es
normal, con tres naves y girola a la que se abren multitud de
capillas radiales poligonales.
Catedral de Palma de Mallorca: Sobre el solar de la
antigua mezquita de los musulmanes se levantó el actual templo
gótico en el 1269. En el siglo XIV se continúa su ejecución en
la cabecera. Las bóvedas no se cerraron hasta el siglo XVI y la fachada es muy posterior.
Es un edificio de enormes proporciones en el que predominan las líneas
verticales por la abundancia de contrafuertes a lo largo de los muros
laterales. Su planta es de tres naves con capillas insertas entre los estribos
laterales, abundantes y pequeñas. Las bóvedas son de crucería y la nave
central tiene gran altura (44 metros). Tiene gran apertura de ventanales y
vidrieras destacando un enorme rosetón de 11 metros y medio de diámetro
que es el mayor del gótico español. La decoración es en extremo sencilla y
austera.
7.6.4 Siglo XV: Levante y Castilla.
En este siglo se observa un nuevo despertar castellano, superados los años de inestabilidad
política, y bajo los reinados de Enrique III y IV y los Reyes Católicos se vuelven a acometer grandes
empresas constructivas como la grandiosa catedral de Sevilla. Pero el siglo XV tampoco es un siglo de
decadencia para el gótico levantino sino que se produce más bien un cambio de directrices. Mientras
que en el Siglo XIV predominó en Levante la arquitectura religiosa, en el siglo XV se desarrolla una
espléndida arquitectura civil, paralela al desarrollo burgués de Cataluña y Levante.
Una muestra de este gótico civil es la Lonja de Barcelona (fil) que se construyó entre el 1380 y
el 1392. Se trata de un espacio de tres naves separadas por arcos ojivales que descansan sobre esbeltas
columnas surcadas de baquetones. Todo ello cubierto de techumbre plana de madera. El esplendor del
comercio mediterráneo dió gran auge a estos edificios donde se llevaban los trueques de mayoreo y
demás operaciones relacionadas con el tráfico barcelonés. Página 126
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Otro ejemplo es la Lonja de Valencia (fil) cubierta con bóveda de
crucería del siglo XIV sobre pilares helicoidales que no muestran la arista
viva sino que decoran su superficie con finos baquetones ascendentes. Se
trata de otra construcción amplia, utilitaria y de una elegante sencillez,
característica de este tipo de edificios.
En la zona castellana entra el gótico flamígero de procedencia francesa y se va fundiendo con
formas locales que cada vez van ganando en importancia, como el mudejar y los primeros influjos del
Renacimiento que viene de Italia. Así se crea el estilo Reyes Católicos con mezclas góticas, mudéjares
y protorrenacentistas. Pero mientras tanto se siguen haciendo catedrales góticas siguiendo los patrones
clásicos pero pecando tal vez de gigantismo.
Catedral de Sevilla: Se comienza en el 1402 con cuya ejecución el Ayuntamiento de Sevilla
quiso apuntarse un tanto de grandiosidad insuperable. A finales del XV se construyó un enorme
cimborrio de tan descomunales proporciones que se derrumbó poco después. Se reconstruyó y volvió
a derrumbarse en el siglo pasado, por lo que el actual es una segunda reconstrucción. No tiene torres
sino que aprovecha el alminar de la mezquita almohade que estaba situada allí mismo. Es lo que
conocemos por la Giralda, la cual ha conservado todo el aspecto de alminar almohade de macizas
proporciones y decoración de una red de rombos en los planos laterales.
Intentando superar en magnitud a todas las demás catedrales
españolas se trazó con una planta de cinco naves más dos de
capillas laterales entre los contrafuertes y con un crucero de una
sola nave que queda inscrito en la anchura de la planta. La cubierta
es de sencilla bóveda de crucería.
A diferencia de lo usual, este templo se comienza por los pies. Esto
hizo que cuando se llegara a la cabecera en el siglo XVI se prescinda de la
girola clásica del gótico por sentirla ya un tanto desfasado. Así se construyó
una cabecera plana con una ábside central que se termina ya en el
Renacimiento. Las naves laterales tienen la misma altura entre sí, mientras
que la nave de las capillas es algo más baja. Todo el peso recae en gruesos
pilares y contrafuertes con varias hileras de arbotantes que contrarrestan el
empuje de la elevadísima nave central.
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7.6.5 SIGLO XVI
En este siglo aún se construyen las dos últimas catedrales góticas españolas, ya en pleno
Renacimiento.
La Catedral de Segovia: Pese a su aspecto gótico es una de las más tardías de la península y
se ejecuta cuando ya se había
extendido por España el Plateresco
(versión española del Renacimiento).
Se trata, pues, de una reminiscencia
arcaizante, pues en algunas zonas
todavía se consideraba al gótico como
el estilo más solemne. Fue comenzada en el 1525 y hacia el 1558 ya se habían levantado las naves
centrales hasta el crucero. La cabecera la reemprendió Rodrigo Gil de Hontañón en 1563 siguiendo
los modelos góticos con capillas radiales poligonales.
Tiene planta de tres naves con otra de capillas entre los
contrafuertes laterales, crucero inscrito en la planta y girola con
capillas radiales. Las bóvedas son de un recargamiento excesivo
con multitud de nervios ornamentales que forman espléndidos
dibujos de tracería. Su cabecera está protegida por numerosos
arbotantes acabados en pináculos flamígeros muy elevados.
La Catedral de Salamanca: Es también una obra tardía. Se inició en el 1512 por Juan Gil de
Hontañón y no se concluyó hasta el siglo XVIII. Tiene planta de tres naves cubiertas con bóvedas
estrelladas muy complejas y recargadas con multitud de nervios y molduras que se continúan en forma
de finos baquetones a lo largo de los pilares. Sus portadas son muy recargadas con toda la fuerza del
gótico flamígero, igual que la decoración de escudos, galerías de arcos góticos y medallones. Con esta
obra se cierra un capítulo del arte español.
8 Escultura Gótica
El resorte que
mueve al artista gótico en
las artes figurativas es el
creciente interés por la Naturaleza, la nueva actitud espiritual. Página 128
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Los montes, los árboles y los seres animados son obras del Creador, son bellos de por sí y dignos de
ser representados como tal como se muestran a nuestra vista.
Comentario de la Puerta del Sarmental en Burgos
La escultura, sobre todo en sus primeros tiempos, conserva el carácter monumental y el sentido
de la grandiosidad heredado del Románico, pero después el artista procura, cada vez más, dotar a sus
personajes de expresión humana. Estos personajes no son ya seres deshumanizados, insensibles al
amor y al dolor, creados para hacer pensar en la eternidad y la grandiosidad divina. El grandioso
tema, tan típicamente románico, del pantócrator rodeado por el Tetramorfos termina por desaparecer.
En pocos aspectos se expresa tan claramente este cambio de actitud como en la manera de
representar los dos temas capitales del arte cristiano: la Virgen con el niño y el Crucificado, en los que
el artista gótico sólo quiere ver el amor materno y el dolor humano.
La impasible Virgen románica, gracias al naturalismo gótico, llega a convertirse
en la madre que contempla amorosamente a su hijo y juega con él. Abandona el
frontalismo y la verticalidad e inclina ligeramente su cuerpo hacia un lado para poder
contemplar al hijo que tiene en sus brazos. Cuando esta sentada, en vez de colocar al
niño entre las piernas y de frente, lo sienta sobre una de ellas para hacer posible el
diálogo. Por el influjo de la tradición románica, la Virgen continúa durante algún
tiempo con el cuerpo erguido y mayestático, aunque no tarda en inclinar su rostro e
iniciar e intensificar el diálogo. El escultor se deleita entonces interpretando
graciosos gestos maternales e infantiles.
Comentario de Nuestra Señora La Blanca
El Crucificado románico, lo mismo que el bizantino, se nos muestra
insensible al dolor. Derecho, con los brazos horizontales, sin sentir el peso
del cuerpo, nos contempla con expresión serena. El artista gótico, en cambio,
ve en el Crucificado al Hijo del Hombre que sufre en el Calvario. Ya no
tiene un clavo en cada pie; para que su dolor sea más intenso, un solo clavo le
atraviesa los dos pies. El Cristo gótico es pues de tres clavos y no de cuatro como el románico. Esta
superposición de los pies hace desaparecer el paralelismo de las
piernas y para expresar su dolor, el cuerpo abandona su sereno
verticalismo y se arquea desplazando las caderas. Se llega a crear
una fórmula que impera hasta finales del siglo XIV según la cual,
hasta la cintura se mantiene casi vertical mientras las piernas
aparecen dobladas hacia un lado.
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Comentario de la Anunciación y la Visitación: Fachada Occidental de la Catedral de Reims
Otra novedad en el Gótico es la importancia que en el repertorio iconográfico adquieren las
vidas de los santos, es decir, la hagiografía. Deseo de este mismo reflejo de humanizar la escultura es
la tendencia a que las estatuas de las jambas de las portadas no permanezcan incomunicadas entre si,
sino que hablen unos con otros y se rían. El afán expresivo del Gótico lleva al artista, sobre todo en el
siglo XV, a preocuparse por lo secundario y anecdótico, antes considerado indigno de la
representación artística. En la segunda mitad de esta centuria, por último, el interés del escultor
alcanza lo satírico y lo burlesco, llegando incluso a representar temas obscenos.
8.1 Evolución del estilo
A lo largo de sus tres siglos de vida la escultura gótica evoluciona intensamente. En su primera
etapa se reacciona contra los amanerados, abundantes y retorcidos plegados del estilo románico de
última hora, y los ropajes se tornan sencillos, de escasos pliegues angulosos y de composición clara.
En esta etapa se crea el tipo de rostro triangular, de mentón agudo, ojos rasgados y expresión sonriente
que perdura hasta mediados del siglo XIV.
Desde finales del siglo XIV y principios del siglo XV se manifiesta un decidido deseo por
alargar las figuras a las que se hace describir curvas y contracurvas cada vez más intensas e inspiradas
por un criterio cada vez más decorativo. Este amor por lo curvilíneo y lo decorativo se hace
perceptible sobre todo en los ropajes en los que, perdida la simplicidad primitiva, los pliegues se
convierten a veces en pura sinuosidad curvilínea. Es la etapa del estilo llamado internacional.
Entrado ya el siglo XV, en Borgoña y Flandes, se reacciona contra ese estilo curvilíneo tan
convencional. La figura humana recobra el naturalismo, procurando individualizar los rostros, que se
convierten en auténticos retratos.
El relieve ve nacer hacia 1400 el paisaje. A lo largo del siglo XV
y sobre todo en los compartimentos de los retablos, el escenario se
hace cada vez más profundo y en él se
ordenan en escala decreciente, según
las leyes de la perspectiva, y en varios
planos, montes, árboles, edificios y
personajes.
Ahora se abren nuevos campos de actividad al escultor. El retablo, pequeño todavía en el siglo
XIII, se desarrolla considerablemente en el XIV y más aún en el XV, sobre todo en España, donde Página 130
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adquiere proporciones gigantescas. Consta de varias calles o zonas verticales y varios cuerpos o zonas
horizontales. La inferior de éstas, que sirve como pedestal al retablo, es el banco. La escena que
suele coronar la calle del centro es el Calvario. Los múltiples compartimentos, por lo regular
rectangulares, en que están subdivididas las calles, son las casas o encasamientos.
La figura más importante en cuanto a escultura en el siglo XV y
en España es Gil de Siloé. Dotado de una gran fantasía creadora, no
se somete a reglas ni a cánones tradicionales. Por otra parte, su
increíble maestría técnica le facilita dotar a sus imágenes del más
exigente realismo burgués del momento. Realizó la portada del
colegio de San Gregorio en Valladolid y el retablo de Santa Ana en la
capilla del Condestable de la catedral de Burgos, pero su obra cumbre
es el retablo de la Cartuja de Miraflores, también en Burgos. Este retablo adopta una composición
geométrica muy simple, presidida por un gran círculo central. Pero la gran fantasía y decorativismo,
así como la gran vitalidad de las figuras, acaba por superar el esquema básico en una incontenible
marea de fastuosidad y exotismo.
La escuela de Borgoña. Ese amor a la Naturaleza
que hemos visto ir transformando las esculturas
románicas en las sonrientes y humanas Vírgenes góticas,
da su paso decisivo en pro de la conquista del individuo
en la escultura borgoñona. El creador de la escuela,
Claus Sluter, trae la sensibilidad observadora y ansiosa
de realidad del temperamento de los Paises Bajos.
Escultor de primer orden, nace en Utrech y sabemos que
trabaja en Bruselas antes de trasladarse a Dijon. Sus obras maestra son: el
llamado pozo de Moisés y el sepulcro de Felipe el atrevido y de Felipe Pot.
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9 Pintura Gótica
9.1 Trecento Italiano
Lo más destacado es el trecento italiano, donde se muestra un mayor interés por la belleza
naturalista y el juego de volúmenes. En los primeros años del siglo XIV, aparecen dos escuelas de
pintura en la Toscana y ambas constituyen el antecedente directo del Renacimiento Italiano: la
Escuela Florentina y la Escuela Sienesa. De las dos, la más innovadora es la florentina y tiene a Giotto
como su máximo representante. Giotto rompe con los convencionalismos de la tradición bizantina que
imperaba hasta entonces en Italia y su espíritu de observación de la realidad le distancia de los
maestros sieneses coetáneos. Las expresiones dramáticas de los rostros, las figuras en movimiento y la
gradación de sus colores suponen un avance sustancial, aunque sus montañas sean convencionales, sus
fondos aún dorados y su paisaje muy esquemático. Él es la transición de la pintura gótica feudal y la
renacentista en Italia. Ejemplo: La Deposición del cuerpo de Cristo en la Capilla Scrovegni
Comentario de La Deposición del cuerpo de Cristo.
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9.2 Pintura flamenca:
El Renacimiento Nórdico se basa en una renovación figurativa basada en la observación fiel de
la naturaleza y del hombre pero con un sistema de visión aún medieval. Ciudades como Ypres, Gante
o Brujas viven durante casi todo el siglo XV una fase de esplendor económico basado en la industria.
textil y en el comercio europeo. Todo ello produce la creación de una clase burguesa poderosa que
demanda un nuevo tipo de arte. De esta forma va a crearse en estas ciudades una extraordinaria
escuela pictórica que rompe moldes con respecto a la pintura gótica pero que mantiene diferencias con
respecto al Renacimiento Italiano.
Al final del siglo XV esta zona entra en una fase de depresión económica producida por una
serie de crisis bélicas y sociales, pero sobretodo por las nuevas rutas atlánticas abiertas por españoles y
portugueses. Los pintores de los Países Bajos eran muy cotizados anteriormente como miniaturistas y
esto va a ser un precedente para que la pintura evolucione pero también va a marcar las técnicas a
seguir.
En lo económico se daba un desarrollo del comercio basado en la industria textil (bien
conectada con la industria textil italiana) y en sus cuadros veremos esa industria textil. Su pintura es la
mejor publicidad de sus tejidos y por eso el matiz más importante en los cuadros flamencos es el textil.
Las ciudades de los países Bajos son autónomas y hay rivalidades entre ellas. Los artistas
flamencos no son itinerantes y se ponen al servicio de una ciudad (de sus clases dirigentes). Los
encargantes serán gremios, burgueses y por lo tanto el formato y los temas van a ser diferentes La
mayoría de las obras son de pequeño tamaño, más apropiadas para las casas de los burgueses que para
los grandes palacios nobiliares. Suelen ser trípticos con laterales sobre bisagras.
El nominalismo difundido por Okam y divulgado por los Países Bajos defiende como sistema
filosófico un empirismo radical: sólo se sabe la existencia de algo cuando lo conocemos
sensitivamente, perceptivamente. Esto conduce a darle valor a lo individual y concreto en vez de a lo
universal y abstracto. En pintura esto se manifiesta en el gusto por el detalle minucioso,
miniaturizado.
A finales del siglo XV el ambiente de crisis desemboca en la formación de corrientes de
misticismo que se organizan fuera de la religión católica. Por ejemplo Los hermanos de la vida común
a la que pertenecía El Bosco. Se vivía, por lo tanto, en un ambiente místico-material, religión
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exacerbada pero con un apego a lo cotidiano y terrenal. Pronto se desarrollaría la Reforma Luterana
con este caldo.
9.2.1 Características de la pintura flamenca.
1- La minuciosidad. Son obras para ser vistas de cerca. Detalles casi microscópicos, hojas de un
árbol, ciudades lejanas. Son miniaturas unidas en un cuadro.
2- Naturalismo. Representación veraz de la realidad sin idealizaciones como en Italia. Los rostros son
de personas con nombres y apellidos, con sus fealdades. La anatomía es perfecta, la visión casi foto-
gráfica en matices y texturas. Pero les falla la visión de conjunto, la realidad conceptual, escorzos y
perspectiva.
3- Como tema el paisaje se convierte en el protagonista. Muchas veces se sale al paisaje exterior a
través de una ventana desde el interior y otras la vista es ya exterior. El paisaje es húmedo, de perfil
bajo en su horizonte y siempre llano. Está representado con la misma minuciosidad que los objetos del
primer plano y en él hay una ausencia total de espacio tangible, medido con líneas, es un paisaje sin
profundidad, infinito e intangible..
4- Gusto por los objetos, por lo concreto de la vida cotidiana. Son habitaciones pequeñas repletas de
objetos de uso común, muebles, alfombras, cuadros, objetos que señalan también un cierto nivel de
vida burguesa y entre los que destaca siempre el tejido.
5- La técnica es la pintura sobre tabla con la utilización del óleo que permite veladuras, trasparencias y
minuciosidad.
6- La luz es uniforme, como si no jugara ningún papel, es una luz natural, sin estudio, una luz aún
gótica. La composición tiende siempre a ser sencilla, simétrica y jerarquizada, siguiendo tipologías
góticas .
7- Entre los temas predomina el religiosos en dos vertientes: el misterio de la fe, vivido como un
drama, interiorizado, individual y místico. Pero también aparecen escenas religiosas mezcladas dentro
de ambientes cotidianos, vírgenes y santos hablando con personajes de la época, como si se pretendiera
acercar el cielo a la tierra, humanizando lo divino.
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8- Por otra parte aparecen temas cotidianos y burgueses donde la moral inunda de puritanismo todas
las escenas: el trabajo diario, el matrimonio y la fidelidad, etc. Para esto se emplean multitud de
símbolos. La simbología cristiana, de raíz medieval, es constante.
9.2.2 Jean-Van Eyck
Es el precursor y principal miembro de esta escuela. Se
estableció en Brujas donde desarrollará todo su trabajo. En él se en-
cuentran las principales características de la escuela aunque Jean
desarrolló una técnica superior a la de sus compañeros sobre todo en
perspectiva. Su mejor obra es El Retablo de San Bavón: Abierto
tiene doce tablas, siete superiores y cinco inferiores. Las de arriba representan a Cristo, La virgen y
San Juan en el centro, los ángeles cantores y músicos en los laterales y en los extremos a Adán y Eva.
En las tablas inferiores se representa la Adoraci6n del cordero místico, que es la escena principal de
todo el tríptico, a la izquierda los caballeros y jueces de Cristo y a la derecha los ermitaños y
peregrinos.
El tema representa la idea del catolicismo místico de la zona. El cordero es Cristo que derrama
su sangre por todos nosotros. El concepto de espacio es ilimitado. Es la idea de paraíso, con líneas de
fuga hacia el horizonte aprovechando los rayos de sol de una forma geométrica e ingenua. pero no hay
profundidad porque el espacio no es mensurable.
La obsesión por el realismo se transforma en un detallismo
extremo. La misma perfección tiene una figura del primer plano
que la hoja de un árbol del fondo.
El dominio del dibujo ayuda a hacer
un estudio de calidades táctiles,
sobre todo en el tejido. La
minuciosidad es microscópica y se puede seguir el pincel con una lupa
donde el ojo no llega.
La composición es sencilla, todos los rostros vueltos hacia el
centro, hacia el altar. Las figuras se reparten por grupos dispuestos
ordenadamente. Los ejes de simetría son dominantes. El colorido es brillante y hay un equilibrio entre
los colores fríos del horizonte y los vivos colores de los vestidos del primer plano resaltados sobre un
fondo verde.
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En la Virgen del Canciller Rolind, Jean convierte un tema
religioso en unos estudiados retratos, con un protagonismo de paisaje
y todo ello dentro de una escena cotidiana y en un escenario cotidiano
y real. El canciller está arrodillado ante la Virgen y sobre ésta hay un
ángel. Al fondo una ventana por donde se sale a un espacio exterior:
un jardín y un fondo dividido en dos por un río. El detalle es el mismo
para el rostro que para la torre campanario del fondo. No hay
profundidad visual porque el dibujo es el mismo, siempre nítido.
El detalle en los vestidos es extremo (propaganda). La Virgen responde al canon de belleza de
la mujer flamenca y el donante al canon de hombre de negocios, aunque el retrato es real e individual.
Detrás del donante está la ciudad terrena y detrás de la Virgen la Jerusalén celeste, las dos unidas por
un puente con siete arcos que simbolizan los siete sacramentos. Es el símbolo de la fusión entre lo
celeste y lo terrenal, esa necesidad de comunión espiritual directa sin necesidad de la Iglesia. (Fil 6)
El matrimonio de Arnolfini. (Fil 8) El cuadro es un certificado de matrimonio por su
simbología. Es el único retrato doble y de cuerpo entero que conocemos de Van Eyck. Corresponde a
un rico banquero italiano afincado en Brujas y su reciente mujer. En esta obra el pintor recurre a una
técnica para amplificar el espacio que es revolucionaria: un espejo cóncavo en donde aparece reflejado
el pintor de frente y las espaldas de los dos retratados.
El color es brillante, la textura de los tejidos perfecta, la nitidez y minuciosidad de todos los
objetos es de miniatura. La composición es sencilla y simétrica, la luz entra por una ventana a la
izquierda pero no selecciona y apenas crea sombras, el espacio es interior y el estudio de las
perspectivas es bueno.
Abundan los símbolos. Así el perro es el
símbolo de la fidelidad, las zapatillas son el símbolo de
la ocupación del hogar por el varón y la cama es el
símbolo de lo conyugal.
Comentario del Matrimonio Arnolfini
El hombre del turbante. Puede ser un autorretrato de Jean. (Fil
7) Hay una perfección en el dominio del dibujo para el contorno,
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para el rostro y para el turbante. Realiza un rostro individualizado, concentrado, pensador. El
turbante es fundamental por su intenso color rojo y porque realiza una función de contraste con el
color claro de la cara y el tono oscuro y pálido del resto del cuadro. Así se acentúa la vi veza del
rostro.
9.2.3 Van der Weyden.
Influenciado por Campin y Jean Van Eyck, trabajó en Bruselas y destacó por su habilidad compositiva: las
actitudes y los sentimientos se orquestan con un ritmo equilibrado
pero dentro de un gran drama religioso. Él toca los temas más
dolorosos de la Pasión, donde presenta una variada gama de
expresiones dramáticas.
Su mejor obra es El Descendimiento (fil 11)
donde vemos las principales características de su obra:
el elemento protagonista es esa expresividad de sus figuras tendente hacia el dramatismo patético. Es
esta expresividad donde Van der Weyden supera a Van Eyck. Además tiene una concepción
monumental de las figuras. Los fondos son planos pero las figuras son escultóricas, con relieve y
volumen.
Usa el color para representar las calidades táctiles dándole al conjunto un carácter preciosista y
brillante. Los rostros son humanos, individuales, patéticos y con posturas muy expresivas. La Virgen
aparece desmayada con el rostro blanco y en un difícil escorzo. En cuanto a la composición es algo
agobiante porque las figuras ocupan todo el enmarque y están dispuestas sobre un fondo plano sin
espacio ni profundidad. Pero aún así la composición está estudiada y ordenada repartiendo tres
personajes a cada lado, colocando uno delante y otro detrás de la cruz y compensando toda su
verticalidad con las figuras de Cristo y María.
Retrato anónimo (Fil 14) Es la cara larga y huesuda de una mujer. El
dibujo es menos preciosista para acentuar la expresividad. Los colores se
presentan en una misma gama en torno al blanco para hacer la figura escultórica,
para esculpir más que pintar.
9.2.4 Van der Goes
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Es el tercero de los maestros de la escuela flamenca. Murió joven (1440-1482) y desarrolla la
mayor parte de su obra en Gante. Es el pintor más influenciado por la pintura italiana porque él viajó
varias veces a Florencia y conoció a los protagonistas de la revolución pictórica que allí sucedía.
De él es el Tríptico Pórtinari (Fil 23) Portinari era un banquero
florentino que encargó en cuadro a Van der Goes en uno de sus
viajes por Italia. El tríptico causó gran sensación en Italia,
impresionó por su expresividad y por la perfección que permitía el
óleo, desconocido aún allí. En el panel central vemos la escena de la Adoración de los Pastores, un
tema muy frecuente pero con un tratamiento diferente: todos los rostros son individualizados, aparecen
expresiones de caras populares, pastores de clase baja y con rostros deformados. Las figuras también
gozan de un gran dinamismo, sobre todo en los mismos pastores. Sin embargo la Virgen aparece
mucho más bella. Pero tampoco es la imagen convencional de la Virgen, Ésta aparece más adulta,
más expresiva y no tan dulce como en las pinturas de Van Eyck.
9.2.5 Jeroen Anthoniszoon Van Aeken (El Bosco)
Es el más original de los pintores flamencos. Nació y vivió toda su vida en una pequefia
ciudad holandesa llamada Hertogenbosch y por eso a é1 se le conoció siempre por Hieronimus Bosch
en Holanda y el Bosco en España. Su ciudad era rural y nada próspera y pervivían en ella las antiguas
tradiciones medievales arraigadas en un mundo rural. Estos miedos ancestrales son los que pintará El
Bosco. Vivió una época de guerras de religión, de inestabilidad política, de declive económico en el
puente entre el siglo XV y el XVI.
El Bosco va a revolucionar toda la temática y la iconografía de la pintura. Sus imágenes
oníricas e irracionales están mucho más cerca de la vanguardia surrealista del siglo XX que de la
pintura renacentista. Pero esta locura constante en sus figuras le sirve a la vez para criticar y satirizar
una realidad cruda de su alrededor. Detrás de esa locura hay una crítica de su realidad social.
El fuego en la noche es una imagen que se repite una y otra vez en sus cuadros, como una
obsesión, el fuego como el que ardía en las ciudades de su entorno, pero el fuego también como
purificador de todo un mundo perdido y en pecado. Y es que El Bosco dota a sus cuadros de una
moraleja, una lectura moralista y puritana. Él pertenecía a la secta de Los hermanos de la vida común y
critica su sociedad desde un prisma místico-católico. Todo ese mundo de Apocalipsis, revuelto y
desbaratado no es más que la representación del subconsciente colectivo de esa masa intra-histórica,
con su mundo de terrores, locuras y supersticiones y amenazas del fin del mundo en la Edad Media.
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Técnicamente no es tan innovador. Practica un dibujo preciso y un color brillantísimo que
evoca el mundo de las miniaturas. Pero toda su obra carece de una elemental composición, de
perspectiva, espacio luz y volumen. Sus figura son planas. Pero es porque la pintura para él no es
más que un medio para exponer un tema y le interesa más el contenido ético de su obra que el estético.
La colección más importante de boscos está en España, en el Museo del Prado, porque en los
primeros años del siglo XVI los Países Bajos ya eran propiedad de la corona española y Felipe II era
un gran admirador de El Bosco siendo su principal coleccionista. Hoy toda esa co lección se
encuentra aquí.
Podemos dividir toda su obra en dos fases:
1ª.- De 1475 a 1489 donde las obras principales son: La curación de la locura, El
prestirigitador, La nave de los locos y Los siete pecados capitales.
2º.- De 1500 a 1502. Es ahora cuando realiza sus mejores obras: Tríptico del carro
de Heno, El jardín de las delicias y Las tentaciones de San Antonio.
De su primera etapa vemos La curación de la locura donde
aparece un curandero trepanándole los sesos a un loco en una operación
mágica. El "médico" tiene un embudo en la cabeza para ridiculizar a los
científicos prepotentes (rechazo al progreso médico). Aparece un monje
supervisando la operación como si la Iglesia patrocinara y permitiera esta
profanación. Aparece una mujer con un libro en la cabeza porque la mujer
es la representación del pecado y en este caso el pecado es la ciencia,
querer saber más que Dios. (fil 7) Es más
importante su pintura por toda esta temática
que por su forma. El paisaje tiene un sentido poético, mágico incluso,
son fondos manipulados en función de la escena principal. El dibujo
es poco mañoso aún. No quiso aprender a pintar bien porque no le
interesaba.
En la tabla central del tríptico El carro de Heno aparece la es-
cena principal (fil 3). Toda la escena es una sátira mordaz contra los
placeres terrenales. El carro de heno es la alegoría de los placeres que
se esfuma como el heno. Todos quieren subir al carro a coger heno.
El carro está tirado por seres increíbles, hay un cura que come heno del que le traen las monjas, un
abuelo que le dice a su nieto que no coma heno, una pareja de enamorados encima del carro y Cristo
que sale de una nube mirándolo todo con agonía.Página 139
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El jardín de las delicias (fil 4,5,6, Mec 1 y 2) El mundo fantástico de sueños imaginarios del
Bosco alcanza su culmen en esta obra. Realizado entre 1501 y 1503, la temática es similar a la del
Carro de heno. Es una gigantesca alegoría satírica con imágenes suprarrealistas. Es un tríptico y en el
panel de la izquierda aparece una escena bíblica, el
paraíso terrenal con Adán y Eva. Es el principio de
la Creación, cuando aún no existía el pecado. En el
panel del centro esta el Jardín de las Delicias, es el
centro de la vida sumida en el pecado y el placer.
En el panel de la derecha aparece El Infierno
Musical, es el final, la conclusión, lo que les espera
a los hombres en un Juicio Final que se ha de celebrar en la Tierra en ruinas. Si se cierra el tríptico
aparece el mundo en el tercer día de la Creación.
Cuando se contempla el impacto cromático es intenso. Un mundo mágico de colores que
estallan en un desorden. Técnicamente el Bosco se manifiesta en este cuadro como un pintor muy
tradicional, con un carácter miniaturista por el sentido del color y la perfección de cada uno de los
objetos. El cuadro lo llena en casi toda su altura. El punto de vista está muy alto, como si divisáramos
todo desde una colina y el horizonte es por ello muy alto, pero siempre en zona de llanura. Descuida
por completo el volumen de sus figuras porque sólo le interesa la lectura de esa iconografía suya y
particular. En cuanto a composición también juega un papel
moralista porque en el panel de la izquierda, en el del centro se
aprecia un eje vertical que crea ciertas simetrías pero en el
panel de la derecha sólo hay un caos desordenado y caótico
porque representa el infierno.
En los tres paneles se aprecia un sentido narrativo muy
medieval que arranca del principio inmaculado y termina en un final manchado por los defectos del
hombre. Lo que convierte esta pintura en revolucionaria es esa nueva imaginería irracional, irreal, toda
una simbología que no tiene nada que ver con los símbolos convencionales de la pintura medieval. Es
un mundo onírico con superficies extraterrestres, arquitecturas alucinantes disecciones de animales
como cobijo de hombres, burbujas, etc.
Adoración de los Reyes. (fil 2) En este cuadro se manifiesta
como un pintor más conocedor de la técnica pictórica. Parece un
cuadro religioso, pero en
el fondo nos volvemos a
encontrar con la
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irrealidad. Es un cuadro de gran pesimismo, muestra a unos reyes ambiguos, como distantes y
amenazadores. A la izquierda y la derecha están los donantes y en el centro la Adoración de los
Reyes. Detrás del portal hay un enfrentamiento de tropas que nos indican que detrás de la paz de la
religión hay una gran violencia por parte de los hombres.
9.2.6 Patinir Es el pintor flamenco que convierte el paisaje en auténtico protagonista, cambiando además las
llanuras holandesas por paisajes con personalidad propia, con rocas y agua y una luz que engloba toda
la unidad. En la Huida a Egipto (Fil 8) es tan importante el paisaje como la escena principal, la cual
casi desaparece dentro de él. Cielo, Agua y Tierra forman un todo en el cuadro. El paisaje de Patinir
es siempre estático, inmóvil y evocador de un mundo apacible.
9.2.7 Brueguel
Es un maestro del siglo XVI. Recoge el simbolismo del Bosco pero adaptado a un paisaje real.
Hay una concepción dinámica del paisaje, con ondulaciones y una vitalidad bullente. En la serie Las
Estaciones, de donde se extrae Los Patinadores, las figuras son meros elementos insertos en el
concierto total de la obra. lo que vive realmente es la Naturaleza y el hombre es sólo una parte de ella.
Anuncia el paisaje dinámico del Barroco. Esos paisajes, Brueghel los extrae de unos dibujos que
realizó de los Alpes cuando estuvo en Italia.
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