APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 2. SIGLO XIX (II)

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FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 2. ARTE DEL SIGLO XIX (II): EL ROMANTICISMO TARDÍO. 1850-‐1900

Fundamentos del Arte II Ana Galván Romarate-‐Zabala

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TEMA 2. ARTE DEL SIGLO XIX (II): EL ROMANTICISMO TARDÍO. 1850-‐1900 1.El contexto histórico-‐cultural de la segunda mitad del siglo XIX. 2. La arquitectura. 3. La escultura. 4.La pintura. 5. Los diseños textiles de Mariano Fortuny 6. El movimiento esteticista Arts & Crafts y la pintura prerrafaelita. 7. La fotografía y los orígenes del cine. 8. Música, danza y zarzuela. Este tema está dedicado a una selección de artistas y tendencias estéticas de la segunda mitad del siglo XIX siguiendo las pautas que nos da el currículo a través de los criterios de evaluación y los estándares. De ahí que podamos considerar que son todos los que están pero no están todos los que son1. 1.EL CONTEXTO HISTÓRICO-‐CULTURAL DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX

En esa etapa, podemos destacar como hechos históricos relevantes, entre otros muchos: *La Revolución Industrial. Comenzada en Gran Bretaña en el siglo XVIII, se extiende por Europa a lo largo del siglo XIX (Alemania, Francia…). Ligada a ella, surge una nueva clase social, el proletariado y el consiguiente auge de los movimientos obreros. *La colonización de África llevada a cabo por parte de las potencias europeas. Se basaba en la búsqueda de materias primas (productos agrícolas, mineros) y mercados ligados a la Revolución Industrial. Fue una carrera por el dominio de África, y por ende, del mundo. Durante la segunda mitad del siglo XIX el imperialismo colonial británico propició que Gran Bretaña pasara a ser la principal potencia hegemónica del mundo. Con la Conferencia de Berlín de 1884-‐85, los países europeos se repartieron África.

*Durante el siglo XIX se sucedieron diversas guerras del Opio entre el imperio chino y el británico, al que más adelante se añadirían el imperio ruso y el Segundo Imperio francés. Hay que señalar que el opio es una sustancia altamente adictiva que procede de la planta “adormidera”. Cuando se mezcla con alcohol (vino blanco) y otras sustancias se denomina “laúdano”, sustancia que causó estragos entre los adictos del siglo XIX, aunque también

1 El título de “Romanticismo tardío” relativo a la segunda mitad del siglo XIX no refleja en su totalidad la naturaleza de los contenidos de este tema que abarca tendencias estéticas diferentes no necesariamente ligadas al Romanticismo. Pero así aparece en el currículo oficial BOE 3 de Enero de 2015 y no pudo ser cambiado en su adaptación canaria (Decreto 83/2016 de 4 de julio).

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se usaba terapeúticamente. La primera guerra del Opio se extendió entre 1839-‐42 y la segunda, en la que Francia se implicó con los británicos, estalló entre 1856 y se extendió hasta 1860. El motivo de estas guerras eran los intereses comerciales surgidos por el contrabando británico de opio desde la India británica hacia China. China fue derrotada en las dos guerras lo que provocó que el gobierno asiático tolerara el comercio del opio. Se abrieron más puertos chinos al comercio exterior –ya que en un principio solo se podía comerciar con Cantón-‐ y además los británicos se anexionaron Hong Kong –hasta el año 1997-‐.

*La Guerra de Secesión Americana o guerra civil americana se produjo entre 1861 y 1865. Los dos bandos enfrentados fueron los Estados del Norte (la Unión) frente a los recién formados Estados Confederados de América (once estados del Sur que proclamaron su independencia). El fin de la guerra supuso el triunfo del Norte, la abolición de la esclavitud y la unificación de los diferentes estados en una única nación indivisible. Esta terrible contienda junto con la Segunda Guerra Mundial fue uno de los más cruentos episodios de la historia de Estados Unidos. *A lo largo del siglo XIX se produjo también el proceso de independencia de las antiguas colonias españolas en América que culminaría con el denominado Desastre o Crisis del 98. Los líderes independentistas americanos en su mayoría eran descendientes de españoles imbuidos del espíritu ilustrado y revolucionario imperante en la época.

*Los nacionalismos italiano y germánico tienen como base la llama revolucionaria que alienta el Romanticismo con su reivindicación del sentimiento sobre la razón y la valorización del folklore, lengua, cultura y rasgos de identidad de un pueblo. Es por aquel entonces cuando a través del Risorgimento, Italia en 18712 consigue su unificación ya que estaba dividida en diversos estados, en su mayor parte vinculados a dinastías no italianas (Habsburgo, Borbones). Su “himno” fue el famosísimo “Va pensiero” del coro de esclavos de Nabucco de Verdi, tal y como vimos en el tema 1. En el caso de Alemania, la defensa de la unidad de la nación alemana comenzó a convertirse en una importante fuerza política a raíz de la invasión de sus territorios por la Francia napoleónica. La unificación de Alemania fue un proceso histórico que tuvo lugar en la segunda mitad del siglo XIX y que culminó con la creación del Imperio alemán el 18 de enero de 1871 reuniendo diversos estados hasta entonces independientes (Prusia, Baviera, Sajonia, etc.).

2 Sobre la reunificación italiana véase http://bachiller.sabuco.com/historia/italia2.pdf


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*Fascinados por Oriente3. Durante el siglo XIX la influencia del arte oriental, concretamente japonés, alcanza un gran auge4. Recordemos que a partir de la apertura de los puertos de Japón durante la década de 1860, el japonismo se convirtió en uno de los ingredientes más esenciales de la modernidad artística europea a través de la influencia que ejerció en los temas, motivos ornamentales, composiciones, técnicas a caballo entre los siglos XIX y XX. 2. LA ARQUITECTURA Revivals, eclecticismos e historicismos Como ya señalamos en el tema anterior, durante el siglo XIX, la arquitectura ligada al Romanticismo será proclive a los revivals y eclecticismos de todo tipo. El colonialismo imperante en la época favoreció la difusión, especialmente en Inglaterra, de estilos exóticos como el Neoindio y el Neochino. Un mismo edificio, así, podía ser realizado en varios estilos, como el Pabellón Real de Brighton (Inglaterra, 1815)5. Esa variedad de estilos arquitectónicos vigentes en el siglo XIX se une a las nuevas necesidades arquitectónicas de la sociedad industrial y burguesa: estaciones de ferrocarril, mataderos, escuelas, mercados, etc. Muchos arquitectos recurren en su obra a estilos diferentes según la función de los edificios, y, de acuerdo con el eclecticismo dominante, los mezclan con frecuencia.

En el siglo XIX, la etapa que despierta mayor interés es la Edad Media, que por primera vez es valorada como algo más que un oscuro paréntesis entre Roma y el brillante Renacimiento. Las construcciones góticas son restauradas, estudiadas e imitadas en toda Europa. Esta vuelta al gótico, que es denominada el “neogótico”, tiene distinta importancia y significado en cada país6. En Inglaterra, el neogótico era considerado como el estilo auténticamente religioso, impregnado de virtudes morales y sociales. Los románticos alemanes hallan en la catedral gótica la mejor expresión del “espíritu del pueblo alemán”. En Francia destaca Viollet-‐le-‐Duc7 restaurador, arquitecto y escritor, uno de los ideólogos fundamentales del Neogótico. Creía que este sistema constructivo era el más racional que ha existido y propone recrearlo añadiéndole innovaciones como el uso del hierro. El Neogótico se utilizó sobre todo en la arquitectura religiosa y política. Dos buenos ejemplos de

3 Véase http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-‐japonismo-‐caixaforum-‐madrid-‐esp__816-‐c-‐18987__.html 4 Hay que recordar, no obstante, que generalmente, esa pasión por el arte oriental no hacía distingos entre lo japonés y lo chino que se solía confundir. 5 Realizado por el arquitecto John Nash para el rey Jorge IV, está situado cerca de la playa y se concibió como un espacio de ocio, impregnado de elementos chinos, islámicos e hindúes… 6 Junto al Neogótico se desarrollan otros muchos estilos que responden a diferentes tradiciones y razones: así, la expedición napoleónica a Egipto favoreció el estilo Neoegipcio, que incluía pilonos y muros en talud. 7 Restauró la catedral de Notre-‐Dame de Paris y la ciudad medieval de Carcassonne, situada en el sur de Francia.

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Parlamentos neogóticos son el de Londres (levantado entre los años 1840-‐60 por Charles Barry y Augustus Pugin) y el Parlamento de Budapest (Hungría). En Canarias también se expande el eclecticismo y los revivals de distinos estilos, incluso ya a inicios del siglo XX, como el neogótico de la Basílica de Arucas (Gran Canaria). El Neoárabe inspirado en la Alhambra de Granada, tuvo especial importancia en España, con variantes locales como el Neomudéjar8 (ejemplos en Madrid: Plaza de toros de las Ventas; las Escuelas Aguirre (actual Casa Árabe); el Matadero). Recordemos que en este estilo, de clara inspiración islámica, encontramos arcos de herradura y la utilización del ladrillo como elemento ornamental. En España el estilo neomudéjar fue reivindicado como un arte netamente nacional, por ser algo peculiar y específico de nuestro país.

En definitiva, y por lo que se refiere a la arquitectura española decimonónica, encontramos, como en el resto de Europa ejemplos ligados al eclecticismo, historicismo y revivals como el neogótico, neorrománico, etc. Por lo demás, durante la segunda mitad del siglo XIX se construyen relevantes teatros por toda España de influencia italiana o francesa: en Murcia, Bilbao, Oviedo, Cádiz, Santa Cruz de Tenerife, Las Palmas de Gran Canaria o Madrid. Las Exposiciones Universales Durante el siglo XIX surgieron las EXPOSICIONES UNIVERSALES, que tendrán grandes repercusiones en las Bellas Artes. Eran muestras internacionales donde se exponía y mostraban los avances técnicos y materiales ligados a la revolución industrial. Se convirtieron en acontecimientos de fuerte calado político, económico y social. Organizar una Exposición Universal era todo un privilegio que otorgaba prestigio a la ciudad que lo organizaba así como una fuente de modernización económica y de mejoras de las infraestructuras ciudadanas. La primera exposición universal no tuvo lugar en Francia –país donde era tradición llevar a cabo exposiciones nacionales-‐ sino en Gran Bretaña, concretamente en 1851 en Hyde Park, Londres. Luego seguirían otras en París, 1867; Viena, 1873; Filadelfia, 1876; París, 1878; Melbourne, 1880 y Barcelona en 1888.

En la Exposición Universal de 1851 de Londres, Joseph Paxton construyó un edificio, que desgraciadamente no se ha conservado, llamado Crystal Palace: fue la primera construcción modular realizada enteramente con hierro y cristal, inspirada en la arquitectura de los invernaderos. Fue el asombro de todo el mundo y se construyó en un tiempo record. Tuvo un gran éxito y se convirtió en una tipología de edificio imitado en toda Europa. Este edificio

8 En estilo Neomudéjar se construyeron una gran variedad de tipologías arquitectónicas como conventos, hospitales, orfelinatos, etc.


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fue el precursor de la arquitectura prefabricada, y con él se demostró la posibilidad de construir edificios bellos en hierro. Y es que la ventaja de este material era evidente: más resistente que la madera y prácticamente indestructible, el hierro permitía concebir enormes estructuras, impensables con los materiales tradicionales (piedra y ladrillo). En España hay numerosos ejemplos de la arquitectura de hierro y cristal en estaciones de trenes (Atocha), mercados (del Puerto y Vegueta de Las Palmas), bibliotecas, viaductos, puentes, salas de exposiciones, palacios invernaderos, etc.

La TORRE EIFFEL, apogeo del hierro, símbolo de París Los edificios de hierro más impresionantes del siglo se construyeron para la Exposición Universal de París de 1889: su ejemplo más emblemático fue la célebre TORRE EIFFEL9. El autor de esta obra fue GUSTAVE EIFFEL, (1832-‐1923) un ingeniero francés especialista en la construcción de puentes, viaductos y estaciones de ferrocarril. Esta torre de hierro rodeada de aire es el paradigma del triunfo de la civilización industrial, del progreso y la tecnología del siglo XIX. Fue elegida entre 700 proyectos y se tardó en construir solo dos años (1887-‐89). Surgió como puerta-‐arco de entrada a esa exposición, una feria mundial organizada para conmemorar el centenario de la Revolución Francesa. En principio pensaron que la tendrían que desmontar pasados 20 años pero finalmente, la voluntad popular evitó que se derribase. Por otro lado, Eiffel quiso darle una utilidad científica ya que pretendía que en ella se realizaran observaciones meteorológicas y astronómicas, estudios sobre el viento, que sirviera como torre de comunicaciones, etc. Construir esta torre suponía hacer frente a retos importantes (la altura, calcular la resistencia del viento, etc.) Es pura física y matemática. Fue el primer edificio construido únicamente en hierro y se levantó en sólo dos años porque se utilizaron piezas metálicas prefabricadas. Ha sido definida como “una especie de tela de araña transparente”. La torre Eiffel tiene forma de pirámide con las caras cóncavas. Consta de cuatro patas arqueadas que se estrechan hacia dentro formando una sola columna. Inicialmente medía 300 metros de altura, pero, en la actualidad, su altura es de 320 metros porque sobre ella se han instalado antenas de radio y televisión. Esta espectacular torre de hierro desnudo transmite una sensación de transparencia y ligereza a sus visitantes. El hierro le otorga una gran resistencia. Su estructura es muy estable y fuerte. El color original de la torre fue el amarillo, aunque hoy en día no quede nada de él. Es pura estructura, no se la recubrió con ningún material.

9 Consúltese la conferencia del ingeniero Miguel Aguiló en la Fundación March sobre “La Torre Eiffe, apogeo del hierro, símbolo de París”: http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100686&l=2

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Desde un primer momento fue una obra muy controvertida que provocó un gran revuelo entre los artistas de la época.10 Proyectada como obra efímera, su construcción provocó la oposición de artistas y estetas pero, una vez terminada, obtuvo el favor del público y se constituyó en emblema y símbolo de París, y por ende, de toda Francia. Hasta 1930 fue la edificación más alta del mundo. Cada siete años recibe una nueva capa de pintura que mejora su aspecto y protege su estructura de la corrosión. Es uno de los edificios que cambiaron el mundo y además, en la actualidad, el más visitado. Ha sido tema de inspiración para numerosos artistas, desde pintores como el Georges Seurat o Robert Delaunay hasta músicos, poetas, cineastas… Otras obras de su variada producción fueron la estación de tren de Budapest (Hungría), la estructura de la Estatua de la Libertad, un puente en Burdeos, etc.

En Barcelona tuvo lugar en 1888 una Exposición Universal que fue un gran éxito. Supuso la modernización y embellecimiento de la ciudad, ligada a un nuevo estilo que será definitorio de ella: el Modernismo. Esta exposición fue organizada por la burguesía catalana y contó con el apoyo tácito de la monarquía. En ella participaron 22 países. 3. LA ESCULTURA En la escultura entre dos siglos XIX y XX, encontramos un sinfín de magníficos escultores. Vamos a destacar a tres de ellos, conforme a lo que marca el currículo: Auguste RODIN El parisino AUGUSTE RODIN (1840-‐1917) fue, con toda probabilidad, el gran escultor del siglo XIX. Su arte rompió todos los cánones académicos. Su fama fue tal que desde su taller llegó a convertir el arte de la escultura en una empresa con numerosos empleados para abastecer los pedidos que le llegaban de todas partes del mundo. Su talento creador le convirtió en una especie de réplica decimonónica de la terribilitá de Miguel Angel a quien admiraba profundamente y cuya obra conoció en un viaje a Italia. Rodin poseyó una capacidad extraordinaria que le permitió trabajar todo tipo de materiales, técnicas y formatos. Su temática, sumamente variada, abarca desde retratos, desnudos o temas eróticos hasta obras que enlazan con el Simbolismo. También se han detectado algunos rasgos en producción escultórica que lo ligan al Impresionismo por su acabado rugoso y abocetado y la preocupación por la fugacidad y lo efímero de buena parte de sus esculturas. Aunque sus obras sean hoy de mármol o de bronce no podemos olvidar que Rodin fue sobre todo un modelador. Más que interesarle la perfección formal o la belleza lo que pretendía era plasmar la vida, es, la fuerza, el dinamismo, la acción.

10 El 14 de febrero de 1887 las páginas de "Le Temps" publicaron un manifiesto titulado "Protesta de artistas", en el que se rechazaba su proyecto según los argumentos siguientes: "Escritores, escultores, pintores y amantes apasionados de la belleza hasta ahora intacta en París, venimos a protestar con todas nuestras fuerzas y con toda nuestra indignación en nombre del gusto francés despreciado y en el nombre del arte y la historia francesa amenazados, en contra de la erección en pleno corazón de nuestra capital de la inútil y monstruosa torre Eiffel. ¿Hasta cuándo la ciudad de París se asociará a las barrocas y mercantiles imaginaciones de un constructor de máquinas para deshonrarse y afearse inseparablemente? Pues la torre Eiffel, que ni siquiera la comercial América querría, es, no lo dudéis, la deshonra de París. Todos lo sienten, todos lo dicen y todos lo lamentan profundamente, y no somos más que un débil eco de la opinión universal, tan legítimamente alarmada".


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Uno de los proyectos inconclusos y más importantes de Rodin fue la realización de Las Puertas del Infierno (1880-‐1917). Fue un encargo del gobierno francés. Su fuente de inspiración fue el libro La Divina Comedia de Dante. Las esculturas de El Pensador o el Beso formaban parte de este proyecto. Aunque se conoce popularmente como El Pensador, el escultor pensó que se llamaría El Poeta y que fuera identificado con Dante. Es además, el posible alter ego del autor. La actitud de preocupación del Pensador se debe a que está afectado por lo que está viendo en la Puerta del Infierno: frisos con figuras pecadoras bajo él. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía. Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones. El Pensador está fundido en bronce y fue terminado en 1880. Está considerada una de las obras maestras del escultor.

Auguste Rodin representa un punto de inflexión en la historia de la escultura. Influirá de forma determinante en la escultura finisicular del XIX y en la del siglo XX.

Camille CLAUDEL Merece una mención especial el caso de la discípula de Rodin, la francesa Camille Claudel (1864-‐1943). Claudel es una de las pocas mujeres escultoras destacadas de la historia, olvidada injustamente hasta fechas muy recientes. Camille Claudel fue hermana del escritor y diplomático Paul Claudel. Desde pequeña sintió pasión por el arte y la escultura. Auguste Rodin se convirtió en su maestro y ella, en su musa. Se influyeron, desde el punto de vista artístico, mutuamente. Su carrera fue meteórica, aunque sufría de manía persecutoria y destruyó buena parte de sus esculturas. Afortunadamente, quedan un centenar de piezas de su producción, algunas conservadas

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en el Museo Rodin. Pasó los treinta últimos años de su vida en el manicomio de Montdevergeus (Vauclause, Francia) donde murió de indigencia y casi en el anonimato. Los temas más habituales de sus obras son los retratos y las escenas amorosas llenas de un dramatismo que podríamos tildar de romántico. Y es que no olvidemos que Camille Claudel mantuvo durante años una tortuosa relación sentimental con Rodin, que finalmente terminó en ruptura. Técnica y estilísticamente hay una total similitud entre su obra y la de su maestro Rodin. Su escultura La edad madura (1899) es una doble analogía: el paso del tiempo y el fin de su pasión. Impresiona por la conexión entre su vida y su producción artística ya que en esta obra muestra a un hombre envejecido –Rodin-‐ que se debate entre el amor de una mujer madura –la compañera y finalmente esposa de Rodin llamada Rose Beuret-‐ y una joven que le suplica su amor: la propia Camille Claudel.

Mariano BENLLIURE, el “Rodin” español Mariano Benlliure11 nació el 8 de septiembre de 1862 en Valencia, en el seno de una familia humilde muy vinculada al mundo del arte. De hecho su padre fue artista decorador y sus tres hermanos mayores fueron pintores de cierto prestigio. De su padre heredó la pasión por el trabajo bien hecho que le acompañó toda su vida. Dotado de un innegable talento, su pasión por la escultura se despertó muy pronto, ya con seis años expuso su primera obra.

11 Sobre Benlliure véase el espléndido video “Mariano Benlliure, el dominio de la materia” en https://www.youtube.com/watch?v=E1ERkXy1I6Y


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Fue autodidacta y no asistió a ninguna academia ni escuela artística, aunque sí trabajó en varios talleres donde aprendió todas las técnicas (mármoles, madera, marfil, metales). Dominaba especialmente la técnica de la cera perdida. Fue también acuarelista. En 1881 viajó a Roma, donde residió y tuvo su estudio durante casi dos décadas. En su producción escultórica es evidente la influencia de Miguel Ángel. Consideraba que el dibujo era esencial en un escultor, paso previo indispensable a la elaboración de una escultura. Tenía una extraordinaria habilidad para modelar. Realizó una gran cantidad de retratos al natural. Son espectaculares por ejemplo, los que hizo del pintor valenciano Sorolla o el de la bailarina francesa Cléo de Mérode. Abundan en su producción los monumentos a figuras históricas como el rey Alfonso XII (en el Parque del Retiro de Madrid) y el mausoleo dedicado al tenor navarro Julián Gayarre en el cementerio del Valle del Roncal de Navarra. Una de sus esculturas más espectaculares es la chimenea monumental de tres metros, realizada en bronce e inspirada en el Infierno de Dante, que expuso en la Exposición Universal de París de 1900. Con esta obra obtuvo el gran Premio de Escultura. Muestra 30 desnudos de asombrosa composición que nos remiten claramente a Rodin. En sus últimos años su delicada salud le obligó a trabajar con colaboradores en su taller.

4.LA PINTURA A continuación, en este apartado, siguiendo las pautas dadas en el currículo, que establece una selección de autores y tendencias estéticas de la pintura del siglo XIX, aludiremos sintéticamente a la pintura academicista francesa, denominada pompier; a una saga de pintores españoles del siglo XIX, los Madrazo; al retrato aristocrático de Winterhalter y a algunos ejemplos de pintores de historia de aquella época en la España decimonónica. La pintura POMPIER francesa

Denominamos como pintura pompier al arte academicista durante la segunda mitad del siglo XIX. Pompier quiere decir bombero en francés y alude a la supuesta omnipresencia de cascos grecorromanos de estas pinturas que se asemejaban a los de los bomberos decimonónicos en Francia. Este arte normativo de raíz neoclásica pretendía basarse en el ideal de la cultura grecorromana. El pintor Jacques-‐Louis David fue el modelo a seguir. Los pintores pompier dibujaban maravillosamente pues dominaban la técnica que aprendían en las escuelas de arte donde imperaba el ideal académico. Recordemos que desde el siglo XVII, época en la que el rey Luis XIV creó

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bajo sus auspicios la Academia de Bellas Artes, el canon clásico sería el imperante durante centurias, de hecho, se se mantendría hasta bien entrado el siglo XIX. Los pintores academicistas exponían su obra en la institución pública llamada Salón. En 1863 surgió en París el Salon des Refusés (o Rechazados) para acoger a los pintores cuyo ideal artístico poco tenía que ver con el academicismo vigente y habían sido rechazados en el Salón oficial.

Los temas que predominaban en este tipo de pintura academicista eran de tipo histórico, bíblico, mitológico o literario. Les fascinaba el estudio anatómico del cuerpo desnudo, siempre que estuviese justificado por necesidades narrativas, de lo contrario, habría sido considerado una indecencia. No les gustaba representar temas realistas ni escenas costumbristas, cotidianas o coetáneas a su época.


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También fue frecuente la afición por los motivos orientalistas que se percibe en la presencia de odaliscas, serrallos12, arquitecturas neoárabes… La fascinación por Oriente aparece en toda la pintura europea de la época. Son pintores representativos de la pintura pompier Alexandre Cabanel, Bouguereau, Cormon, Gêrome, etc.

La pintura española del siglo XIX: los MADRAZO, una dinastía de pintores José de MADRAZO (1781-‐1859)

Durante el siglo XIX y en algún caso, parte del XX, descuella en el panorama artístico español, una familia de grandes pintores, los Madrazo.. José de MADRAZO es el iniciador de esta relevante saga. Fue un afamado pintor neoclásico que tuvo la fortuna de estudiar en París en el taller de David y además coloboró con Ingres en Roma, del cual aprendió la pureza de líneas y luminosidad que caracterizaron su obra. De sus cuadros el más conocido es de temática histórica, la Muerte de Viriato, que se conserva en el Museo del Prado de Madrid. Fundó el Real Establecimiento Litográfico, con el cual pretendía difundir la nueva técnica en España.

Federico MADRAZO KÜNTZ (1815-‐1894) Hijo de José de Madrazo, fue el más prominente pintor de la aristocracia madrileña coincidiendo con el auge del Romanticismo. Dirigió durante varias décadas el Museo del Prado, hasta su muerte, y organizó las colecciones de tal forma que resultaran atractivas y didácticas, organizándolas en Escuelas. Sacó a la luz algunas piezas que, como el Tesoro del Delfín, no habían sido convenientemente valoradas hasta el momento. Sus amistades se contaban entre los más selectos círculos y de ellas provienen algunos retratos absolutamente deliciosos, como el de la Condesa de Vilches, organizadora de una de las tertulias que el pintor frecuentaba. Además, fue pintor de cámara del rey y también dirigió la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

12 Harén.

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RAIMUNDO DE MADRAZO (1841-‐1920) El más joven de la dinastía de los Madrazo investigó las novedades de los impresionistas franceses, que adaptó personalmente a sus propios cuadros, como en el retrato de su modelo Aline Masson. Fue también crítico del arte, coleccionista y fotógrafo. Viajó por toda España, documentándose sobre el arte español a lo largo de su historia. Se interesó en especial por la etapa andalusí, rescatando de la destrucción diferentes obras, que pasaron a su colección personal. De su afición a la fotografía se le deben documentos gráficos de monumentos en estado ruinoso o que se perdieron antes de ser restaurados en época contemporánea. Mariano FORTUNY Y MARSAL (1838-‐64) Ligado a la dinastía de los Madrazo, Mariano Fortuny y Marsal fue un pintor catalán nacido en Reus dotado de un gran talento para los retratos y las pinturas de inspiración romántica (Orientalismo, Historia, etc.)

Vivió en Roma y alcanzó el reconocimiento internacional pero murió con tan solo 36 años. Su pintura pastosa y matérica que nos recuerda al Rococó, y que guarda concomitancias con el francés Meissonier13, muestra también influencias de Ribera, Velázquez o Goya, anticipa con su pincelada abocetada al Impresionismo.

13 Meissonier y Madrazo realizaron un tipo de pintura que fue denominada “de casacones” porque son obras de pequeño formato, técnica virtuosa y detallista, y escenas llenas de personajes vestidos con casacas. Se caracterizan por la técnica perfecta, pero muy relamida, preciosista y de extraordinario refinamiento.


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Casado con Cecilia Madrazo, hija del pintor Federico de Madrazo, fue padre del artista total, Mariano Fortuny y Madrazo. El retrato aristocrático europeo: FRANZ XAVER WINTERHALTER (1805-‐1873) Franz Xaver Winterhalter fue un exitoso pintor y grabador alemán que triunfó durante la segunda mitad del siglo XIX como retratista de la realeza y la aristocracia europea. En sus obras muestra con todo detalle y un dominio de la técnica espectacular, la indumentaria y las diferentes texturas de telas y joyas. Con frecuencia rememora en sus simbólicas obras a los retratos de aparato de épocas pasadas (renacimiento y barroco), y siempre mostrando una visión idealizada y favorecedora a mayor gloria de la figura representada, especialmente las femeninas.

Ejemplos de pintura de HISTORIA en ESPAÑA14: Eduadrdo ROSALES, Francisco PRADILLA, Alejandro FERRANT Durante la segunda mitad del siglo XIX, la pintura de temática histórica en España vivió su momento de máximo esplendor. Fue consecuencia del historicismo imperante en ese periodo, sustentado por los medios oficiales a través del aliciente de los premios en las Exposiciones Nacionales. Toda una pléyade de artistas, se afanaban por mostrar en cuadros de gran formato, y claramente academicistas, hechos relevantes de nuestra historia, desde la época de los romanos, hasta la ominipresente época medieval e incluso la contemporánea. Son obras que acentúan el acento épico y el sentimentalismo popular. Muchas de estas pinturas se conservan en nuestros museos, especialmente en el Museo del Prado y en instituciones políticas como el Palacio del Senado. Rosales, Pradilla, Ferrant, Casado del Alisal, Gisbert, Palmaroli, Pinazo, entre son autores representativos de este género pictórico.

14 Véase https://www.museodelprado.es/aprende/biblioteca/biblioteca-‐digital/fondo/la-‐pintura-‐de-‐historia-‐del-‐siglo-‐xix-‐en-‐espaa/22fa60d4-‐d329-‐4053-‐bb1c-‐65b2da1d83b4

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EDUARDO ROSALES (1836-‐1873) Eduardo Rosales es uno de los más grandes nombres del arte español de todo el siglo XIX y el máximo representante de la pintura de historia en España. Alcanzó el reconocimiento y la fama en los círculos artísticos oficiales, influyendo en los artistas de su generación. Se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y también marchó a Italia donde desarrolló gran parte de su carrera artística. Su corta vida estuvo por la enfermedad, que supo convertir en aliciente existencial y creativo.

Su lenguaje es plenamente romántico, lleno de lirismo épico. Recibió también numerosos encargos de retratos y le interesó la pintura de paisaje. Entre sus pinturas de historia más destacadas destacan el testamento de Isabel la Católica y la muerte de Lucrecia, esta última, su obra preferida y de desconcertante modernidad. FRANCISCO PRADILLA (1848-‐1921) Francisco Pradilla fue un pintor aragonés que se formó en Madrid y en Roma. En esta ciudad, emulando a su admirado Fortuny, abrió un estudio al que acudían los más importantes coleccionistas y marchantes de Europa. Fue director del Museo del Prado. En su magnífico palacio-‐estudio madrileño recibía a numerosos amigos como el escritor Pérez Galdós, o el mismísimo rey, que solía visitarlo con frecuencia. Su técnica no es tan dibujística como la de Rosales, siendo la composición más suelta y pastosa, con preocupación por lo atmosférico y espacial. Entre sus obras descuella Doña Juana la Loca y La rendición de Granada. ALEJANDRO FERRANT (1843-‐1917) Cultivó temas de historia, religiosos, paisajes, retratos y pintura decorativa. Se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid junto a su tío Luis Ferrant, artista y académico de dicha institución y fue protegido y pensionado por el infante don Sebastián. En 1874 se trasladó a Roma para ampliar sus estudios gracias a una pensión que le fue concedida por el Gobierno español.

Dominó el dibujo y las distintas técnicas pictóricas: fresco, óleo y acuarela. Sus obras se caracterizan por un colorido sobrio y elegante, que en el caso de los retratos entronca con la tradición barroca por la utilización de gamas pardas. Su técnica se basa en el predominio de la mancha sobre el dibujo, utilizando una pincelada suelta.


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5. LOS DISEÑOS TEXTILES DE MARIANO FORTUNY Y MADRAZO15 Perteneciente a una influyente dinastía de artistas españoles –su padre era el gran pintor Mariano Fortuny y Marsal y su madre Cecilia de Madrazo-‐ Mariano FORTUNY Y MADRAZO (1871-‐ 1949), el “mago de Venecia”16, es un caso singular en el panorama del arte español y europeo. Verdadero humanista, fue un hombre polifacético con intereses muy variados: las artes, las ciencias, el teatro y la ópera. Su producción artística fue amplísima y abarca pintura, grabado, escenografía, fotografía, diseños textiles y de moda así como diversos inventos que patentó (tintes, colores, diseños, iluminación…) Nacido en Granada, hecho que le marcará de por vida, dada su pasión por el arte andalusí, siempre se sintió español por más que viviera buena parte de su vida en Venecia. Los italianos le consideran un artista veneciano.

Refinado y erudito –el esteticismo impregnaba su vida-‐ aprendió a pintar en París con su tío Raimundo de Madrazo. Curiosamente como pintor no fue muy vanguardista, al revés de su labor como diseñador e inventor. En 1889 se estableció con su madre y su hermana en Venecia, ciudad cargada de orientalismo. Desde 1899 vivirá en el palacio Orfei, lugar en el que desarrollaría su variada actividad profesional y actual sede de la fascinante casa-‐ museo que lleva su nombre.

Este artista-‐artesano17, eslabón entre los siglos, el XIX y el XX, innovó muchísimo en la obtención de colores para sus pinturas y en el tintado de las telas que diseñaba, siguiendo secretos procedimientos de fabricación extraidos de antiguos recetarios. En toda su ecléctica e historicista producción artística se observa la influencia del arte del pasado: hispanomusulmán, renacentista, barroco, persa, turco etc. Creó geniales métodos para la estampación de terciopelos, sedas y algodones. Intentaba reinterpretar ricos tejidos y vestidos de otras épocas de una manera absolutamente nueva y original. Sus creaciones son de gran belleza y elegancia, fruto de muchas horas de trabajo, ingenio, talento y conocimiento profundo de la historia y los materiales. La afición de Fortuny por el diseño textil fue fruto de la apreciación y estudio por las telas antiguas que su familia poseía, fruto del afán coleccionista de su padre y que su madre atesoraba como oro en paño. Para Fortuny cada uno de sus diseños era único e irrepetible18.

15 Sobre los diseños textiles de Mariano Fortuny y Madrazo, véase el espléndido análisis realizado por María del Mar Nicolás Martínez para el Museo del Traje de Madrid http://museodeltraje.mcu.es/popups/publicaciones-‐electronicas/2007-‐indumenta0/Indumenta00-‐12-‐MNM.pdf 16 “Fortuny, el mago de Venecia” fue el título de una exposición que tuvo lugar en Barcelona en el año 2010. 17 Se puede consultar sobre Fortuny, la excelente web http://fortuny.com/history/ y el programa de RTVE “Fortuny y la lámpara maravillosa”. 18 Sus telas las confeccionaba en su taller situado en el Palacio Orfei de Venecia. Al fallecer Fortuny en 1949, su esposa Henriette se hizo cargo del negocio con la marca Tessuti Artistici Fortuny. En 1921 creó una fábrica en la Giudecca, un barrio de Venecia para producir sus diseños a gran escala.

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Contó con una colaboradora excepcional: su esposa y musa la francesa Henriette Nigrin, que trabajó mano a mano con él en Venecia en la producción, y comercialización de sus diseños y que a la muerte del artista luchó por mantener su legado. En Fortuny siempre hay una ligazón entre sus diseños y el arte de distintas épocas y estilos19. De ahí que no nos sorprende que buscara la inspiración en el arte griego para la realización de sus diseños de moda. Así creó el velo en satén o gasa de seda llamado Knossos cuyos motivos ornamentales –rosetas, flores de papiro, bandas de grezas, líneas en zigzag-‐ se inspiran en la cerámica cretense (Camares)20. Para este velo creó una etiqueta inspirada en un graffiti pompeyano. Su vestido Delphos, verdadero icono de la moda de vanguardia del siglo XX, nos remite al Auriga de Delfos21 de la estatuaria de la antigua Grecia. Este vestido es una túnica de satén de seda densamente plisada. Lo patentó en 1909. Fue un rotundo éxito entre las socialités de la época siendo fuente de inspiración para muchos diseñadores. Este vestido revolucionario no admitía ropa interior. Debía ser llevado como una segunda piel, liberando al cuerpo de los opresivos corsés, por aquel entonces tan en voga. A Fortuny le apasionaba el teatro y la ópera –especialmente Wagner-‐ y creó numerosas escenografías –como para el Tristán e Isolda estrenado en la Scala de Milán en el año 1900. Su extraordinaria pasión por la luz, le impulsaría a estudiar luminotecnia, inventando un procedimiento de iluminación escénica por luz indirecta que patentó con el nombre de Sistema Fortuny 3, al que dos años más tarde añadió un aparato escenográfico –la cúpula Fortuny 4-‐, procedimiento verdaderamente revolucionario para la escenografía teatral del siglo XX. Esta cúpula, que es de cuarto de esfera, presentaba un complejo entramado metálico y proyectaba luz coloreada a través de una serie de lámparas adaptadas a tal fin. Así conseguía sugerentes efectos lumínicos. Destacó también como fotógrafo y sus lámparas en metal y seda para salones y museos son considerados hoy obras emblemáticas del diseño del siglo XX.

6. EL MOVIMIENTO ESTETICISTA ARTS & CRAFTS Y LA PINTURA PRERRAFAELITA El impacto de la revolución industrial en el diseño fue brutal. El diseño industrial propició la realización de objetos nuevos, prácticos y hechos en serie, pero en general, de baja calidad estética22. Como reacción, desde mediados del siglo XIX, y aunque soterradamente al principio, surgieron en Europa diferentes movimientos que propugnaban la renovación estética y la revitalización de la artesanía reivindicando así, la unión entre las bellas artes y las artes decorativas o industriales, mal llamadas “menores”. El movimiento esteticista ARTS & CRAFTS surgió en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XIX impulsado por el poeta, reformar social y pintor, empresario y artista-‐artesano William Morris. Morris fue su principal ideólogo aunque no el único, ya que contó con la inestimable colaboración de otros artistas e intelectuales como John Ruskin, Edward Burne-‐Jones, Philip Webb, y ocasionalmente Dante-‐Gabriel Rossetti. Partiendo de las teorías de Ruskin y de su interés por los gremios medievales, Morris rechaza el historicismo imperante, pero paradójicamente tomando al mismo tiempo como modelo a la Edad Media, la época en que las obras de arte “están hechas no para unos pocos, sino para el pueblo”. Lucharon por recuperar los métodos tradicionales de fabricación artesanal en clara competencia con las técnicas de producción industrial y además trataron de mejorar las condiciones laborales de los artistas y artesanos, fomentando la colaboración artística 19 Él estaba al tanto de las grandes excavaciones de Arthur Evans en Creta, recibía los Boletines Arqueológicos... 20 Por aquellos años de principios del siglo XX, se estaban descubriendo en las excavaciones arqueológicas del palacio de Knossos el arte cretense, que Fortuny conocía a raíz de un viaje efectuado a Grecia en compañía de Henriette Nigrin. 21 Siglo V antes de Cristo. 22 Así por ejemplo quedó de manifiesto según el testimonio de muchos visitantes en 1851 en la exposición del Crystal Palace de Londres.


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entre todos los trabajadores. Se nutrían de un profundo desagrado para el moderno capitalismo industrial. De aquí surge una idea de un arte socializado, en el que el artesano debe conservar su individualismo frente a la masificación de la producción en serie. Así, este movimiento tuvo una fuerte carga social, incluso política. Reaccionaban contra la pérdida de belleza y calidad que había supuesto la influencia de la industria en la producción de objetos artísticos.

Los artistas Arts & Crafts se instalaron en ambientes rurales, lejos de lugares vinculados a la revolución industrial. Realizaron todo tipo de piezas de artes decorativas desde mobiliario hasta cerámica, pasando por textiles, papeles pintados o vidrieras. Cuidaban mucho el diseño y la ejecución final. Podemos decir que con este movimiento se inicia una nueva apreciación de las artes decorativas por toda Europa. Morris era un socialista utópica que deseaba que deseaba transformar la sociedad a través del arte. Quería que los productos Arts & Crafts tuviesen un precio asequible, pero el empeño que puso en utilizar la técnica y estética artesanales hasta sus últimas consecuencias entraba en conflicto con la necesidad de emplear técnicas de fabricación en masa que redujeran costes y ayudaran a eliminar algunas tareas penosas. Fue un dilema que nunca fue capaz de resolver totalmente y que continuó atormentando a sus seguidores. Y es que al hacer sus diseños artesanalmente resultaron ser carísimas y por tanto solo unos privilegiados las podían adquirir. La mayor controversia o polémica que se alzó con este movimiento –ya que nadie jamás ha negado su valor estético-‐ fue su carácter poco práctico en el mundo moderno. Algunos progresistas clamaban que este corriente cultural quería dar marcha tras a las agujas del reloj. Por otro lado, un crítico de arte señaló que se convirtió en “la obra de unos pocos para unos pocos”. Sea como fuere, a finales del siglo XIX, las ideas Arts & Crafts se difundieron por toda Europa y Estados Unidos. El escaso éxito económico de sus diseñadores no fue óbice ni cortapisa para que inspiraran a miles de diseñadores, arquitectos, artesanos y estetas de todo tipo y condición. Empezando por el propio Oscar Wilde que fue uno de sus principales divulgadores. Esta aceptación se debe también a que sus productos se anunciaban en un número creciente de publicaciones de gran tirada internacional como The Craftsman, Art et Décoration23…

23 La filosofía del movimiento fue durante las últimas décadas del siglo XIX el tema de numerosas giras internacionales de conferencias, dirigidas por figuras tan preeminentes como Christopher Dresser, Oscar Wilde Walter Crane o C. R. Ashbee. Sus planteamientos fueron transmitidos a través de viajes, cursos en el extranjero y también gracias a planes internacionales de intercambio entre diseñadores y artistas. Un número cada vez mayor de estos productos llegaban al público a través del comercio minorista, como por ejemplo la londinense fundada en 1875 Liberty (Arthur Lasenby Liberty).

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Por último pero no menos importante, sentaron las bases de las futuras Escuelas de Artes y Oficios (actuales Escuelas de Arte y Diseño). La HERMANDAD PRERRAFAELITA24 –Pre-‐Raphaelite Brotherhood-‐ fue una tendencia esteticista de vanguardia de la pintura victoriana. Fundada en 1848 por tres de sus principales representantes –Millais, Hunt y Rossetti-‐ esta corriente estética, que anticipa en algunas de sus características al Simbolismo, propugnaba la oposición al conservadurismo academicista de la Royal Academy of Arts, reivindicando un arte inspirado en la naturaleza y en la los pintores italianos –especialmente florentinos y sieneses-‐ anteriores a Rafael (Filippino Lippi, Botticelli, etc.). En algún caso, manifiestan, además la impronta de Miguel Ángel, bien apreciable en Dante-‐Gabriel Rosseti y su pintura Ghirlandata (postura de las manos, androginia). Los prerrafaelitas fueron una asociación de pintores con lazos fraternales y cierto misticismo similar a otros grupos como “los Nazarenos” alemanes que se establecieron por las mismas fechas en Roma. Alcanzaron el favor del público especialmente desde el momento en el que contaron con el apoyo del escritor y critico de arte John Ruskin.

Son notas distintivas de la Hermandad Prerrafaelita: *Su vinculación al Romanticismo. Reivindican “el arte por el arte” –art for art´s sake-‐. Los prerrafaelitas eran estetas, exquisitos y refinados. Su pintura es etérea y simbólica. *La inspiración en la Edad Media aunque también les fascina el clasicismo. *Les apasiona la temática literaria (cuentos, leyendas, poesía, teatro) y en menor medida la histórica. *Representan, en algún caso, de forma nada convencional el ideal de belleza masculino y el femenino (androginia). *Valoran el sueño y son frecuentes las referencias a la muerte. *Muestran fidelidad en la representación de la naturaleza, intentando trasmitir cada detalle. *Privilegian los colores brillantes, de tonos delicados, en representaciones meticulosas. *Combinan lo real con lo imaginario. *Algunos de estos pintores como William Morris o Burne Jones también se dedicaron al diseño de vidrieras, tapices, etc. La musa y modelo del grupo fue una dependienta de una sombrerería llamada Elizabeth Siddal, que se convirtió en esposa de Rossetti pero una sobredosis de laúdano (derivado del opio) la llevaría a una temprana muerte. Es la Ofelia que pintó maravillosamente Millais.

24 Merece destacarse la serie de la BBC, Desperate romantics (2009) sobre la Hermandad Prerrafaelita.


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7. LA FOTOGRAFÍA Y LOS ORÍGENES DEL CINE Los retratos fotográficos de NADAR Uno de los fotógrafos más célebres del siglo XIX fue el francés Garspard-‐Felix Tournachon, más conocido por su seudónimo NADAR25 (1820-‐1910). Fue un artista multifacético: fotógrafo, ilustrador, caricaturista, escritor y también piloto de globos aerostáticos. Dotado de una personalidad arrolladora, con gran simpatía natural y facilidad para las relaciones sociales –aseguraba contar con 5000 amigos-‐, en 1853 abrió un estudio fotográfico26, en el Boulevard des Capucins de París, donde expusieron por primera vez los pintores impresionistas en 1874.

Nadar se especializó en retratos fotográficos de la vida burguesa y su contrapunto, la bohemia parisina (pintores, literatos, músicos…) a los que retrató sin descanso: Julio Verne27, Victor Hugo, Charles Baudelaire, Emile Zola, Giuseppe Verdi, Rossini, Sarah Bernhardt etc. Estos icónicos retratos forman parte de nuestro imaginario colectivo de la cultura de la época.

En las poses y gestos se inspira en la pintura, intentando conseguir la máxima calidad de imagen y la captación psicológica del personaje, fundamentalmente a través de la mirada. La luz modela la imagen. Huía de todo tipo de atrezzo, se centra en la figura humana nada más. Para Nadar, fotografíar era una forma de pintar con luz. Los personajes que mejor retrataba según él, eran los que mejor conocía. Nadar, que rechazaba los retoques fotográficos y el coloreado de imágenes, fue el primero en utilizar la iluminación artificial en las fotografías y en realizar fotos aéreas desde un globo aerostático (1858). Tuvo hasta 50 ayudantes en su estudio y realizó más de 40.000 fotografías (algunas de ellas eróticas). Realizaba “cartes de visite” o tarjetas de visita fotográficas. En 1886 hizo un fotoreportaje-‐entrevista al científico Chevreul.

Los orígenes del CINE El cine aparece como un invento, una nueva tecnología, a finales del siglo XIX, concretamente en 189528. Culmina así, un proceso comenzado con la fotografía, el mayor invento del siglo en palabras de John Ruskin. Es curioso que el surgimiento del cine sea coetáneo a la invención de la radio por Marconi y al momento en el que los 25 Con 18 años adoptó ese seudónimo con el que ha pasado a la posteridad. 26 En aquella época en París había 250 estudios fotográficos donde se realizaban retratos. 27 Se cree que la novela de Julio Verne “Cinco semanas en globo” está inspirada en Nadar. 28 Mi fuente de documentación sobre el lenguaje cinematográfico ha sido la conferencia de Román Gubern “El cine, una modalidad de comunicación audiovisual” que tuvo lugar el 19/10/1982 en la Fundación March de Madrid: http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=21396&l=1

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cómics formalizan sus convenciones lingüísticas, aunque la narración dibujada era anterior. El cine, el cómic y la radio van a ser tres pilares fundamentales en la configuración de la cultura de masas. A diferencia de la pintura o la escultura, cuyos orígenes se encuentran en la época de las cavernas, desde su nacimiento ya tiene el cine una densísima herencia cultural a cuestas. Es la “precoz vejez del cine” a la que aludía Artaut. El cine se apropia selectivamente de experencias culturales previas que le preceden en el tiempo, fundamentalmente de tres áreas o campos que el cine asimila o incorpora: las artes plásticas (pintura y fotografía), las artes narrativas (novela, cuento, teatro), y las artes del espectáculo. Del campo de la plástica nos tenemos que remontar a la pintura y a la fotografía. La fotografía es una herencia de la pintura. Con el cine se culmina un nuevo estadio de la historia de la plástica. De la pintura, el cine hereda el marco rectangular del encuadre, la perspectiva lineal del Renacimiento -‐formato típico y propio de la cultura occidental-‐, formato de los libros occidentales, del escenario del teatro… Está asociado también al caballete. También heredera de la pintura y la fotografía el sistema de representación en perspectiva albertiniana, con profundidad y varios planos. De las artes narrativas o artes del tiempo, el cine se apropia de todos los fundamentos de la narratividad. El armazón temporal nace del orden y sucesión de los acontecimientos. En ocasiones abundan los tiempos elípticos, que se sobreentienden. El cine nace como espectáculo de masas y como industria cultural. Necesita grandes públicos para poder rentabilizar el alto coste de su producción. Como aseguraba Jean Jaurès a inicios del siglo XX, y era cierto cuando surgió el cine, no en nuestra época, “el cine es el teatro del proletariado”. El público con el cine, pasa a ser interclasista. Las salas de cine se fueron convirtiendo en lugares de socialización, templos laicos del siglo XX, como los grandes centros comerciales. El cine se conviertió en el gran homogeneizador del gusto colectivo, cohesionando culturalmente a la sociedad. Román Gubern ha establecido una analogía entre el cine y el sueño. En el cine hay una intensa participación emocional. Una película se nos impone con un realismo brutal, una impresión de realidad que nos emociona, nos conmueve. Nos creemos la ficción narrativa que nos presenta como un ventanal abierto a una realidad que está ocurriendo. La proyección de la película va precedida de un oscurecimiento de la sala, como cerrar los ojos precede al sueño. Como los sueños, las películas pueden ser interpretadas desde muchos puntos de vista, lecturas y significados29. La fabulación que “vivimos”, tanto en el sueño como en el cine, es independiente de nuestra voluntad30. El cine es un generador de sueños para personas despiertas. Es como un alucinación. Es una variedad de forma de comunicación alucinógena. El cine puede tener una función escapista, euforizante, evasiva, incluso terapeútica y gozosa que nos hace felices, al menos, durante el tiempo que dura la película.

La invención del cine, como la de la fotografía, fue fruto de toda una serie de descubrimientos llevada a cabo por distintos inventores. Paulatinamente se fueron creando dispositivos31 que intentaban registrar con mayor o menor éxito, la imagen en movimiento. Este proceso culminó con la invención por parte de los hermanos Lumière del cinematógrafo: un dispositivo que permitía la toma, proyección y copiado de imágenes en movimiento

29 Hasta King Kong fue visto como una metáfora de la Depresión económica de los años 30 o el propio Drácula, como un depredador sexual. 30 Ya lo decía un poeta chino: no sé si soy una mariposa que sueña que es un hombre o soy un hombre que he soñado que era una mariposa. 31 El más antiguo fue la linterna mágica con la que los feriantes asombraban al público decimonónico. De ahí surgieron el taumatropo, fenaquistoscopio, zootropo, praxinoscopio… eran cilindros con series de figuras que, proyectas en una superficie, producían la sensación de movimiento gracias a la por la luz situada dentro del cilndro. Sobre estos inventos, véase el video https://www.youtube.com/watch?v=uxXUcWWzP3U

La primera “película” creada por los Lumière fue un documental que se expuso públicamente el 28 de diciembre de 1895 en el Salón Indien de París. En esta primera obra cinematográfica, en blanco y negro y por supuesto muda, aparecían trabajadores de una fábrica –que era propiedad de los Lumière-‐ y escenas de una locomotora que parecía abalanzarse sobre los espectadores que reaccionaron un tanto aterrados. Era el primer film: La llegada de un tren a la estación de Ciotat. El primer cartel de cine de la historia fue el de la película El regador regado de los Hermanos Lumière (1895).

GEORGE MÉLIÈS, el mago del Séptimo Arte, fue un personaje fascinante y polifacético que inspiró a todas las generaciones posteriores de cineastas. En sus inicios era un ilusionista que utilizaba el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos. Andando el tiempo se convertiría en un gran cineasta, creador de los efectos especiales, aunque al principo eran muy rudimentarios. Uno de los trucajes más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. Otros eran la sobreimpresión de imágenes, las dobles exposiciones o el uso de maquetas. Fue un pionero no sólo de la publicidad cinematográfica e incluso de la Ciencia Ficción: Viaje a la Luna32 (1902) y Viaje a través de lo imposible (1904) se encuentran entre sus mejores obras. El catalán FRUCTUOSO GELABERT (1874-‐1955) fue el iniciador del cine español ya en la temprana fecha de 1897. Y otro español, el aragonés SEGUNDO DE CHOMÓN (1871-‐1929) se convirtió en “Méliès español” usando su mismo método de montaje cuadro a cuadro. Se involucró en el mundo del cine a través de su mujer, que fue actriz de Pathé Films. En 1905 se estableció en París donde se convirtió en todo un especialista en trucaje cinematográfico. Dotado de una gran creatividad y dominio técnico para los efectos especiales, fue contratado por las empresas del mundo del cine más importantes de la época, como la Itala Films. Embellecía el cine narrativo con fantásticos e ingeniosos efectos, maravilloso colorido y animación con marionetas, etc. Las obras de su producción se encuentran entre las más destacadas de inicios del siglo XX. Contribuyó además, con los efectos especiales en películas de cine mudo como Cabiria (1914), de Giovanni Pastrone, o Napoleón (1927), de Abel Gance. Su figura merece ser reivindicada como uno de los grandes del cine porque, paradójicamente, es todavía poco conocido. Por lo que se refiere a la industria cinematográfica estadounidense, el primer gran éxito fue El gran atraco al tren, dirigida por Edwin S. Porter (1903). Pero el “padre” del cine americano no fue Porter sino D. W. GRIFFITH (1875-‐1948). Realizó más de 500 películas e intervino en la elaboración de muchas otras. Su película muda El nacimiento de una nación (1915) es uno de los grandes hitos de la historia del cine que supuso la consagración del Séptimo Arte como espectáculo de masas. Aunque este film fue un éxito y se considera como una obra maestra y transcendental de la historia del cine, provocó una gran controversia por el transfondo racista que subyace en la misma33. 8. MÚSICA, DANZA Y ZARZUELA Los compositores del REGIONALISMO ESLAVO (Europa del Este) En el amplio panorama de la música decimonónica vinculada al Romanticismo regionalista eslavo queremos subrayar la importancia de los compositores Alexander BORODÍN (1833-‐1887), Modesto MUSSORGSKY (1839-‐1891), Piotr Illich TCHAIKOVSKY (1840-‐1893). Los compositores eslavos, particularmente los rusos, intentaron a

32 Se puede ver en https://www.youtube.com/watch?v=_FrdVdKlxUk 33 Esta película la podemos ver on line en https://archive.org/details/dw_griffith_birth_of_a_nation.

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través de la música fomentar el nacionalismo de su país basado en el folklore y la cultura popular frente al auge de la música europea de la época, especialmente la francesa, la alemana y la italiana. Son ejemplos representativos las óperas rusas: El príncipe Igor, 1869-‐87. Alexander BORODIN34. Boris Godunov, MUSSORGSKY35 Eugenio Onegin. P.I. TCHAIKOVSKY36

El lago de los cisnes de TCHAIKOVSKY El lago de los cisnes (1895) de Tchaikovsky es una de las obras cumbres del ballet romántico. Estructurado en cuatro actos, fue un encargo del Teatro Bolshoi de Moscú en 1875 y se estrenó en 1877. El lago de los cisnes es un cuento de hadas romántico con final trágido basado en la mitología nórdica. Cuenta la historia de un príncipe llamado Sigfrido. Al celebrar su mayoría de edad, su madre le comunica que al día siguiente tiene que elegir esposa durante el gran baile que va a dar por su cumpleaños. Contrariado, el príncipe sale de noche por los alrededores del castillo con la ballesta que le acaban de regalar. Es entonces cuando ve a lo lejos, junto al lago, una bandada de cisnes. Cuando va a disparar, aparece ante él una bella mujer vestida de plumas blancas. Es Odette. Le confiesa que ha sido sometida a un hechizo por un malvado brujo llamado Von Rothbart. Sigfrido cae perdidamente enamorado de Odette que resulta ser, cisne de día y mujer de noche. Para liberarla del hechizo, tendrá que esposarse con ella. Al día siguiente, en el baile previo a los esponsales, Von Rothbart lleva a Odile, un cisne negro, muy similar a Odette. Engañado por Odile, Sigfrido se casa con ella y sólo se da cuenta, horrorizado, de su error cuando llega la verdadera Odette. Al final, la historia, al más puro estilo de drama romántico, acaba trágicamente con la muerte de ambos, que se suicidan lanzándose al lago, aunque en algunas versiones el final es menos trágico. La música popular española: la ZARZUELA La Zarzuela es un peculiar espectáculo –tipicamente español-‐ que aúna la música, el canto y la danza. Son representaciones teatrales breves con números musicales cantados. El término zarzuela procede de un palacete de caza en las afueras de Madrid denominado así por que en esa zona abundaban las zarzas. Precisamente en ese palacio se representaron las primeras zarzuelas para divertimento del rey Felipe IV (siglo XVII). La época dorada de la zarzuela será la segunda mitad del siglo XIX.

34 https://www.youtube.com/watch?v=qT5nhpyEmrc&list=PLxBU6MOrdz_9uS0S8qKVM5siC797jmp-‐a y https://www.youtube.com/watch?v=8lMkaYdM53k 35 https://www.youtube.com/watch?v=kNrWWvYQMq4 y https://www.youtube.com/watch?v=1roqjdKTNfE&list=PLj4wq7E4UyBgvYHUCt26Ap3nEpunh-‐MX1 36 https://www.youtube.com/watch?v=n1Crz87zAfI

Ana Galván Romarate-Zabala

Fundamentos del Arte II

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El tratamiento de las voces es similar al de la ópera, y tanto la música como la danza se suelen inspirar en el folklore español. En la temática predominan los enredos amorosos, las situaciones cómicas, alegres y costumbristas. La zarzuela Colegiatas y soldados, de Cristóbal Oudrid y Rafael Hernando (1849) es el punto de arranque de la zarzuela moderna. Ejemplos de zarzuelas: Federico Chueca con La Gran Vía, Agua, azucarillos y aguardiente; Tomás Bretón con La verbena de la Paloma; Ruperto Chapí con La Revoltosa; Jerónimo Giménez con La boda de Luis Alonso. Antología de la Zarzuela (1)37 Antología de la Zarzuela (2)38 FUENTES DE DOCUMENTACIÓN, IMÁGENES Y WEBGRAFÍA http://bachiller.sabuco.com/historia/italia2.pdf www.artecreha.com www.artehistoria.com https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteii/home http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-‐japonismo-‐caixaforum-‐madrid-‐esp__816-‐c-‐18987__.html http://es.slideshare.net/Victorhjb1977/colonizacin-‐de-‐africa-‐y-‐asia-‐en-‐el-‐siglo-‐xix http://www.mecd.gob.es/cultura-‐mecd/dms/mecd/cultura-‐mecd/areas-‐cultura/principal/novedades/museos/2009/fascinados-‐por-‐oriente/novedades_FascinadosOriente_Dossier.pdf http://artpower-‐ana.blogspot.com.es/2010/06/entre-‐el-‐mito-‐y-‐la-‐realidad-‐fascinados.html http://www.tour-‐eiffel.fr/index.html http://web.educastur.princast.es/proyectos/jimena/pj_leontinaai/arte/webimarte2/index1.htm https://www.youtube.com/watch?v=tPdAvVxr_sI http://agenda.obrasocial.lacaixa.es/-‐/georges-‐melies-‐conferencia-‐inaugural http://danielylosquince.blogspot.com.es/2009/03/esquemas-‐acerca-‐de-‐la-‐emancipacion-‐de.html http://www.dailymotion.com/video/x2iuiz7 http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100686&l=2 http://www.preraphaelites.org https://multimedia.caixabank.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/caixaforum_zaragoza/caixaforum_news_2015_16/es/expo2.html http://www.gobiernodecanarias.org/cultura/actividades/hacultartcan/hacultartcan2/hacultartcan6.pdf http://fotonadar.blogspot.com.es http://www.slideshare.net/redondus/2-‐fundamentos2-‐romanticismo-‐tardio www.musee-‐rodin.fr https://profeanacob.wordpress.com/2016/10/13/art-‐pompier-‐pintura-‐francesa-‐2a-‐mitad-‐del-‐xix/ http://nomefiocom.blogspot.com.es/2013/07/blog-‐post_8705.html https://fr.wikipedia.org/wiki/Alexandre_Cabanel http://www.panoramadelart.com/cabanel-‐naissance-‐de-‐venus https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/madrazo-‐y-‐kuntz-‐federico-‐de/9bdb1678-‐fdd4-‐47bb-‐92e3-‐6833fadc8a50 http://museodeltraje.mcu.es/popups/publicaciones-‐electronicas/2007-‐indumenta0/Indumenta00-‐12-‐MNM.pdf https://www.youtube.com/watch?v=zh3jAu_Kafc http://fortuny.com/history/ http://bdh-‐rd.bne.es/viewer.vm?id=0000064587 http://fotonadar.blogspot.com.es https://sites.google.com/site/fundamentosdelartebach/romanticismo/fotografia https://multimedia.caixabank.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/caixaforum_zaragoza/caixaforum_news_2015_16/es/expo2.html http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=21396&l=1 www.imdb.com

37 https://www.youtube.com/watch?v=p6dfOUg9zEc 38 https://www.youtube.com/watch?v=0Qcit7BFuLs

APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 2. SIGLO XIX (II)

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