Historia de La Música I Profesor Alejandro Exner Conservatorio de Música de Chivilcoy

ARS NOVA - TRECENTO o GÓTICO MUSICAL

1300 a 1450 (Siglo XIV)

Contextualización

Hablando en términos comparativos, podemos afirmar que el siglo XIII se caracterizó por ser una época de estabilidad y unidad, mientras que el XIV lo fue de cambios y diversidad. La disminución del progreso y la recesión económica acarreados por los estragos que causaron la peste europea (1348-50) y la Guerra de los Cien Años(1338-1453) dieron pie al descontento urbano y a las insurrecciones campesinas. El crecimiento de las ciudades durante los dos siglos precedentes aportó uncreciente poderío político a la clase medio y ocasionó el declive de la antigua aristocracia feudal. Hacia el siglo XIV, la caballerosidad de antaño se había convertido yaen mera formalidad, en un código obsoleto de modales y ceremonia, antes que una norma de conducta. La clave principal de este contraste estriba en la situación del papado. Durante el siglo XIII la autoridad de la Iglesia, encarnada en los papas de Roma, gozaba del respeto y reconocimiento generales con carácter de supremacía, no sólo en cuestiones de fe y moral, sino también en asuntos intelectuales y políticos. Durante el siglo XIV comenzó a cuestionarse ampliamente esta autoridad y, en especial, la supremacía de los papas. Entre1305 y 1378 los papas residieron en Aviñón, en el sudeste de Francia, debido a la anarquía y los tumultos en Roma. El rey Felipe IV (el Hermoso) mediante intrigas consiguió la elección de un papa francés,Clemente V(1305-14)que nunca viajó a Roma a causa de la hostilidad desencadenada allí hacia los extranjeros. Durante otros 39 años, hasta 1417 hubo dos y a veces hasta tres rivales que pretendían el papado ("El Gran Cisma"). Las críticas a este estado de cosas, así como al modo de vida, a menudo escandaloso y corrupto, del alto clero se tornaron cada vez más acres y se expresaron no sólo por escrito, sino también en diversos movimientos divisivos y heréticos que fueron precursores de la Reforma Protestante.

El movimiento musical

El documento musical más antiguo de la Francia del siglo XIV es un manuscrito hermosamente miniado que data de 1310-14, de un poema satírico, el Roman de Fauvel. Es una sátira en relación con la corrupción social de la época. Roman de Fauvel, traducido como “La historia de la bestia de color pardo”, es un poema francés del siglo XIV atribuido al escribiente real Gervais du Bus, aunque más conocido por el arreglo musical de Philippe de Vitry en el estilo del Ars Nova. Publicado por primera vez en París en 1314, la obra constituye una crítica alegórica a la iglesia católica y al Estado, usando la metáfora de un burro que se convierte en el gobernador de la casa de su

amodebido a un capricho de la Dama Fortune. El poema, aunque prohibido en aquel entonces por ser sedicioso y herético, era violentamente acertado y siguió siendo copiado hasta el siglo XV. Doce manuscritos han sobrevivido; muchos de ellos seencuentran en muy buenas condiciones, porque debido a su ilegalidad eran guardados con suma seguridad. El “Roman de Fauvel” está cargado de alegorías y sátira política. El nombre del asno, que al separarlo forma “fau-vel” o“mentira velada”, también constituye un acróstico en el cual cada letra representa uno de los pecados capitales: Flatterie (Adulación) Avarice (Avaricia) Vilenie (Villanía, Baja condición de nacimiento o estado) Varieté (Veleidad, caracter caprichoso o voluble) Envie (Envidia) Lâcheté (Cobardía)

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En él se hallan interpoladas alrededor de 167 piezas musicales que de hecho, constituyen una antología de la música de finales delsiglo XIII y principios del XIV. La mayoría de las piezas del Roman de Fauvel son monódicas (rondeaux, ballades, chansons y diversos cantos llanos). Sin embargo, en esta antología se incluyen asimismo 34 motetes polifónicos. Uno de los motetes isorrítmicos mas conocidos de esta recopilación es el Garrit Gallus. Muchos de los textos presentan denuncias contra el clero de la época. Además hay bastantes alusiones a sucesos políticos. El motete del siglo XIV terminó por usarse como la forma típica de composición para la celebración musical de importantes ocasiones ceremoniales, tanto eclesiásticas como profanas, función ésta que conservó durante toda la primera mitad del siglo XV.

ASPECTOS TEÓRICOS

La situación creada por la práctica musical a varias voces hace que las especulaciones teóricas se orienten hacia aspectos muy precisos. Mientras que la música es monódica, basta con que alguien indique mediante un gesto la marcha de la melodía que todos cantan por igual; pero en la música polifónica, en el que se cantan al mismo tiempo melodías diferentes, es necesario saber con exactitud cuánto dura cada nota para que las distintas voces coincidan en los movimientos previstos por el compositor. Por ello, los teóricos del Ars Antiqua se preocupaban por encontrar una escritura musical que satisficiese las crecientes exigencias de una polifonía que se desarrollaba con gran rapidez. Entre ellos hay que destacar a Pierre de la Croix, Jean de Garlandia y Franco de Colonia, quienes codifican en sus escritos la ciencia musical de sus contemporáneos y fijan las normas que habían de servir, un siglo después, a los músicos del Ars Nova. La segunda etapa de la polifonía, que se extiende desde el año 1300 a 1450, se denomina entonces, Ars Nova o Nuevo Arte. El término fue introducido por el obispo compositor, poeta y teórico francés, Philippe de Vitry (1291-1361) en su tratado del mismo nombre, con el que quiso señalar la aplicación lógica y consecuente de un sistema reformado de música y notación, en contraposición al período anterior que pasó a llamarse, desde ese entonces, Ars Antiqua. Históricamente Ars Nova es el eslabón musical entre la Edad Media y el Renacimiento. En esta segunda etapa polifónica se encuentran nuevos conceptos rítmicos, estructuraciones de mayores dimensiones así como expresiones melódicas de extracción popular y melodías más elaboradas.

Durante este período la música atraviesa por importantes transformaciones de tipo teórico y armónico, a la vez que se solucionan algunos de los más significativos problemas planteados por los teóricos medievales. Aparece, entre otras innovaciones, la música medida o anotación mensural de donde derivará todo el sistema de escritura musical moderno y lo que es más importante aún, la teoría modal gregoriana preconizada por la Escuela de Notre Dame es incipientemente amenazada por el uso de ciertos acordes de tercera y de sexta, iniciándose tímidamente la brecha que llevará la música hacia un nuevo concepto armónico El liderazgo en el siglo XIV fue compartido por Francia, donde el período es llamado normalmente ARS NOVA, e Italia donde es llamado TRECENTO. Por primera vez la música polifónica Italiana tiene prominencia en el cuadro musical. Las características resaltantes son:

Usualmente no usa la técnica del cantus firmus Rítmicamente es menos complejo que la música francesa Emplea texturas más sencillas Introduce un estilo vocal muy florido.

Las formas características del Trecento en Italia son el madrigal, la caccia y la ballata, mientras en Francia (Ars Nova) sobresalen el virelai, el rondó y la balada, esta última más rica polifónicamente que la ballata italiana. Las características importantes eran compartidas por ambos:

Se compuso mucha más música secular que sacra.

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Tempus imperfectum (divisiones binarias de las notas) era usado más frecuentemente que el tempus perfectum.

Se abandonan los modos rítmicos a favor de ritmos más complejos y diversificados. Cantus firmus era usado menos frecuentemente: se componía más música completamente

original sin materiales pre - existentes. El interés rítmico y melódico tiende a concentrarse en la voz superior. Aparecen más frecuentemente las 3ras y 6tas armónicas. Se usaba frecuentemente una fórmula melódica conocida como la cadencia de Landini. La cual

consiste del patrón diseñado por los grados de la escala 7 – 6 – 1, a veces era llamada la cadencia 7 – 6 – 1. Aparece en varias formas diferentes en la música del S XIV y comienzos del S XV.

Diferencias entre el sistema Mensural medieval y el sistema actual de Notación Esto es lo que se llama notación mensural, o sea, con indicación estricta de la duración de las notas según el dibujo de la figura . Este sistema pervive hasta nuestros días con muy escasas modificaciones; sus principales figuras en el siglo XIV eran: Máxima – Longa – Breve – Semibreve – Mínima – Semínima – Fusa - Semifusa

Notación actual

Notación S. XIV

Anteriormente, cada una de estas notas se dividía en tres de la inmediata siguiente, consiguiendo así un ritmo ternario, que se suponía relacionado con la Santisima Trinidad, pero en el Ars Nova aparece la posibilidad de que cada nota se divida en dos de la siguiente (como en la actualidad) dando entrada a los ritmos binarios y a todas las posibilidades combinatorias.

Maximodus perfectus imperfectus 1 maxima = 3 longae 1 maxima = 2 longae Modus perfectus imperfectus 1 longa = 3 breves 1 longa = 2 breves Tempus Perfectus imperfectus 1 brevis = 3 semibreves 1 brevis = 2 semibreves Prolatio maior minor 1 semibrevis = 3 minimae 1 semibrevis = 2 minimae

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FORMAS

ARS NOVA

Francia

El Motete polifónico continua siendo escrito en Francia, pero con cambios importantes. Igualmente importantes eran las nuevas formas seculares polifónicas – ballade, rondeau y virelai. Estas formas son llamadas de manera colectiva las formas fijas. Continuando la tradición de los trouvéres, también se compusieron canciones monofónicas.

Tempus perfectum Prolatio maior 9/8

Tempus perfectum Prolatio minor 3/4

Tempus imperfectum Prolatio maior 6/8

Tempus imperfectum Prolatio minor 2/4

Brevis Semibrevis Mínima

Motete Isorrítmico La forma más importante del S XIV, que todavía se basa en un cantus firmus es el motete isorrítmico, el cual evolucionó de una mezcla del motete del S XIII. En un motete isorrítmico típico encontramos: 1. Se selecciona un canto o parte de un canto para el tenor 2. La melodía del canto constituye el color 3. El color se repite hasta el final de la pieza 4. El patrón rítmico llamado talea es compuesto 5. La talea también es repetida, pero como su final no coincide con el final del color, siempre resulta una nueva combinación de talea y color. Las voces superiores tienen la libertad de usar principios isorrítmicos (pero basado en un cantus firmus nuevo, original). El motete isorrítmico continúa la práctica de textos diferentes en las voces superiores y pasajes en hocket. (Técnica en la cual una sola melodía, o un solo ritmo es formado por varios instrumentos intercalados.) Es una manera de dar unidad a composiciones que no tenían otro medio formal de organización.

Ballade La balada consiste en varias estrofas de 4 versos, cada estrofa con la misma música. Las dos primeras líneas usan la misma música, la tercera tiene una nueva melodía y la cuarta, el estribillo, con otra música, La fórmula es aabC, en la que las letras mayúsculas se refieren a la música y el texto del estribillo. Las balladas generalmente son para tres voces con el interés melódico y rítmico en la voz superior

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Rondeau

El rondeau polifónico, derivó de la forma monofónica de la canción de los trouvéres y seguía la misma fórmula (AbaAabAB). Puede ser para 2, 3 o cuatro voces, pero los más comunes eran a tres voces, con una línea vocal solista y dos partes instrumentales más bajas y en ritmos que se mueven más lento.

Virelai

El virelai, también llamado chanson balladée en el S XIV, era como el rondeau derivado de la forma monofónica de los troveros, pero con el siguiente plan de secciones AbbaA para cada estrofa del poema. La mayor parte de las chanson balladées eran monofónicas, pero muchas composiciones polifónicas fueron escritas en esta forma. Podemos dividir cada estrofa en tres partes:

El estribillo (A), que se repite al final.

Los pies (bb), con música distinta.

La vuelta (a), que incluye la música de A con distinto texto y siempre precede la repetición del

estribillo A.

EL TRECENTO

Italia

El Trecento Italiano estuvo dominado por las formas seculares: madrigal, caccia y ballata. Madrigal: Los textos eran idílicos, pastoral, amatorios o satíricos. Existía un gusto por lo bucólico: Escenas idílicas de pastores dedicados al amor y a la despreocupación, insertos en un mundo imaginario atemporal, un mundo remoto, de cuento de hadas, poblado de deidades, bosques y fuentes. Un anhelo de la búsqueda del paraíso terrenal. El madrigal trató de dar respuesta a este anhelo ya que la música era el vehículo idóneo para poder plasmar unos estados de ánimo y sustentar el mundo imaginativo en el que las escenas se desarrollaba. Sus poetas inspiradores son Petrarca, Bocaccio, Sacchetti y Soldanieri. Solía escribirse a dos voces, aunque más tarde también se escribirían a tres voces, con el texto en la voz superior y combinando estrofas de dos a tres versos. Las estrofas tenían la misma música, contando al final con un par de versos añadidos llamados ritornello o estribillo, de nueva composición y metro distinto (si las estrofas estaban compuestas en ritmo binario, el estribillo pasaba a ritmo ternario). En los estribillos, en ocasiones, aparecen pasajes melismáticos ornamentados que recuerdan a los antiguos conductus. Los principales compositores son Jacopo da Bologna, Giovanni da Cascia y más tarde Francesco Landini. En la 2ª mitad del siglo XIV, bajo la influencia de la caccia, nació el madrigal canónico a dos voces y a tres voces (con canon en la voz superior y un tenor libre). CACCIA La caccia (caza o cacería), la cual floreció desde cerca de 1345 hasta 1370, fue la primera forma musical que explota el principio del canon basado en imitaciones continuas entre dos o más voces. Las voces superiores eran cantadas en imitación estricta al unísono y con un intervalo de tiempo largo entre la primera y la segunda voz. La tercera voz (la más baja) era compuesta libremente en notas que se movían lentamente y probablemente era tocada en un instrumento.

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Las caccias usualmente tenían una sección de ritornello canónico al final. Los textos generalmente describen cacerías u otra actividad de campo abierto. BALLATA La ballata (que no debe ser confundida con la Ballade francesa) se originó como una canción de danza y se desarrolló luego del madrigal y la caccia. Su estructura seccional se parece a la del virelai, con un estribillo llamado ripresa cantada al principio y al final de cada estrofa. (AbbaA).

COMPOSITORES

Francia En Francia sobresalen los ya mencionados Philippe de Vitry (1291 – 1361) conocido principalmente por su tratado de notación, llamado ARS NOVA 8ca. 1325), del cual toda la práctica musical francesa del S XIV tomó su nombre, Johannes de Muris (ca. 1300 – ca 1350), que escribió otro importante tratado: Ars Nove Musice. Pero El principal compositor del Ars Nova en Francia fue Guillaume de Machaut (1300-1377) Machaut nació en la provincia de Champagne, en el norte de Francia. Recibió educación religiosa y tomó los hábitos. Machaut fue famoso no sólo como músico, sino también como poeta. En sus obras musicales se incluyen ejemplos de la mayor parte de las formas corrientes en su época y demuestran que fue un compositor en el que se mezclaban tendencias conservadoras y progresistas. Escribió más música secular que sagrada, sin embargo su obra más larga y famosa “La misa de Notre Dame” es una de las primeras composiciones polifónicas del ordinario de la misa. Guillermo de Machaut fue quien le dio a la misa polifónica la primera estructura formal completa, (constitución orgánica), considerando a las cinco divisiones del Ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus, y Agnus Dei) como una sola composición musical en vez de piezas separadas. El Kyrie, el Sanctus y el Agnus Dei son motetes isorrítmicos que toman el tenor de los cantos gregorianos del ordinario de la misa, no así el Gloria y el Credo, que además están compuestas en un estilo silábico , probablemente debido a la longitud de sus textos. Utiliza en algunas secciones la técnica de hoquetus. Cada uno de estos movimientos termina con un largo Amén melismático estableciendo así un nexo con el resto de la misa. No es posible saber a ciencia cierta la forma en que debió ejecutarse la obra, sin embargo es muy probable que todas las voces hayan sido dobladas por instrumentos. La mayor parte de los 23 motetes de Machaut se basaban en el esquema tradicional: un tenor litúrgico instrumental y textos diferentes en las dos voces superiores. En estas piezas se siguen las tendencias contemporáneas a un mayor laicismo: una mayor extensión y una mayor complejidad rítmica. La estructura isorrítmica a veces comprende las partes superiores, así como al tenor. En estos motetes usó muchísimo el hoquetus. aunque la única obra de Machaut específicamente denomina-«hoquetus» es una pieza instrumental a tres voces y semejante a un motete, con tenor isorrítmico que provenía del melisma sobre la palabra «David» de un versículo de aleluya. Las canciones monofónicas de Machaut pueden considerarse como una continuación de la tradición de los troveros en Francia. Comprenden diecinueve Lais, forma del siglo XII similar a la secuencia, y alrededor de veinticinco canciones que denominó chansons balladées. aunque su nombre más común es virelai. Característica del virelai es la forma AbbaA, en la que A representa el estribillo, b la primera parte de la estrofa (que se repite) y a la última parte de la estrofa (en la que se utiliza la misma melodía que en el estribillo). Si hay varias estrofas, el estribillo A puede repetirse después de cada una de ellas. Machaut también escribió virelais a dos y tres partes polifónicas. Cuando se da el primer caso, el solista vocal se ve acompañado por una parte inferior de tenor instrumental. En estos virelais, Machaut introdujo ocasionalmente el recurso de una rima musical entre las terminaciones de las dos secciones melódicas.

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Fue en sus virelais, rondeaux y ballades polifónicos —las así denominadas "formes fixes"— donde Machaut mostró con mayor claridad las tendencias progresistas del Ars Nova. Explotó las posibilidades de la nueva división binaria del tiempo; a menudo las subdividió en una ternaria o sencillamente organizó su ritmo en la binaria. Aunque aún oímos quintas paralelas y nume-rosas disonancias marcadas en Machaut, las sonoridades más suaves de terceras y sextas y el sentido general de orden armónico distinguen a su música de la de Ars antiqua. Así como Perotin fue la propia encarnación del Ars Antigua, Guillermo de Machaut, el último de los poetas que escribió su propia música, uno de los hombres más eruditos de su siglo, fue la gran personalidad musical del Ars Nova y uno de los mayores compositores de la historia . Su obra fue la continuación lógica de la de Perotin.

Italia

El compositor más importante del Trecento fue Francesco Landini (ca 1325 – 1397). Él era un organista ciego de Florencia que compuso más de 140 balladas de 2 y 3 voces, unos 10 madrigales y una caccia. Pese a ser ciego desde temprana edad, alcanzó admiración continental como organista, compositor, poeta y filósofo. Su fama como virtuoso del órgano, en la iglesia de San Lorenzo en Lucina de Florencia fue extraordinaria, aunque ejecutaba con igual pericia tanto el laúd como la flauta, además de otros instrumentos. Se le considera el mayor organista italiano anterior a Frescobaldi. Otros compositores italianos del momento son Giovanni da Cascia (también conocido como Johannes de Florencia (1340 – 1350), organista de Santa María del Fiore en Florencia y que estuvo al servicio de la corte de Verona entre 1329 y 1351, así como Jacobo de Boloña músico también de la corte de Verona entre 1 .340 y 1345. Ambos escribieron madrigales a dos voces, Caccias y baladas. Más adelante, hacia finales del siglo XIV encontramos a Matteo de Perugia, fallecido en los alrededores de 1418. Es autor de baladas tanto italianas como francesas, rondos, virelais, glorias a 4 voces, Credos, canon, etc.

Inglaterra

En Inglaterra, sobre el final de este período se destacó muy particularmente John Dunstable (1375-1453), astrónomo y matemático además de erudito compositor polifónico, quien incorporó en su obra las terceras y sextas como intervalos consonantes. Es considerado el iniciador del nuevo estilo renacentista, después del florecimiento del Ars Nova, tanto en Italia como en Francia, donde alcanzó gran prestigio a partir de 1420. Bibliografía

Historia de la música de Hugh M. Miller y Dale Cockrell. Historia de la música occidental Donald Jay Grout – Claude V. Palisca Orientación Musical Jaime Ingram Jaén