ARTE LATINOAMERICANO MÓDULO 3: MODERNIDAD EN EL …
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ARTE LATINOAMERICANO MÓDULO 3: MODERNIDAD EN EL ARTE Y CONSECUENCIAS EN AMÉRICA Palabras Clave: Identidad – Bachué – Intelectuales – Panorama – Político – Cubismo – Orígenes – Valores – Raíces – Colombia – Impresionismo – Fauvismo – Istmos – Transformación – Muralismo – Socialismo. Objetivo General: Analizar y conceptualizar la influencia de las tendencias europeas y los acontecimientos políticos en el desarrollo del arte Latinoamericano. Introducción General: El arte del siglo XX se formó por las diversas corrientes que surgieron denominadas istmos. La revolución Industrial y el desarrollo tecnológico moldearon la concepción del hombre desde finales del siglo XIX con los impresionistas, posteriormente las guerras mundiales y por último, como análisis del surgimiento de la modernidad se puede establecer el aporte de los filósofos con sus teorías reveladoras en las que se apoyaron los vanguardistas del siglo XX. La modernidad tuvo su cambio fundamental con dos de sus tendencias: el fauvismo y el expresionismo. Ocasionado una transformación radical en la expresión artística, llegando incluso a contradecir otras corrientes surgidas en su momento y generando, además, influencias cuyo resultado se presentaría en los artistas posteriores.
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ARTE LATINOAMERICANO
MÓDULO 3: MODERNIDAD EN EL ARTE Y
CONSECUENCIAS EN AMÉRICA
Palabras Clave:
Identidad – Bachué – Intelectuales – Panorama – Político – Cubismo – Orígenes – Valores – Raíces –
Colombia – Impresionismo – Fauvismo – Istmos – Transformación – Muralismo – Socialismo.
Objetivo General:
Analizar y conceptualizar la influencia de las tendencias europeas y los acontecimientos políticos en el
desarrollo del arte Latinoamericano.
Introducción General:
El arte del siglo XX se formó por las diversas corrientes que surgieron denominadas istmos. La
revolución Industrial y el desarrollo tecnológico moldearon la concepción del hombre desde finales
del siglo XIX con los impresionistas, posteriormente las guerras mundiales y por último, como análisis
del surgimiento de la modernidad se puede establecer el aporte de los filósofos con sus teorías
reveladoras en las que se apoyaron los vanguardistas del siglo XX.
La modernidad tuvo su cambio fundamental con dos de sus tendencias: el fauvismo y el
expresionismo. Ocasionado una transformación radical en la expresión artística, llegando incluso a
contradecir otras corrientes surgidas en su momento y generando, además, influencias cuyo resultado
se presentaría en los artistas posteriores.
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Javeriana Estéreo. (2010). Almuerzo Sobre la Hierba [Fotografía]. Recuperado de http://
lapalabrafigurada.wordpress.com/2010/07/09/edouard-manet-almuerzo-sobre-la-hierba/
ARTE DEL SIGLO XX EN AMÉRICA
El arte del siglo XX se formó por las diversas corrientes que
surgieron denominadas istmos cuyas características no se
manifestaron de manera cronológica y lineal, sino que en
ocasiones se interrelacionaron y confundieron en el tiempo.
La revolución Industrial y el desarrollo tecnológico
moldearon la concepción del hombre desde finales del siglo
XIX con los impresionistas,
posteriormente las guerras
mundiales y por último, como
análisis del surgimiento de la
modernidad se puede establecer el
aporte de los filósofos con sus
teorías reveladoras en las que se
apoyaron los vanguardistas del
siglo XX.
El año 1863 se puede tomar como
fecha de inicio de la pintura
moderna. Es el año en que Manet
pinta Almuerzo sobre la hierba, que
se expuso en el Salón de los
Rechazados. La obra poseía
antecedentes del Renacimiento
italiano en cuanto a temática, pero el
modo de plantearlo causó conmoción.
La modernidad tuvo su cambio fundamental con dos de sus
tendencias: el fauvismo y el expresionismo. Ocasionado una
transformación radical en la expresión artística, llegando
incluso a contradecir otras corrientes surgidas en su
momento y generando, además, influencias cuyo resultado
se presentaría en los artistas posteriores.
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Sueños de una tarde Dominical en la Alameda [fotografía]. (2011). Recuperado de http://www.blogodisea.com/2011/sueno-de-una-tarde-dominical-en-la-alameda/arte/
CENTROAMÉRICA Y EL MURALISMO MEXICANO
El Muralismo Mexicano es un movimiento que surge a raíz
de la Revolución Mexicana, de carácter indigenista y
ocurrido alrededor de 1910, rechaza la pintura de caballete
y cualquier procedencia de círculos intelectuales. Propone
la producción de obras monumentales para el pueblo en las
que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y
otros aspectos de su historia. El Muralismo Mexicano fue
uno de los fenómenos más decisivos de la plástica
contemporánea iberoamericana y sus principales
protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y
David Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 el movimiento se
internacionalizó y se extendió a otros países de América.
Diego Rivera:
(1886-1957), pintor mexicano que realizó murales con
temas sociales, considerado como uno de los grandes
artistas de este siglo.
Nació en Guanajuato y se formó en México. Estudió pintura
en Europa, principalmente en España y Francia,
familiarizándose con las innovadoras formas cubistas de
Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición
de Cézanne y otros artistas de la época. En 1921 regresó a
México, donde desempeñó un papel determinante en el
renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas
y patrocinado por el gobierno. Se dedicó a pintar grandes
frescos sobre la historia y los problemas sociales de su país
en los techos y paredes de edificios públicos, ya que
4
Fragmento de Catarsis [fotografía]. (2011). Recuperado de http://ermundodemanue.blogspot.com/
2011/12/jose-clemente-orozco-obras-murales.html
consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y
estar fácilmente disponible o a su alcance. Su obra maestra
es “La tierra fecunda” (1927) para la Escuela Nacional de
Agricultura de Chapingo, donde representa el desarrollo
biológico del hombre y su conquista de la naturaleza.
En 1929 se casó con Frida Kahlo, considerada una
representante insigne de la pintura introspectiva mexicana
del siglo XX. Fue uno de los fundadores del Partido
Comunista Mexicano. Su fama lo llevó a exponer y trabajar
en Estados Unidos; su obra allí incluye un mural para el
Instituto de Bellas Artes de Detroit y un fresco, “Hombre en
la encrucijada”, encargado para el nuevo edificio en el
Rockefeller Center de Nueva York y destruido poco después
de su realización porque contenía, al parecer, un retrato del
líder soviético Lenin. Un año después, Rivera lo reprodujo
para el palacio de Bellas Artes de México.
En 1935 concluyó uno de sus proyectos más ambiciosos: los
frescos para la escalera monumental del palacio nacional de
la ciudad de México, con su propia interpretación de la
historia de su país, desde los tiempos precolombinos. En la
década de 1940 pintó dos grandes murales en el Instituto
Nacional de Cardiología y otro gran mural para el hotel del
Prado, “Sueño de la alameda”, de tema histórico-crítico. Sus
últimas obras las realizó en mosaico de piedras naturales.
Diego Rivera fue también prolífico en su obra de caballete,
con una visión muy alegre y también sensual del folclore de
su país. Dibujante magistral y estupendo colorista,
demostró un gran talento para estructurar sus obras. Legó
a México una importante colección de estatuillas de
diversas culturas indígenas, que instaló en su casa-museo,
en la ciudad de México. Como él mismo dijo, condensando
el sentido de su obra, su propósito era "Ligar un gran
pasado con lo que queremos que sea un gran futuro de
México" . Murió en 1957 en la ciudad de México.
José Clemente Orozco:
(1883-1949), pintor muralista mexicano, contribuyó a
recuperar la técnica, el diseño y los temas de la pintura al
fresco. Está considerado como uno de los más destacados
muralistas desde la época renacentista.
5
La nueva democracia [fotografía]. (2012). Recuperado de http://ermundodemanue
.blogspot.com/2012/03/david-alfaro-siqueiros.html
Orozco nació en Zapotlán, Jalisco en 1883. En México
realizó sus estudios superiores. En 1922 se unió a Diego
Rivera y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y
escultores, que buscaba recuperar el arte de la pintura
mural bajo el patrocinio del gobierno mexicano. Una de sus
primeras y más destacadas obras fue la serie de murales
que hizo para la Escuela Nacional Preparatoria sobre la
conquista, la colonización y la Revolución Mexicana. Entre
1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos un grupo de
murales, los cuales escenifican la historia de América con la
serie “La llegada de Quetzalcóatl”, “El retorno de
Quetzalcóatl” y “Modern industrial man”. De regreso a su
país realizó grandes murales y en la década de 1940 pintó
algunos lienzos caracterizados por las líneas diagonales y el
color gris que ya venía utilizando para sus murales. En los
últimos años su estilo se fue simplificando, buscando sobre
todo un carácter más dramático y violento que le
aproximara más al expresionismo. Orozco murió en México
D.F. en 1949. Fue enterrado en la Rotonda de los Hombres
Ilustres, honor que por primera vez se dio en México a un
pintor.
David Alfaro Siqueiros:
(1896-1974), uno de los más famosos pintores muralista
mexicanos, junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco.
Siqueiros nació en Chihuahua y se formó en México.
Participó en el renacimiento de la pintura al fresco
efectuada bajo el patrocinio gubernamental de las
decoraciones murales en edificios públicos.
Vivió en París, Barcelona y Estados Unidos. Regresó a
México y organizó el sindicato de pintores, escultores y
grabadores revolucionarios. Miembro del Partido
Comunista Mexicano, fundó su periódico “El Machete” y se
dedicó al activismo político, representando en sus frescos
temas de dinámica revolucionaria para alentar a las clases
sociales más desfavorecidas. Sus pinturas representan una
síntesis muy particular de los estilos futurista,
expresionista y abstracto, con colores fuertes e intensos. En
1962, el gobierno mexicano sentenció a Siqueiros a ocho
años de prisión por organizar disturbios estudiantiles de
extrema izquierda dos años antes; el artista fue indultado
6
La columna rota [imagen]. (2011). Recuperado de
http://ermundodemanue.blogspot.com.es/2011/11/frida-
kahlo-obras-pinturas-cuadros.html
en 1964. Sus obras monumentales son: “Marcha de la
Humanidad” (1971), realizada después de su salida de la
cárcel y que consiste en una serie de paneles articulados en
las paredes del Hotel de México y “Del porfirismo a la
revolución”, de 4.500 m2, en el Museo de Historia Nacional
de la ciudad de México. Recibió el Premio Nacional de Arte
de México y el Premio Lenin de la Paz.
El surrealismo en México con Frida Kahlo:
Pintora mexicana (1907-1954) que
realizó principalmente autorretratos,
en los que utilizaba una fantasía y un
estilo inspirados en el arte popular de
su país. Hija del fotógrafo judío-alemán
Guillermo Kahlo. A los 16 años, cuando
era estudiante en la Escuela Nacional
Preparatoria de México, resultó
gravemente herida en un accidente de
camión y comenzó a pintar durante su
recuperación. Tres años más tarde le
llevó a Diego Rivera algunos de sus
primeros cuadros para que los viera y
éste la animó a continuar pintando. En
1929 se casaron.
Influida por la obra de su marido,
adoptó el empleo de zonas de color
amplias y sencillas plasmadas en un
estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería
que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana
y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas
extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más
adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente
introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la
yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el
impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el
movimiento Surrealista.
Sus cuadros representan
fundamentalmente su experiencia
personal: los aspectos dolorosos de su
vida, que transcurrió en gran parte
postrada en una cama, son narrados a
través de una imaginería gráfica.
Expresa la desintegración de su
cuerpo y el terrible sufrimiento que
padeció en obras como “La columna
rota” (1944), en la que aparece con un
aparato ortopédico de metal y con el
cuerpo abierto mostrando una
columna rota en lugar de la columna
vertebral. Su dolor ante la
imposibilidad de tener hijos lo plasma
en “Hospital Henry Ford” (1932), en la
que se ve a un bebé y varios objetos,
como un hueso pélvico y una máquina,
7
Las dos Fridas [imagen]. (2011). Recuperado de
http://ermundodemanue.blogspot.com.es/2011/11/frida-kahlo-obras-
pinturas-cuadros.html
diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace
mientras sufre un aborto. Otras obras son: “Unos
cuantos piquetitos” (1935), “Las dos Fridas” (1939) y
“Sin esperanza” (1945).
Expuso en tres ocasiones.
Organizó las exposiciones de
Nueva York de 1938 y de París
de 1939 a través de sus
contactos con el poeta y
ensayista surrealista francés
André Bretón. En abril de 1953
expuso por primera vez en la
galería de Arte Contemporáneo
de Ciudad de México. Un año
después murió. El matrimonio
Kahlo-Rivera fue miembro del
Partido Comunista Mexicano. El
día de su entierro, el féretro de
Frida fue cubierto con la
bandera del partido, un hecho
que fue muy criticado por toda
la prensa nacional. Su casa fue
transformada en Museo y lleva
su nombre.
Su vida y obra representan uno de los momentos más
decisivos de la historia de México y del arte
latinoamericano. Su fantasía y su estilo están inspirados en
el arte popular de su país. Su obra gira alrededor del
autorretrato y está llena de significados esotéricos es decir
ocultos, provenientes de una síntesis étnica que aluden a un
simbolismo personal en cada obra. Frida mezcla elementos
relacionados con la iconografía cristiana colonial como
clavos, sangre, lienzos blancos,
como referencia al martirio. André
Bretón dijo: “es una cinta de seda
alrededor de una bomba”. Sus
trabajos representan un
acercamiento mágico al misterio de
la vida, afín con las culturas
precolombinas y una visión
panteísta (afirmación de la idea
sustancial de Dios y el mundo) del
universo y del hombre como en los
ritos aztecas.
Carlos Mérida:
(1891-1984), pintor de origen
guatemalteco, formado en Francia
y residente en México, que formó
parte del movimiento muralista
mexicano. Tras una etapa marcada por la Abstracción en la
forma, evolucionó hacia el Constructivismo.
Nació en Quetzaltenango (Guatemala) en 1891. De origen
maya-quiché. En 1910 celebró su primera exposición y
8
Proyecto para los murales del Crédito Hipotecario
Nacional [imagen]. (2011). Recuperado de
http://www.revuemag.com/2011/04/carlos-merida/
viajó a París, donde estudió con Van Dongen; trabajó con
Modigliani y se relacionó con Picasso, cuya influencia
marcaría su obra posterior. En 1914, con motivo de la I
Guerra Mundial, regresó a Guatemala y empezó a pintar
temas autóctonos basados en la cultura maya. En 1917
viajó a Estados Unidos y dos años más tarde a México,
donde vivió más de treinta años.
Desde 1922 formó parte del grupo de muralistas
mexicanos, colaborando con Diego Rivera en el mural del
Anfiteatro Bolívar (México, D.F.); un año más tarde fundó
con éste, Orozco y Siqueiros el Sindicato de Obreros,
Técnicos, Pintores y Escultores y en 1931 organizó la
Escuela de Danza de la Secretaría de Educación Pública
(SEP). Como muralista independiente se inició en 1923 con
el de la Biblioteca Infantil de la Secretaría de Educación
Pública (“Caperucita Roja y Los cuatro elementos”). En
1927 regresó a París, donde estuvo dos años y en los cuales
contactó a Paul Klee, Miró y las nuevas corrientes artísticas;
como resultado de ello abandonó la figuración política para
desarrollar una etapa marcada por la abstracción en la
forma y sus raíces indígenas en los temas. Mérida siempre
publicó con orgullo su ascendencia maya-quiché y española.
En 1940 participó en la Exposición Internacional
Surrealista celebrada en México.
Un año más tarde fue nombrado profesor de arte en el
North State Teacher College en Denton, Texas, y a partir de
1949 comenzó sus investigaciones sobre integración de las
artes, temática que se centró en torno a una serie de
leyendas mexicanas acerca del origen del mundo (el Popol
Vuh, los ocho dioses del
Olimpo mexicano, el
Ixtlexilt, los Cuatro
Soles). Desde 1950 su
arte experimenta ciertos
cambios y su obra ofrece
un estilo más próximo al
Constructivismo, como
se observa en el edificio
de Reaseguros Alianza
de la ciudad de México,
cuyo mural Estilización
de motivos mayas
(1953) está realizado en
mosaico de vidrio. Con
esta misma técnica, en la
década de 1950 realizó diversos murales para empresas
comerciales y privadas mexicanas y el mosaico de vidrio
“La mestiza de Guatemala”. Desde entonces Mérida alternó
la realización de murales para México y Guatemala, en los
que dominaban motivos abstractos y constructivos.
Wilfredo Lam:
Wilfredo Lam (1902-1982), pintor cubano, uno de los más
originales exponentes del surrealismo en Latinoamérica,
creador de un nuevo lenguaje pictórico que fusiona la
9
La jungla [imagen]. (2012). Recuperado de
http://caminarporlaplaya.wordpress.com/2012/02/07/la-
jungla/
herencia cultural afrocubana con las últimas vanguardias
europeas. Su padre fue un inmigrante chino y su madre era
de origen afrocubano, su abuela, una sacerdotisa de la
religión sincrética afrocubana de la santería, le enseñó
sobre la cultura africana.
Comenzó sus estudios de arte en la
Academia de San Alejandro en La
Habana, y en 1924 viajó a España para
estudiar en Madrid. En 1928 realizó su
primera exposición individual. Tras el
estallido de la Guerra Civil española
(1936-1939), se trasladó a París
donde conoció al artista español Pablo
Picasso, quién ejerció una fuerte
influencia en sus primeras obras. A
través de él entra en contacto con el
mundo artístico parisiense, uniéndose
al grupo de los Surrealistas junto al
poeta francés André Breton y al artista
alemán Max Ernst. En 1941 regresó a
Cuba en donde comenzó a desarrollar
un estilo pictórico que, aunque en estrecho contacto con el
Surrealismo, adoptó elementos de la cultura afrocubana
que dan forma a oníricas imágenes biomórficas de una
imaginación exuberante. Uno de los ejemplos más
destacados de esta etapa es “La jungla” (1942), cuya obra se
caracteriza por figuras estilizadas, con frecuencia con
rostros que parecen máscaras.
En esta época regresó a Cuba y se asoció con intelectuales
como la folclorista afrocubana Lydia Cabrera y el escritor
Alejo Carpentier quienes ayudaron a
renovar su interés por la cultura
afrocubana. Durante este periodo
empezó a producir obra en la que
representaba figuras fantasmagóricas
de humanos, animales y plantas en
escenarios de jungla poco profunda
que reflejan su síntesis de la santería, el
surrealismo y el cubismo. En 1945-46
Lam visitó Haití con André Bretón, se
fue a residir permanentemente a París
en 1952, pero continuó viajando
extensamente; visitó Cuba
frecuentemente antes y después de la
Revolución. En la década de los
cincuenta sus complejas figuras
volumétricas se aplanaron y, se
hicieron más esquemáticas, y el lujoso follaje cedió el paso a
campos de manchas vaporosas.
La obra de Lam, con una mezcla de Expresionismo y
Surrealismo, aborda los temas cubanos con una forma muy
propia que acuña un estilo en la pintura contemporánea
mundial.
10
Paisaje [imagen]. (2011). Recuperado de
http://embusteria.blogspot.com/2011/07/la-luz-de-reveron.html
SURAMÉRICA
Armando Reverón:
Armando Reverón (1889-1954), considerado el mejor
pintor venezolano de la primera mitad del siglo XX, se
interesó profundamente por la acción de la luz sobre las
formas. Entusiasta del Impresionismo francés, su pintura
evolucionó a la Abstracción y el Simbolismo. Sus temas
preferidos fueron el paisaje y el desnudo femenino.
Nació en Caracas y desde niño mostró afición por la pintura,
en la que se inició bajo la orientación de su primo Ricardo
Montilla. En 1908 ingresa en la Academia de Bellas Artes de
Caracas, etapa formativa a la cual corresponde temas
religiosos, paisajes y naturalezas muertas. Gracias a una
beca, en 1911 viaja a España e ingresa en la Escuela de
Artes y Oficios de Barcelona. Tras un corto viaje a
Venezuela, en 1912 se traslada a Madrid y sigue estudios en
la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1914
se traslada a París, allí permanece unos meses y tras una
corta estancia en Barcelona, vuelve definitivamente a
Venezuela un año más tarde. Allí se integra en el Círculo de
Bellas Artes y abandona el rigor académico, ante el
entusiasmo que despierta el Impresionismo en él. Su
traslado a La Guaira, en 1917, donde conoce a su modelo y
compañera de vida, Juanita Ríos, será definitivo para su
carrera de artista, en la que se distinguen tres periodos. En
1919 inicia el llamado periodo azul, en el que su obra,
inmersa en una
atmósfera sensual y
misteriosa, está
dominada por el azul
profundo de su
paleta. Se trata de
paisajes, retratos de
Juanita y majas: “El
bosque de la
Manguita”, “Juanita” y
“La Cueva”. A partir
de entonces se
definen las dos líneas
temáticas que cultivará hasta la muerte: el paisaje (pintado
al aire libre) y el desnudo. El momento decisivo de su
carrera se produce en 1921 con su traslado y asentamiento
en Macuto, pueblo costero, donde construye su “castillete”,
y vive hasta poco antes de morir en compañía de Juanita.
Entre 1922 y 1924 se dedica preferentemente a su
construcción, la cual hoy es un Museo, y abandona el
Impresionismo, adquiriendo gran importancia el color
blanco, que utiliza en composiciones de corte abstracto (“El
Paisaje blanco”, 1934), —periodo blanco—. La obra que
marca el paso del periodo azul al blanco, que se extiende
hasta 1934, es “Fiesta en Caraballeda” de 1924, donde
utiliza como soporte tela de coleto; también incorpora a la
obra elementos como: coides, rocas, cocoteros, como
referencias estructurales y figurativas en una atmósfera
11
Maja [Óleo sobre lienzo de Armando Reverón.]. Recuperado de
http://www.epdlp.com/cuadro.php?id=1306
Baile criollo 1925 [imagen]. Recuperado de
http://www.portondesanpedro.com/autor-notas-de-
prensa.php?id=338
casi abstracta. En 1933 sufre una crisis nerviosa que le
mantiene inactivo durante cierto tiempo, tras la cual
empieza a pintar sobre papel con un estilo gestualista, que
constituye una etapa de transición al periodo sepia, que se
inicia en 1936. Pinta entonces obras de gran formato que
escenifican varias figuras desnudas en un interior (“La maja
criolla”, 1939) al tiempo que su producción se torna
dramática con acentos expresionistas. Sustituye sus
modelos, salvo “Juanita”, por muñecas de trapo fabricadas
por él mismo (Serafina). A excepción del paréntesis de
1940-1945 en que pinta del natural paisajes portuarios con
la frescura de
los primeros
años (“El
puerto de la
Guaira”, 1941),
su obra es cada
vez más
introvertida y
simbólica, al
igual que su
vida, día a día
más solitaria y
ajena a la
realidad; sus
pinturas están bañadas por la luminosidad del sol y el
resplandor de las estrellas bajo la noche tropical
(“Amanecer en el Caribe”, 1944). En 1945 es internado por
primera vez en un hospital psiquiátrico; aumentan los
desnudos y autorretratos (“Desnudo acostado”, 1947) y a
partir de 1949 se observa una menor producción pictórica,
a la vez que se centra en la técnica del dibujo, que se
convertirá a partir de 1950 en la única utilizada. Los
últimos años los pasa en una clínica psiquiátrica, donde
realiza distintos retratos de pacientes, que constituyen su
último trabajo. Sus pinturas giran esencialmente en torno a
la representación de paisajes y figuras femeninas, en
algunas de las cuales muestra cierto erotismo.
Pedro Figari:
(1861-1938), pintor,
abogado y periodista
uruguayo, figura
destacada de la etapa
postimpresionista en su
país, representado por su
carácter polifacético y su
voluntad americanista.
Hijo de padres italianos,
manifestó desde la niñez
inclinaciones artísticas.
Después de concluir sus
estudios de abogacía conoció al maestro Godofredo
Sommavilla, pintor italiano de formación académica con el
que estudió un tiempo. Más tarde visitó en Europa los
12
Dos figuras constructivistas con objetos 1949 [imagen].
Recuperado de http://www.artexpertswebsite.com/
pages/artists/torres-garcia.php
mayores centros artísticos, donde conoció la nueva
corriente de los impresionistas. En 1896 fue elegido
diputado y después entró a formar parte del Consejo de
Estado, impulsando la creación de la Escuela de Bellas
Artes. En medio de esta polifacética actividad no abandonó
la pintura ni el dibujo, que fueron una dedicación
permanente a través de su vida. En 1912 publicó un ensayo
filosófico titulado “Arte, Estética, Ideal”.
Joaquín Torres García:
(1874-1949), pintor uruguayo,
abstracto, que contribuyó
decisivamente a la difusión del
Constructivismo en Latinoamérica,
con su teoría del universalismo
constructivo (1944).
Nació en Montevideo en 1874. Hijo
de padre catalán y madre uruguaya
ingresó en la Escuela de Bellas Artes
de Barcelona en 1892, tras el
regreso de su familia a España. Allí
se vio muy influenciado por el
movimiento modernista catalán, con
el que siempre se identificó, e inició
su amistad con Pablo Picasso y Antoni Gaudí, con quien
colaboró en la realización de las vidrieras del templo de la
Sagrada Familia en Barcelona (1903-1907). Durante los
veintinueve años que vivió en la ciudad, llevó a cabo varias
obras en edificios públicos y privados. También trabajó con
Gaudí en la restauración de la catedral de Palma de
Mallorca, donde realizó unas vidrieras con diseño
geométrico y colores planos, que producen en el interior
una iluminación singular. En 1910 se traslada a Bruselas
para decorar el pabellón uruguayo de la Exposición
Internacional (dos murales sobre la agricultura y ganadería
uruguayas) y con motivo de este viaje
visita también París, Florencia y Roma.
En 1913 publica “Notes sobre Art”, con
el que se inicia en la teoría artística y
realiza el fresco “La Cataluña ideal”. En
1919 viaja a Nueva York, a Italia y
Francia fijando su residencia en París,
en 1926. Ahí toma contacto con
Mondrian con quien publica una revista
en 1930 para promover la primera
exposición de arte Constructivista y
abstracto. En 1932 abandona París y se
instala en Madrid, donde conoce a
Lorca y crea un grupo de artistas
constructivos. Tras su regreso a
Montevideo en 1934, funda la
“Asociación de Arte Constructivo” y
más tarde el “Taller Torres García”. Su teoría sobre el
Constructivismo fue difundida a través de la revista Cercle
et Carré y de su libro Universalismo constructivo, publicado
13
Silvio. (2012). [Pintura de Oswaldo Guayasamín]. Recuperado de
http://www.artematriz.com/en-ecuador-se-recordo-al-fallecido-
guayasamin-el-que-fue-un-exponente-de-la-lucha-contra-el-
colonialismo/
en 1944; ese mismo año le fue concedido el Premio
Nacional de Pintura. De su obra cabe resaltar además:
“Ritmos curvos en blanco y negro” (1937), “Arte
constructivo” (1942) y siete murales de 1944. Tras su
muerte en 1949 se organizaron diversas muestras de su
obra en Europa y América; su influencia fue muy
importante para el desarrollo de la plástica uruguaya.
Oswaldo Guayasamín:
(1919-1999), pintor y escultor ecuatoriano, una de las
figuras más reconocidas del panorama artístico de su país.
Aunque sus primeras obras se encuadran en el indigenismo,
el resto de su producción posee una estética simbolista muy
personal caracterizada por el uso de colores neutros y
formas rotundas al servicio de un arte que tiene como
último objetivo la denuncia de las injusticias sociales.
Nació en Quito de padre indio y madre mestiza. Tras una
infancia difícil, en 1932 ingresó en la Escuela de Bellas
Artes de su ciudad natal. En 1943, después de recorrer
durante un año los principales museos de Estados Unidos,
viajó a México, donde conoció a José Clemente Orozco y a
Pablo Neruda, con quienes entabló una profunda amistad.
Fruto de un viaje por Latinoamérica es la serie
“Huacayñán”, que significa “camino del llanto” en quechua,
por la que obtuvo en 1957 el premio al mejor pintor
sudamericano en la Bienal de São Paulo. Hacia 1961 inició
su segunda serie, “La
edad de la ira”, como
testimonio de la
crueldad y las injusticias
que ha padecido el ser
humano durante la
primera mitad del siglo
XX. En 1971 fue elegido
presidente de la Casa de
la Cultura Ecuatoriana,
cargo desde el cual
desarrolló una intensa
labor de difusión de la
cultura entre el pueblo.
En 1974 se inauguró el museo que lleva su nombre en
Quito. En 1978 fue nombrado miembro de la Real Academia
de Bellas Artes de San Fernando, España. Su último
proyecto se titula “La edad de la ternura”, y está basado en
el tema del amor maternal y la infancia. También realizó
dibujos, esculturas y murales, entre ellos, el del aeropuerto
de Barajas en Madrid (1982).
Tarsila do Amaral:
Pintora brasileña (1886-1973), cuyas obras desempeñaron
un papel decisivo en el desarrollo de la pintura moderna en
su país.
14
La cuca 1924 [imagen]. (2012). Recuperado de.
http://noticias.universia.com.br/tempo-livre/noticia/
2012/11/12/981258/conheca-cuca-tarsila-do-amaral.html
Nació en Capivari, pueblo rural del estado de São Paulo. En
1916 comenzó sus estudios de arte en la ciudad de Sâo
Paulo y en 1920 los continuó en París. Después de regresar
a Brasil en 1922,
inició una serie de
encuentros con
artistas de su país
que compartían su
interés por la
difusión del arte y la
literatura modernas
basadas en temas
brasileños. A finales
de ese mismo año,
regresó a París,
donde estudió con
pintores cubistas
franceses como Fernand Léger. Las exposiciones que
realizó en la casa que compartía con el escritor brasileño
Oswald de Andrade, contribuyeron al intercambio de ideas
entre artistas brasileños de vanguardia y escritores y
artistas franceses.
Sus pinturas reflejan una gran diversidad de influencias.
Por lo general, representan paisajes de su país con una
vegetación y una fauna de vívidos colores, de formas
geométricas y planas influenciadas por el cubismo francés.
Al igual que otros artistas brasileños de su época, estaba
interesada en los orígenes africanos de su cultura y solía
incorporar elementos afro-brasileños a su obra. A finales de
la década de 1920 comenzó a pintar una serie de paisajes
brasileños de corte onírico influenciados por el Surrealismo
francés, con el que había entrado en contacto a través de
sus frecuentes viajes a París durante esos años. Tras un
viaje a Moscú en 1931, incorporó aspectos del realismo
socialista, estilo artístico oficial aprobado por el gobierno
soviético en el que se representaba a obreros y campesinos
en posturas monumentales y heroicas. Sin embargo, pronto
retornó a sus temas iniciales, pintando cuadros surrealistas
de figuras alargadas y utilizando las brillantes tonalidades
rosas y naranjas de la tierra brasileña.
Tarsila do Amaral se convirtió, históricamente, en una
especie de "primera dama" del Modernismo Brasileño, en
cuyo desarrollo desempeñó un papel de gran importancia.
En su arte, el elemento sensible predomina sobre el
intelectual.
En la mejor pintura de Tarsila pueden diferenciarse tres
etapas. La primera se denomina "Pau Brasil", título también
de un manifiesto publicado en 1924 por el polemista,
pensador, novelista, poeta y compañero Oswald de
Andrade. En esta etapa existen afinidades estilísticas con la
pintura de Fernand Léger, de quien Tarsila fue alumna.
Pero no se puede hablar propiamente de influencia. Tarsila
no pretendía captar la vida moderna ni la fascinación de la
sociedad industrial, como su antiguo maestro. Pretendía
15
Obreros 1933 [imagen]. (2012). Recuperado de
http://noticias.universia.com.br/translate/ptes/destaque/noticia/2012/05/22/934979/conheca-
operarios-tarsila-do-amaral.html
descubrir y rescatar raíces brasileñas, bien por el tema,
bien por el colorido sin, al mismo tiempo, hacer un mero
arte folclorista. A la etapa "Pau Brasil" pertenecen bellos
lienzos como “São Paulo”, “Carnaval em Madureira” y
“Gazo”.
La segunda fase de Tarsila se denomina “Antropofagia” (de
nuevo por analogía con otro manifiesto de Oswald de
Andrade, esta vez inspirado por una obra de su mujer). La
etapa antropofágica, que también incluye un cuadro
denominado específicamente “Antropofagia” (1929),
realmente ya había tenido un predecesor en “A Negra”, de
1923. Estos cuadros se caracterizaban por la exageración
de las formas anatómicas
y por un cierto toque
Surrealista, pero sin
perder de vista, por
supuesto, la cuestión de
la identidad nacional.
La tercera etapa es
posterior a un viaje de
Tarsila a la Unión
Soviética. En ella se
muestra preocupada por
abordar temas sociales,
como en los lienzos
“Segunda Classe” y “Os”
(1933). El compromiso político se traduce, también, en una
pintura más directa, tal vez estilísticamente menos
moderna, pero siempre inventiva. En conjunto, el proyecto
estético de Tarsila consistió en hacer una síntesis entre
Brasil, como motivación y referencia, y el arte internacional
de su época, dando lugar a un lenguaje y a una producción
cuya calidad e inteligibilidad pudieran ser universales.
(OLIVIO TAVARES DE ARAÚJO 2003)
Alfredo Volpi:
(1896-1988), pintor brasileño. Su obra fue clasificada como
Concretista, posteriormente como Abstracta, aunque a él
nunca le gustaron las
etiquetas y nunca militó en
ningún movimiento.
Natural de Lucca, Italia,
emigró a Brasil con su
familia a muy temprana
edad. Desde joven empezó a
pintar de forma
autodidacta. Ejerció
diversos oficios, entre ellos
el de carpintero, tallador y
pintor de paredes. A los 18
años empezó a pintar
paisajes. En 1937 realizó
“Paisagem de mogi das
16
Caserío [imagen]. Recuperado de
http://www.pintoreslatinoamericanos.com/2012/08/pintores-brasilenos-alfredo-
volpi.html
Duhnkrack, J. (2012). La comuna de París en la revolución francesa 1975 [imagen].
Recuperado de http://www.gallerytalk.net/2012/10/von-gestern-und-heute.html
cruzes”, donde unía el naturalismo a los recursos
Impresionistas. A partir de 1951, después de haber
regresado de un viaje por Europa, donde conoció la obra de
Giotto y de otros artistas italianos, se dedicó integralmente
a la pintura. En esa época comenzó a realizar mástiles,
banderolas y fachadas, transformándose en el gran
colorista de Brasil. En 1953 recibió el premio al mejor
pintor brasileño en la Bienal de São Paulo. Participó cuatro
veces en la Bienal de Venecia y expuso sus obras en Nueva
York, Tokio, Roma y otras ciudades importantes. Entre sus
telas destacan: “Bandeiras e mastros”, “Nu deitado” y
“Mulata”.
Roberto Matta:
Pintor chileno, partícipe y renovador del surrealismo, fue
decisivo en el grupo de artistas del Expresionismo
Abstracto nacido en la escena americana de los años 40.
Estudia Arquitectura en la Universidad Católica de Santiago.
Su formación artística se inició en los Talleres Libres de la
Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. En el año
1933 decide viajar a Europa, donde tras recorrer varios
países decide instalarse en París. Allí trabajó con el
arquitecto Le Corbusier, tomó contacto con intelectuales
españoles y
conoció a los
poetas Rafael
Alberti y
Federico
García Lorca
en Madrid.
A través de
Dalí conoce a
Bretón, que
pronto le
acoge en el grupo del Surrealismo y le incluye en la
"Exposición Internacional del Surrealismo" en 1938. En
17
esta época fue cuando realizó sus primeros óleos
surrealistas a los que primero llamó "Morfologías
Sicológicas" y que más tarde denominó "Inscape". Entre
1939 y 1948 vive en Nueva York, donde ejerce gran
influencia sobre el Surrealismo norteamericano
Tras su regreso a Europa 1948, fue expulsado del grupo
surrealista, de la Escuela de Nueva York y de la Galería
Pierre Matisse. Se estableció en Roma donde permaneció
hasta 1954, exponiendo en diversas galerías de ciudades
italianas.
Antonio Berni:
(1905-1981), pintor y grabador neofigurativo argentino,
para el que las personas, el barrio y las anécdotas de la calle
se convierten en imágenes plásticas; ellos serán los
protagonistas de sus obras, inscritas en una pintura de
observación y crítica social.
Delisio Antonio Berni nació en Rosario, provincia de Santa
Fe, en 1905. A los 10 años entró como aprendiz en un taller
de vitrales (vidrieras de colores), donde se cultivó en el
dibujar, y más tarde cursó estudios del tema. Con 15 años
expuso en su ciudad natal y fue calificado como un niño
prodigio; paisajes, flores y retratos eran los temas de esta
primera exposición, a la que siguieron otras cuatro en
Rosario y Buenos Aires “Los álamos”, (1922). En 1925
consiguió una beca para estudiar en Europa y en noviembre
llegó a Madrid donde permaneció tres meses. Durante este
tiempo viajó a Toledo, Segovia, Granada, Córdoba y Sevilla.
En febrero de 1926 se marchó a París, donde vivió hasta
1931. Allí descubrió las vanguardias y asistió a los cursos
de los pintores franceses cuya influencia se dejó sentir en
una serie de desnudos figurativos. También frecuentó el
Grupo de París, integrado por artistas argentinos. De la
mano de Max Jacob se introdujo en el grabado, y en 1929
trabó amistad con el literato francés Louis Aragon al tiempo
que se relacionaba con los círculos surrealistas, estilo que
inspiró su obra durante la década de 1930 (“Napoleón III”,
1930; “Objetos en el espacio”, 1931; “La siesta y su sueño”,
1932). Berni está considerado como uno de los primeros
artistas Surrealistas latinoamericanos. Desde París realizó
algún viaje a Italia, Bélgica y Holanda.
Tras su regreso a Argentina en 1930, colaboró con el
mexicano David Alfaro Siqueiros en la realización de un
mural en Tortuguitas (Mural Botana, 1933) y evolucionó
hacia un realismo social narrativo del que fue uno de los
más destacados representantes (“Manifestación”, 1934;
“Chacareros”, 1935).
18
Manifestación 1934 [imagen]. Recuperado de http://latinoseinternacionale
s.blogspot.com/2012/09/antonio-berni-artista-argentino.html
De vuelta a Rosario, tomó parte activa en la vida cultural de
su ciudad natal, organizó la Mutualidad de Estudiantes y
Artistas Plásticos y se unió por un tiempo al partido
comunista. En 1933 fundó el grupo Nuevo Realismo, con el
que intentó superar el Surrealismo y adecuar su pintura a la
realidad argentina y americana, iniciando así una etapa
plena de alegatos y denuncias cuya intención era privilegiar
lo cotidiano frente a lo
extraordinario. Para ello se
dedicó a investigar
situaciones cotidianas y viajó
por el país, instalándose
definitivamente en Buenos
Aires en 1936. Junto a
Spilimbergo realizó, en 1939,
el mural del pabellón
argentino de la Feria Mundial
de Nueva York (“Agricultura y
Ganadería”).
En la década de 1950, sus
obras adquirieron un carácter
dramático y expresionista
(“Los hacheros”, “La comida”)
e inició una serie de paisajes suburbanos donde los
personajes están ausentes (“La casa celeste”). Al comienzo
de la década de 1960 su obra se orientó hacia el
Expresionismo, para más tarde desembocar en una síntesis
entre el Pop Art y el realismo social. La anécdota popular en
episodios se convirtió en una de las características de su
obra, que se inscribió en una pintura de observación y
crítica social, cuyos protagonistas principales eran Juanito
Laguna (muchacho de los suburbios de Buenos Aires) y
Ramona Montiel (mujer de los bajos fondos parisinos). En
ellas Berni utilizó el collage, trapos, trozos de latón,
botones, y en general
materiales de desecho, así
como fotografías o
ilustraciones de revistas, para
componer las figuras y
organizar el cuadro según un
verdadero sentido de la
composición, en la que
también hay partes pintadas,
bosquejos de figuras o
pinceladas que acentúan los
efectos del collage. Son obras
de gran riqueza plástica,
notable fantasía e indudable
originalidad, en las que se
aprecia una vuelta a sus
inicios surrealistas. Junto a estas dos series están la de “La
luna”, “Los monstruos” y una de retratos populares.
En su trayectoria se aprecia un gran protagonismo del
color, que se acentuó en 1977 con “Los hippies”, “Airport” y
19
La gallina ciega 1973 [imagen]. Recuperado de http://arteargentino.
educ.ar/node/11
“Promesa de castidad”. Además de las series citadas realizó
varios paneles decorativos, bocetos escenográficos,
ilustraciones y colaboraciones en libros y prensa nacional y
extranjera. Entre 1975 y 1981, además de seguir creando
obras sobre Juanito y Ramona, inició la producción de
ciertos mitos populares como el de “La difunta Correa”, en
el que se aprecia un dominante humor negro. Para realizar
sus obras utilizó la técnica del óleo-collage sobre madera,
arpillera, cartón o tela.
En 1981 Berni realizó algunas incursiones en el campo de la
escultura. Desde la década de 1930 compaginó su actividad
artística con la de
profesor de dibujo en la
Escuela Nacional de
Bellas Artes de Buenos
Aires y presidente de la
Sociedad Argentina de
Artistas Plásticos. En
1962 recibió el Premio
Internacional de Grabado
y Dibujo de la Bienal de
Venecia. Murió en 1981
en Buenos Aires.
20
(1940). [Fragmento del mural Homenaje al pueblo antioqueño, 1940, Estudio del Artista,
Casa Museo Pedro Nel Gómez, 3,83 m x 3,66 m]. Recuperado de http://commons.wikimedia
.org/wiki/File:La_sensualidaddel_tr%C3%B3pico.JPG
COLOMBIA
Entre 1895 y 1915 nació un grupo de pintores y escultores
iniciadores del Arte Moderno en Colombia. Esta generación
se distinguió por tratar de superar definitivamente la
influencia académica procurando un arte propio y cuyos
principales representantes son: PEDRO NEL GÓMEZ, LUIS
ALBERTO ACUÑA, IGNACIO GÓMEZ JARAMILLO, CARLOS
CORREA, GONZALO ARIZA, JOSE DOMINGO RODRÍGUEZ,
RÓMULO ROZO y RAMÓN BARBA.
En el panorama político, Colombia sufría grandes
transformaciones; en lo económico, la industrialización con
la consiguiente aparición de la clase obrera y un desarrollo
acelerado, politizó las masas. La fundación del partido
comunista y la adopción de la filosofía marxista por grupos
de intelectuales y artistas como el caso del grupo Bachué,
son ejemplos de esa situación.
A las anteriores, que fueron influencias internas, se le
sumaron las externas, como la influencia del artista español
Pablo Picasso y la tendencia Cubista, inspirada en la cultura
negra africana. Picasso planteó a Luís Alberto Acuña y
Rómulo Rozo la necesidad de realizar un arte que estuviese
orientado a la búsqueda de la identidad y raíces étnicas y
culturales del país. Además, el muralismo mexicano ejerció
una influencia definitiva en la formación del grupo, ya que
tal expresión era reconocida como lo mejor del arte
latinoamericano.
El grupo Bachué dio gran valor al medio geográfico, al
ambiente tropical y a las circunstancias étnicas e
históricas. Era un grupo comprometido con el país,
estudiando las temáticas, los problemas y las
características, a pesar de que nunca constituyeron un
movimiento definido, pese a su aparente ideología de
organizar una escuela de Arte Colombiano; por el contrario,
trabajaron en forma totalmente independiente. Aunque
todos coinciden en que no pertenecieron al grupo, los
artistas de esta etapa se distinguen -de una manera radical-
por tener un arte diferente al europeo, exaltando los
valores nacionales.
Pedro Nel Gómez
Ingeniero, arquitecto, pintor y escultor nacido en Antioquia
(1899-1984). Su obra en extensión es la única que puede
21
Castro, D., Trujillo, S., Téllez, G., Urbina, F. y Morales, C.
(1977). Carnaval [imagen]. Recuperado de http://
www.colarte.com/colarte/foto.asp?idfoto=849
compararse en Colombia con la de los muralistas
mexicanos. Su formación científica y técnica tiene gran
influencia en su obra. Utiliza espacios monumentales en sus
composiciones. La técnica del fresco y los escorzos de los
maestros del Renacimiento marcaron su obra, de la misma
manera que el muralismo mexicano con su intención de
Arte Público y Narrativo.
Su trabajo encontró gran resistencia por parte del público
que no estaba acostumbrado a tales modernismos. Es una
exaltación del hombre, la vida, el trabajo, la mitología de
orígenes greco-romano que convierte a "criollos",
surgiendo las “deidades americanas”.
Su obra mural es un trabajo comprometido desde el punto
de vista socio-político. Como acuarelista, cultivó todos los
géneros, paisajes y bodegones y -especialmente-el desnudo
femenino, la maternidad, las barequeras, la minería y los
mitos de la selva.
Carlos Correa
Nacido en Medellín (1912-1985) y discípulo de Pedro Nel
Gómez. Su obra es de influencia expresionista cuyo
contenido es una crítica social y religiosa, no era un
creyente pero sí un dudoso de lo religioso, por lo que -
contrariando sus ideas- mira en un época el arte español. El
Greco y Gutiérrez Solana fueron sus referentes, período del
cual es la obra “La Anunciación”, cuadro famoso por desatar
una polémica debido a su
composición: una mujer
embarazada que yace
desnuda frente a un vitral.
Posteriormente viene el
tema de las máquinas
feroces o destructivas,
algunos paisajes y, después
de visitar la región
arqueológica de San Agustín,
trabaja varias composiciones
en acuarela para frescos
murales en las que reaparecen las figuras realizadas por los
primitivos indígenas y trabajadas con un gran sentido
documental. Tocó también -en algún momento- el tema
indigenista. En todos sus tópicos hay rebeldía y un firme
deseo de cambiar a la gente. La literatura invade poco a
poco su producción, elemento que se percibe claramente
hasta en los títulos de los cuadros; por ejemplo, a una fiesta
popular la llamó “El pueblo como fuente eterna”.
Luis Alberto Acuña
Artista santandereano nacido en 1904. Pintor, escultor,
muralista, restaurador de monumentos históricos, crítico y
fecundo que se ha expresado con propiedad como pintor y
escultor.
22
Castro, D., Trujillo, S., Téllez, G., Urbina, F. y
Morales, C. (1977). Teogonía de los dioses
Chibchas [Óleo sobre madera]. Recuperado de
http://www.colarte.com/colarte/foto.
asp?idfoto=910
En 1934 realiza su primera exposición con
temas indigenistas y -gradualmente- se
desarrolla hacia el monumentalismo,
sacado de los muralistas mexicanos, en el
cual ensalza los mitos y narraciones
prehispánicas. En este proceso utiliza la
técnica del puntillismo francés:
Pinceladas cortas Utilizando -en ocasiones-
colores puros, formando los volúmenes
recordando las incisiones de una talla en
madera.
El puntillismo de Acuña es algo peculiar
por cuanto es una creación propia basada
en un trabajo de escultor, no en la
investigación pictórica del divisionismo de los puntillistas
franceses.
Por otra parte, el artista -después de su encuentro con
Picasso- no volvió a trabajar temas exóticos, sino que se
dedicó a exaltar los valores nacionales en los que resulta
interesante su interés por las leyendas chibchas. Acuña
exagera un poco los rasgos de la raza aborigen que
permanece en los campesinos (ojos rasgados, pómulos
salientes). En 1956 inicia su nuevo estilo denominado
“Esencialismo” a cuya tendencia pertenecen
las obras: “Mitos Forestales” y “Jungla bajo
el hastío”.
Su obra, abundante en número y en
elementos compositivos, es un gran aporte
a la pintura y escultura colombianas, así
como una fuente cultural de formación
sólida en el campo de la historia.
Ignacio Gómez Jaramillo
Nacido en Medellín (1910-1970). Su
estancia en Europa lo acerca a la influencia
de artistas como Cézanne, de quien heredó la
tendencia a la esquematización y a un paso de
la abstracción; de los fauvistas obtuvo el
cromatismo que muestra en algunas obras, lo que indica
que asimiló las mejores lecciones de la pintura moderna,
pero habiendo superado la academia y el realismo.
Sus temas preferidos eran los paisajes, los desnudos y los
retratos, pero después de su estancia en México y estudio
del muralismo mexicano, empieza a trabajar como
muralista.
23
Castro, D., Trujillo, S., Téllez, G., Urbina, F., Morales, C.
(1977). Mural [fotografía de la pintura, de Ignacio Gómez].
Recuperado de http://www.colarte.com
/colarte/foto.asp?idfoto=911
Flórez, J., Maya, A., Salamanca, C. y Arango, D. (1979). El cafetal [Óleo sobre madera de
Gonzalo Ariza]. Recuperado de http://www.colarte.com /colarte/foto.asp?idfoto=174967
Los murales son las obras de Gómez Jaramillo más
próximas a la ideología de su generación. Fue ante todo un
gran dibujante, teniendo mayor calidad cuanto más se
distanciaba de los colores encendidos. En los óleos y
dibujos mantuvo una
temática realista y
en los últimos años
de su carrera se
aproximó -sin éxito-
a la abstracción. La
obra de los años
sesenta es excelente,
particularmente los
trabajos de línea
pura.
Su obra ha sido
exhibida con éxito en
Colombia y el
exterior.
Gonzalo Ariza
Este artista, nacido en 1912, ha inspirado su obra en el
muralismo mexicano, convencido de que la historia del Arte
Moderno en Colombia, es la historia de tres colonialismos:
El de la escuela española: retratistas y paisajistas
El de la escuela francesa: obra de Santamaría
Y posteriormente el del internacionalismo: con sus
ejes París y Nueva York
Los cuadros de Ariza recuerdan los paisajes japoneses; en
medio de las nubes, a través de la niebla, se pueden ver
detalles de una roca, fragmentos de un follaje, puntos de
color que corresponden a unos campesinos, bosquejos
topográficos.
Sin embargo, detallando su producción se descubre que el
pintor ha realizado durante muchos años una cuidadosa
investigación artística de los paisajes tropicales. Su arte no
24
Castro, D., Trujillo, S., Téllez, G., Urbina, F.
y Morales, C. (1977). Bambuco [Pintura].
Recuperado de http://www.colarte.com
/colarte/foto.asp?idfoto=4676
Sierra, A. (1974). La mística [acuarela].
Recuperado de http://www.colarte.com/
colarte/foto.asp?idfoto=7653
tiene nada que ver con el impresionismo, donde las
estaciones entregan una luz característica, por el contrario
Ariza se entiende total y plenamente con el trópico,
exaltando la topografía Andina, su vegetación y sus efectos
atmosféricos.
Alipio Jaramillo
Como Ariza, Alipio, nacido en 1913, nunca viajó a Europa,
pero sí lo hizo a países suramericanos, como Chile, donde
vivió varios años, donde recibió lecciones de David Alfaro
Sequeiros y donde realizó numerosos murales al fresco.
Su temática principal fue la exaltación del campesino y el
obrero, empleando para ello aspectos políticos,
especialmente los que se
refieren a la violencia. La
intención del arte de Alipio
Jaramillo fue la presentación
descarnada de las necesidades
de los campesinos y las
injusticias sociales del país.
Débora Arango
Débora Arango, nacida en
Medellín en 1910, forma parte
sustantiva de la historia del arte
colombiano. Discípula de Pedro
Nel Gómez, su producción constituye una dura crítica a las
instituciones sociales, religiosas, políticas y morales de la
sociedad de su época. De tendencia expresionista, trata
temas de violencia, miseria y prostitución.
Su obra, como dice Ricardo Sánchez (Banco de la
República), es inquietante en sus distintas significaciones
de imágenes, formas, colores, materiales e
interpelaciones. Polifónica por los caminos escogidos: el
retrato, el desnudo, lo social, lo político; Figurativa y
expresionista por la semántica de los lenguajes pictóricos;
Realista crítica y testimonial
por las tendencias
conceptuales y de escuela en
que se manifiesta su arte.
La pintura de Débora Arango
tiene significados diferentes y
peculiares, en cuanto se
caracteriza por su sátira al
propio género, en imágenes
que causan fuertes polémicas a
los defensores de la moral y los
valores políticos. La
perspectiva de su trabajo, de su
exploración visual y de su
mirada, penetra en la condición
humana miserable y humillada.
25
Castro, D., Trujillo, S., Téllez, G., Urbina, F. y
Morales, C. (1977). [Imagen del golpeador de
Rómulo Rozo]. Recuperado dehttp://www.
colarte.com/colarte/foto.asp?idfoto=19082
Casado, I. (2011). Cabeza de obrero [fotografía].
Recuperado de http://
www.revistahistorik.com/criticarte3.html
Darío Ruiz Gómez escribió: "Sirvientas, borrachos,
prostitutas constituyen lo que es asocial o antisocial en la
media en que están fuera del código, —normas, principios,
modelos— de la sociedad establecida. El escándalo que
acompaña a su obra no se debe tanto a la fealdad de su
temática, a sus deformaciones, sino a esta violencia que está
implícita en el color liberado, en la manera como llega a
conferir carácter de iconografía a ese mundo que la
institución quiere olvidar".
Rómulo Rozo
Nació en Chiquinquirá en
1889 y murió en México en
1964. Iniciador del
movimiento y uno de los
valores estéticos en culturas
no clásicas como el arte
precolombino. Fue el
creador de la escultura
“Bachué” (madre
generadora dentro de la
mitología chibcha), que dió
nombre a la generación de
pintores y escultores del
grupo. Estudió en Madrid y
París y recibió la gran
lección de Picasso sobre la
mirada al pasado precolombino.
Posteriormente viaja a México en una segunda fase, la más
importante en cuanto a la calidad plástica de la estatuaria,
cada vez más simplificada y depurada de forma, con
abandono casi total del elemento decorativo. En 1957 inicia
su tercera fase evolutiva, inspirada en los arqueológicos y
enigmáticos rastros mayas que le recuerdan su primera
pasión: Bachué.
La evolución estilística de Rómulo Rozo tiene dos
características: inicialmente el exceso decorativo que
invade la obra y, en una segunda etapa, la característica es
el esencialismo, a través de estructuras geométricas
definidas que logran una elegante estilización, recordando
el Art Deco.
Ramón Barba
Fue un español
trasplantado a
Colombia. Nació en Madrid
en 1894 y llegó a Bogotá
en 1925; dos años después
se hizo colombiano. Fue
entonces uno de los más
fervientes seguidores del
movimiento nacionalista o
“bachuismo”. Su trabajo en
26
Universidad Tecnológica de Pereira. (2013). Prometeo
[fotografía]. Recuperado de http://www.utp.edu.co
/institucional/simbolos.html
madera es realmente magistral, en el cual plasmó los tipos
raciales del mestizaje colombiano, con fino realismo y gran
interés por las texturas de las superficies. Su trabajo más
relevante lo constituye la escultura en madera donde exalta,
con gran realismo, los personajes del pueblo: indios,
mendigos y promeseros.
Cuando fue profesor de la Escuela de Bellas Artes formó
artistas como Josefina Albarracín (su esposa) y Hena
Rodríguez, quienes siguieron su temática y estilo.
Rodrigo Arenas
Aunque podría definirse
más como un artista de
representaciones
conmemorativas, Rodrigo
Arenas Betancourt
perteneció a la generación
de los Bachué. Nacido en
Fredonia (Antioquia) en
1919, es el escultor
colombiano más conocido
de la tendencia
nacionalista representada
por Luis Alberto Acuña y
Rómulo Rozo. Su
producción abundante y
monumental, está basada en mitos grecolatinos que exaltan
valores épicos y nacionalistas.
Entre sus obras se encuentra “Bolívar” en Pereira, que
constituye la concepción opuesta del héroe tradicional y
representa, no solamente un símbolo de lucha y libertad,
sino el lema de la ciudad donde se encuentra; “Córdoba” en
Rionegro, “Lanceros del Pantano de Vargas” en Paipa; todas
ellas en Colombia y “El Prometeo” en ciudad de México. Sus
obras se caracterizan por la composición y desarticulación.
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bibliografía
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Créditos: Experta Temática: María del Carmen Falcón Tomé.
Asesora Instruccional: Martha Isabel Tobón Lindo.
Diseño Instruccional: Andrés Oswaldo Palechor Ocampo, Marlly Leana Amariles Jaramillo, Sebastián
Rozo Cadavid, Carolina López Londoño.
Compiladores y Diseño Editorial: Sebastián Rozo Cadavid, Melisa Peña Nieto, Carlos Alberto
Londoño Pavas, Daniela Lozano Agudelo, Jhon Adrian Montoya Marín.
2013 Producido por Univirtual Universidad Tecnológica de Pereira: Rector: Luis Enrique Arango Jiménez, Vicerrector Administrativo: Fernando Noreña Jaramillo, Vicerrector Académico: William Ardila Urueña, Vicerrector de Investigaciones Innovación y Extensión: José German López Quintero, Vicerrectora de Responsabilidad Social y Bienestar Universitario: Diana Patricia Gómez Botero.
