Historia de La Musica
27
HISTORIA DE LA MUSICA La prehistoria y las civilizaciones antiguas Hace más o menos 51 mil años o más nuestros antepasados inventaron la música. Los hombres primitivos tenían preocupaciones. Como no conocían la agricultura tenían que buscar sin cesar el alimento, mientras se defendían contra sus semejantes o contra los animales feroces. Eran a la vez cazadores y cazados, lo que les obligaba a desplazamientos continuos. Un buen día el hombre descubre que puede imponer su voluntad a la naturaleza. Algunos animales buscan su compañía y aprenden a obedecerle; algunos vegetales comestibles se pueden plantar y de esta forma multiplicarse. Entonces unas tribus nómades descubren los encantos de la vida sedentaria. Se afincan en valles fértiles o fundan pueblos y luego ciudades. Estamos entre los años 10 mil y 5 mil ac. Los pobladores de algunos valles; Tigris y Éufrates, Nilo, Rio Amarillo... fueron los primeros en muchas cosas: metales, carros de ruedas, escrituras, aritmética y música. Verdadera música como hoy la entendemos. Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros antiquísimos hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizás se trate de inundaciones catastróficas provocadas por los grandes rios pero no por eso menos devastadoras. Ciudades enteras fueron destruidas con sus habitantes y sus tesoros. En cambio se han encontrado instrumentos de música, escritos, esculturas de la época que siguió al Diluvio, etc. Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Eufrates tocaban la flauta de plata, el arpa, la lira, el tambor o el laud.
-
Upload
elinoemimartinez -
Category
Documents
-
view
40 -
download
5
description
la historia de la música.
Transcript of Historia de La Musica
HISTORIA DE LA MUSICA
La prehistoria y las civilizaciones antiguas
Hace más o menos 51 mil años o más nuestros antepasados inventaron la música. Los hombres primitivos tenían preocupaciones. Como no conocían la agricultura tenían que buscar sin cesar el alimento, mientras se defendían contra sus semejantes o contra los animales feroces. Eran a la vez cazadores y cazados, lo que les obligaba a desplazamientos continuos.
Un buen día el hombre descubre que puede imponer su voluntad a la naturaleza. Algunos animales buscan su compañía y aprenden a obedecerle; algunos vegetales comestibles se pueden plantar y de esta forma multiplicarse.
Entonces unas tribus nómades descubren los encantos de la vida sedentaria. Se afincan en valles fértiles o fundan pueblos y luego ciudades. Estamos entre los años 10 mil y 5 mil ac.
Los pobladores de algunos valles; Tigris y Éufrates, Nilo, Rio Amarillo... fueron los primeros en muchas cosas: metales, carros de ruedas, escrituras, aritmética y música.
Verdadera música como hoy la entendemos.
Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros antiquísimos hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizás se trate de inundaciones catastróficas provocadas por los grandes rios pero no por eso menos devastadoras. Ciudades enteras fueron destruidas con sus habitantes y sus tesoros. En cambio se han encontrado instrumentos de música, escritos, esculturas de la época que siguió al Diluvio, etc.
Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Eufrates tocaban la flauta de plata, el arpa, la lira, el tambor o el laud.
La música en Egipto
En Egipto, tierra de las pirámides y la esfinge, la música es un misterio. Se admite su influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados. Se deduce que los egipcios poseían instrumentos de
cuerda viento y percusión ya que se encontraron en algunas tumbas faraónicas figuras de flautas.
Empleaban el movimiento de la mano, para indicar la ondulación melódica marcaban el ritmo con palmadas, cistros platillos y tambores. También para indicar la marcha de la melodía se valían de movimientos de las manos.
La música se la asignaba con una doble posibilidad, por un lado la capacidad de motivar en el hombre una sensación (gozo y alegría) y por otro lado el de crear sensaciones de naturaleza mística y mágica.
La música en la antigüedad consistió en la exteriorización de los sentimientos del hombre a través del sonido de su propia voz.
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos.
Los diferentes instrumentos musicales primitivos están clasificados en:
Autofocos: Aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos.
Membranofonos: Serie de instrumentos mas sencillos que los construidos por el hombre, por ejemplo tambores hechos con una membrana tirante sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia.
Cordonofonos: De cuerda, por ejemplo el arpa.
Aerofobos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire.
Uno de los primeros instrumentos fue la flauta, construida con un hueso con agujeros.
La música en Grecia
Los griegos componían música sobre la base de tipos de música ya consagrados o sea: no creaban música.
Solían agregarle un determinado esquema musical a diferentes poesías o alteraban su ritmo dando nacimiento a otras obras musicales.
Tenían géneros melódicos muy variados:
Prosodia: canto entonado cuando la procesion se dirigia al templo.
Hipoquerma: melodía asociada a movimientos corporales propios de danzas griegas.
Ditirambo: canción en honor de Dionisio o Baco (Dios del Vino)
Pean: himno en homenaje a Apolo.
Treno: canto funebre y doliente creado por Linos.
Elegía: carácter triste.
Himeneo y Epitalamio: carácter alegre para el casamiento.
Sobre la base de estos generos se elaboro toda la música lirica en Grecia, pero se fueron introduciendo otros generos liricos como:
Dafneforicas: entonados por portadores de laurel.
Oscoforicas: entonados por quienes llevaban una rama de vid.
Tipodeforicas: entonadas por 2 personas que cargaban tripodes.
El sistema musical se nutrio de los principios de Pitagoras.
Los antiguos griegos dividian el marco melodico en 2 cuartas. En las celebres fiestas nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y cantaban ditirambos.
En las representaciones teatrales el coro era un personaje importante en las tragedias griegas.
La música en Roma
Roma conquisto militarmente a Grecia pero el vigor y el esplendor de la civilizacion griega domino al nuevo imperio. Las artes, las ciencias, la filosofia pasaron a integrar el pensamiento romano.
La tragedia y la música griega se afincaron en la peninsula desarrollandose a la manera romana, tomando caracteristicas que en muchas oportunidades desvirtuaron el significado estetico que la música había alcanzado entre los griegos.
En Roma tuvieron gran auge las fiestas musicales consistentes en brillantes cortejos formados por centenares de musicos y coros inmensos que recorrian la ciudad.
De todos los ambitos del Imperio acudian a Roma los “musicos virtuosos”, verdaderos showmen a quienes interesaba brindar un espectaculo lleno de excentricidades. Habia celebres artistas que se hacian pagar muy bien y que
llevaban una vida de lujo. Entre los mas famosos sobresalieron los griegos como Terpnos, gran citarista y maestro de Neron, Polon, etc.
En los teatros romanos edificados a la manera griega se comenzo a reperesentar “ comedias”, siendo los principales autores Plauto y Terencio.
La Tragedia no tuvo mucha aceptacion su principal cultor fue Seneca. Entre las obras del filosofo quedaron algunas como Medea, Las Troyanas y Agamenon.
Los romanos utilizaron instrumentos de distintos pueblos de la antigüedad. Roma tuvo bajo su poder a pueblos enteros que a su vez aportaron sus tradiciones al mundo romano.
Los instrumentos solistas mas importantes fueron: la lira, la citara, el aulos, el oboe, el cerni, tambien los platillos y los timbales.
El pueblo romano se preocupo por la música y el lenguaje, por ejemplo, algunos oradores estaban acompañados por un flautista.
Desarrollo de la música en el Lejano Oriente
La música en China:
En China el emperador Shih Huang-Ti fue quien ordeno la destruccion de todos los libros. Todo lo que se sabe del pasado de China se sabe por leyendas o por la enseñanza oral de los sabios que preservaron la antigua cultura.
La música en China atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese pais anciosos de novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la música, las notas eran para los hombres ordinarios , la música a los hombre sabios.
Linr-luen, de profesion sabio, invento la teoria musical china, una teoria tan perfecta que ha servido hasta nuestros dias.
Creo la gama china, cortando caña de longitudes bien calculadas y soplando en su interior.
Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron “cromatica”, descubierta por el maestro de música de Hoan-Ti.
Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos: piedra, metal, seda, bambu, madera, cuero, calabaza y tierra.
Entre los instrumentos de viento estan las flautas de Pau, la flauta de bambu con orificios, las flautas traversas y las trompetas. Entre los de cuerda estaba el Kin, el Che, el Pi-pa.
La Música en Japon
La teoria musical y los instrumentos utilizados en Japon eran provenientes de Corea, que a su vez, los había incorporado desde China. A pesar de esto el refinamiento musical japones alcanzo un nivel superior al chino.
Los instrumentos favoritos japoneses eran: el koto, el Yamato-goto y el Yamato-bue. En los casos de acompañamiento musical no acostumbraban a hacer sonar simultaneamente la voz y el instrumento.
Existian diferentes generos musicales: el Bagaki para ceremonias del emperador, el No para la música de fondo en actos de teatro, el Ko-uta para la música folclorica y el Noga-uta para la música seria.
La música en la India
La India por su situacion geografica alejada de Europa no dio a conocer su música hasta despues de varios siglos. El carácter de la música india se encuentra mas cercana a la música occidental que a la china y japonesa. Sus rasgos principales son de origen mitologico, predomina el compas ternario y la division cromatica de la escala.
Igual que en la China las notas de la escala tenian cierta relacion con los individuos.
La teoria musical tenia como base la raga (forma melodica), el cual al modificar sus ritmos permitia nuevos cantos. Las ragas representaban colores, estados del alma, etc.
La música vocal e instrumental de India tenia variadas aplicaciones, en la religion, en palacios, entre gente humilde, etc.
Algunos de sus instrumentos fueron:
De arco: ravanastia, ravana y amurita.
De viento: flautas, oboes, cornamusas y trompetas.
De percusion: campanas, platillos, panderos y tambores.
La música en Israel
La música en Israel era un elemento inseparable del culto.
Pentateuco: el caso de Laban
Genesis: que cita instrumentos musicales.
Exodo: el canto oral.
Algunos instrumentos usados por el pueblo de Israel fueron:
Cuerdas: las lisas y citaras. Salterios de 13 cuerdas, arpa egipcia de 10 cuerdas, tambien llamada “Arpa de David”.
Viento: flauta simple, cueron de carnero.
Percusion: tambores, cimbolos, y castañuelas.
La música en la Edad Media
La música en la edad media se divide en el Periodo Patristico (hasta el año 840). En el Romantico (año 840 hasta el año 1250 en el siglo XII).
En el Gotico (1250 a fin de la edad media y 1453, fines del siglo XV).
En el Periodo Patristico aparecio la Era Cristiana y la Era Media, en esta ultima la historia de la música se encuentra intimamente ligada a la forma en que se desarrollo la liturgia cristiana, ya que se consideraba a la música el vehículo por medio del cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios.
Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la existencia de textos y melodias profanas que trataron de penetrar en los oficios religiosos.
Los personajes de la música profana dedicados a la disposicion de esta música fueron:
Juglares: musicos ambulantes y plebeyos que divertian en fiestas y castillos.
Los Trovadores: pertenecian a la nobleza y eran musicos y poetas que inventaban rimas y ritmos.
Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proesas de sus heroes valiendose del laud.
Los ministeriles: verdaderos productores musicales que administraban música y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar espectaculos musicales.
En el año 374 a 397 San Ambrosio reunio aquellos signos que debian ser aceptados en un credo antifonario naciendo asi el Canto Ambrosiano.
En el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que tenian origen popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano.
Desde su nacimiento la música cristiana fue una oracion que se tenia que cantar con devocion tal como lo decia San Pablo “Cantando a Dios con vuestro corazon”, asi pues el texto es la razon de ser del canto gregoriano ya que “el que canta reza dos veces”.
La melodia del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes:
El Silabico: cada nota representada por una silaba.
El Neumasico: una misma silaba corresponden a 2, 3 ó 4 sonidos diferentes.
Las Secuencias: intercalacion de un texto en las notas del aleluya.
El texto es el que da sentido a la melodia y no se puede concebir el canto gregoriano sin texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto gregoriano, los cantantes han tenido que entender muy bien el sentido del texto.
Esta música se canta a capella sin acompañamiento instrumental, se canta al unisono o lo que es lo mismo todos los cantores entonan la misma melodia.
A esta forma de canto se le llama Monodia. Se canta con ritmo libre.
Notacion Gregorianas:
Notas simples
Virga Punctum Quadratum Punctum Inclinatum
Neumas Simples
Pes (podatus) Clivis
Torculus Porrectus
Climacus Scandicus
Salicus
Neumas compuestos
Se forman por la unión de neumas simples por una sola sílaba
Flexus: cuando se complementan con notas descendentes
Resupini: cuando se complementan con notas ascendentes
Praepunctis o subpunctis según contengan notas antes o después:
Praepunctis Subpunctis
ALTURA DE LOS SONIDOS
La altura de los sonidos viene indicada por la colocación de las notas al tetragrama con la posibilidad de utilizar líneas adicionales inferiores y superiores.
Las claves utilizadas son de Do (C) y FA (F) que pueden estar en 2ª. 3ª. o 4ª. línea.
Clave de DO (C) Clave de FA (F)
La extensión posible de los sonidos es:
SIGNOS DE PAUSA.
Los signos de pausa, originados por la estructura del texto, son:
a) Línea divisoria mínima, que separa los incisos o partes menores en que se divide el texto; no implica respiración.
b) Línea divisoria menor, que separa los miembros de la frase. No son más que incisos de más amplitud. Casi siempre implica respiración.
c) Línea divisoria mayor que separa les frases: Equivale a un silencio con una durada de nota simple y obliga a respirar.
d) Línea divisoria doble, que indica más sentido conclusivo o también final de la composición, equivale a silencio de nota simple, a veces un poco más prolongado.
OTROS SIGNOS
E1 guión es un signo que va al final de cada tetragrama, para indicar que nota es la inicial.
El si bemol
El canto gregoriano es música modal, se utilizan varias escalas o modos de sonidos muy particulares, sirven para despertar diferentes sentimientos como: alegría, tristeza, serenidad, etc. Esto es consecuencia de la colocación de los semitonos dentro de las escalas.
Guido D'Arezzo dijo: “El primero es grave, el segundo es triste, el tercero místico, el cuarto armonioso, el quinto alegre, el sexto devoto, el séptimo angélico, y el octavo perfecto”.
Adán de Fulda los comenta: “El primer modo se presta a todo sentimiento, el segundo es apto para las cosas tristes, el tercero es vehemente, el cuarto tiene efectos tiernos, el quinto conviene a los alegres, el sexto a los que tengan piedad, el séptimo pertenece a la juventud y el octavo a la sabiduría”.
Juan de Espinosa, autor del siglo XVI, comenta: “ El I es alegre y muy hábil para suavizar pasiones de animo...; grave y llorón es el II, muy apropiado para provocar lagrimas...; el III es muy eficaz para incitar la ira...; mientras que el IV coge toda la alegría y incita a gozar de las cosas...; el V causa alegría y placer a los que están tristes...; llorica y piadoso es el VI...; placer y tristeza se reúnen en el alegre VIII...”
LOS MODOS GREGORIANOS
La única escala diatónica que se utiliza en el Canto Gregoriano, es:
No todas las melodías cogen toda la extensión: algunas se mantienen en la octava inferior (de La a La), otras en la central de (Mi a Mi) y otras en la superior (de Sol a La). En cada una estas octavas, los SEMITONOS a más o menos distancia de la nota final, con lo cual tenemos un elemento fundamental para entender los Modos.
Para los Greco-romanos, la octava que conocemos hoy en día no existía. Eran más bien dos tetracordos separados:
Do, re, mi, fa sol, la, si, do.
El Tetracordo es considerado como la base modal, el primer elemento completo o núcleo generador de toda la melodía. Las escalas tienen una quinta central a partir de la nota tónica, llamada también final, más tres sonidos, que pueden estar en la parte superior, y en este caso se llaman modos auténticos (agudos), o en la parte inferior, y entonces se llaman modos plagales (o graves
Existe una tónica en la cual, si bien no siempre comienza la melodía, normalmente acaba y descansa. Las tónicas pueden ser: Re, Mi, Fa y Sol. A más a más en cada modo hay una nota Dominante, llamada así porque la melodía se mueve sobre ella con relativa frecuencia, les dominante son:
MODO I II III IV V VI VII VIII
DOMINANTE RE FA SI-DOLA DO LA RE DO
La melodía es silábica si a cada sílaba del texto le corresponde un sonido y es melismática cuando a una sílaba le corresponde varios sonidos.
Hay melismas que contienen más de 50 sonidos por sílaba. El texto es en latín, lengua del Imperio romano y extendida por Europa, los textos se cogen de los salmos, del Antiguo Testamento, de los Evangelios y otros eran de inspiración propia, generalmente, anónima.
El canto gregoriano está escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 líneas, las notas se denominan punto cuadrado (punctum) o virga si aparecen solos, o neumas si aparecen agrupados.
EL ESCENARIO DEL CANTO GREGORIANO
El canto gregoriano nació para ser interpretado dentro de la Liturgia de la Iglesia, la Liturgia es su escenario natural.
La Misa.
1.La Misa: En la celebración de la Eucaristía hay dos grupos principales de piezas:
a) El ordinario: Está formado para textos que se repiten en todas las Misas.
- Kyrie Eleison
- Gloria in excelsis Deo
- Credo
- Santo y Benedictus
- Agnus Dei
b) El Propio: Está formado por piezas que se cantan según el tiempo litúrgico o según la fiesta que se celebra.
- Introito: canto de entrada para iniciar la celebración
- Gradual o Aleluya o Tracto: después de las lecturas
- Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas
o Comunión
La Polifonia.
Hacia finales del siglo IX y principios del X se procucen 2 hechos de gran trascendencia desde el punto de vista musical nacidos para dar mas riqueza al canto gregoriano:
Los primeros indicios de polifonia.
Los tropos y las secuencias.
La polifonia era una nueva tecnica musical resultante del cruzamiento de varias voces, según reglas y esquemas armonicos. La música polifonica tuvo origen en el canto gregoriano, o sea que el tema de un canto liturgico se tomaba como base superponiendole otro nuevo.
El Organum: forma mas antigua de la polifonia que se conoce y tiene por base la superposicion de voces a distancia de cuartas o quintas.
El Discantus: las voces o melodias realizaban movimientos contrarios en lugar de movimientos directos.
El Conductus: con su aparicion los compositores tienen una mayor libertan en su creacion, sin sujetarse a la melodia base.
El Gymel: las voces o melodias se movian en distancia de terceras solamente comenzando y concluyendo en el unison.
El Faux-bordon: procedimiento musical en el cual las voces se disponian en intervalos de tercera y sexta.
Con la aparicion del conductus y con los organums de perotin ue ya tienen cuatro voces, se habren caminos a nuevas combinaciones de polifonia medieval hasta culminar en la forma del Motete. La palabra Motete deriva del frances Moté (texto).
La voz principal es el tenor y se va renovando con las otras voces con variantes y diversos desarrollos.
Es condicion escencial del motete que sus voces canten simultaneamente al menos dos letras.
Aunque nacio de la liturgia poco a poco se va aliando cada vez mas con los razgos melodicos de las canciones de los trovadores, marcando asi la primera aparicion de un arte polifonico profano lleno de vida.
La lengua empleada en el motete era el latin para el teros y otras dos voces en frances.
La música en el Renacimiento
El termino Renacimiento no es muy adecuado para la música ya que no hay ninguna rutura con la etapa anterior si no una evolucion estilistica; es mas bien un termino cronologico que nos sirve para hablar de la música de los siglos XV y XVI.
El espiritu del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A partir de la primera mitad del siglo XV se olvida el espiritu feudal. Los pintores descubren la perspectiva, los arquitectos dejan que entre la luz en las casa, y se construyen calles y plazas como si estuvieran pensadas por los poetas y musicos.
Los artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia.
¿Pero que renace?, lo que se pretende renacer es la civilizacion antigua despues de un largo periodo de barbarie tambien llamado edad media.
El hombre vuelve a mirarse a si mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a buscar las fuentes de la cultura clasica.
Los centros de producción artistica ya no son los monasterios si no los circulos artisticos, las cameratas, alrededor de las cortes de los nobles que se convierten en los grandes centros de las artes.
La imprenta existia desde hace medio siglo pero todavia no se había conseguido imprimir música de buena calidad para poderla comercializar.
Va a ser durante el año 1501 cuando se va a publicar por primera vez una colección de 94 obras polifonicas. Esta etapa va a ser muy importante en la historia de la música.
En Italia, Francia y los Paises Bajos, se publican numerosos libros de música.
Unos de los primeros musicos del renacimiento fue Guillaume Duffay, despues de él, el siguiente gran genio de la música es Josquin des Prés. Su importancia musical a través de los siglos es tan solo comparable con la de Mozart.
La música que se publica es la de Joaquín y la de sus contemporáneos, también sus canciones. No son canciones como las de hoy día, si no canciones polifónicas y algunas tan complejas como las misas.
Como no todo el mundo es capaz de interpretar esta música y como a la mayoría de los aficionados les gustaría tocar esta música, ellos solos, se publican arreglos para laud, o para una sola voz acompañada de laud.
Laud
Gracias a la música impresa el siglo XVI es la época de la historia en la que ha habido mas numero de buenos músicos aficionados. En las clases acomodadas, que desgraciadamente son las únicas que pueden comprar estos bonitos y caros libros, la música forma parte obligatoria de la cultura general. Todo el mundo sabe cantar o tocar uno o dos instrumentos y también descifrar la música. Cuando sus amigos vienen a cenar se les invita a formar parte de la orquesta familiar.
Los pobres compositores no se hacen ricos y la música no es un objeto que se venda como si fuera un cuadro. El salario anual del músico mas grande ni siquiera iguala el precio de una obra de un pintor ilustre.
A pesar de esto algunos músicos se hacen famosos gracias a la edicion de su música, este es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral d'Angers, quien se dio a conocer por sus numerosas canciones francesas. Algunas son faciles y bonitas como canciones populares y otras son verdaderas escenas animadas a cuatro o cinco voces por ejemplo “La Guerre”.
Durante la segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo artistico. El Madrigal era sinonimo de cancion a Francia. Es música de cámara, tan solo para unos cuantos cantores e instrumentistas, todos sentados alrededor de una mesa. No es música coral.
El mas grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio Monteverdi. Su genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonia. Va a ser al mismo tiempo el mejor compositor tradicional y el mejor compositor de vanguardia de su tiempo.
Los ultimos libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son cantatas y escenas de opera.
Con el siglo XVI la música polifonica llega a su cima, con una inaudita complejidad y perfecta armonia. No obstante a fuerza de ir ligando las voces ya no se entienden las palabras. Los poetas de la música tienen la impresión de cansarse para nada.
Algunos compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni Palestrina, Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la culminacion del arte del Renacimiento
Johann Sebastian Bach (1685-1750), fue un músico alemán, quien fue como todos los musicos de su tiempo, logado a los principes de las pequeñas cortes alemanas. Bach no pudo imponerse como compositor ya que se le consideraba un virtuoso del organo.
Las bases de su tecnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los logros anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua polifonia: la fuga llega a su punto culminante.
La música en el Romanticismo
La palabra Romantico comenzo a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los ultimos años del siglo XVII, comienza como una reaccion contra el clasisismo.
Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta si no alienta la sobreposicion de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo y a la vez amor al projimo; un disfrute de lo exotico junto a una nostalgia por lo familiar; una aficion a lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el pasado.
El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse a solo un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija de las ideas de la revolucion francesa, desea liberarse del pasado y, asi, conseguir un arte que exprese el comportamiento y las ideas de su tiempo.
A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada vez mas, de la literatura en la música: en Alemania los poemas de Wolfgang Von Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann, Brahms, etc, para producir una de las manifestaciones musicales-poeticas mas importantes de todos los tiempos, el Lied Aleman. Asimismo escritores franceses y britanicos fueron los inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y otros.
El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la acentuacion de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego a venerarse a la cancion popular como expresion espontanea del alma naicional.
También aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del “colorido” sonoro, lo que permitira enriquecer el vocabulario musical con los medios que transformaran y ampliaran el arte sinfonico de los tiempos modernos.
El siglo XIX sera el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifonicas, sonoras y de virtuosismo extraordinario.
El Lied
Los razgos romanticos comenzaron a aparecer en el Lied Aleman hacia fines del siglo XVIII. Se desarrolla un tipo nuevo de cancion, la balada (poemas largos que alternaban la narracion y el dialogo con historias llenas de aventuras). La influencia de la balada tuvo por efecto la expansión del concepto de Lied, tanto en su forma como la amplitud y fuerza de su contenido emocional. La parte de piano se elevo de simple acompañamiento a una posicion de acompañante de la voz.
Hacia comienzos del siglo XIX el lied, se había convertido en un vehículo apropiado para el máximo despliegue de facultades de cualquier compositor.
El caso de Franz Peter Schubert (1797-1828), es único en la historia de la música. Antes de cumplir los 20 años ya había escrito 8 óperas y 4 misas. Su producción es enorme: se le conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonías, 22 sonatas para piano, unas 35 obras de cámara, 6 misas, 17 obras del genero operístico y más de 600 Lieder.
Ludwig Von Beethoven (1770-1827), compositor alemán, de gran importancia en la música. Su carácter arisco e independiente le hacía vivir replegado en sí mismo su pesimismo se refleja en el “testamento de Heiligenstadt”, Beethoven escribió música instrumental, vocal y para el teatro, entre sus obras más destacadas se encuentran la Sinfonía nro 3 llamada “Heroica”, la nro 6 llamada “Pastoral”, La misa Solemnis y otras muchas obras, hasta un total aproximado de 260. Con Beethoven la música deja de ser una diversión aristocrática y se dirige al conjunto de la humanidad.
Robert Schumann (1810-1856), este compositor alemán fue uno de los máximos exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX.
Una lesión en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de piano. Se dedicó entonces a la composición y a escribir sobre música.
La música para piano de Schumann, aunque dista de ser fácil de ejecutar, jamás trata de impresionar al oyente mediante su bravura. Su música encarna más plenamente que la de cualquier otro compositor, las profundidades, contradicciones y tenciones del espíritu romántico. Sus obras para piano son colecciones de piezas cortas en las que una pequeña idea deriva en la creación de toda la obra a través de una sencilla organización; ejemplo de estos son: “Mariposas”, “Escenas de Niños” y “Álbum para la juventud”.
Federico Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado como uno de los más grandes compositores de música para piano. Comenzó a estudiar piano a los 4 años. También fue precoz como compositor, donde destaco con sus piezas cortas tales como: Mazurkas y Polonesas.
Chopin, a cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atención, asegurándose de que cada nota tuviera una función y significado específicos.
Música de Camarada
Félix Mendelssohn (1809-1847), este músico demostró ser un genio precoz, a los 16 años Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo caprichoso para piano y el octeto para doble cuarteto de cuerda, al año siguiente, “Sueño de una Noche de Verano”. La obra que contiene su famosa marcha nupcial la compuso 17 años después.
Como pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra. Trabajo como director musical.
Cesar Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Belgica, donde estudio en el conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda su carrera musical.
Su obra se caracteriza por el uso de las formas clasicas, entre ellas la sinfonia y las sonatas. Franck fue el fundador de la música de cámara francesa moderna y su principal obra en este terreno, es la muy conocida sonata para violin en La mayor.
El poema Sinfonico
Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen hungaro, fue el precursor del recital para piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un solo artista toca una velada completa. Recorrió Europa en gira de conciertos y consiguió una fama sin precedentes. Fue director musical, maestro, compositor, incluso llego a estudiar teología.
El nombre de poema sinfonico es significativo: estas obras son sinfónicas, pero Liszt no las denomino sinfonías, quizás porque son breves y no están divididas en movimientos separados en un orden convencional.
Sus mas conocidos poemas sinfonicos son: “Orfeo”, y “Hamlet”.
Su obra maestra, la sinfonía de “Fausto”, consta de 3 movimientos, con un final para tenor solista y coro masculino.
La Sinfonía
Johannes Brahms (1833-1897), compositor de origen alemán, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms era especialista en el piano. Su principal interés como compositor comenzó por concentrarse en el piano.
El enfocaba la composición de una sinfonía con gran cuidado y reflexión. Sus sinfonías son clásicas en varios aspectos, están expuestas de 4 movimientos.
Las sinfonías son románticas en su lenguaje armónico y en su sonoridad orquestal, plena y multicolor.
Hector Berlioz (1803-1869), compositor frances, quien a lo largo de su vida hizo varias giras por Europa y Gran Bretaña, como director de orquesta. Fue maestro de toda una generación de musicos y se convirtio en el primer director de orquesta virtuoso.
Berlioz enriquecio la música romantica con nuevos recursos de armonia, timbre, expresion y forma.
Liceo Mixto San José.
Juan Daniel García Méndez
1ro Básico.
Fecha: 24/08/015
Clave: 24
Materia: Música
Maestro:
