La Certeza Del Error. Cuadernillo Para Docentes

La certeza del error | Cuadernillo para docentes 1

01. Propuesta educativa 4

02. Acerca del arte contemporáneo 5

03. Perspectivas de la muestra 7

04. Preguntas introductorias 8

05. Selección de obras 9

06. Recorridos sugeridos y actividades 26


Este cuaderno se presenta como una herramienta orientativa para los docentes de todas las etapas educativas para que, a través de diversos recursos, se pueda am-pliar la participación de los alumnos tanto en las actividades que realiza Arte x Arte Fundación Alfonso y Luz Castillo como en las prácticas artísticas contemporáneas en general. Es por ello que se trabajó sobre el asesoramiento personalizado en torno a la exposición para que los profesores puedan desarrollar visitas autónomas con los escolares o asistir a las visitas organizadas por este espacio.

La propuesta está planificada a partir de tres ejes: material informativo para los do-centes, visitas guiadas para los alumnos y actividades para realizar en el aula una vez recorrido el espacio. Consideramos que, de este modo, la experiencia de acercarse a la Fundación toma un carácter más integral y permite la interrelación de la muestra específica con otras temáticas tratadas en la currícula escolar.

En este cuaderno podrán encontrar una lectura didáctica sobre la exposición “La certeza del error” a cargo del curador Jorge Zuzulich. Se incluye en el material una selección de obra específica para cada etapa (se adjunta una síntesis conceptual de la misma, imágenes y datos del artista) y actividades para realizar posteriormente que den cuenta de ciertos conceptos propuestos.

Te invitamos a que contactes con la Fundación ante cualquier duda o para coordinar una visita a cargo de nuestro equipo.

Recomendamos a todos los docentes visitar la exposición antes de venir con sus alumnos para realizar la actividad.

Contacto equipo educativo y reserva de actividades: Cristina Saccone

E-mail: [email protected]

Teléfono: 4773-2738 / 4772-6754

Página de la Fundación: www.artexarte.com.ar

Consultas sobre contenidos de la muestra y/o visitas guiadas: Magalí Abramovich | 15 30 99 33 52


Antes de adentrarnos en lo específico de la muestra, haremos algunas aclaraciones sobre la producción artística de nuestra época. Como en cualquier área del cono-cimiento, para reconocer las especificidades del campo a ser estudiado, es preciso tener motivación y ganas de descubrir. El encuentro con el arte contemporáneo de-manda esa familiarización. Si estamos atentos a los procesos y conceptos propios de este campo podremos experimentar la multiplicidad de puntos de vista que nos ofrece.

En líneas generales, es posible afirmar que el término “arte contemporáneo” es utili-zado para nombrar al arte que se produce actualmente y que trabaja y problematiza el mundo en el que vivimos. A través de la experimentación más allá de las fronteras específicas del arte, los artistas contemporáneos reflexionan acerca de la sociedad y el mundo actual.

Este escenario, que permitía reflexionar sobre el mundo y sobre las prácticas se da a partir de la segunda mitad del siglo XX. Son varios los factores que en ello contribu-yen: las guerras mundiales, la agitación cultural de la década del sesenta, la sociedad de consumo y las nuevas tecnologías de la información. Este escenario fértil amplía el campo de investigación del arte y da lugar al surgimiento de nuevos lenguajes que conforman la escena contemporánea.

En términos históricos, el arte contemporáneo es aquél producido desde la década del sesenta, época a partir de la cual los artistas comienzan a producir involucrando procedimientos propios de otras áreas como la filosofía, el diseño, la arquitectura, la comunicación y la ecología, entre otros. La búsqueda por múltiples soportes, concep-tos, formas y materiales da cuenta de un mundo en constante transformación. Los espacios tradicionales del arte -como la escultura, la pintura y el grabado- continúan, pero esta vez en diálogo con otras estrategias y formas de creación.

Estos cambios forman parte de una nueva relación del sujeto con el mundo que lo rodea: la confianza ciega en el progreso científico pierde su solidez, a la vez que se resquebraja la idea de progreso “infinito” del hombre. El mundo moderno mantenía su foco en el futuro, pero, a partir de la década del sesenta, varios movimientos intro-ducirán una revisión crítica de este ideal construido.


Mientras que el Pop Art cuestiona las ideas de originalidad y autenticidad desde la apropiación de íconos de la misma sociedad de consumo, el Minimalismo toma ele-mentos propios de la industria como medio para producir objetos artísticos e intro-duce al espectador en una experiencia espacial distinta. A su vez, el modelo tradicio-nal se invierte dando lugar a la creación artística como actividad que genera sentido e información, más allá de la obra física destinada a la exhibición y contemplación. Por otro lado el Land Art, al intervenir el paisaje, pone foco en la relación del hombre con este, y el Arte Povera trabaja con materiales “pobres” y perennes.

Todos estos movimientos son parte de la nueva escena contemporánea dentro de la cual la pintura, la escultura y el diseño no son comprendidos como categorías espe-cíficas sino que se amplían como campos de investigación. Los artistas se apropian de esos soportes entremezclándolos con elementos y procedimientos no artísticos como, por ejemplo, el arte y la tecnología, generando nuevos sentidos y renovadas relaciones entre el público y la obra.


La muestra La certeza del error está conformada por obras muy disímiles en cuanto a sus formatos: instalaciones, videos, interactividad, objetos, fotografía, obras sonoras, videojuego, transmisión de tv pirata, entre otros.

Todas ellas tienen algo en común: su configuración se sustenta como reconocimiento del error como estrategia de producción.

Aquí el fallo se entiende como una forma de no cumplir con el horizonte de expec-tativa del usuario, del receptor o del propio campo. Por lo tanto, el mismo aparece como fallo del dispositivo o como desviación del paradigma artístico dominante: en ambos casos lo esperado no sucede. Pero en vez de dar como resultante la desazón, esta cuestión abre una enorme posibilidad para el campo artístico: el error permite la emergencia de lo inesperado.

Lo sonoro irrumpe en cada nivel que estructura la muestra, generalmente, sostenien-do su propia lógica ruidista (valoración estética del ruido) frente a las formas musica-les académicas centradas en la tonalidad.

La tensión entre memoria/olvido -propia del sujeto- pero también de los dispositivos tecnológicos contemporáneos, y sus implicancias en torno al fallo, establece el eje te-mático de la planta baja con obras de Takeshi Murata y Laurent Segretier desde el video, David Szauder desde la fotográfía y lo interactivo y XRA (Ezra Hanson-White) en videojuego, mientras que Alejandro Erbetta, Leandro Garber, Lena Szankay y Eduardo Médici aportan su reflexión en el cruce con lo fotográfico y David Sylvian, la música.

Para el primer piso, el aglutinante es el fallo del propio dispositivo y sus derivas es-téticas. Allí podrán apreciarse obras de Bill Viola, Joan Jonas y Alejandro Schianchi (videos) junto a producciones de Federico Barabino, Carina Borgogno, Julio Lamilla, Cristian Martínez, Ramiro Ninni, Lorena Salomé, Cecilia Szalkowicz, Martín Volman y Yasunao Tone, desde lo sonoro.

El segundo piso ofrece una extensión de esta misma vertiente pero aquí la pantalla ocupa el rol protagónico. En este nivel, la muestra toma forma con la inclusión de obras de Pippilotti Rist, Luigi Russolo, Pierre Schaeffer, Federico Barabino Luis Conde, Laura Focarazzo, Francisco Galán, Fernando Perales, Mariana Pierantoni, Javier Plano.


Antes de venir sugerimos reflexionar junto a los alumnos sobre algunos temas vinculados a la muestra:

• ¿A qué llamamos obras audiovisuales? ¿Qué formatos pueden tener?

• ¿Qué son las instalaciones interactivas? ¿Qué papel cumple el espectador en ellas?

• ¿Cómo se produce una fotografía analógica? ¿Y una digital?

• ¿Cómo funciona la unión entre arte y tecnología en las obras de arte?

• ¿Cómo funciona el error en el ámbito estético?

• ¿Todo error se puede transformar en una obra de arte?


En Planta Baja:

LAURENT SEGRETIER. Noli me tangere, 2011.

Video. Blanco y negro. Sonido

Sound Designer: TNEM

Segretier captura en esta pieza un momento determinado. El rostro que allí vemos- difuminado- se expande y contrae una y otra vez, generando un resultado casi abstracto pero en continuo movimiento. Hay un clima creado dentro de la pantalla que conjuga varios elementos para generar un efecto en el espectador- podríamos pensar la nostalgia como uno de ellos- a través de la música, el sonido, la velocidad de la destrucción de la imagen. La des-definición de los rasgos a través de la mani-pulación técnica puede pensarse en relación con la forma de asimilar nuestro en-torno y en la manera de recordar aquello que observamos: el registro de la huella.

La expansión que hace de la imagen, jugando hasta el punto de no reconocerla, da cuenta de la posibilidad elástica del pixel y cómo eso se interrelaciona con nuestra percepción dando lugar a la paradójica inmaterialidad.


BioLaurent Segretier. Es un artista multimedia que experimenta con distintos tipos de lenguajes a través de la manipulación tanto de lo fotográfico como de lo audiovisual. Es Licenciado en Diseño de Comunicación Visual a través de Niza Business School. Ha trabajado en gran cantidad de países incluyendo Hong Kong, China y Francia. Entre sus exposiciones de destacan Lost Memories of Skin (2012) en Joyce Gallery (París); Noli me tangere (2011) en París Design Week (París) y Rupture (2011) en Jiang Art Gallery (Hong Kong). Su obra se ve influida tanto por la cultura europea como por la asiática. Reside y trabaja en Hong Kong.

DAVID SZAUDER. De la serie Failed Memories.

The story of Mr. Wolf (La historia del señor Wolf), 2012

34 x 24 cm

Leona and Francesca (Leona y Francesca), 2012

24 x 30 cm


The beauty queens (Las reinas de belleza), 2012

30 x 24 cm

Dora’s flame (La llama de Dora), 2013

30 x 45 cm

Fotografía intervenida digitalmente

Software / Aplicación interactiva

2015

Rostros irreconocibles, imágenes distorsionadas, cuerpos pixelados. La serie del ar-tista David Szauder trabaja con todos estos elementos haciendo un paralelismo con-ceptual entre la memoria humana y el almacenamiento digital: recuerdos ordenados en espacios determinados y también ordenados. Creemos que las imágenes capta-das por nuestro cerebro van a quedar almacenadas de ese modo para siempre, pero el paso del tiempo nos demuestra lo contrario encontrándose “dañados” o alterados de diversas maneras. Explora en los rincones de la memoria donde habitan las ideas y recuerdos, traduciendo estas composiciones en fotografías fragmentadas. Éstas dan cuenta así de la posibilidad visual que el artista le otorga al fallo informático.


Junto a las imágenes encontramos narraciones cortas que acompañan y nos dan pis-tas sobre aquello que estamos viendo.

BioDavid Szauder nació en Hungría en 1976. Realizó estudios universitarios en el Depar-tamento de Historia del Arte en la Universidad Eötvös Loránd (Budapest) y en la Uni-versidad de Bellas Artes de Hungría. Se ha formado en distintas disciplinas vinculadas a la programación interactiva temática sobre la cual realiza diferentes talleres. En 2012, fundó una asociación “Democracia Cultural CUD eV” junto a dos colegas, donde se de-sarrollan proyectos culturales que reflejan diferentes temáticas sociales. Desarrolló numerosos proyectos alrededor del mundo como curador, director artístico y artista.

LEANDRO GARBER. Serie “Memoria de instantes aleatorios”, 2010- 2015.

Impresión sobre sintra

60 x 60 cm

Memoria de instantes aleatorios es una serie compuesta de cinco imágenes selecciona-das por el artista a partir de la reinterpretación que realiza un algoritmo que recorre los datos de la memoria RAM de una computadora. El resultado de ello se evidencia como píxeles de color que dan cuenta de nuevas apariciones: patrones, texturas y formas orgánicas que se reinterpretan como posibilidad estética.

Los datos digitales, entendidos como la materia prima de la obra, son presentados en evidencia de su volatilidad y carencia de significado como parte de su esencia tensio-nando, a su vez, la idea de memoria.

0x25B10470 - 0x25D2DFA0 - 2015-05-14 22:35:26 0x40C6E0 - 0xB45CE0 - 2010-11-05 16:23:34


BioLeandro Garber nació en Argentina. En 2004, se graduó en la secundaria ORT. En 2005, estudia Ciencias de la Computación en la UBA. En 2007 cambia su rumbo hacia la Lic. en Artes Electrónicas en la UNTREF. Consigue su título en 2013. Obtiene distin-tas becas de investigación y se relaciona con proyectos académicos que permanecen hasta la actualidad. Fue seleccionado en numerosas exposiciones en la UNTREF y expuso en la Universidad de Córdoba y en el Palais de Glace. Programador, músico y artista.Vive y trabaja en Buenos Aires.

TAKESHI MURATA. Monster movie, 2005.

Video monocanal. Color. Sonido

3:55 min

A través de la manipulación de la compresión digital, Murata logra producir una “mez-cla de colores”, que nos remite a un lenguaje más bien pictórico. La técnica utilizada es conocida como datamoshing, a través de la cual se propone “evidenciar los errores en los algoritmos de compresión de imagen en movimiento, y generar una constante deconstrucción y reconstrucción de las imágenes- según los paquetes de datos- y las zonas que tienen más o menos movimiento, produciendo una especie de ´de-rramamiento de información´”1.Partiendo de un fragmento de una película clase B (“Cavernman”, 1981) se genera una nueva obra como resultado de su manipulación.

1 SCHIANCHI, Alejandro. “El error en los aparatos audiovisuales como posibilidad estética”, 2014.Pág.247.


BioTakeshi Murata nació en Chicago, Estados Unidos en 1974. Se graduó en la Escuela de Diseño de Rhode Island (1997), con un título en Cine, Video y Animación. Su obra incluye animaciones, alteración de imágenes cinematográficas y la experimentación a partir de la ruptura de códigos dentro de la tecnología del video digital. Ha exhibido en diversos espacios incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York); Museo de Bellas Artes de Houston (Texas); FACT Center (Liverpool), Taka Ishii Gallery (Tokio) y “Black Box: Takeshi Murata” (2007) en Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington DC). Actualmente reside y trabaja en Saugertiers, New York.

En Primer Piso:

CRISTIAN MARTÍNEZ / JULIO LAMILLA. Circuitos Palpables, 2015.

Circuit Bending, Cortocircuitos creativos

Medidas variables

La apertura del dispositivo, la posibilidad de recorrer que hay dentro de él y la deve-lación de su potencial de tecnicidad son parte de la obra que nos proponen Cristian Martínez y Julio Lamilla. Se abren frente al espectador circuitos sonoros de disposi-tivos de bajo voltaje (“walkie-talkies”) sobre los cuales podrá experimentar poniendo en contacto su mano con las placas internas. Esta técnica conocida como circuit ben-ding, dispara la creación de circuitos creativos transformando la dirección única en direcciones múltiples. Estas líneas de fuga son las que permiten la expansión de las posibilidades del elemento dando lugar a la obra interactiva.


BioCristian Martínez nació en Argentina. Es Realizador Audiovisual egresado del IDAC, Avellaneda. Su obra es incipiente, aunque este año presentará dos instalaciones: En Otra en el ciclo Scuza, de Flexible laboratorio, en julio, y La invención de la realidad en el espacio Contemporáneo de Proa, con curaduría de Merlina Rañi, en noviembre. Tiene varias formaciones de improvisación libre donde toca instrumentos no con-vencionales que él mismo arma, y también da talleres de experimentación sonora, electrónica y animación para niños.Vive y trabaja en Buenos Aires.

Julio Lamilla nació en Chile. Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Playa Ancha, Valparaíso, y Maestrando en Lenguajes Artísticos Combinados, UNA, Buenos Aires. Ha expuesto individualmente en Espacio G, Valparaíso, MEME Gallery, Boston, colectivamente en 11 Bienal de Artes Mediales, MNBA, Santiago, Fase 5, Bue-nos Aires. Vive y trabaja en Buenos Aires.

CARINA BORGOGNO, Borrá las que salieron mal, 2015.

Fotografía digital-dispositivo: teléfono móvil

15 x 15 cm

24 fotografías son el resultado de la captura “accidental” de la cámara de un teléfono celular dentro de un bolsillo. Una vez que la artista las descubre, encuentra en ellas un atractivo juego cromático que le permite repensarlas desde un lugar que vacía de negatividad el acto erróneo. Dirá Borgogno sobre su obra “Luego de la contem-plación y el asombro me comencé a preguntar quién tiene la autoría de la obra: ¿la persona que lo trasladaba en el bolsillo del pantalón, la persona que encontró el


registro – disponible para ser borrado-, o el propio teléfono?”. A partir de esto es que nos permitimos reflexionar sobre la diferencia entre generación de información au-tomática y una generación intencionada, y la tensión entre sujeto y dispositivo dentro de esta diferencia.

BioCarina Borgogno Nació en Argentina. En 1990 se traslada a San Salvador de Jujuy. En 2004 egresa de la Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Jujuy con el título de Auxiliar Técnico en Antropología. Participó y organi-zó muestras colectivas de video documentales especializándose en preproducción, guión y dirección. Se forma en fotografía a través de diferentes talleres dictados por la Lic. Andrea Chame en Fotografía Documental, por Constanza Niscovolos en Edición Fotográfica y con Alberto Natan en Estética Fotográfica. Desarrolla proyectos fotográ-ficos individuales y colectivos. Vive y trabaja en Buenos Aires.

MARTÍN VOLMAN, #36- #93- #159 (Serie), , 2015.

Toma directa de scanner. Impresión giclée

72,71 x 100 cm

Las imágenes que nos ofrece Volman son el resultado de una operación casi per-formática, en la cual el artista realiza diferentes tomas de un scanner a medida que agrega distintos elementos hasta llegar a la pérdida total del referente visual.Este juego con lo representado a partir del dispositivo propone revertir la lógica del mismo donde la destrucción funciona como forma creadora de imágenes.

#93 #159


El sujeto aparece a través de las huellas dactilares que el mismo aparato pudo cap-tar colocando, una vez más, la tensión entre presencia-ausencia de lo humano en la reproductibilidad tecnológica y el condicionamiento que se genera en nuestra forma de mirar.

BioMartín Volman nació en Argentina. Estudió fotografía documental en el ICP (Interna-tional Center of Photography). Se formó con Ariel Authier, Fabiana Barreda, Bruno Dubner, Alberto Goldenstein y Rosana Schoijett. En Argentina, su trabajo fue exhibi-do en el Museo de Arquitectura y en los Centros Culturales Borges, Recoleta y San Martín. En Uruguay en Roggia Gallerie. Actualmente está terminando sus estudios en Sociología. Vive y trabaja en Buenos Aires.

RAMIRO NINNI, #Repost: el aura de la copia, 2014.

Net Art y Glitch Art

Medidas variables, el soporte está basado en diseño web adaptable.

Alojado en: https://instagram.com/glitch_art_repost/

En el caso de #Repost: el aura de la copia, Ninni eligió trabajar con la imagen del fresco “La Creación de Adán” de Miguel Ángel. Se realizó una búsqueda a partir del hashtag #Miguelangelo, se seleccionó una imagen como primer original y comenzó una se-cuencia de reposteos hasta el colapso de la aplicación, lo cual determinó el fin de la obra. Partiendo del concepto de “aura de la obra” propuesto por Walter Benjamin, Ninni va un poco más lejos y toma como eje el “aura de la copia”. Esto nos permite pensar en el carácter único e irrepetible que cada máquina le otorga a una copia en


su etapa de reproducción, siendo ahora el dispositivo el encargado de brindar ese carácter. De este modo, #Repost logra conjugar dos lenguajes distantes en el tiempo componiendo una obra nueva a partir de tecnologías y dispositivos recientes. El pro-ceso continúa hasta la destrucción de la imagen de la cual sólo quedan puros glitchs.

BioRamiro Ninni nació en Pergamino, Buenos Aires, Argentina. Es Profesor en Música por el Conservatorio “Juan Carlos Paz”. Actualmente cursa la Licenciatura en Artes en la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM). La obra es el resultado del trabajo fi-nal de la cátedra “Lenguajes Integrados en la Contemporaneidad” dictada por el Prof. Alejandro Schianchi. Se desempeña como docente en el Conservatorio “Juan Carlos Paz”. Vive y trabaja en Buenos Aires.

ALEJANDRO SCHIANCHI, Sin título, 2007.

Video, B&N, sonido

Schianchi registra y manipula un fragmento de “Star Wars: Episodio 1” transmitido por un canal de TV local de aire, captado a través de un televisor blanco y negro. La intención de George Lucas de establecer nuevos estándares de calidad en la imagen se evidencian en este film, producido únicamente a través de soportes y procesos digitales, con el fin de eliminar todo tipo de deterioro y suciedad en el material. La captación del film a través de un dispositivo dispar construye cierto tipo de alteracio-nes, poniendo en tensión la “utopía técnica” alrededor de la imagen y la situación en países periféricos que cuentan con realidades tecnológicas precarias.


BioAlejandro Schianchi nació en Buenos Aires en 1980. Licenciado en Cinematografía y Técnico Electrónico en Computadoras. Es doctorado en Artes y candidato a Magister en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas. Profesor universitario e investigador de arte electrónico. Exhibió su obra artística en diversos festivales nacionales e inter-nacionales. Su producción académica se presentó en ISEA (Inter- Society for the Elec-tronic Arts) y MIT (Estados Unidos), entre otros. Sus trabajos se publicaron en Argen-tina, Alemania, Francia, España y Estados Unidos. Reside y trabaja en Buenos Aires.

JOAN JONAS, Vertical Roll, 1972.

Video. Blanco y negro. Sonido

19:38 min

En esta obra Jonas altera el aparato televisivo desajustando el control vertical del mis-mo generando una nueva imagen, la cual se pone en relación directa con el cuerpo. Así es que se conjugan dos espacios que se ponen en diálogo: lo escenográfico y lo tecnológico.

“Haciendo uso de una técnica rítmica discordante para lograr una sensación de frag-mentación, “Vertical Roll” utilliza un desperfecto común en los televisores y así es-tablece un escenario cambiante para las acciones que se relacionan tanto con la naturaleza de la imagen, como con la proyección del estado psicológico del artista”. 2

2 ROSS, David. “Joan Jonas Videotapes” en Joan Jonas: Scripts and Descriptions, 1968- 1982, ed. CRIMP,

Douglas, University of California Press, 1983. Traducido por Alejandro Schianchi.


BioJoan Jonas nació en Nueva York en 1936. Fue pionera en la instalación de video, cine experimental y realización de performances multimedia, en las cuales incorpora dibu-jo y escultura. Estudió escultura e historia del arte en Mount Holyoke College de South Hadley (Massachussetts); Escultura y dibujo en School of the Museum of Fine Arts (Boston). Graduada en Escultura por la Universidad de Columbia. Ha realizado nume-rosas exhibiciones grupales e individuales en espacios como Rosamund Felsen Gallery (Los Ángeles), Vienna State Opera (Viena), Contemporany Arts Museum (Houston). Fue representante de la Documenta de Kassel (Alemania), seis veces desde 1972. Actual-mente reside y trabaja en New York (Estados Unidos) y Nova Scotia (Canadá).

BILL VIOLA. Information, 1974.

Videotape. Color. Sonido mono

29:35 min

Produced at Synapse Video Center, Syracuse University, Syracuse, New York

Al conectar equivocadamente dos máquinas de video para hacer una copia, Bill Viola comienza a registrar una regeneración extraña, una señal que da cuenta de su propio proceso a través de las instalaciones del estudio, el mezclador y los monitores. A par-tir de este error técnico, el artista construye un lenguaje desde la anarquía tecnológi-ca: una auto-interrumpida señal que se reitera perpetuamente. Esas perturbaciones electrónicas logradas dan lugar a esta obra que posiciona a la máquina como gene-radora de decisiones estéticas. Dirá Bill Viola: “Tenía la sensación de que, si mi mejor resultado fue realizado por un error, entonces debería revisar mis conocimientos”.3

3 Citado en SCHIANCHI, Alejandro. “El error en los aparatos audiovisuales como posibilidad estética”, 2014. Pág.222.


BioBill Viola nació en New York en 1951. Estudió en el College of Visual and Performing Arts de la Universidad de Siracusa (Nueva York). Comenzó a trabajar con el video en la década del 70 y, desde ese momento, realizó decenas de exposiciones en todo el mundo, destacándose Hatsu Yume (1981), en Japón, Instalaciones y Videotapes (1987), Museo de Arte Moderno, New York y Bill Viola. Las Horas Invisibles (2007), organizada por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, en Granada (España). Fue represen-tante por los Estados Unidos en la 46° Bienal de Venecia (1995). Recibió numerosos premios que incluyen el MacArthur Foundation Fellowship (1989), XXI Premio Inter-nacional de Cataluña (2009) y el Premio Imperial de Japan Art Association (2011). Su trayectoria incluye videos instalaciones y performances de música electrónica.Actualmente vive y trabaja en Long Beach, California.

En Segundo Piso:

FRANCISCO GALÁN. backimage, 2014.

Objeto escultórico lumínico: Plasma + estructura de bronce

100 x 61,5 x 41 cm

Partiendo de un accidente doméstico como disparador, Galán construye una pieza única a través de la combinación de un esqueleto de un televisor LCD (con sus lám-paras de tubo encendidas) dentro de la estructura de una mesa de bronce que lo enmarca y lo protege. A través de este proceso de deconstrucción del aparato tele-visivo hasta llegar a su máxima reducción, se busca invertir la lógica establecida por el mercado y sus estándares industriales. Ambos objetos – el aparato electrónico y la


mesa de bronce- son resignificados ante una nueva posibilidad expresiva permitien-do al espectador repensar acerca de la idea de objeto disfuncional.

BioFrancisco Galán nació en Santa Fe, Argentina. A los 10 años se vinculó a la fotografía a través de su padre. Se mudó a Buenos Aires en el año 2007 donde comenzó a cursar la carrera de cine en la Universidad del Cine (FUC). Desde entonces se dedicó a la investigación de nuevas herramientas tecnológicas que pudieran vincularse a la ima-gen en movimiento. Actualmente cursa su tercer año en la carrera de Artes Electró-nicas en la Universidad de Tres de Febrero (UNTREF).Vive y trabaja en Buenos Aires.

FEDERICO BARABINO. No- imput mixer, 2008- 2015.

Técnica mixta

Medidas variables

Una consola es un elemento cuya función principal es la de ser un medio entre la fuente sonora y su amplificación. A través de la resignificación del objeto, Barabino revierte su lógica inicial convirtiendo al dispositivo en un generador de sonidos en sí mismo. A través de la conexión de entradas y salidas por medio de cables – permi-tiendo la retroalimentación- todo el sistema de perillas pasa a ser un instrumento con capacidad de producir sonidos radicalmente puros, como frecuencias de ruidos. La expansión auditiva y la exploración en aquello considerado un “error” es la mate-ria prima de esta obra.


BioFederico Barabino nació en Argentina. Utiliza el error, la re-significación de los objetos y la expansión auditiva como punto de partida para sus trabajos aplicados a dife-rentes soportes y nutridos de éstos para su experimentación. Investiga la presencia física del sonido, desde lo intangible al universo material, en relación con el espacio público/privado. Vive y trabaja en Buenos Aires

PIPILOTTI RIST. I´m not the girl who misses much, 1986.

Video, Color. Sonido

7:46 min

Esta obra permite la combinación de dos tipos de distorsiones: por un lado la realiza-da deliberadamente por la artista a través de su performance y, por el otro, el barrido de la cámara que permite la deconstrucción del movimiento.

La distorsión y el aceleramiento, la repetición de la primera frase de la canción de The Beatles “Hapinnes is a warm gun” (la cual da nombre a la obra), la modificación en el registro de la voz y la energía que coloca Rist en su obra son los elementos principa-les que plantean al espectador entregarse a un lenguaje de este estilo a través de la resignificación de los elementos “erróneos”.

BioElisabeth Charlotte Rist (Pipilotti Rist) nació en Sankt Gallen, Suiza en 1962. Estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst (Instituto de Artes Aplicadas) en Viena desde 1982 a 1986. En Viena, Rist estudió ilustración, fotografía y publicidad. Además realizó


Films Super-8 de animación. Estudió video y animación en la Escuela de Diseño de Basilea. Fue miembro de la banda para performances Les Reines Prochaines. Cuen-ta con varias publicaciones de su autoría. Es reconocida internacionalmente por su obra y ha ganado varios premios en base a ella como Premio 2000, Bienal de Venecia (1997); Premio de Arte de la ciudad de Zurich (2001); Premio Joan Miró (2009). Actual-mente reside y trabaja en Zurich y Los Ángeles.

JAVIER PLANO. EMISIÓN/ DIFUSIÓN, 2014.

Emisión de TV pirata

Medidas variables

A través de la exploración sobre el desarrollo e implementación de diversos transmi-sores de video de fabricación casera, junto a un generador de imagen y sonido, Plano conforma una pequeña estación de TV pirata de corto alcance.

De este modo se cuestiona el acceso a la televisión, medio de comunicación masivo por excelencia, como un espacio vedado al individuo común. A partir de la implementación de esta estación se permite reflexionar sobre la direccionalidad en las vías de comu-nicación repensando el espacio brindado tanto a productores como a consumidores.

BioJavier Plano nació en Argentina. Es docente, productor, artista y curador indepen-diente. Técnico en Realización Audiovisual, se encuentra finalizando la Licenciatura en Artes Electrónicas de la UNTREF. Ha recibido distinciones en el Premio MAMbA/Fundación, el Salón Nacional de Artes Visuales, y el Concurso de Artes Electrónicas de la UNTREF, entre otros. Reside y trabaja en Buenos Aires.


PIERRE SCHAEFFER. Cinco estudios de ruidos, 1948.

Ferrocarriles / Torniquetes / Violeta / Negro / Patético

Duración total 16:17 min

Gentileza del INA-GRM (Institut National de l’Audiovisuel - Groupe de Recherches Musicales)

Agradecemos a su director Daniel Teruggi.

El registro de variados sonidos, incluyendo los errores y ruidos que se generan del mismo soporte donde son grabados, conforma la pieza creada por Pierre Schaffer. Sus estudios vinculados a la música concreta se vinculan con la manipulación y edición de sonidos a través del corte y montaje de los registros, combinación de distintos so-nidos y la variación de la velocidad de la grabación. Aquello que se captura proviene tanto de instrumentos musicales como de distintos elementos.

En este caso, Cinco estudios de ruidos nos permite adentrarnos en un tipo de composi-ción a la que no estamos habituados, ampliando los caminos de la expresión musical y revirtiendo la carga negativa que generalmente se le adjunta a la idea de “ruido”.

BioPierre Henri Marie Schaeffer (1910- 1995) fue un compositor francés considerado el creador de la música concreta, técnica sobre la cual compuso gran cantidad de obras. Fundó el grupo Jeune France, vinculado al teatro, la música y las artes visuales; y el centro Studio dÉssai (1942). Fue además co-fundador del Groupe de Recherche de Musique Concrete. Realizó variadas investigaciones vinculadas al sonido y los objetos que lo producen. Se desempeñó como docente en varias instituciones, incluyendo el Conservatorio de París.


GRUPO 1: EDUCACIÓN PRIMARIA RECORRIDO SUGERIDO Se propone un recorrido autónomo por la exposición diseñado especialmente para alumnos del nivel primario (4°, 5° y 6°). La selección de obras está orientada al:

• Acercamiento a las prácticas y procedimientos contemporáneos.

• Estimulación de la sensibilidad estética, la creatividad y la capacidad reflexiva respecto a las obras y las manifestaciones artísticas.

• Resignificación del uso de tecnologías nuevas y obsoletas.

• Acercamiento al lenguaje de la música concreta y el videoarte.

OBRAS SELECCIONADAS

1) Takeshi Murata, Monster Movie (2005)

¿Qué vemos en la imagen? ¿Qué tipo de obra es esta? ¿Qué colores uti-liza? ¿Se puede relacionar el video con algún otro lenguaje artístico que conocemos? ¿Cuál es el juego que hace el artista entre la figura y el fondo? ¿Funcionaría igual sin la música? ¿Qué te sugiere la obra?

2) David Szauder, Failed Memories (serie) (2012- 1014)

¿Qué vemos en las imágenes? ¿Qué esperaríamos ver? ¿Les parece que la foto fue sacada de ese modo o que el artista la retocó posteriormente? ¿Podemos imaginar cómo sería la imagen “correcta”? ¿Qué sensación nos da cada una de las imágenes? ¿Podemos conocer la identidad de las per-sonas retratadas? ¿Tienen algún objeto identificable? ¿Recordamos siem-pre las imágenes o los rostros con exactitud? ¿Influye el tiempo en nuestra manera de recordar? ¿Cómo almacena nuestra memoria y cómo la de la computadora?


3) Pierre Schaeffer, Cinco estudios de ruidos (1948)

¿Qué es un objeto sonoro? ¿Qué es la música concreta? ¿Se parece a la música que estamos acostumbrados a escuchar? ¿Distinguimos los soni-dos que aparecen? ¿Se mantiene todo el tiempo igual? ¿Por qué? ¿Pode-mos reconocer algún instrumento? ¿Podemos hacer algún sonido similar con los objetos que tenemos a mano? ¿Podemos armar una historia a par-tir de lo que escuchamos? ¿Qué sensaciones nos genera?

4) Cristian Martínez - Julio Lamilla, Circuitos Palpables (2015)

¿Usaron walkie-talkies alguna vez? ¿Cómo funcionan? ¿Se parecen a otros sistemas que usamos habitualmente? ¿A cuál? ¿Conocían un walkie-talkies por dentro? ¿Cómo es el sonido que surge de esta obra? ¿Con qué otras cosas se podría producir este tipo de sonido? ¿Funcionaría esta obra sin el público? ¿Por qué?

ACTIVIDADES PARA EL AULA 1) HISTORIAS SONORAS Elementos necesarios:

• Artefacto electrónico que permita la grabación de sonidos (grabado-ra digital, teléfono celular, notebook)

• Programa de edición de sonidos para PC [1]

• Se propone la captación y el registro de sonidos que estén vinculados con las actividades cotidianas de los alumnos, dadas en el ámbito escolar o en sus casas (sonidos de electrodomésticos, el rechinar de las puertas, voces familiares, etc.).

• Seleccionar dos o tres de los registros realizados y pasar a la etapa de transformación a través de un programa específico. La transfor-mación del material se puede dar por: amplificación, reducción, dis-torsión, modificación, variaciones, etc.

• Formar equipos y recrear una historia a partir de la intercalación de los nuevos sonidos logrados.


2) LA DISTORSIÓN DE LO CONOCIDO Elementos necesarios:

• Imágenes A4 color (pueden ser recortes de revistas, impresiones di-gitales, fotografías, etc.)

• Tijera

• Pegamento

• Cartulina (una por equipo)

• Se va a trabajar con dos o más imágenes por alumno (o equipo) que ellos seleccionen.

• La consigna consta de la distorsión de las imágenes a través de un proceso manual, no sólo modificando la original sino posibilitando la creación de elementos nuevos.

• Se trabaja con las imágenes a partir de la “ruptura” y distintos proce-sos de modificación: superposición de elementos, cortado de secto-res de la imagen para pegarlos en otros nuevos, partir las imágenes en figuras pequeñas a modo de pixel, etc.

• Exhibir los trabajos terminados en las cartulinas y hacer una puesta en común.

Sugerencias:

• Trabajar con imágenes variadas y materiales diversos (papel fotográ-fico, fotocopias, papel ilustración, entre otros) que permitan hacer combinaciones de distintos lenguajes (pintura, publicidad, fotografía, etc.). A modo de ejemplo:


GRUPO 2: EDUCACIÓN SECUNDARIA RECORRIDO SUGERIDO Se propone un recorrido autónomo por la exposición diseñado especialmente para alumnos del nivel primario - secundario (7°, 1° y 2°). La selección de obras está orien-tada al:

• Acercamiento a las prácticas y procedimientos contemporáneos.

• Adquisición de nuevas herramientas crítico-reflexivas.

• Introducción a la producción contemporánea en relación con la esté-tica del error.

• Resignificación del uso de nuevas y viejas tecnologías como dispara-doras de sentido.

OBRAS SELECCIONADAS

1) Joan Jonas, Vertical Roll (1972)

¿Cómo es la calidad de las imágenes? ¿Por qué? ¿Conocemos a las per-sonas que aparecen? ¿De dónde creés que proceden las imágenes? ¿Qué tipo de aparato es el que reproduce las imágenes? ¿Qué sensaciones te-nemos al contemplarla? ¿El sonido nos indica algo? ¿Qué creés que quiere expresar la obra?

2) Alejandro Schianchi, Sin título (2007)

¿Reconocemos la película que estamos viendo? ¿Qué vemos? ¿Conoce-mos el proceso de emisión del film? ¿Sabemos qué dispositivo se está uti-lizando? ¿La distorsión nos permite entenderla igual? ¿Qué es la alta defi-nición en las producciones audiovisuales? ¿La calidad de las imágenes es igual hoy en día que cuando surgían los primeros televisores? ¿Por qué?

3) Ramiro Ninni, #Repost: el aura de la copia (2014)

¿Reconocés la imagen? ¿Sabemos qué es lo que hizo el artista con ella? ¿Sabés a que se llama “aura” en una obra? ¿Es igual nuestra manera de


acercarnos a una imagen hoy en día que antes de que hubiera Internet? ¿Es igual una fotografía digital y una analógica? ¿Por qué? ¿Usás Instagram u otras redes sociales con fotografías? ¿Cuántas imágenes vemos por día?

4) Carina Borgogno, Borrá las que salieron mal (2015)

¿Sacas fotos habitualmente? ¿Qué es lo que retratás? ¿Siempre la foto sale como la planeamos inicialmente? ¿Por qué? ¿Qué hacemos cuando esto sucede? ¿Qué diferencia hay en ese proceso con respecto a la fotografía digital y a la analógica? ¿Qué lugar tiene el azar en esta obra? ¿Y en el arte contemporáneo en general? ¿Cómo trabajó la artista con la idea de “error”? ¿Qué tipo de imágenes vemos? ¿Qué colores aparecen?

ACTIVIDADES PARA EL AULA 1. ¿CÓMO NOS CONTAMOS? Elementos necesarios:

• Dispositivo de video (cámara digital, teléfono celular, filmadora de mano)

• La actividad consta de la grabación de un material audiovisual perso-nal (uno por alumno) de entre 30 segundos y 1 minuto, donde se re-gistren actividades, elementos cotidianos o cualquier objeto/ acción que hable de la identidad del alumno (objetos preferidos, deportes practicados, situaciones familiares, círculo de amigos).

• Se tendrá como condición la “distorsión” del referente. Esto se puede hacer en el mismo proceso de grabación (desenfoques intenciona-les, movimientos acelerados) o en un proceso de post producción a través de los programas de edición de video instalados en la PC [2].

• Se expondrá posteriormente el material en clase, al realizar una lec-tura de imagen grupal y conclusiones posteriores.


2. LA RUTA DE LAS IMÁGENES (Actividad grupal o individual) Elementos necesarios:

• Dispositivo fotográfico

• Cuenta en una o varias redes sociales con posibilidad de com-partir imágenes (Facebook, Instagram, Flickr, Pinterest)

• Se seleccionará una imagen inicial vinculada al mundo del arte. Puede

ser una fotografía o una pintura.

• Los alumnos, en forma individual o grupal, comenzarán una “ruta” por donde esa imagen viajará, teniendo como objetivo que haya sido compartida, registrada nuevamente y/o circulada al menos 20 veces.

• Para ello no sólo se cuenta con la circulación por Internet sino que se pueden usar múltiples dispositivos: sacarle una foto a una imagen impresa en el medio del proceso, compartir una imagen previamen-te escaneada, trabajar con una imagen digital que se imprima en la mitad del proceso para luego tomar una foto de ello y seguir compar-tiéndolo, etc.

• Anotar por escrito la ruta que realizó la imagen elegida y comparar el resultado inicial al final. Reflexionar en clase sobre los resultados obtenidos.

GRUPO 3: EDUCACIÓN SECUNDARIA- 2° CICLO RECORRIDO SUGERIDO Se propone un recorrido autónomo por la exposición diseñado especialmente para alumnos del nivel secundario (3°, 4° y 5°). La selección de obras está orientada al:

• Desarrollo de un pensamiento crítico-reflexivo respecto a las prácti-

cas y procedimientos contemporáneos.

• Reflexión sobre el desarrollo y la potencialidad de la tecnología: téc-nicas digitales en el desarrollo del diseño, manipulación y creación de imágenes.


• Análisis de imagen: elementos expresivos y comunicativos (lectura denotativa y connotativa).

• Diferenciación del error como estética y como poética.

1) Francisco Galán, backimage (2014)

¿Qué vemos? ¿Podemos distinguir el objeto? ¿Qué historia podemos cons-truir alrededor de él? ¿Todo puede ser arte? ¿Podemos vincularlo con al-guna otra obra que conozcas? ¿Existió un “error” previo a la creación de la obra? ¿Cómo se resignificó? ¿Qué sucede con la evidencia del dispositivo en este caso? ¿Qué sentido podemos darle a la obra?

2) Leandro Garber, Memoria de instantes aleatorios (serie), 2010- 2015

¿Dónde se alojan los datos digitales que manejamos en nuestras compu-tadoras? ¿Qué es la memoria RAM? ¿Cómo la utiliza Leandro Garber en esta obra? ¿En qué se parece a la memoria humana? ¿En qué se diferen-cia? ¿Puede una computadora “olvidarse” de algo? ¿Cómo influye el factor tiempo en la memoria humana y cómo en la RAM? ¿Podríamos tener una imagen de la memoria humana?

3) Pipilotti Rist, I´m Not The Girl Who Misses Much (1986)

¿Conocemos a la mujer de la imagen? ¿Qué vemos en el video? ¿Qué va-riaciones en el sonido y en el color encontramos? ¿Nos recuerda a algo? ¿Reconocés la canción que recita la artista? ¿Podría haberlo hecho con otra? ¿Qué te sugiere el video? ¿Te genera alguna sensación? ¿Qué pensás que pudo haber querido provocar en el público Pipilotti Rist al hacerlo? ¿Lo logra? ¿Qué recursos utiliza para “deformar” la imagen?

ACTIVIDADES PARA EL AULA 1) CINE DEBATE: Desobediencia tecnológica (2010)

Link: http://lalulula.tv/cortitos/desobediencia-tecnologica

El documental nos muestra el trabajo de Ernesto Oroza, diseñador y artista cubano, quien con su obra investiga la reinvención de la tecnología por parte del pueblo cuba-no frente a su contexto particular. Mientras que la experiencia de Oroza se refiere a


la recreación de nuevas posibilidades a partir de la reutilización de objetos cotidianos que fallaron en su función original, podremos hacer el paralelo correspondiente con los casos de artistas y obras que confieren al error técnico un valor estético.

• ¿A qué llama desobediencia tecnológica Oroza?

• ¿Qué papel cumple la creatividad en ese proceso?

• ¿Qué funcionalidad tiene en el contexto que nos plantea el investigador?

• ¿Qué sucede cuando la resignificación del objeto tiene una intención estética?

• El diccionario de la Real Academia Española define al “error” como “la diferencia ente el valor medido o calculado y el real”. ¿Nuestro pre-concepto negativo acerca del error condiciona nuestra manera de acercarnos a la obra? ¿Cuál es la diferencia, en términos artísticos, de que el error sea accidental o que sea intencional?

• ¿Crees que la existencia del error en dispositivos tecnológicos da cuenta de la presencia del hombre? ¿Por qué?

• ¿Conocés alguna falla en un sistema determinado que haya produci-do descubrimientos trascendentes en nuestra historia?

• ¿Cómo podemos reinterpretar la idea de proceso a partir de estas reflexiones?

————

[1] Se puede trabajar sobre programas básicos de edición de sonidos ya instalados en las computadoras portátiles. Se recomienda a los docentes la familiarización pre-via con la herramienta.

[2] Se puede trabajar sobre programas básicos de edición de sonidos ya instalados en las computadoras portátiles. Se recomienda a los docentes la familiarización pre-via con la herramienta.

FUNDACIÓN ALFONSO Y LUZ CASTILLO

Directora | LUZ CASTILLO

Director Artístico | EDUARDO MÉDICI

Coordinación General | MARISOL MAIDANA

Gestión Institucional | MELISA OTTOLINA

Relaciones Institucionales | CRISTINA SACCONE

LA CERTEZA DEL ERROR

Curaduría y diseño de montaje | JORGE ZUZULICH

Curador asistente | ALEJANDRO SCHIANCHI

Equipo de área pedagógica

Desarrollo de contenidos | MAGALÍ ABRAMOVICH - LORENA SALOMÉ

Visitas guiadas | MAGALÍ ABRAMOVICH - LORENA SALOMÉ - MARTINA CUSATTI

Contenido del cuadernillo | MAGALÍ ABRAMOVICH

Asesoría y gestión legal de curaduría (obras sonoras) | DRA. GRACIELA MANCINELLI

Montaje | RICARDO MAIDANA

Imagen de tapa | STILL DE NOLI ME TANGERE, VIDEO, 2011 DE LAURENT SEGRETIER (DETALLE)

Diseño gráfico y comunicación visual | NICOLÁS ZUZULICH

Corrección | ELOISA DOS SANTOS

La obra de Pierre Schaeffer se exhibe por gentileza del INA-GRM (Institut National de l’Audiovisuel - Groupe de Recherches Musicales)

Agradecemos a su director Daniel Teruggi

La Certeza Del Error. Cuadernillo Para Docentes

Documents

Transcript of La Certeza Del Error. Cuadernillo Para Docentes